舞蹈作品1.docx
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舞蹈作品1
云南映象
全国首部大型原生态歌舞集《云南映象》（DynamicYunnan），由我国著名舞蹈艺术家杨丽萍出任艺术总监和总编导并领衔主演倾情打造的艺术精品，成为继“五朵金花”、“阿诗玛”之后，诞生在云南的又一经典力作。
简介
《云南映象》是一台融传统和现代一体的舞台新作，将原生的原创乡土歌舞精髓和民族舞经典全新整合重构，展现了云南浓郁的民族风情。
该歌舞集70%的演员来自云南各地州甚至田间地头的本土少数民族演员，演出服装还原于云南各民族民间着装的生活原型。
《云南映象》在2004年中国专业舞蹈最高奖项--第四届中国舞蹈“荷花奖”的比赛中赢得十项大奖中之五项奖项:
·舞蹈诗金奖
·最佳编导奖
·最佳女主角奖
·最佳服装设计奖
·优秀表演（打鼓设计）奖
特点
作为中国舞蹈史上第一个自己营销、包装、推广的原生态民族歌舞集，《云南映象》从高原村寨走向世界，为中国的舞台艺术走向市场探索出了一个崭新的运作模式，《云南映象》本身也已经成为一个中国舞蹈界的共有品牌、一张获得广泛赞誉的“中国名片”。
·演员：
75%来自山寨
《云南映象》的演员共有90余人，其中70%是来自云南各村寨的少数民族演员。
他们血液中本来就流淌着原始的舞蹈基因。
这些演员最小的7岁，最大的20多岁，当时杨丽萍去找他们的时候，他们都还在干着农活。
据杨丽萍本人说，之所以大量起用业余演员，主要是许多专业舞蹈演员没有民间的味道，他们一直在民间的圈子外寻找那种感觉。
而这些民间演员在生活中就唱那些歌跳那些舞，他们的歌舞充满了生命的勃发，这是专业演员不具有的。
在排练时，杨丽萍只需要指导他们习惯舞台表演就行了。
·表演：
红土原汁民族原态
全剧共有“混沌初开”“太阳”“土地”“家园”“火祭”“朝圣”“雀之灵”等七场歌舞，展现了云南少数民族对自然的崇拜、对生命的热爱。
舞蹈编排将云南原始乡村歌舞的精髓和民族舞蹈语汇进行了整合重构，用新锐的艺术构思表现少数民族的勤劳、朴素。
肢体语言中揉合了彝、苗、藏、傣、白、哈尼等民族舞蹈。
序幕在60面大鼓的敲击声中拉开，即使是女子擂鼓的时候，也让人感受到来自红土地蓬勃的生命力。
最后是以杨丽萍领舞，60只“孔雀”齐舞的“雀之灵”作为尾声。
全剧表演全是真人真唱，演出服装全部是少数民族生活着装的原型。
·舞美：
远古现代时空跳跃
《云南映象》大量使用了可移动、升降转换的装置。
据介绍，云南的少数民族在劳作之余，喜欢在广场上跳集体舞，他们称之为“打歌”或“跳锅庄”。
为把这样的生活原态再现在舞台上，杨丽萍突破了以往舞台艺术的均衡布局，使传统的广场活动与现代舞台艺术得到了完美结合。
音乐、服装、灯光、道具，将留给观众一个“原生态”的特定印象。
180副具有云南特色的面具，牛头、玛尼石、转经筒在亦幻亦真的舞台灯光中穿梭于远古和现代，在时空错位、视觉错位中构建一种生态情感。
男子版天鹅湖
MatthewBourne，马修·伯恩，（又译马逊·伯尼），1960年1月13日生，
英国影画先锋舞蹈团著名舞剧编导。
新编舞剧将故事移到五十年代，天鹅全部由男性担任。
音乐沿用柴可夫斯基原曲，但传统芭蕾舞嘲荡然无存，取而代之的是全新的现代城市背景。
故事梗概如下：
小王子被女王母亲冷落，渴望母爱的王子不能承受王室生活的压力，他幻想中看到一只天鹅，他强健美丽而又自由自在，天鹅身上拥有王子所渴望的一切。
王子长大后仍然不讨母亲喜欢。
某个晚上，隐藏身份的王子在酒吧里和人发生冲突，被赶出了酒吧。
沮丧的王子在公园里撞上一群天鹅，其中一只和王子梦幻中的天鹅一模一样。
王子爱上了天鹅，心里洋溢着希望。
在宫廷舞会上，一位英俊的黑衣青年不速而来，他与王子在公园里相遇的天鹅非常神似，但黑衣人潇洒而傲慢，和所有在场的女士调情，并赢得了女王的欢心，他还模拟天鹅的舞姿来挑逗王子，使其大出洋相。
当大臣宣布黑衣人同女王订婚的消息时，王子的精神彻底崩溃。
奄奄一息的王子躺在卧室里，天鹅们突然出现，将王子带进了一个美好平静的世界。
女王进来时，发现儿子已经死去，而此时在窗外，天鹅怀抱着少年王子挺立在星空下，王子的灵魂终于在爱人的怀抱里找到了归宿。
水月
基本信息
编舞：
林怀民
音乐：
选自巴哈无伴奏大提琴组曲/米夏?
