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交响音乐赏析结课论文
北京林业大学2012-2013学年第二学期
大学音乐交响乐赏析课程结课作业论文
左侧装订
1、序号_______（交论文时看名单填写）
2、姓名_________________
3、学号_________________
4、班级__________________
5、周几上课（按原选课名单填）________
6、手机_____________________
《交响音乐赏析》结课论文
第一课：
什么是交响音乐
交响乐（SYMPHONY）又称交响曲。
是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲（奏鸣—交响套曲）。
交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。
但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲，如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。
此外，交响音乐还包括标题管弦乐曲。
交响音乐不是一种特定的体裁名称，而是一类器乐体裁的总称。
这类体裁的共同特征是：
1、由大型的管弦乐队演奏；
2、音乐内涵深刻，具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性，或者音乐格调庄重，具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等；
3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。
4、表现手法是顿挫分明的，能将听众带入音乐意境和想像空间。
【课堂音乐赏析】
迈克尔·杰克孙的演唱充满了热情。
他身为一个歌手，重视的不仅是歌唱，与音乐主题相符的舞台设计也是他的演唱的一部分。
天真的小女孩、坦克、举着枪的士兵、还有发自内心的歌声……一部电影般的场景展现在观众面前，更有说服力的表达了战争的残酷。
他没有把艺术当成了人们的休闲娱乐，而是把音乐具有的，明星具有的感染力和号召力用在了贡献人类幸福的事业上。
这一点是我最受感动的一点。
迈克尔·杰克孙不同于一般的流行音乐歌手，他是一个真正的艺术家，是音乐的教皇。
第二课：
巴洛克乐风及巴赫的音乐
一、巴洛克音乐
巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期，14至16世纪就是“文艺复兴时期”，这两个时期虽然在时间方面的区别不是很大，但在艺术方面的东西有很大的区别，所以把它们分为两个时期！
巴洛克音乐的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。
巴洛克音乐是后期发展的一个基础。
在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。
那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。
那个时期的代表人物有：
巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。
巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。
维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知。
亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！
他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富！
二、巴赫的音乐
巴赫的音乐作品包罗万象，除歌剧外遍及当时所有的音乐领域。
尽管作品中的大部分早已散佚，但仍有500多部保留下来。
其中比较主要的代表作包括：
《平均律钢琴曲集》（TheWell-TemperedClavier）、《赋格的艺术》（TheArtofFugue）、《勃兰登堡协奏曲》（brandenburgConcertos）6首、《小提琴协奏曲》两首、《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》6首、《无伴奏大提琴奏鸣曲与组曲》6首、《法国组曲》、《英国组曲》、《农民康塔塔》（PeasantCantata）、《咖啡康塔塔》（CoffeeCantata）、《马太受难乐》（Matthauspassion）、《b小调弥撒曲》，等等。
