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1、顺光照明：
这是一种效果最平的一种光，它不利用拍出被摄体的立体感和空间深度感，缺少生气。
2、侧光照明：
侧光照明的效果有明显改善，被摄体产生的明暗变化显出立感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所以，在摄影中被广泛的利用。
3、逆光照明：
它能够形成剪影，勾画出对象的形状，使之与背景分开。
在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。
4、顶光照明：
顶光照明的效果使画面呈现出一种酷热感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成浓重的投影，对人物的形象起着丑化作用。
5、地光照明：
地光照明会造成从下往上的“鬼光”效果，经常会用于消除顶光等照明造成的阴影。
对于很多人来说，摄影最为吸引人的一个方面就是摄影设备自身的谜力。
摄影设备中所凝聚的全部高精现代工艺技术都是为适应人的手和眼而服务的一一按动照相机按钮，精密部件到位时所发出的“咔嗒”声响，以及“全副武装”地携带摄影器材，这一切都具有极大的吸引力。
设备固然关键，有关设备的详尽知识也很有趣并很重要，但是拍摄照片绝不是仅仅会摆弄几下照相机的事情。
摄影吸引人的另一个方面就是它的实际过程一一得心应手地处理各种复杂摄影问题所带来的刺激，以及发挥技术专长和产生的最后影像而获得的回报。
人们可以从拍摄结果自身固有的照相“品质”，诸如极好的细节、丰吉的影调和多姿的色彩等来鉴定和欣赏它。
这一过程为摄影者提供了捕获其所见的手法，无需动手进行费力的绘画即可构成一幅幅周围事物的画面。
照相机是一种时间机器，它可以凝结住选定的任何人物、场景或环境，似乎赋予了使用者一种权力和意志。
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此外，摄影还有一个吸引人的方面，就是照片视觉构图给人带来的享受，即无论被摄体的内容实际怎样，通过构思画面，如线条和轮廊的几何形状、色调的均衡、场景的剪裁和设计等手法的运用，从中获得真正的满足。
甚至可以采用迅速改变视点，或恰当选取不同的拍摄瞬间等方法来获得更多的享受。
或许，主要由于摄影是一种迅速、方便、真实地记录事物的方法，人们才为其所吸引，进而从事摄影工作（原因之一）。
但是，摄影最重要的方面是被摄体自身，以及摄影者现时想客观表现的内容，或者将要重现什么。
摄影既是证据又是证明，也是一种事件发生的图解，而照相机则是视觉记录本。
与此相反，摄影又常常被人们用来操纵或解释现实，因此照片往往突出摄影者的某些“动机”或态度。
拍摄者可以安排场景（如广告摄影），，或者有进择地将事件的某些方面反殃在照片上，而对其它方面不闻不问（如具有政治倾向的新闻摄影报道）。
因此，可以说摄影是一种强有力的说服和宣传手段。
摄影看起来始终是真实的，在人为的支配之下，它可以表述摄影者选定的任何意愿。
摄影是美的追求，是现代人生活品味的象征，也是热爱生活，享受生活的体现，摄影可以细分为业余和专业2部分，业余的就是指平时抽空拍，老年人摄影协会等，专业的有影楼，摄影旗舰店，小到照相馆，根据对摄影专业化的理解，摄影师能力的各不相同，后而现在有很多专业化给影楼供货，设计和修片的团队，这些人确实是摄影界的行家，其实摄影也是摄影师个人审美的体现，用摄影作品来诠释什么是美？
什么是生活？
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第二篇：
浅谈对摄影的认识6500字摄影论文浅谈对摄影的认识摄影即用光绘画，实质上是技术和视觉观察力的一种结合，是技术与艺术的结合。
摄影广泛应用于新闻传播、艺术创作、科研及日常生活的各个领域。
摄影既能真实纪录客观世界一切事物，也能完成人类相象中最具有创意的表现。