麦斯基演奏
灯光设计：
张赞桃
舞台设计：
王孟超
服装设计：
林璟如
介绍
水月的创作灵感来自于两个主题：
一是佛门的偈语：
「镜花水月毕竟总成空」，另一个是熊卫先生所创的「太极导引」原理发展成形。
以清冷，冥想式的气氛贯穿全舞，美得令人沈醉。
它反映了表象与本质，著力与不著力，男人与女人的关系。
林怀民以偈语和太极的原理作为编舞的出发，在其中更融入了道教的哲学。
水月反映出真实与虚幻、阴与阳之间的关系。
而在最后阐述时间与空间的概念。
『水月』反映了表象与本质，著力与不著力，男人与女人的关系。
它是一支美丽绝伦的抒情作品。
在七十分钟持续的独特和谐秩序中，让人经历了完全不同的时间感受。
评论
这一季节目中，没有其他的作品可以与它的绝美匹敌。
－－国际芭蕾杂志
上上之选；观众随舞流转，舞终还想再看下去。
－－澳洲雪梨晨锋报
巴哈的奏鸣曲与林怀民的太极，彼此融合，彷佛百年来就等待这场相逢。
－－德国法兰克福汇报
林怀民辉煌成功地融合东西方舞蹈技巧与剧场观念。
－－纽约时报
这是个赢得人心的舞团，在纽约、在旧金山，观众起立喝釆，激动地鼓掌。
－－旧金山记录报
以西方最苛刻的眼光来看，云门诸多奇迹中，最令人惊讶的是它技术的水平……
与荷兰芭蕾舞团或美国现代舞团相较，云门绝不逊色。
－－德国芭蕾杂志
这个舞团与世界新旧现代舞团相较，不仅并驾齐驱，甚有超越之势。
－－国际芭蕾杂志
水月洛神
《水月洛神》以曹植的传世名篇《洛神赋》、《七步诗》和中原洛神传说为依托，以曹丕、曹植二人的兄弟相争和战乱中一个美丽女人甄宓的命运遭遇为线索，巧妙的将“诗书礼乐舞”融汇一堂，揭示了现代人对古典艺术美的探究与理解，为观众细腻的描绘出一段跨越千年的凄美之恋。
中文名：
水月洛神
导演：
佟睿睿
编剧：
冯双白
主演：
唐诗逸、华宵一
类型：
剧情
上映时间：
2010年12月初
主创及主演：
编剧：
冯双白
导演/编舞：
佟睿睿
作曲：
郭思达
舞美：
刘科栋
服装设计：
麦青
洛神（甄宓）——唐诗逸、易星艳
曹植——汪子涵、盖峥
曹丕——曾鹏飞
厚重的中原文化为《水月洛神》注入贯穿全剧的灵魂，在《水月洛神》创作之初，该剧总导演佟睿睿及主创人员多次遍访河南各地，深入民间采风，充分汲取中原历史文化营养，深度挖掘中国古典舞蹈的风格、体态、韵律和流动之美，尤其是在中原文化的表达上，使用了传统的十二面汉砖墙，同时又融入现代元素，镜子与月亮的结合完美呈现出空灵纯净之感。
全剧以歌、舞、礼、乐、诗为载体贯穿全剧。
这些元素虽为情节发展服务，其形式本身已独具非凡魅力，闪烁着中原文化的璀璨历史，承载着中国古典美感的各个方面。
镜花水月
昆曲、古琴、长调和木卡姆这四种世界非物质文化遗产元素，作为中国文化艺术形式的符号，从序幕《游园惊梦》开始，渲染上浓厚的中国风，贯穿首卷《伤花》、二卷《望乡》、三卷《问月》、末卷《霓裳》、尾声《葬心》这六个章节的始终。
