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小剧场歌剧

艺术硕士教育课程设置与小剧场歌剧实践

日期：

2015-10-22作者：

祁君热度：

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摘要：

随着我国教学体制和学位制度改革的深入，一批具有特定职业背景的学科先后引入了专业学位研究生教育模式培养，2005年开始设置了该专业，其培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等，教学水准和培养目标上都更符合学科的规律，属于我国艺术学科自身的一个硕士学位，是与国际接轨的艺术表演与创作领域的专业学位，艺术硕士学位教育使艺术类研究生教育有继续扩大的趋势。

关键词：

艺术教育；音乐艺术；艺硕课程；小剧场；歌剧创作；排练；教育实践

中图分类号：

J02　文献标识码：

A

艺术硕士声乐表演专业在欧美国家是一个发展得比较成熟的课程，在美国多数综合大学的艺术院系都有设置，课程注重以实践过程中所体现的艺术创作技能和表现技能来考察学生的综合能力，并即时修订最切合实际的教学计划使课程内容丰富多彩，毕业以作品展映和演出为主，结合演出再完成专业艺术分析总结论文给予学位。

奥地利维也纳音乐表演大学和德国法兰克福大学在本专业课程设置上实践课占80％。

我国从2005年开始设置艺术硕士专业，培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等。

全国各艺术院校的硕士点根据本校的软硬件设施，开设了各种不同类型的课程，培养出一批优秀的毕业生，董卿、朱军、王宏伟、孙砾等目前活跃在舞台的年轻艺术家都是艺术表演专业的首批硕七毕业生。

20t0年5月，教育部在国家大剧院举行音乐院校艺术表演硕士研究生展演活动，并取得了很大反响。

2009年底，经过两年的不懈努力，河北师范大学终于成功申请了艺术表演专业硕士授于点。

如何根据现有的师资力量设置一套科学创新内容丰富开展新颖的声乐表演课程体系是当务之急。

一、课程设置

本课程内容设计原则均以能反映发展方向重点为目标最大特点为领域方向课和选修课，学时量非常大。

声乐方向课程中还应设立中国音乐欣赏、外国古典时期的海顿、莫扎特、贝多芬、门德尔松、舒曼、舒柏特等专家的声乐作品研究等等。

1、共同必修课。

研一、研二、研三：

马克思文艺理论、艺术概论、音乐表演美学、英语。

2、专业必修课。

研一、研二、研三：

声乐技法、声乐与表演理论、声乐作品背景解析、意德法艺术歌曲演唱、中国民族歌曲演唱、音乐会的设计表演、外国声乐发展史、中国声乐发展史。

3、选修课程。

整场声乐演唱音乐会设计、音乐会声乐伴奏合练、声乐表演的录音录像、音乐视觉听觉研究、表演艺术化妆与服装设计、舞台形体训练。

研究生使用的专业教材为国内正式出版的权威性教材。

课时安排为每学期38课时，第1、2学年主要倾向技法教学，提高其演唱能力，第3学年着重理论研究，辅导学生完成及论文写作。

声乐演唱是一种文化而不仅仅是一门技术，本文希望通过各种音乐技巧包括钢琴、听觉训练、合唱、和声、复调、作品分析、配器法、中外音乐史、音乐表演与剧场，特别是对本民族的音乐特点作深刻的了解，还要求学生具备广博的文艺知识和美学修养，使理论与实践相结合以培养出合格的高层次艺术人才。

准确定位、规范管理、积极探索、稳步发展，我们培养的目标是国家经济文化社会建没需要的高层次类型、专业性演唱人才。

大量设置方向性课程和丰富多彩的选修课，注重学生的专业修养和表演的训练，在以实践为主的基础上，通过对一系列课程的学习，提高个人的表现能力和创作研究能力，课程鼓励和教育学生在表演中应用创新举行不同方向的专业比赛，一些顶尖课程可聘请国际上享有高知名度的专家、学者、研究人员参与，通过对该系列课程的学习，提高学生的思考、实践和理论能力，从而对表演艺术有一个更深层次的了解。

广泛搜索同内外本专业资料，整理出题纲后组织本系十位硕士生导师进行反复讨论、论证并加紧同国际、国内的同行进行交流，借鉴优秀的教学方式方法。

既要保持传统的培养模式，技法实践课程占一半，又要积极进行课程开发，增加声乐作品演唱技能，创作表演和唱片录音，增加了对硕士生导师的专业教学水平的更高要求，特别是舞台表演的经验。