数码摄影的出现使传统意义上的摄影面临着一场严重的挑战，无论是从前期拍摄到后期影像存储、处理、传播都体现出一种革命性的变化，它强劲的发展势头令人瞩目，面对摄影的现状和未来有必要探讨其时代的地位和价值。
一、摄影发展的时代历程1826年法国涅普斯（NicephoreNiepce）利用自己制作的光学暗箱，以日光蚀刻法经过8小时的曝光拍摄了世界上的第一张照片“窗外的风景”。
1835年，达盖尔发现在碘化银感光版上的潜影，利用水银蒸汽能够显现为可见的图像，这种显影方法大大缩短了感光时间记录明亮光线下的景物只需20~30分钟，使摄影的实用变为现实。
1839年8月19日法国正式公布了“达盖尔摄影术”，这一天被世界公认为摄影的诞生日。
摄影的诞生标志着摄影进入了一个不断发展、进步和不断成熟、完善的新时期。
在达盖尔研究摄影法的同时，1835年，英国人F.塔尔博特（FoxTaibot）制成了世界上的第一张相纸负片，通过负片可以冲洗无数张照片，大大降低了摄影成本。
1851年，英国F.S.阿彻尔（FrederickScottArcher）发明了“湿版”摄影法，这种摄影法曝光时间短，可以不使用三脚架，它的出现促使了手持相机的发明。
1888年，美国G.伊斯曼（GeorgeEastman）制造了第一架“柯达”相机，又推出柯达胶片，透明胶卷的出现为后来电影摄影机和放映机的广泛应用创造了有利条件。
19xx年，彩色胶片的诞生，为人类的摄影技术带来了绚丽的色彩。
人们可以通过照片欣赏多彩多姿的世界，而不必再不能留住明丽的色彩而感到遗憾。
近几年，数码相机的出现打破了传统的摄影常规,数码摄影的各种优势受到各行各业和个人用户的青睐，也使摄影变得更加有趣。
照相机自1839年由法国人发明以来，已经走过了将近170年的发展道路。
在这170年里，照相机走过了从黑白到彩色，从纯光学、机械架构演变为光学、机械、电子三位一体，从传统银盐胶片发展到今天的以数字存储器作为记录媒介。
数码相机的出现正式标志着相机产业向数字化新纪元的跨越式发展，人们的影像生活也由此得到了彻底改变。
二、摄影的时代价值如果将摄影从前期拍摄到后期制作，再到实际应用、产生价值当作一个过程，摄影所用的器材不过是这个过程中的必备工具，只有当它在摄影者的掌握、操作之下，生产出的产品——摄影作品才具备价值。
1.摄影的纪实性摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。
它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。
这是其它技术或艺术所无法比拟或取代的。
纪实性是摄影的一项基本特征，是对人类社会进行的真实的记录。
摄影作品所富含的思想价值、信息价值、知识价值、文献价值等，都对观众形成多方面的强大的吸引力，推动了人类社会的发展。
比如像匈牙利出生的摄影师罗伯特?
卡帕在西班牙内战中拍摄的《共和军战士之死》，以一个战士被子弹击中的真实影像，反映了人类战争的残酷性，在世界上获得广泛影响，其特有的价值显而易见。
2.摄影的艺术性摄影是一门艺术，有着自己独特的艺术性。
随着时代的发展与社会的进步，物质生活的提高，人们对精神生活的需求也逐渐提高，对摄影的精神需求不单单停留在记录、留影上，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。
它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。
例如，我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。
可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。
其中的差别完全在于艺术性的高低。
艺术表现力的强弱高低，无疑是评价作品成功与否的关键。
法国著名摄影家富兰克?