据主创团队透露，全球巡演版《镜花水月》从序幕到尾声，将像依次展开的中国文化画卷一样，在众多符号性艺术的点缀下，营造出浓浓的中国风。
在演歌会的开场曲目《游园惊梦》中，李玉刚将首次尝试用昆曲形式演绎经典女性形象杜丽娘。
婉转的歌喉、变幻莫测的灯光，瞬间将观众带入奇美的梦境。
首卷《伤花》包括《镜花水月》《霸王别姬》。
《镜花水月》是专为此次全球巡演主题定位全新创作的，而《霸王别姬》则是最具代表性的中国大型音乐作品。
在著名作曲家关峡笔下，一曲《看大王》将中国传统乐器、京剧唱腔融入西方元素，宏大的交响给观众的听觉带来强烈的震撼。
二卷《望乡》是演出主体的第二部分。
李玉刚在《昭君出塞》中的昭君形象令人倾倒，绝佳地展现出了即将远赴千里之外昭君的凄楚之美。
此曲中将加入世界非物质文化遗产蒙古长调和新疆木卡姆音乐元素。
三卷《问月》中包括素有“以孤篇盖全唐”之称的《春江花月夜》，由著名音乐人马久越先生重新编创，古典名曲加入女高音花腔演唱全新演绎。
赋予了古曲新的生命活力。
末卷《霓裳》中《贵妃醉酒》是李玉刚表演艺术的杰出代表。
著名设计师郭培为其量身定做的红色贵妃华服和凤冠霞帔，令其造型惊艳全场。
再加上李玉刚一颦一笑尽显大唐贵妃的妩媚，以及令人眼花缭乱的红绸舞，瞬间将整场演歌会推向高潮。
整台演出的尾声《葬心》，李玉刚将在一袭纯白水衣的映衬下浅吟低唱，“蝴蝶儿飞去,心已不在”道出无限酸楚与孤独，褪去铅华的李玉刚则更显纯洁、惹人怜爱。
特点
一、超越：
一流主创团队，倾力打造中国式的歌舞盛宴
出品方集结各界创意制作精英，从文学、音乐、舞美、灯光、服装、舞蹈及多媒体，以国际化视角创制“镜花水月”，倾力打造一部中国式的歌舞盛宴。
并以李玉刚独特的表演为支点，以全球巡演为主线，向海内外传播中国传统文化。
不仅有著名音乐制作人马久越、中国歌剧舞剧院国家级编导佟睿睿、著名服装设计大师郭培领衔的创作团队，古琴大师李祥霆、朗诵艺术家张家声、古筝演奏家常静、京胡演奏家艾兵、女高音歌唱家尤泓斐等也倾力加盟。
二、跨界：
中国与世界、古典与现代的视听碰撞:
丰富的视觉及音乐元素，以伊人情绪贯穿全篇，以多媒体水墨点染诗赋唱诵，《镜花水月》自始至终贯穿了极具中国古典特色的审美元素。
汇集多个世界非物质文化遗产元素，融合中西乐器，使《镜花水月》更加凸显出其优雅的文人气质，民歌、民乐、电子乐、美声、长调、舞蹈融合充满跨界的色彩及独特的意境。
三、颠覆：
赋予时尚舞台以文化底蕴，中国美学的诗意呈现
摒弃演唱会一味突出“秀”的形式感，《镜花水月》在中国古典文化中寻根溯源。
使观众在观演的同时，领略与品读乐府、昆曲之美。
无论杜丽娘、杨贵妃，还是虞姬、王昭君，李玉刚以男儿身，幻化出最具典型意义的四位中国古典女性，令观者迷惑于她们的美，感伤于她们的魅，由此产生对传统文化的爱慕之情，并把其美学意义阐释到了前所未有的极致水准。
燃烧地板
