f64小组和那些传奇地摄影大师们.docx

f64小组和那些传奇地摄影大师们.docx

《f64小组和那些传奇地摄影大师们.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《f64小组和那些传奇地摄影大师们.docx（7页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。

f64小组和那些传奇地摄影大师们

从1932年到1935年，为数不多的加利福尼亚摄影家们组成了一个非正式的团体，他们称之为f/64小组。

其成员包括爱德华•韦斯顿、安塞尔•亚当斯、威拉德…戴克、伊莫金•坎宁安、桑亚•诺斯科威亚克、亨利・P•斯威夫特（HenryP-Swift）以及约翰•保罗•爱德华兹（JohnPaulEdwards）。

最初的想法来自於对

NeueSachlichkeit（另一稍早的德国团体）和爱德华.韦斯顿EdwardWeston作品的启发。

F64小组名字来自於当时镜头最小的光圈值，（由于大画幅相机镜头像场比较大，所以能够制造光圈最小为F64的镜头。

意指用最小光圈获得影像的最大景深，从而得到清晰围最大的照片），隐喻著衍生的涵义是力求作品具有最清晰的画面与景深。

这些摄影家们对摄影持有共同的态度，对於摄影的纯粹度要求甚高，追求画面的精致，但不赞同在底片曝光前後做多余的处理，要求画面的力，不格放或裁切影像，不用光面像纸，这些对摄影者的技术与艺术都是很高的挑战。

当时也许最典型地表现在韦斯顿的作品上：

根据对最终影像的预见而对被摄体进行现实主义的表现，而且是通过“直接”（即不加窜改）的技术实现的。

这就使得他们与当时已经组织起来的画意派形成直接的对立。

因而他们的作品受到西海岸画意派主要成员威廉•莫藤森的激烈攻f/64小组第一次影展于1932年11月在旧金山德扬博物馆展出。

影展还包括4位非成员的作品。

他们是：

康休洛•卡纳加、阿尔马•拉文逊（AlmaLavenson）、普莱斯顿和威拉德••戴克画廊举行。

从任何意义上来说f/64小组都很难算是一个组织，组里没有负责人、没有会议、不交会费。

小组所拥护的表现风格在美国摄影中已经变成强烈的现实主义的主要模式，常常作为西海岸学派被人提及。

由亚当斯创造的分区曝光法，在技术上一直影响到今天。

亚当斯一生拍摄了大量的风光和静物照片，透过这些冷冰冰的作品证明了他的摄影理论，亚当斯对摄影最大的贡献应该是后者，而人们似乎更乐于把亚当斯当成一个摄影家来谈论他作为技术证据的作品。

韦斯顿在这个松散的组织中手法无疑要自由一些。

或许时光流逝，不论F64小组的理论在现代的环境和角度是否合适，但他们曾经对影像的深度思考，或许正是我们最值得学习的精神。

说起黑白摄影,也许大家会联想起安塞尔-亚当斯

（AnselAdams,1902-1984）以及以f64小组为核心的

“纯摄影”派摄影家和他们那影调优美、制作精良的经典作品。

摄影术虽然发明于欧洲,但摄影作为独特的艺术表现形式,特别是纯摄影的理念和高品质摄影美术原作（OriginalPrint）的制作观念和技术,可以说是在美国得到发展和完善的。

被誉为近代摄影之父的艾尔弗雷德-施蒂格利茨

（AlfredStieglitz,1864-1946）,从德国留学回到纽约后于1902年成立摄影分离派,次年出版季刊《摄影作品》,并在1905年创设了著名的291展厅,为使“人们认识到画意摄影不是艺术的陪衬,而是表达个人的一种独特的手段”而竭尽全力。

施蒂格利茨本身也在创作实践中,逐步摒弃当时在欧美盛行的模仿绘画的画意摄影的影响,提倡“纯摄影”,也就是说,照片要真实、清晰影调要丰富,层次要分明,强调摄影不仅在技术手法上,同时也在表达个性意义上,更多地考虑摄影本身的规律和特点,使摄影变得更纯粹化,独立于绘画之外。

当时被施蒂格利茨极力推荐出世的摄影家保罗-斯特兰德（PaulStrand,1890-1976）以他那正视现实的态度和直截了当的画面构成,很大地刺激和影响了

爱德华-韦斯顿（EdwardWeston,1886-1956）、安塞尔-亚当斯等一代名家。

亚当斯在第一次看到斯特兰德的作品后,备受感动,“我对摄影的认识在那天下午具体形成,因为我终于了解这种媒体于表现艺术上拥有多大的潜质”。

在施蒂格利茨和斯特兰德的启示下,韦斯顿、亚当斯找到了自信,明确了摄影创作的真髓和方向,并在创作实践中将对形体美的彻底的追求,对大自然的热情讴歌,充分地体现到完美无缺的一幅幅高品质的黑白摄影原作之中,这个传统直到今天还影响着一大批的摄影家以及他们的创作观念和方法。