福尼尔拍摄于火山灾难现场，画面主体反映的是一位濒临死亡、陷身于灾后废墟和液体里的年幼女孩。
女孩身处险境，生命危在旦夕，仅仅手扶一根树棍支撑着将头部露出水面，眼睛里流露出的是对生的渴望。
这幅作品虽然是一幅新闻摄影作品，但作品具有极强烈艺术感染力，让受众对火山爆发这一大自然无可抗拒的灾害，有了刻骨铭心的记忆。
艺术的规律是越是丰富的、深刻的越有价值。
3.摄影的价值取向纵观现今中国的摄影界，对摄影的表现手法及风格类别的审视越来越倾向于西方的价值取向与标准，这也就是当今最时髦的所谓“国际接轨”。
其中，由此而引发的对纪实和唯美（被称以风光摄影为代表的所谓沙龙片）两大类别的讨论，始终没有停止过。
笔者认为摄影作品的不同，价值取向将有不同的评价标准。
例如艺术摄影作品的价值取向，在不能兼顾的时候，可以忽视摄影作品的记录性，也可以忽视摄影作品直接或潜在的商业要求。
艺术摄影作品的价值取向，决定了艺术摄影以美为目标。
像解海龙拍摄于1991年的《大眼睛》。
这幅作品表现了一名贫穷地区女学童看着受众的，充满渴望的目光，其强烈的视觉效果，引起全社会对失学儿童的关注，并作为“希望工程”的标志影像广为传播。
后来，在20xx年11月23日，北京华辰秋拍会上，这幅限量30幅的作品以30．8万元成交。
《大眼睛》是典型的交叉型作品，它既是纪录摄影作品，又是艺术摄影作品，还是非常知名的商业摄影作品。
当然，这幅作品的艺术价值，远不如其在公益广告方面所表现出来的社会价值和商业价值。
三、摄影的创新精神艺术应当不断创新，只有创新才有生命力。
数码摄影的出现给摄影者提供了更多更广的创造空间，同时也对传统摄影带来了挑战。
落后陈旧的艺术表现形式远远不能满足现代人的审美需求和读图时代给人们带来的视觉疲劳。
因此，人们总是希望艺术作品有更深刻的启示性和创造性。
在艺术创作的表现手法上，应当倡导多元化。
作为新一代的摄影工作者，不仅要在艺术形式与艺术技巧上创新，更要在作品的思想内容上大胆创新，创作出内容丰富、思想性强、富于时代精神，具有较强艺术感染力的摄影作品。
我们这个时代，是一个充满生机和创造、希望、憧憬的时代，也是面临挑战的时代。
充分发挥摄影特有的社会功能，以优秀的作品鼓舞人、引导人、塑造人，这是时代的要求、人民的企盼，也是广大摄影工作者肩负的崇高责任和神圣使命。
四、摄影艺术不论何种艺术，都有自己特有的语言。
摄影艺术是靠光线、影调、线条和色调等构成自己的造型语言。
摄影家正是借助这些语言来构筑摄影艺术的美。
影调、线条、色彩和光线这些摄影艺术语言，其特殊的审美作用，首先表现于它们独自或共同赋予人们形式感、形式美感。
摄影作品赋予我们的形式感，是十分丰富的，有空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等等。
我们从摄影艺术中，所获得的美感，是与这些形式感密切相关的。
（1）空间感，亦称深远感，在中外摄影史上，一些经久不衰的作品，多是摄影家们娴熟地运用透视规律成功地表达出深远空间感的结果。
摄影艺术表现深远的空间感，所用的艺术语言主要是线条和影调。
因为摄影作品对空间的表现，主要通过两条途径：
形体透视，即线条透视；
空气透视，即影调透视。
所谓线条透视，就是通过线条的交织关系来表现景物的远近、大小，表现深远的空间感。
所谓影调透视，就是借助影调的浓淡明暗对比，来表现景物的远近和空间的层次。
画面上的影调越暗，表现景物就越近，影调越淡，表现景物就越远。
摄影家们常常利用丰富的影调层次，把人们的视线引向画面深处，把观赏者的想象渗入深远的空间。
（2）摄影画面的立体感，即体积感，是使摄影作品生动自然，真实可信的重要一环。
摄影艺术与雕塑艺术不同，它是借助占有两度空间（平面）的画面来塑造形象的。
要克服平面造型的局限，塑造出栩栩如生、富有表现力的艺术形象，主要的一方面就是，要运用自己所固有造型语言在两度空间上表现出客观对象的三度空间，即表现出所摄对象的立体形状。
摄影艺术表现立体感所运用的技术技巧手段和具体方法可以多种多样，但是，它所运用的语言材料基本上是光线和影调。