他的作品包括有将近300首的大合唱曲；组成《平均律钢琴曲集》的一套48首赋格曲和前奏曲；至少还有140首其它前奏曲；100多首其它大键琴乐曲；23首小协奏曲；4首序曲；33首奏鸣曲；5首弥撒曲；3首圣乐曲及许多其它乐曲。
总计起来，巴赫谱写出800多首严肃乐曲。
他的创作一般可分为三个主要阶段——魏玛时代（1708-1717），可以说是创作臻于成熟的阶段；柯登时代（1717-1723），则是他创作的高峰期，许多贡献卓著的作品都完成于这个阶段；而莱比锡时代（1723-1750），是巴赫将宗教艺术推至最高境界的时期。
【课堂音乐赏析】
对巴赫的音乐的感受：
从宏伟、气派、壮丽的音响里，可以体会英雄的人类形象。
从富有动力感的节奏中，可以体验人类明确的目标、勇往直前的精神、对理想彼岸的向往。
从乐思精美的演变中，可以体会人类的创造力及追求高雅的情趣。
这高雅的情趣体现在既有醉人的安静之音，带给人内心的平和；也有动感的律动之音，带给人精神的振奋。
音乐带给人不一样的感受，改变人的心境。
真正体会到音乐的知识性、感受性、观念性。
第三课：
交响协奏曲
交响协奏曲（SinfoniaConcertante），是指一件以上的独奏乐器与乐队协奏的协奏曲。
海顿和莫扎特的若干部协奏曲使用了这个名称，最著名的某过于莫扎特的小提琴和中提琴交响协奏曲。
但是他们之后的贝多芬和勃拉姆斯同样著名的为多件乐器而做的协奏曲却不使用这个名称，而是称为小提琴，大提琴二重协奏曲（DoubleConcerto，勃拉姆斯）和小提琴，大提琴和钢琴三重协奏曲（TripleConcerto，贝多芬），所以SinfoniaConcertant这个称呼局限性较大，一般就是指海顿和莫扎特的这几部作品。
二十世纪的一些作曲家的作品也使用这个名称，但是有些作品却是只有一件独奏乐器的，例如沃尔顿的钢琴和管弦乐队交响协奏曲，作曲家使用这个名称是为了表明作品虽然有协奏曲的特征，但是更重要的却是其交响性。
【课堂音乐赏析】
对维瓦尔第的“四季”小提琴协奏曲的感想:
虽然维瓦尔第偏执，好大喜切，但是却是个音乐创造天才，“四季”展现出春夏秋冬的鲜明特点，是一种清晰的具象感受。
在协奏曲中，沃恩可以感受到群鸟清翠的鸣叫，流水叮咚响，雷鸣闪电，牧人歌唱，万花盛开的芬芳，仙女与牧人起舞，窃窃私语，一种和谐宁静的氛围。
春：
牧人伤心，百无聊赖的慵懒，知了的叫声，微风渐变成强风，牧人辗转难眠，心情低落的场景。
夏：
描写入木三分，入醋然入睡，回归到本真自然的真情实感，庆祝丰收，节奏骤然加快，夜晚享受美梦，恒定的不朽的意向。
秋：
因为低回婉转，时而悠扬，时而紧快，色乳丰富，意境悠远。
虽然有时阴、有时晴，但整个音乐充满了幸福、欢乐与希望。
第四课：
古典主义时期的音乐
在欧洲音乐发展史中，从巴洛克时期结束到19世纪20年代这一阶段就是我们所说的古典主义时期了。
古典主义音乐与巴洛克音乐相较而言，古典主义追求的是一种基于理性基础之上的对称美，而非巴洛克时期的非对称；巴洛克音乐更注重表现宗教题材而古典主义音乐则偏向于用音乐来表现重大社会题材以及新兴市民阶层的生活风貌；巴洛克时期的器乐和声乐还未完全分离，而到了古典主义时期，器乐已经完全独立，成为音乐艺术中的一个独立分之；巴洛克时期复调音乐有了很大发展，而进入古典主义时期，音乐却进入了从复调织体向主调织体转变的过程；另外，古典主义较之巴洛克音乐而言，其对器乐色彩的变化要求也越来越强烈了。
此时期中，德国出现曼海姆乐派，为古典交响乐的发展做出了很大贡献，他们首先确立了交响乐四个乐章的结构形式，同时对管弦乐队的表现力及表现手法也有一定的创新。
他们的这些成就为其后出现的维也纳古典乐派奠定了基础。
此外，法国的指挥家、作曲家戈塞克以及法国歌剧作家格鲁克在音乐艺术中的实践活动也为古典主义时期音乐的发展起了很大的推动作用。
接下来要提到的就是以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的在古典主义时期具有最高艺术成就的“维也纳古典乐派”了。
维也纳古典乐派的创作年代正值欧洲“思想启蒙”运动时期。
思想启蒙运动提倡理性、科学、经验、个性解放、权利均等、反对神权、封建特权及封建等级制度。
这些进步的思想对三位作曲家的创作产生了积极影响。
此外，18世纪法国资产阶级革命还给贝多芬的思想和创作带来了深刻的转变。
概括的讲，古典主义时期的音乐特点是：
音乐的题材重大、崇尚理性、气势雄伟、逻辑性强、结构严谨、以主调和声风格为主。
【课堂音乐赏析】