新课程设置的创新点在于大量设置了专业方向课程和选修方向课程，知识能力统一，音乐性与技术统一，感性与理性统一，教育过程与教学效果统一。

在部分专业巾推行工作室制，增强教师教育教学，作曲、演唱、演奏、表演等能力，使培养的学生是一个优秀的音乐人才并具备扎实的专业功底和敢于创新、善于创新的素质。

为了保证和提升研究生教育的质量，借鉴国外院校先进经验结合本院实际，以立足研究，强化和满足利：

会人才需求的三项原则，我们定期调整完善各专业研究方向的培养方案，加大艺术实践的学分，定期聘请国内外专家来院讲学，指导排练等实践作品，定期举办研究生沙龙、给导师传授和学生自主学习提供平台，研究生的科研成果与表演奖项，要成为学分，奖励表演类导师提高理论研究水平，强化全体导师的带教责任、有效提高研究生的表演能力。

以上定为艺硕教育的新导向。

二、小剧场歌剧是表演专业艺硕实践的最新途径

与传统大歌剧相比，小剧场歌剧具有一种天然的活力和亲和力，演员近在咫尺的表演能够让观众更直观体验到歌剧的魅力。

打造别致的小剧场作品，也是希望为观众展现歌剧艺术的多种可能性。

小剧场歌剧，顾名思义是相对于传统大剧场歌剧而言的，其特点是表演空间小，二是演员与观众接近，二三是先进性强，经典故事“摩登”演绎。

歌剧是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（涛歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵）。

大型的完整的歌剧表演生动形象地表现了歌剧的故事情节和艺术特点。

使人震惊。

但是，由于大型歌剧在场景布局等资金方面投入太多的局限性，使得小剧场歌剧更适合我们艺术硕士生的接触和排练。

所谓“小剧场歌剧”，是一种具有时代特色的新兴歌剧样式，它与西方的“室内歌剧”和我国的“小剧场话剧”都有着一定程度的联系。

所谓“室内歌剧”，是20世纪上叶出现的、为较少演员和交响乐队而作的，适合在比大剧院气氛更亲切的小型场所演出的一种歌剧样式。

它是在坚持西方传统大型歌剧的审美取向和创作原则基础上的一种变体，它和大型歌剧一样，离不开宏大叙事的话语系统，离不开复杂而具有高度戏剧表现力的音乐声响系统，且从不排除在大型场所演出。

相比之下，小剧场歌剧则不然，小剧场歌剧有“角色少”、“乐队小”两个特点。

剧中演员角色少，表演空间小，演员与观众近距离。

在“小剧场”里，特定的狭小空间可以使舞台与坐席的界线模糊，可以使演员与观众的距离拉近。

因此，对于“小剧场”关于“小”的追求，导致创作理念的深层变化，而这种变化，又将促使“小剧场”作品的戏剧结构、话语系统、音乐写法、舞台调度、演唱状态，以及服装、道具、舞美、灯光等等方面的相应变化。

艺术硕士排练小剧场歌剧表演应注意以下几个方面。

（一）演员表演上的要求。

（二）演唱表演形式。

可以使用对话或旁白、或者可以彻底取消宣叙性吟唱，这样就更有利于推动故事情节展开、加快戏剧节奏、方便时空转换，使得观众可以彻底在狭小的空间里迅速适应场景的转变，理解故事情节的发展。