特别是安塞尔-亚当斯发展和完善了一套十分科学地、精密地控制影调的制作技法—区域曝光法（ZoneSystem）,这为在摄影创作实践中如何将摄影技术和艺术完美地结合起来提供了科学、可行的本。

亚当斯还结合了施蒂格列茨的“等价”、韦斯顿的“前视”的观念,提出了“预先想象”的观点,也就是说在未正式拍摄之前,先在自己的脑海中对所要拍摄的物体有意识地形成一个最后要得到的影像,这就要求在创作的时候,不但要接触被摄体本身,更重要的是要进一步洞察被摄体所能表现的潜在影像。

1932年在韦斯顿、亚当斯等人倡议之下,以美国西海岸一批有志的摄影家为中心而组成的f64小组,以大画幅相机（4X5"或8X10"）为主而制作出来的富有精致影调和质感,同时又具有深刻思想涵的高品质摄影作品,成为摄影史上的一个丰碑,为视觉艺术提供了一个不朽的典。

摄影与绘画的最大区别之处在于,当你按下快门时,往往对于作画不利的东西也会感光定影到胶片之上。

所以,有人说摄影的创作过程是一个减法过程。

对被摄体进行构图整理,将多余的东西力求从画面中排除出去,以更加准确地体现创作者的美学意识和思想涵。

而黑白摄影中把一个现实的彩色世界，置换为黑、灰、白的单色影像的原理是同摄影表现的原则相一致的。

人的眼睛对自然界的色彩感知本来是最自然的感觉。

摄影发明之初,由于技术上的局限,人们对于能将现实世界的影像记录下来的惊喜,也许远远大于对彩色画像的欲求。

当然,在达盖尔式摄影法发明不久,便有人发明了人工上色的技法,当时人工上色的“彩色照片”,至今尚保留着完好的色彩。

中国自古以来就有鉴赏水墨画的文化传统,中国画论中也有墨分五色,墨分六彩之说。

水墨画的这种源于生活而又高于生活,以墨写色,注重神似而不是形似的美学思维方式,更能充分,也更能纯粹地体现创作者的精神和艺术境界。

大家熟悉的黑白摄影大师安塞尔-亚当斯,在他漫长的摄影生涯之中,其实也拍摄了不少彩色相片,但在亚当斯生前从未发表过。

1993年,由亚当斯的生前好友乔治-伊思曼之家国际摄影博物馆馆长詹姆斯-恩亚特

编选出版了《AnselAdamsinColor》彩色摄影集,恩亚特特别指出：

“彩色摄影对于亚当斯来说仅仅是黑白摄影的草图,对于真实感的表现和追求并不是亚当斯的本意。

亚当斯认为,从充满着色彩,满载着情报的现实世界之中,如何通过选择和选取来将之置换为黑白照片才是最重要的。

”亚当斯在“区域曝光法”的论说中,主采用柯达雷登90号滤色镜来观察景物的反差,并从中去体会色彩和黑白的关系,以此作为学习

“预先想象”的方法,其目的也正在于此。

因此,恩亚特也强调,如果亚当斯在世的话,想必是不会允许出版这本彩色画册的。

另外,从照片的后期处理加工的角度来考量,黑白摄影更具有让摄影家发挥想象力的余地和空间。

相信体验过暗房制作的人,也许更能理解到黑白摄影“手工制作”的乐趣和魅力。

当你在安全灯昏红的弱光之下,随着显影液的晃动而渐渐显现出来的影像,能让你一

分一分地分享到耕耘和收获的实感。

而作者亲自参与制作的作品,不容置疑能更充分地体现出创作者的个性和感觉。

难怪在摄影作品的收藏和拍卖市场上,作者亲自制作的作品要比委托他人制作的作品价位要高出许多倍。

“底片是乐谱,印放是演奏”的名言,更形象地道出摄影作品制作过程的独特性和重要性。

文案大全

小组的成员在当年拍的一合影

安塞尔•亚当斯，由他发明创立的区域曝光法，到现

在依旧是摄影曝光的准则。

1-214.jpg

伊莫金•坎宁安ImogenCunningham（美国，1883

—1976）

坎宁安1901年开始投身摄影。

1909至1910年，先后入西雅图华盛顿大学和德国德累斯顿高等技术学校攻读化学和摄影化学。

翌年返回西雅图，自设影室。

1917年迁往旧金山，此后一直在那里从事创作。

曾在安塞尔•亚当斯创作室、旧金山艺术学院等地执教摄影。

她又与米斯顿、亚当斯等七位西海岸摄影家联诀在旧金山举行影展并一起组织了著名的f64小组。

1969年被加利福尼亚工艺学院授予美术博士称号。

1974年设立"伊莫金•坎宁安信托基金。

"进入耄耋之年后，尽管经常处于采访记者和求教学生的包围中，她依然亲赴实地拍摄。

安塞尔•伊士顿•亚当斯（AnseiAdams）1902年2

月2日-1984年4月22日）是美国摄影师，生于旧金山。

又译作安瑟•亚当斯。

亚当斯对事事要求划一的教育体制相当反感，13岁即离校自学，梦想成为钢琴家。

14岁那年，由于用功过度，健康受到损害，才到约塞密提（Yosemite）的舅父家去疗养。

他去Yosemite公园游玩，获赠一台照相机，从此开始以摄影手段表现约塞密提的风景，并奠定了他一生在摄影事业上作出卓越贡献的基础。

在那儿，他也与维吉尼亚•贝斯特邂逅，她后来成了他的太太。

那几年间，亚当斯在钢琴家或摄影师的职业选择间游移不定。

17岁时，亚当斯加入了山脉俱乐部，山脉俱乐部是一个致力于保护自然风景和资源的组织。

他终身未曾脱离这个组织，还曾与太太分任俱乐部的领导人。

年轻的时候，亚当斯是个狂热的登山爱好者，参与俱乐部一年一度的登高旅行，后来还负责过华达山脉的首次登顶行动。

1927年在HalfDome山上，他第一次发现原来在那个高度还是可以摄影的，用他的原话说：

“……一首冷峻又炽热的真实的诗”。

他从此成为环境保护论者，摄影作品呈现未沾人迹前的自然风光。

山脉俱乐部也因此声望大增。

在那以后，在漫长的摄影生涯中，他始终对约塞密提怀有特殊的感情，每年都要专门来这里拍照。

亚当斯之于约塞密提大有“百看不厌，百拍不烦”的感情。

亚当斯的拍摄对象除了约塞密提（YosemiteNationalPark）外，还有大苏尔海岸（theBigSurCoast）、华达山脉（theSierraNevada）、美国西南部以及美国国家公园。