逆光和侧光以及富于变化的影调，都可以较好地表现立体感。
（3）摄影作品所表现的物体的质感，即物体的表面结构感，如同立体感一样，虽不是所有作品都具备的，但它确实亦是使一些作品的画面增添光彩，增强艺术感染力的重要方面。
（4）表现动感，使摄影画面呈现动态的美，亦是摄影艺术语言的重要功能之一。
有动感的画面，往往具有更大的艺术感染力。
但是，如同其他造型艺术一样，摄影艺术属于空间艺术，要它表现出蕴含着时间性的动态是受到很大局限的。
然而，摄影艺术的科学性，又使其能利用自己的技术技巧和造型语言，较为自由地在平面材料上表现动态。
（5）节奏感和韵律感，亦是形式美感的十分重要的组成部分。
如同人们常说的没有节奏和韵律就没有音乐和诗歌一样，摄影艺术若没有节奏和韵律也就不会有真正的形式美。
一幅摄影画面，仅有鲜明的主体和统一的基调，还常常不能构成完美的摄影艺术作品。
有了美妙的节奏和旋律，作品才能有玩味不尽的韵味，耐人欣赏。
摄影作品是选用曲、直等各种线条，黑、灰、白等各种光斑和红橙黄绿等各种色块，通过对画幅的有规律的分割，而构成画面的节奏和韵律的。
影调美，是摄影艺术形式美的重要组成部分，亦是摄影艺术美有别于其它造型艺术美的突出表现。
所谓影调，即摄影画面在光线的作用下所产生的由明到暗，即由白到浅灰、由浅灰到深灰、由深灰到黑等多层次的调子。
影调的重要作用，突出地体现在黑白摄影中，五、摄影的形象1．形象的重要性摄影艺术是以其形象创造为目的的，摄影是一种科学和艺术相结合的现代造型术，随着摄影器材的不断更新和发展，特别是引进电子技术以后，摄影者学习摄影技术技巧也就成为越来越容易的事了，但这并不意味着从事摄影艺术创作也越来越容易了。
在创作中，重要的是眼光而不是技术，这显然不是说技术就不重要，摄影技术是摄影创作的基本功，摄影者如果不能掌握好最基本的摄影技能，不会运用富有表现力和艺术感染力的表现手段，就不可能进行艺术形象的创造。
摄影艺术是靠形象来说话，形象的创造不只是记录人物，社会和自然的形态状貌，而更重要的是摄影者根据社会生活的真实运用选择、概括、提炼、加工等手段，创造出富有美学意义的形象，并寄寓拍摄者的思想感清和审美趣味，艺术形象不仅应是具体的，鲜明的，而且又是生动的，感人的。
2．形象的感知性艺术形象的具体、鲜明，方能为观者所知；
形象的生动、感人，才能为赏者所感。
艺术形象本身应该是具有感知性的，而不应是无法辨认或不可捉摸的光影图案。
一幅摄影作品没有可知性、可感性的形象，就无从谈起它的艺术感染力、社会价值和艺术生命力。
3．形象的再创造要加强作品的艺术感染力和社会价值，创作出具有生命力的艺术形象，就要努力提高形象思维的能力。
形象思维是一种创造性的想象和选择，是认识事物的一种深化过程，它带有作者独特的思考。
通过它，可以使摄影者达到对事物本质的把握。
艺术创作实质上就是艺术地认识和表现生活。
这个认识的过程就是形象思维的过程，就是艺术概括和典型化创造的过程，它要求摄影者善于这场那些比生活现象本身所包含的更丰富深刻的，或能够引起观赏者联想的更宽广的东西，能够发现那些别人不易注意或发现不了的生活典型。
没有典型就没有创作，典型性是衡量一幅作品艺术质量高低的重要标志，即使是不以拍摄人物为主的风光摄影，也应具有典型性。
摄影形象的取舍和艺术表现，同样要选择最佳加以着力渲染。
摄影艺术形象的创造，来之于生活，来之于作者对生活的体验，只有热爱生活，富于思考，充满创作激情，才能把现实生活的原型转化为有感染力的艺术形象的创造。
六、摄影构图的画面设计摄影技术中最重要的一点就是构图的均衡美。
摄影作品的画面均衡，在构图时十分重要。
1.对称和均衡在画面中的运用对称，象征一种高度整齐的程度。
但大多数摄影作品，在构图中都不是追求一半对一半的对称，而是刻意于画面的视觉均衡。
因为在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止的，拘谨的和单调的感觉，过多的运用对称会使人感到呆板，缺乏活力。
而均衡是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。