海顿的《惊蛰小夜曲》、《101交响曲》是主旋律清晰，音乐节奏十分优雅，色乳明朗富有生机活力的音乐它们内容充实，节奏稳健，主次分明。
莫扎特的《小步舞曲》《土耳其进行曲》是轻快，节奏鲜明，留意和谐，健康向上，生机勃勃的音乐。
它具有童真般的快乐，精巧精致，让人赏心悦目。
喜不自禁的乐章又充满绵绵情意，让人不知不觉微笑起来。
贝多芬的音乐雄壮有力，节奏鲜明。
第五课：
奏鸣曲式
奏鸣曲式sonataform，所谓“曲式”，就是写作乐曲的一种格律，即用一种比较固定的框架把乐曲的大结构框出来，使具有某种固定曲式的乐曲具有比较规整的形态，利于聆听者理解与欣赏。
而“奏鸣曲式”是一种大型曲式，是奏鸣曲主要乐章常用的一种结构形式。
它包含几个不同主题的呈示、发展和再现以及特定的调性布局。
由于它通常用于奏鸣曲的第1乐章，并常用快板速度，所以也称为奏鸣曲第1乐章形式或奏鸣曲快板形式。
这种曲式不仅用于奏鸣曲中，也用于室内乐、协奏曲、交响曲等大型音乐作品的相应乐章。
此外在序曲、交响诗等作品中也常见到。
【课堂音乐赏析】
虽是同一首歌但换了节拍的效果是截然不同的，就拿贝多芬的d小调第九交响曲《合唱》这首歌来说吧，原是一首庄重，激情高昂，具有震撼力的歌曲但是把这首的节拍拖慢就会给人一种优柔，安逸，和平的感觉，就如母亲给孩子唱的摇篮曲一样。
要是把拍子加快就会给人一种欢快，清爽的感觉，就如盛夏里的小派对一样。
这节课我们还听了贝多芬的《命运》。
《命运》这首著名的音乐从小到大听过无数次，但这节课第一次听得这么仔细。
原以为我再熟悉不过的这首名曲隐藏着我没有看到的另一面。
第一乐章：
忐忑不安。
命运的袭击，焦虑;虽然中间有过短暂的和平可以让疲惫不堪的灵魂享受了短暂的休息，但内心深处的怨恨折磨着他的灵魂，没有办法，只能妥协，并且再次回到奋斗中。
第二乐章：
短暂的休息让自己回到内心聆听内心深处的声音。
盘算，考虑，感伤，犹豫不决，怀疑……但马上变成坚定地信念，又盘算，憧憬着美丽的前景，又一次夭折，冲动，惋惜……
第三乐章：
真实生活场景的体现，从第二乐章内心的纠结中摆脱出来回到了积极向上的自我。
第四乐章：
胜利的欢乐。
总体来说贝多芬的《命运》是把人的喜怒哀乐这些复杂的感情用一个贯穿的主题命运来全部体现的。
第六课：
浪漫主义乐派
浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。
这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。
艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。
强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。
浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。
在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。
在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。
单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。
在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。
声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒伯特《冬之旅》、《天鹅之歌》，等，就是浪漫乐派创新的艺术题材。
和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。
作曲家创立了多乐章的标题交响曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。
【课堂音乐赏析】
舒伯特的《未完成》交响曲第一、第二两个乐章无论在形式上或感情处理上，都能搭配得天衣无缝，整个内容至此已表达得十分完整，再加任何诙谐曲乐章或终乐章，均有画蛇添足的感觉。
所以，此曲在形式上虽然未完成，但实际上是完整无缺的，并因此而显得结构新颖，这恐怕是作者始料不及的。
此曲不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品，也是浪漫音乐的一部绝世佳作。
第七课：
标题音乐
所谓标题音乐（programmusic），是用文字、标题来展示情节性乐思（表现文学性内容）或通过模仿、象征、暗示等手段模拟自然音响（表现绘画性内容）的器乐曲，产生于4世纪早期浪漫主义音乐。