《燃烧地板》中看到优雅的华尔兹、激情的恰恰、桑巴、充满异国情调的伦巴、跳脚、爵士、摇摆、热情的佛拉明戈、清新飘渺的踢踏舞等国外各类风格的舞蹈。
演员们粗犷奔放的表演，配以性感大胆的服饰造型，令人意想不到的创意风格、激情洋溢的音乐以及令人如痴如醉的视觉和音响效果。
现场演出的火辣和轰动令观众情不自禁在座位上乃至走廊中翩翩起舞，与舞台上融为一体。
国标舞
摩登舞和拉丁舞，十个舞种。
其中摩登舞项群含有华尔兹、维也纳华尔兹、探戈、狐步和快步舞，拉丁舞项群包括伦巴、恰恰、桑巴、牛仔和斗牛舞。
流行歌曲浮世绘
07年一个周末晚上，我去北舞看了王玫所带04现编的新剧《流行音乐浮世绘》，这部舞剧要比我预想的更加震撼人心，某种意义上来讲已经超出了舞剧这类艺术形式，由此洞察混沌世界中芸芸众生的悲凉与现实，感动与尴尬，羞耻与无奈。
它擅长挖掘这个浮躁社会种种不同的人生和相同，人们每天都暴露在“社会”的灯光下，社会上演着种种的不可思议的举动而自己却浑然不觉。
物欲横流的社会灯光下中，每个人既是小丑也是观者，贬低和责骂别人的时候自己不觉已成小丑。
人在物欲金钱的海洋中，有时只能用钞票遮住自己尴尬的躯体，不由让我想起高官出入淫秽场所被擒的囧样，人有时真的穷的只剩下钱了。
更多的人在都市中被金钱的欲望所左右，梦想已死，失去魂魄。
人赤裸裸来到这个世界为欲望而拼搏，走时回归自然。
人间百态浮现世间，无数面孔下藏着各种欲望。
浮世绘内包含着无数人的狰狞、哭泣、无奈、悲哀、尴尬、狂喜、嫉妒............
浮世绘的内涵与想像力是惊人的，它以一种俯视的姿态纵观人们的生活状态，可在其中看到我们自己的种种可笑行为和心态，社会的各个层面人们内心的剧烈争斗，其实我们就是在看我们自己，就想自己在镜中看到自己的不齿。
人都是在痛斥金钱可憎的同时不惜一切代价想拥有，因为拥有金钱就拥有人们看你眼神的不同。
芙蓉姐姐认为自己很美，因为她的自信给大多数人带来了快乐而不是伤害，我们根本不用去分析人家是否自恋，是否出问题，其实我们每个人都不明白什么才是“正常”的标准，她只是表达的更露骨一些。
大家为什么都想站在舞台上展现自己的才艺，因为人都是自恋狂，都想自我实现，都很很很在乎别人的眼光和自我的依恋，只是各自的舞台不同罢了。
浮世绘中人像遛狗一般牵着带轮的鸟笼在舞台中穿行，笼中放着毛绒洋娃娃。
为什么每个女孩都喜欢洋娃娃，因为她们都缺乏安全感且自认擅长照顾别人，或者说是一种天性，每个人心中都有一片柔软的地方，一片纯净的田园牧歌。
而现实中梦想却像金丝鸟般囚禁在鸟笼中，被自己无意识的牵着行走，自己却浑然不知，抱怨和沮丧不绝于耳。
或许，我们是该转身拆开鸟笼释放性灵的自由，但梦想总有温差，现实由不得你左右，一切流于漫无目的的大流中穿行。
小人物的世界都是来回的穿行但心中总有无法释放的梦想，我们不能停步，因为大家都在前行，虽然都不知道真正的方向在哪里。
<流行音乐浮世绘>是个独立于前面三个小节目的总长为40分的舞蹈作品.