均衡的范围包括构图中形象的对比。
结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。
画面结构的均衡，除了大小、轻重以外，还包括明暗、线条、空间、影调等均衡的作用。
2.构图中的主次关系在设计画面时要注意主体和陪体的关系，主要人物和次要人物的关系，人物与背景的关系。
一幅照片如果只有主体而无陪衬，画面就会显得呆板而无变化，主体在画面上必须显著突出，要弃繁就简，必要时可改变拍摄位置和角度，以达到画面简洁，突出主体。
3.构图中“黄金分割”的运用所谓“黄金分割”，也就是“黄金比例”A:
B=B:
A+B，将之运用于美术和摄影的构图中往往提5:
8的比率来表示，对于实用，尤其是摄影的构图来说，已经是足够准确了。
在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。
摄影之于绘画，有过之而无不及；
但摄影不能完全的脱离绘画，摄影与绘画一样需要用美的眼光去看待眼前的事物，摄影家需要用美学的基础去用光、去构图，但却不要用美学的基础去添加和剔除画面的组成。
摄影从绘画主义中脱离出来，直至今日，早已发展壮大。
而摄影与绘画的干系却久不能解释完备。
绘画不能称其为摄影，但摄影免不了被称之为“绘画”。
绘画是塑造的艺术，而摄影则是“选择的艺术”。
摄影是写实的，绘画则是写意的。
摄影艺术最大的特点是选择，而不是塑造。
同样的一个场景，比起精心的摆布而言，摄取“典型性瞬间”显得更为正确。
摄影是摄影，而不是做戏。
世界范围内的许多摄影组织和摄影家都遵循着摄影原生态的艺术法则。
只有真实的、存在的影像才是值得摄取的真正艺术品。
七、摄影艺术的生活演绎真正的摄影就是在生活的状态里寻求一个生活的态度,是深刻的关注人性、是在理性的状态中沉浸的、是在激情的状态中感受的、是平静的、也是平等的、是需要在反复思考的状态中自我批判的、是需要有着对世界认识空间的加大，而非局限在一个个人自恋的状态中沉醉。
尽管图片在拍摄的过程中讲究客观，可还是不能完全达到真实的目的。
因为绝大多数摄影师还是喜欢在个人幻想的世界里力求唯美，一旦唯美了就需要去修饰，一旦修饰了就失去了真实的面目。
对人性的关注及人道主义的精神应当是我们摄影师对摄影的理解，那些被触动的真实性故事里所发生的故事里的感觉，故事的瞬间以及瞬间中的震撼、放松、愉悦、苦恼、仇恨、嫉妒、面对、逃避、爱等精神方面客观的呈现；
这其实体现了摄影在一定关系上是有精神的。
摄影的精神就是个人对世界环境里所发生的一切做出的个人对世界主观与客观的理解态度。
摄影绝对不是仅仅局限在对器材的依赖上，摄影有时是拍摄者与被拍摄对象之间互动的态度而形成一种转化形式表露在公众面前进行着某种演示的！
真正的摄影家不只会以技术的职能来衡定意志的状态。
今天的商业摄影正在慢慢地发生着改变并影响着广告业的发展，而这一些摄影师的出现是在真正视觉艺术的指导下、设计领域的影响中以独特的思维方式在悄悄地改变着中国摄影某一方面的未来。
在今天的信息时代；
视野在另一个空间的拓展，把原本只有一个思维观念的固定模式演变成为了多种思维形态下产生的操作程序，摄影的技术已不再是单恋。
我们只有在不断更新知识的基础上加以深刻、加以改进我们可能会造成思维观念的滞后所带来片面性的、固执的、墨守成规的操作系统。
永远站在批判自我、审视自我的角度看自己，以及自已对这个世界的认识所做出的反映！
这就是摄影的现实意义；
这也是我们今天所要思考的摄影专业与业余爱好之间的区分。
摄影无须再用一个所谓的专业和非专业来衡定；
关键是自己怎么来认识摄影这很重要。
摄影本身并不至高无上也不高深莫测，其本质就是一种技能的展现！
把技能发挥到所能释放自己的空间中去，享受这样一种快乐，而不仅仅是主流影赛所带来的局限性框架，这就是生活的乐趣、这就是在懂得摄影给自己带来的享乐空间、这就是摄影的本质！
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