标题音乐一词是由李斯特首创，是音乐与其它姐妹艺术有机结和的产物，音乐与文学、美术等非音乐因素相融合不但提高了音乐艺术的表现力而且对演奏、欣赏等实践环节有积极的作用和影响。
标题音乐与之相对应的是纯音乐，也称为绝对音乐，即无标题音乐，是在音乐表17-18世纪以前的作品大多为无标题音乐。
对于标题音乐，人们往往有个误区，就是认为作品只要有标题就是标题音乐。
我们熟悉的器乐作品像海顿的交响曲《时钟》、《惊愕》，贝多芬的钢琴奏鸣曲《月光》、《热情》等作品虽有标题但却不是标题音乐，这些作品的标题是出版商、评论家后来加上的，标题只是启发听众的想像力，引导听众的思路，对作品所要表现的内容稍作揭示。
标题音乐与无标题音乐在音乐表现要素、曲式结构、内容题材方面有明显区别，判断一部作品是否是标题音乐的首要标准是看作品是否表现文学性、绘画性内容。
标题音乐与文学、绘画联系的方式有两种：
一是作品内容直接取材于文学或绘画，如里姆斯基·科萨科夫的交响乐《天方夜谭》、穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》、斯美塔那的交响诗《我的祖国》用；二是音乐表现作者对生活的感受或进行风景描绘，如柏辽兹的交响乐《幻想交响曲》、贝多芬的第六交响曲《田园》。
另外，标题音乐专指器乐作品，声乐作品不包括在内。
标题音乐的标题一般为作者所加，标题与音乐有紧密联系，是作品思想内容的概括，是作者创作意图的展示。
【课堂音乐赏析】
忧郁小夜曲》可以说是写给情人的歌。
他的音乐充满戏剧性，富有色彩。
小提琴独奏的主题在G弦上展开，如长吁短叹般甜美而又充满悲情，饱含着抑郁的色彩
第八课：
歌剧序曲
浪漫主义时期音乐具有表现欲，标题性。
歌剧序曲独立于交响乐的体裁。
歌剧是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，有多种样式和体裁。
音乐在歌剧中并不处于从属地位，而是最重要的组成部分。
演员必须兼有歌唱与表演才能，根据剧本与作曲家所谱写的歌曲来塑造人物形象。
器乐除伴奏声乐外，并担负着刻划人物性格，揭示剧情和发展戏剧矛盾冲突，烘托环境气氛等任务。
歌剧具有代表性的作品是威尔第的《卡门》序曲、茶花女歌剧序曲、佛罗伦萨序曲、田园交响乐。
歌剧是标题音乐的开头吸收了古希腊的精华——音乐加喜剧，交响乐加声乐。
歌剧的灵魂是追求理想。
并且歌剧注重于情感的宣泄，不过遗憾的是歌剧是极其昂贵的艺术。
17世纪末，开始出现了两种固定的范型：
一种是“慢——快——慢”结构的法国式歌剧序曲；一种是“快——慢——快”结构的意大利式歌剧序曲。
歌剧分为正歌剧、大歌剧、喜歌剧、轻歌剧。
一般分为3幕,由宣叙调和咏叹调连缀构成，很少使用重唱及合唱。
歌剧与中国戏曲的区别是歌剧是先音乐后情节，戏曲是先文学情节后音乐。
【课堂音乐赏析】
对《茶花女》歌剧序曲的感想：
整个歌曲充满了忧伤，这个忧伤里带有贵族般的优雅气质。
并且这份忧伤是基于欢快的场景，这种不协调的旋律充分表达了身在欢快的气氛中但却感到孤独的感情色彩。
第九课：
浪漫主义民族乐派
在十九世纪浪漫主义文艺思潮蓬勃发展的同时，欧洲各弱小国家的民族解放运动也正处在崛起当中。
征服民族对弱小国家精神文化上的傲慢侵入与同化，更煽动了高涨的民族情绪。
一批优秀的音乐家为排除民族情感的自卑，纷纷在自己的创作中树立起了民族主义的旗帜，各国民族乐派兴起。
民族乐派是在浪漫主义的整体风格下产生出的一种具有强烈民族个性和斗争性的乐派，主要以本民族的民歌和民间舞曲为素材，采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争的事迹为题材来创作。
其作品充满了爱国主义激情和强烈的民族责任感，同时也浸含着对自己祖国、民族和人民的歌颂之情。
在17世纪，法国、意大利音乐语言在欧洲占统治地位，到了18世纪中期以后，德国、奥地利音乐语汇已具有世界意义。
其它国家富有才华的作曲家曾痛苦地发现，要完全采用德奥音乐语汇与贝多芬、莫扎特、瓦格纳、勃拉姆斯等一争高低是难乎其难的事情。
然而他们相伴民族意识的觉醒，在本民族的音乐语言中发现了宝贵的财富，其创作除了表现出迷恋原始文化，同时更加突出了以往浪漫主义音乐已经出现的异国情调，使之在世界音乐中大方异彩、独树一帜。
具有代表性的作品是《我的祖国》、《沃尔塔瓦河》、《斯美塔那交响诗》。
浪漫主义民族音乐把标题音乐提到文学的高度。
【课堂音乐赏析】
斯美塔那《我的祖国》感想：
《我的祖国》奠定了斯美塔那在世界音乐史上的“捷克之父”地位。