服装（形象）的灵感源于几米的漫画，是那种小人物，身边随处可见的人，只是用一种豁朗的眼光来看待世间的人，可爱又朴实。
对音乐的选用：
都是用大陆的歌曲，第一段都是崔建的早期音乐；第二段则选用网路上流行的平民化制作；第三段都是民歌新唱。
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对脱裤子的选用：
人生都会有那种尴尬的时刻，或许我们正是处在一个尴尬的状态在过活。
裤子脱到一半，不上不下，行走在这个世界，脸上却若无其事。
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就是想要这种尴尬的状态，而选用这个“动作”的。
而最后，当《东山顶上》响起时，每个人都干干净净的站立于这世间，为的是一份宁静，人的一生到最后，不也就是这样赤条条的来去么？
听很多人说，在场的观众有人到最后已经抑制不住的哭泣了。
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听到这，我有些须感动，为了我自以为是的“共鸣”，其实，我想每个人都有不同的理解吧。
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我们只是表达了自己，别人的哭泣也必定是为了自己吧。
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编导系里的那位被称为“中国现代舞大师”的王玫老师，她众多的舞剧作品能够折服艺术圈内其他门类艺术的同行。
看看王玫老师的动作编排：
动机简单而变幻丰富，形式简约而不简单。
其新作《流行歌曲浮世绘》就把简约的动作形式感推向极致，一个舞剧几乎就只有一个动作，“谁都能编，但是谁都编不了”——这是刘建教授给于的精辟概括。
众多作品中看，王玫老师的文学功底是非同一般编导的，她总是能先在选材上取胜——独特的视角挖掘，崭新的理念传达……这些都不是一般的舞蹈编导们所能够比拟的。
踢踏舞
踢踏舞（英文：
tapdance）有拍打敲击的意思，是现代舞蹈风格的一种。
形成于20世纪20年代的美国。
当时爱尔兰移民和非洲奴隶把各自的民间舞蹈带到美国，逐渐融合形成了新的舞蹈形式。
这种舞蹈的形式比较开放自由，没有很多的形式化限制。
舞者不注重身体的舞姿，而是着重趾尖与脚跟的打击节奏的复杂技巧。
美式踢踏舞，在美洲大陆的民族大融合中，将爱尔兰木屐舞和非洲民族的传统音乐以及那祭祀时的原始舞蹈结合，发展形成。
以自由轻松为形态，追求节奏的复杂表达。
作为非洲民族艺术的一种新大陆的提升，美式踢踏舞继承了黑人那种天性中深蕴的原始自由，“TAPISNOTMAP”一直作为美式踢踏舞的真谛被发扬。
英式踢踏
英式踢踏则是强调以芭蕾优美肢体动作为主，在舞步方面有较多的旋转、滑步…等，舞者在演出时常带给人们一种贵族的气息，另外英式踢踏在节奏这部份切分音的变化比较少，但是重复的音节比较多。
爱尔兰式
爱尔兰踢踏舞
爱尔兰踢踏舞蹈，真正的名称应该为“Irishdance-Hardshoesdance”，爱尔兰踢踏舞首先是一种爱尔兰民族的传统艺术形式。
而美式踢踏舞才称为Tapdance。
踢踏舞是爱尔兰的特色，更是爱尔兰的国粹。
它结合了艺术的表演、优雅的舞蹈动作与舞者惊人的体能。
近年来，全世界都吹起了爱尔兰舞蹈的风潮，接下来，就让我们带领您进入一个爱尔兰舞蹈的世界，让您清楚地了解这种风靡世界的舞蹈。
爱尔兰舞者在跳爱尔兰舞时，是没上半身动作的，双手自然下垂，贴与髋部，下半身双脚总是保持交叉的姿势（45度）。
爱尔兰式踢踏又有软鞋及硬鞋的分别，在软鞋舞方面，男生与女生所跳的是不同的，因为软鞋舞男女生的鞋子不同，女生方面有点像是芭蕾舞鞋，不会发出声响，而男生的鞋后跟部分则是硬的，所以可以发出声音。