亚当斯摄影艺术的成就，受到他的前辈摄影家史丹特和纯摄影派代表人物斯蒂格里茨的巨大影响。

他初期就学于威士顿门下，而后与威士顿成为密友。

1932年受威士顿思想作风的影响，以“GroupF/64”为名，组成一个摄影团体。

“F64”是当时照相机上最小一级光圈，这个组织的定名就是他们艺术主的宣言。

就是说，他们主用很小的光圈，获得较长的景深和极好的清晰度。

因此亚当斯属于“纯摄影派”的显要人物。

他的作品都不愧列入纯摄影派典型，最优秀的代表作之列。

亚当斯限量发行的电视系列剧《华达山脉：

约翰•缪尔之踪迹》，配有他的述辞，出版于1940年，收益贡献作保护美洲杉和大峡谷之用。

1943年他进入纽约艺术博物馆，任摄影部主任。

1946年回到他的故乡旧金山，在州立美术学院教授摄影艺术。

第二次世界大战期间，亚当斯挂职华盛顿中心的室部门，专事摄影壁画创作。

珍珠港事件后，他对战局甚感失望，跑到威廉森山下、欧文斯河谷的曼札纳国家历史地界取材。

此行的摄影作品和随笔，在纽约现代艺术博物馆初次展出，出版时定名为《生而自由平等》，展现在曼札纳、加利福尼亚等地日裔美国人的处境。

亚当斯一生三度获颁古根海姆奖金。

1966年，他获美国艺术与科学学会奖金。

1980年，吉米•卡特授予他总统自由勋章，这是国家给美国公民的最高褒奖。

亚当斯还是一位摄影著作家和摄影教育家，从1960年到1979年的二十年里，出版了十五部著作，比如技术革新三部曲《照相机》、《底片》和《冲印》。

亚当斯一直到八十岁高龄仍然不懈地著述和创作，他的艺术叹为观止。

1984年二月，这位摄影老人与世长辞。

他提出“区域系统”的技术概念，认为摄影师应借光线的变化，控制底片和相纸上的密度观感。

亚当斯也倡导“可视化”的概念（他亦常称之为“前可视化”，但这个词并未为后世所接受），指照片给予人的观感，取决于光线的测量值，即在景物摄入镜头那一刻已经决定。

亚当斯用“纯粹”的摄影艺术去表现真实美丽的世界，唤起摄影家对纯粹摄影艺术表现特性和伟大潜力的注意。

亚当斯认为，摄影家正如其它艺术家一样，选择自己有独到性的事物和领域，去表现世界。

他正是这样规自己的创造活动的。

在他六十多年的摄影创作活动中，一直以风景摄影作品驰环宇。

可以说亚当斯的每一幅作品都有自己的风格和特点。

他的风景照片有一个很大的特点，就是画上没有人物，与社会、历史不发生联系，也没有新闻要素，但是他的作品所表现的美感，是超乎人的一般感受的。

他从青年时代就迷恋着的约塞密提，这里的风景是他创作的不竭的源泉。

更有趣的是亚当斯拍摄的富有诗意的约塞密提的风景摄影作品，不仅使这里吸引了千百万游人，使亚当斯获得有“约塞密提大师”的声誉，而且使得美国国会在1916年通过了国家公园法，开辟约塞密提为国家公园。

摄影艺术居然发挥了如此显著的社会功用是亚当斯预料所不及并引以为荣的。

几十年里，亚当斯背着沉重的摄影器材，翻越在加利福尼亚东部的金斯峡谷区，把大自然表现得特别深刻而有气魄。

他倡导的“区域曝法”也是为了使作品获得最好的素质，从而表达出风光的美感。

亚当斯的区域曝光理论

美国著名摄影家安塞尔•亚当斯的区域曝光理论，是