我喜欢这首曲子动人的旋律，更欣赏这首曲子带给人的震撼。
人的一生总有一些东西必须坚守，那是一种灵魂的坚守，是生命中不能放弃的坚定，无论你身在何方。
第十课：
印象主义音乐
印象主义音乐是指19世纪末、20世纪初由法国作曲家C.德彪西首创的一种音乐风格。
印象主义一词借用自美术。
印象主义音乐是在象征主义文学及印象主义绘画的影响下发展起来的。
印象主义音乐崇尚柔和，抑制、排除过分的激情；避免借助标题和丰富的色调变化引起联想。
含蓄的暗示多于热情直率的表达，强调朦胧的感觉印象和变化多端的气氛。
音乐比绘画更能有效地把印象主义的理想付诸实践，绘画只能表现光的静止状态，而音乐却能表达光的流动变化。
印象主义音乐具有代表性的作品是德彪西的《牧神午后前奏曲》，拉威尔伯莱罗舞曲，交响素描交响诗歌：
大海等等。
【课堂音乐赏析】
感想：
德彪西的《牧神午后前奏曲》带有些神秘和虚幻的气氛，它注重音像音色，是流动的景色。
表达了作者崇尚自由的感情，是抽象感情的表现，短小不规律，是风花雪月的。
它在不断变化的伴奏陪衬下，给人一种飘浮不定的、梦幻般的意境。
甜美、热情、优美的曲调描绘甜蜜的爱情。
但梦境里发生的一切，一个一个地消逝了。
牧神又回到朦朦胧胧的睡意之中，他感到疲倦、孤独。
整个音乐使人感到波光粼粼，阳光明媚，暖气袭人，微风吹拂。
第十一课：
现代主义音乐
现代主义音乐泛指19世纪末20世纪初印象主义音乐以后，直到今天的全部西方专业音乐创作。
然而，由于在近90年的时间里，西方音乐的风格、流派十分繁杂，演变也非常剧烈；从历史风格的范畴而言，现代音乐特指20世纪中所创作的有特殊风格的作品，并非指所有写于20世纪的作品。
和浪漫主义及其以前的西方传统音乐相比，现代音乐不仅有了非常大的变化,而且风格也十分多样化。
在现代的经济、政治、科学以及其他艺术思潮的影响下，在音乐艺术本身内在规律的作用下，西方传统音乐的基本法则相继被一一打破了。
这个过程中，由于各个作曲家所采纳的途径、手段不同，因而流派之间、作曲家之间以及作品之间都呈现出比历史上以往任何时候都更为复杂的面貌。
在以往的历史时期中，总有一种占统治地位的主要音乐风格，而在20世纪中，几种不同的、甚至相对立的音乐思潮平行发展的现象是屡见不鲜的。
音乐风格的变迁决定了音乐内部各个组成要素的创新。
在音高、节奏、音色、力度、组织结构法等各个方面，现代音乐都作了前所未有的突破。
这一方面形成了现代音乐本身的主要音响特征，另一方面音乐的表现范围也空前扩大了。
作曲家获得了更多、更丰富的创作手段，因此，更多风格的音乐、更复杂的音乐、更具体、更抽象的音乐展现在了我们的面前。
【课堂音乐赏析】
德彪西《牧神午后》感想：
乐曲的开始部分，简单而无伴奏的长笛所吹出的旋律，仿佛是画布上刻画得十分分明的线条（片段1），它显然是表现了诗人马拉美笔下的牧神所吹奏的洋洋曲调。
牧神亲自吹奏的那懒洋洋而变化多端的旋律，很快就融入温暖的天鹅绒般的圆号与木管声中，以及一串淙淙流水般的竖琴声中。
乐队的色彩纤丽而细腻，弦乐分声部奏出轻轻颤动的震音。
整个音乐使人感到波光粼粼，阳光明媚，暖气袭人，微风吹拂，牧神昏昏欲睡，梦境消逝在稀薄的空气之中。
第十二课：
中国传统音乐审美特征
20世纪具有数字意义的音乐的不协和体现出内心的焦虑惶恐不安、理性的坍塌瓦解。
它是有光晕的艺术，从现实中脱离。
这时的音乐是雅俗共赏，艺术商业化并存。
21世纪中国的代表性的作品是谭盾的《地图》交响协奏曲。
它表现了“中和之美“。
创作观念的高度理性、创作手法的高度理性、表现方式和表现内容的非理性。
《地图》是把中国的观念用西方的方式表现出来的。
他把中国最原生态的艺术与西方文化加工撮合到一起。
就像大提琴发出的极为中国化的声音，中国的文化融入到西方的音像，使中国风透入到世界的音乐。
而且更令人感叹的是谭盾使用了多媒体技术试图以音乐的方式保存中国的传统文化。
【课堂音乐赏析】
纺织丝线一般：
悲伤里带欢乐；边笑边哭，并且都是适可而止的高潮，停顿多，让观众充分想象。
“吹木叶”体现了随时随地用音乐表达自己的思想感情的传统文化。
木叶的声音大致是忧伤的，可以想象出古人们独自一人坐在池塘边吹起木叶，惆怅满面，忧伤的旋律飘逸四方。
出乎经验、大为不解、内心青春的躁动、隐藏的本能、追求的目标、远方的灯塔、精神的自由解放，以美的方式想象空间。
温良敦厚，含蓄，深邃。
就是极其中国的风格和感觉。
来源于“哭嫁唱”的哭唱体现了妇女们遵守封建思想与追求个人幸福之间的挣扎于无奈。
谭盾的《地图》细细地展现了中国人的情绪。
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