王者之舞
效果评价
《王者之舞》无论在编舞、串场或舞台布置方面一扫《大河之舞》较恬静温婉传统风格，而改以浑身是劲的动态呈现。
尤其主要的领舞演员在舞台上的飞奔表演更是充满速度感的力与美都极具张力和感染力，肌肉浮凸、双腿快速跳动的舞者、具有戏剧冲突故事情节都让台下观众的心情随着踢踏节奏跌宕。
舞者修长纤美的双腿、优雅有悬停在空中的舞姿以及令人赞叹的整齐动作等永远都是最迷人的一环。
大河之舞
《大河之舞》（Riverdance，港译《舞起狂澜》）是爱尔兰的传统的踢踏舞舞剧，规模宏大，气势磅礴。
起源于1994年4月30日，欧洲歌唱大赛节目过场时段有一段7分钟的踢踏舞蹈表演，深受观众喜爱。
继而改编为一场约2小时的剧场秀，内容除爱尔兰的踢踏舞外，又融合了西班牙的佛朗明哥舞、俄罗斯的芭蕾舞及美国纽约风格的的爵士踢踏舞等。
大河之舞剧照
《大河之舞》犹如一部叙述爱尔兰祖先与大自然抗争，以及经历战争、饥荒等种种苦难后流离失所，重建家园的长篇血泪史诗。
历史宛如一条长河，滔滔不绝的传承着智慧、勇气、生命与爱。
千江万水淘尽千古风流人物，回顾历史，这些的确值得我们珍惜和拥有。
《大河之舞》是利落流畅的爱尔兰踢踏舞，还是忧郁热情的西班牙弗朗明哥？
是气质优柔的古典芭蕾，还是活力动感的现代舞？
都不是，又都是，这就是《大河之舞》，一座连结过去与未来的巨桥，将爱尔兰人民重建家园的血泪史，以全新动人的百老汇音乐剧面容呈现！
超级制作人莫亚·多何第（MOYADOHERTY）在这场《大河之舞》百老汇音乐剧中以严谨的舞蹈编排与精准的场面调度要求，力图展现多样化的表演艺术风貌。
该剧以传统爱尔兰民族特色的踢踏舞为主轴，融合热情奔放的西班牙佛朗明哥舞，并吸取古典芭蕾与现代舞蹈的精髓，共同营造出一场气势如虹，剧力万钧的精彩舞作。
而爱尔兰管弦乐团的演奏及合唱团的天籁美声更是起到了画龙点睛的作用。
《大河之舞》是一场力感、动感、质感与美感兼具的百老汇音乐歌舞盛宴。
踢踏狗
随着时间的不断流逝，社会的不断发展，舞蹈艺术在人类的文化愈显重要，原有的成果似乎还不足够，发展创新才能满足人们对踢踏舞的追求。
踢踏狗也正是在对踢踏舞新高度，新气息的追求中诞生的。
“踢踏狗”舞蹈团的创始人自幼在澳大利亚跳踢踏舞，曾参与《４２街》、《窈窕淑女》和《热步舞》等百老汇剧的演出，成为澳洲的舞蹈明星。
不安现状的德仁创办了澳洲首家踢踏舞团，在悉尼剧院的全力支持下，“踢踏狗”应运而生。
正是由于德仁·佩里的不安现状与大胆创新精神，踢踏狗的风格也无时不在传递、表达着这种情感。
著名的澳大利亚踢踏狗"TAPDOGS"组合，RhythmTap的重要力量。
舞团成员个个踢踏娴熟，技巧高超，人人都有自己的绝活，看的人目不暇接。
虽然他们并没有在踢踏舞这项艺术上，有什么特别的创新与超越。
但作为非常优秀的踢踏舞者，他们在演出中，将踢踏舞的另一方面创意发挥到了极至，将不同质地、不同方式、不同打击声响元素和踢踏舞表演完美结合，不同元素交相辉映，整台演出充满踢踏舞幽默感的踢踏节奏！
这种舞蹈的形式比较开放自由，没有很多的形式化限制。
舞者不注重身体的舞姿，而是着重趾尖与脚跟的打击节奏的复杂技巧。
踢踏狗表演者穿着特别的踢踏舞鞋，用脚的各个部位，在地板上摩擦拍击，发出各种踢踏声，加上舞者的各种优美舞姿，形成踢踏舞特有的幽默、诙谐和表现力非常丰富的一种魅力。
“踢踏狗”的舞风除了保持传统踢踏舞节奏清晰多变、脚下动作灵活敏捷、舞蹈形式自由即兴等特点外，在许多方面都进行了大胆的改良和创新。
比如传统踢踏舞上身动作很少，而“踢踏狗”则借鉴现代舞的某些肢体语言，强调全身的协调动感。
在形式上，“踢踏狗”摒弃了老式踢踏舞“男女对舞”的传统套路，台上是清一色的“酷哥”和“靓仔”，极力强化激烈的节奏感和威猛的阳刚之气。