（三）诵者。

可以加入一个特殊的角色，即“诵者”。

对于“小剧场歌剧”而言，诵者这个角色不仅可以弥合情节板块交替时可能产生的“结构缝隙”，同时也给戏剧结构和舞台呈现注入了有意味的变化。

诵者在舞台上可以担负双重使命：

或是上舞台扮作剧中的人物，或是在台上旁白，无论他在哪个位置都始终是只说不唱。

他的作用有三方面：

第一，诵者的独白或角色性对话，可使主要角色以对话代替宣叙调的做法更为合理。

第二，由于有了诵者，歌剧的开展获得了极大的时空自由。

各种场景的转换，仅由诵者的寥寥数语就能很好地完成，短短几句话，就可以引出一个重要的事件或意义重大的背景，可减少场景布置的投入。

第三，依照剧情的开展可使诵者变换身份，给同在舞台上的乐手能适时参与剧情找出了依据。

诵者在舞台上变换身份的即兴表演，可以使剧情表现、发展得更自然。

（四）音乐的处理。

音乐作品要尽可能争取更广泛的听众，是大多数作曲家共同追求的一个目标。

音乐在歌剧中发挥着到头生分的作用。

在符合剧情内容和剧本风格的前提下，尽可能缩短音乐效果与大众审美习惯间的距离，让歌剧也能成为更多人可以且乐意欣赏的艺术。

（五）人声技巧的运用。

歌剧中，特别是以独唱、重唱为主的歌剧，人声的技巧处理运用是十分重要的。

人声的处理要细致，包括节奏长短、气息转换，词曲结合、调性变换、密度变化等各个方面，充分发挥声或声乐技巧，有难有易，才能更广泛地被观众接受。

小剧场歌剧演出实践的优点一是在于它与学生近，易沟通，感染性强，容易引起观众共鸣，二是学生学习压力大，小剧场话剧节奏轻松，大都选材于现代都市生活，小剧场话剧小舞台制作，小投入创作，周期短，形式活跃，检验了成果，激发了学生对歌剧的浓厚兴趣，同时对于强化学生表演综合技能与创新思维的训练，为学生未来的歌剧表演打下基础。

浅谈声乐的舞台表演艺术

摘要：

歌唱不仅是听觉艺术也是视觉艺术，形体表演对声乐艺术来说是非常重要的。

要学好声乐，首先要具备良好的嗓音条件和声乐技巧以及一定的文化音乐修养，更重要的是舞台上的实践表演以及对所演唱作品的内涵有更深刻的理解才能达到更好的艺术效果。

关键词：

声乐；舞台表演；艺术

中图分类号：

j604.6文献标识码：

ａ文章编号：

1005-5312（2011）18-0103-01

舞台表演是将演唱心理动态、内在文化知识、思想感情等多种能力，外化成形体语言，去创造舞台表演，塑造人物形象的一种艺术手段。

现从舞台表演方面进行分析：

1.演唱者在台上往往注意的是自己的方法、音量，对自己的体态动作考虑较少。

然而表演是帮助我们演唱好充分抒发感情的一个重要部分。

演员和听众在音乐中应有交流，听众不仅仅是用耳朵欣赏歌曲，同时还要用眼睛欣赏演员的表演，因此歌唱者就应以最自然的举止出现在听从面前，让听众在歌声及演员的姿态举止中受到艺术的感染。

演唱者的台风包括台步、站位、面容、目光、形体表演动作，服饰都要得体、大方，所有这些注意事项中最为重要的是演员要用自己真挚的情去唱，要把歌曲中的欢乐、痛苦、愤怒、哭泣那种感情淋漓尽致地表达出来，把演唱者的声音和引人入胜的艺术

声乐表演对肢体语言的要求和原则

时间：

2014-05-05来源：

学术堂所属分类：

 音乐论文

　　一、声乐表演对肢体语言的要求

（一）对演唱姿势的要求。

声乐表演是表演的艺术。

演唱者需要有良好的表演形象与形体美以及歌唱气质做基础。

而良好的表演形象与形体美及歌唱气质需要以正确的歌唱姿势做基础。

歌唱姿势是歌唱训练的入门。

歌唱姿势不仅是角色心理活动的一种体现，而且对歌唱的声音也会产生较大的影响。

　　正确的歌唱的姿势对保证歌唱实践中呼吸、发音、共鸣等器官的最佳生理协作，建立各种歌唱技巧的良好物质与技术形态，具有重要的支持作用。

如果没有形成正确的歌唱姿势，会使生活中的本能反应与习惯形态常常会不断干扰学习与训练实践，使发声方法与延长技术的提高遇到一定的问题。

常见的歌唱姿势有站姿和坐姿两种。

站姿的总体要求为：

歌唱者应注意头要正、颈要立、肩要松、胸要微挺、腿要直、脚跟要实。

女歌者可采用丁字式站立，丁字式给给观众一种更加立体的效果；男歌者可采用正步式站立。

从面部表情上来看，采用站姿的歌唱者应面部呈现微笑，保持自然松弛、端庄大方的表情，神情饱满。

　　坐姿的头、颈、脊、背、腰、肩、胸、腹等要求与站姿的要求相同，但身体重心要经臀部接触椅面向下的重力与上身向上的力量形成对抗，臀部坐在座椅前半部，不要倚靠后背，两脚平放在地上，两小腿与地面成90°。

声乐表演的坐姿常出现于声乐学习实践、日常的练习、合唱的排列中。

（二）对步法的要求。

声乐表演中的步法是根据所表现人物的性格、人物的心理特点以及音乐的需要来确定的。

　　从所表现人物的性格来说，大方稳重的人一般上身平稳，落步较沉稳，速度较慢，步子较大；活泼开朗的人一般身体较灵活、步