半个多世纪以来摄影科学的基本理论之一。

亚当斯在他所写的《负片与照片》一书中对此曾作了详尽的表述。

他所介绍的方法虽然较为复杂，然而是极其有用的。

有人曾指出，一旦掌握了这种方法，甚至是初学摄影者也能像经验丰富的老手一样，在按下快门之前就能预料到最终得到的照片是什么模样。

只要掌握了这种方法，摄影者就会学会分析景物，对景物进行更为准确的测光，并根据测光的结果作出适当的曝光，从而把对景物视觉印象忠实地或者创造性地再现在照片上。

根据亚当斯的理论，黑白照片的色调或灰调可以分为十个“区域”，由零区域（相纸能够表现出的最黑的部分）至第十区域（相纸的底色——白色）。

第五区域是中等的灰度，它可以根据测光表的读数曝光而得出来；第三区域是有细节的明影部分，而第八区域则是有细节的强光部分。

凭着区域系统，摄影者便可以颈见到照片的最后影像，并使底片能够根据摄影者心目中的构思去曝光。

一个简单的例子，就是量度阴影部分的光量，为使这部分能够有更多细节，并将光圈增大两级；然后量度重要强光部分的光量，按照区域系统理论，强光部分比阴影部分亮了五级，如果明影部分是第三区域的话，强光部分便是第八区域。

倘若这是摄影者的构思，便可以马上进行拍摄。

要是想使强光部分有更多层次，摄影者可以缩短底片的显影时间来减低反差，使第八区域变为第七区域。

相反地，如果想使重要阴影部分有更多层次，而这部分又比较明亮部分暗了三级，显影时便可增加时间以增大照片的对比度，从而使强光部分变得更亮。

当然，在充分掌握曝光区域理论之前，必须进行一些曝光和显影的试验，有关的容较为繁琐，不再赘述。

masters-of-photography./images/full/weston/weston_pepper_number30.jpg

static6.photo.sina../middle/3fcf1207x6ffb195d10e5&690

爱德华•韦斯顿（EdwardWeston）,1886-1958,美国人。

一生没有受过太多专业教育。

16岁时拥有第一架相机（旧的,省吃俭用买的）。

在二十至五十岁之间,他主要靠开设照相馆,拍摄商业人像的收入来维持生活。

1922年，韦斯顿在纽约见到了摄影大师施蒂格里茨和斯特兰德，这次会面对韦斯顿的摄影创作产生了巨大影响。

1930年，在他44岁时，韦斯顿在纽约举办了第一次个人影展。

1932年，韦斯顿与亚当斯、迪克、坎宁安等人，组成了摄影史上著名的“f64小组”1937年，是五十一岁的韦斯顿摄影生涯中一个重要的年头。

这一年，他获得了美国著名的“古金汉姆”奖金。

自此，韦斯顿告别了早已厌倦的人像摄影，全身心投入到自幼创作的天地。

韦斯顿的作品清新、直率、自然、朴实。

他十分善于捕捉不起眼的事物所激发出的灵感。

他与另一位摄影大师-安塞•亚当斯是最要好的朋友。

安塞•亚当斯曾经这样评价他说：

“韦斯顿再现了大自然的本来面目，他表现出了造化的力量。

他以意味深长的形象，刻划出了世上最基本的和谐与统一。

人类在不断探索和寻求最完美的精神境界，韦斯顿的作品，照亮了这条道路。

”韦斯顿一生拍摄了大量的静物和人体，有趣而值得回味的是，后世对这些作品的印象是：

拍摄的静物象人体；人体象静物