“踢踏狗”的舞台形象和舞美设计也突破了人们对踢踏舞的固有观念：
不再是燕尾笔挺、皮鞋锃亮，小伙子们都身着牛仔裤、Ｔ恤衫、半高腰皮靴，一副落拓不羁的蓝领装束。
不再是光滑如镜的打蜡地板，许多钢铁质地的围栏、支架、阶梯、平台将舞台变成了厂房和车间，而舞者置身其中，节奏繁密地足踢脚踏，叮当作响，既弥漫着浓重的工业时代的金属气息，又暗示出现代社会人与物的微妙关系。
大红灯笼高高挂
编辑本段简介
由张艺谋导演、陈其纲作曲、王新鹏编舞、中央芭蕾舞团制作并演出的芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》，在保留传统芭蕾元素的同时，将中国国粹艺术"京剧"与现代芭蕾进行了完美的结合，并在艺术手段方面有着大胆地创意和创新，是一部极具观赏性并有着深厚中国历史文化背景的舞剧。
由张艺谋执导的芭蕾舞剧《大红灯笼高高挂》4月26日晚终于第一次撩开了它神秘的面纱。
这是该剧的第一次彩排，也是天桥剧场重建以后第一次启用。
演出的第一个看点肯定是导演张艺谋本人，在演出开始前以及每一次休息时全场几十架照相机和摄像机便对准张艺谋，他与创作组成员的任何举动都被一一记录下来。
不过，这是台下的看点，人们更多关注的当然是台上的内容。
编辑本段故事情节
这肯定是人们最关注的内容之一。
正像张艺谋事先提示的那样，他把电影《大红灯笼高高挂》的情节进行了大刀阔斧的改编，极大地简化了人物关系，只保留了故事中老太爷、三位姨太太，增加了三姨太的情人——戏班年轻小生。
故事就是围绕着三姨太与小生之间对爱情、自由的追求展开的。
与张艺谋擅长电影故事有关，这个芭蕾故事也特别强调曲折、复杂和逻辑性，三幕演出中每一幕都包含相当曲折的情节。
比如：
青梅竹马、被迫出嫁、洞房花烛夜、堂会偷情、麻将偷情、二姨太告密、二姨太点灯、棒打鸳鸯，而每一个情节的具体表现手法也可以看到张艺谋描写故事的丰富想象力。
编辑本段音乐特色
这是一个极富中国民族音乐特色又充满现代气息的芭蕾音乐。
作曲家陈其钢大量运用了中国的京剧、民歌、民间曲调、民间打击乐，运用现代音乐的表现手法，有旋律优美的双人舞音乐、有突出气氛的唢呐和笙独奏、有模仿洗麻将的效果声、有家丁乱棍的效果声、有二胡与大提琴的对答、还有京戏青衣幽怨绵长的吊嗓。
看似素材杂乱，但却运用自如，从一种形式进入到另一种形式自然流畅，不留斧凿。
编辑本段舞蹈设计
这个版本的舞蹈特别强调故事性和情节性，但也很注重装饰性，甚至借鉴了中国皮影戏的表现手法。
在第三幕中还有大段的双人现代舞，但民族舞在其中占了相当大的比重。
其中：
独舞、双人舞、三人舞、四人舞、点灯群舞、轿夫群舞、麻将群舞和水袖集体舞都非常有特色，并有着芭蕾舞剧的舞蹈结构。
序幕的双人舞是由身着学生装的女主角与身穿戏装的武生表演的，与其说是双人舞，不如说是以武生作活动道具的女子独舞，优美而缠绵。
而这个舞剧中还第一次使用了四个真正的京剧演员。
编辑本段舞美服装
这台舞剧的舞台美术可谓满堂生彩。
中国的旗袍第一次被搬上芭蕾舞台，不仅没有影响演员的舞蹈，旗袍的样式、色彩都给人印象深刻。
开幕时的44只大红灯笼富于强烈的装饰性；多层落地可活动的隔扇门也蕴涵着多层的意义；戏中戏的月洞门，既象征着舞台，也象征着床笫。
最强烈的视觉冲击来自于第一幕结束段的第一次见血，张艺谋用一整块可铺满舞台的红绸缎翻滚铺盖在老太爷和三姨太身上，把一个初夜的情节渲染到了极致；而最后的棒打鸳鸯又使用了整面的白墙，并由白变成血红色，都有着独特的戏剧效果。
大梦敦煌
《大梦敦煌》是一部富于传奇色彩的四幕舞剧，以敦煌艺术宝库的千百年创造历史为背景，以青年画师莫高与大将军之女月牙的感情历程为线索，演绎了一段可歌可泣的爱情故事。
该剧兰州歌舞剧院排演。
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