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妙在似及不似

妙在似与不似之间

来源：

  2009-07-03  

　　□郭初

　　明代洪武元年（1368年），明太祖朱元璋下令让画师给他画像。

当时画肖像颇有名气的孙文宗奉旨进京。

他一丝不苟地为皇上画了一张拱手而坐的画像。

此画像惟妙惟肖，几乎不差毫厘。

孙文宗心想，皇上看了一定高兴。

谁知朱元璋过目后，面无喜色，吩咐太监将画像密藏宫中，不得外传。

　　过了一些时候，朱元璋又旨召另一位擅长肖像画的沈希远为自己画像。

这次画得比上一次还要活灵活现，但朱元璋看后仍不满意。

虽然沈希远捞了个“中书舍人”的官职，但其画像却被打入冷宫。

　　后来，有个叫陈远的聪明画家，悟出了其中的奥秘。

他在给朱元璋画像时，只是把面貌轮廓画得有点相像，其余的尽量按照和气、仁慈的主旨臆造。

像画成后，朱元璋喜形于色，点头称道，并命另画多幅分赐给诸王，特授陈远为文渊阁待诏。

　　朱元璋画像的轶事读来颇有趣味。

惟妙惟肖的作品，得不到认肯，而“有点相像”的东西却被倍加赞赏。

这作何解？

因为历史上的朱元璋是个相貌奇丑的人。

作为皇帝的朱元璋，自知模样欠佳，怎么会让画师将自己的真实模样留给后世呢？

陈远的聪明之处，就在于猜透了朱元璋的“皇帝心思”，采用虚实结合的艺术创作手法，在似与不似之间赢得了皇帝的满意。

　　一代国画大师齐白石说过：

“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。

”按照这种创造性思维方式，齐白石创作出许多传世杰作，例如他画的虾，便为典范。

只见纸上的群虾，色泽透明，千姿百态，生动异常。

然而，齐白石笔下的虾，在世上是找不到的，像真虾又不是真虾。

　　无论陈远画像还是齐白石画虾，都运用了似与不似的思维方式。

这种思维的最大特点是虚实结合，在真实与想像之间游离，并能获取“难得糊涂”的心理效应。

　　美国雪菲德裤袜公司为开拓市场，也曾运用此思维进行营销策划。

该公司根据市场调查的资料发现，有40%的美国妇女，都因为太胖而有个“特大号”的臀部。

对于天性爱美的女人来说，过大的臀部实在是身材窈窕匀称的头号敌人，很多妇女都为此苦恼甚至自卑。

更令雪菲德公司惊异的是，这40%的妇女都不穿裤袜，因为她们认为裤袜对她们臃肿的身体并没有多少遮丑功效。

于是，该公司利用美学中的错视原理设计出一种名为“大妈妈”的新式裤袜。

推销这种新裤袜的广告是，由三位胖墩墩的女娃娃穿上裤袜排成一排，标题是“大妈妈，你真漂亮！

”这则广告上的胖模特，脸上充满笑容，仰头挺胸，从画面看去，她们不但没有肥胖的感觉，反而让人觉得她们丰满的身材充满青春的活力和对人生的自信。

广告刊出后，该公司在一个月内收到了7000多封赞誉信，新裤袜的销量也势如破竹，直线上升。

　　看来，郑板桥说的“难得糊涂”，古今中外都可以找到轶事，并给人以智慧的启迪。

踏莎行·雪似梅花

　　雪似梅花，梅花似雪。

　　似和不似都奇绝。

　　恼人风味阿谁知？

请君问取南楼月。

　　记得去年，探梅时节。

　　老来旧事无人说。

　　为谁醉倒为谁醒？

到今犹恨轻离别。

　　【作者】：

吕本中【朝代】：

南宋【体裁】：

词

　　【格律】：

○平声●仄声⊙可平可仄△平韵▲仄韵

　　雪似梅花，梅花似雪。

　　●●○○，○○●▲

　　似和不似都奇绝。

　　●⊙⊙●○○▲

　　恼人风味阿谁知？

请君问取南楼月。

　　●○○●○○△，●○●●○○▲

　　记得去年，探梅时节。

　　●●●○，○○○▲

　　老来旧事无人说。

　　●○●●○○▲

　　为谁醉倒为谁醒？

到今犹恨轻离别。

　　○○●●○○△，●○⊙●⊙⊙▲

　　【赏析】：

　　词的上片以“似”与“不似”写梅与雪交相辉映的奇绝之景。

梅花与飞雪同时的情景之下，写梅往往说到雪，以雪作背景。

正因为梅与雪同时，加之梅花与雪花有相似之处，诗人便常常将它们联系起来。

梅花和雪花形相似、色相近，而质相异，神相别，因而本词中词人写了“雪似梅花，梅花似雪”之后，即拔起一笔：

“似和不似都奇绝”。

“似”是言色，“不似”则言香。

朦胧月色之中，雪白梅洁，暗香浮动，这确实是种奇妙的境界。

　　月下奇景，本应是令人赏心悦目的，可是词人认为是“恼人”的。

“恼人”即“撩人”，此解释诗词中屡见不鲜。

那么为什么会撩拨起人的心事？

词人没有直接回答，只是含糊地说：

“恼人风味阿谁知？

请君问取南楼月。

”词人此处设下了悬念，令人揣想。

因为心中本有事，见了这乐景则与她心情抵触不入，反而触景添愁。

　　词的下片则点明词人心事的由来：

“记得去年，探梅时节。

老来旧事无人说。

”原来是去年梅花开放时节，曾同情人共赏梅花，南楼之月可作见证，而今与情人离别了，风物依旧，人事已非，怎么能不触景生情！

词到结句时才点明词人为什么别来频醉频醒，是为了“轻离别”的“恨”。

　　整首词先设下重重迷障，层层云翳，然后驱雾排云，露出了本意这样使读者从深深的困惑中明白过来，得到了感情上的慰藉。

见雪兴怀，睹梅生情，登楼抒感，对月寄慨，把离别恨委婉道出，有着一种朦胧美。

这种朦胧美不同于明快之美，但也不是晦涩。

　　如果一首词让人感到不知所云，百思不解，那就失却了意义。

这种词没有朦胧美，而是晦涩。

朦胧美如雾中之花，纱后之女，初看不清楚，细辨可见其形态，这种境界给人一种含蓄美。

这首词的题旨全靠最后一句“到今犹恨轻离别”点出。

　　【简评】：

　　吕本中这首词借梅怀人，写得迷离恍惚，含意隽永。

吕本中的诗词以构思精巧见长，大多写得词浅意深，别有风味，花魂雪魄，冰清玉洁，浑然相似。

然对此佳景，更惹相思。

因此探梅时节，不禁对景追忆往事，遂别有一番恼人风味萦绕于心。

　　此词写别恨，情从景生，天然浑成，两阕的末句尤为警策。

这种艺术手法确如画龙，云彩翻卷之中，东现一鳞，西露一爪，最后见首点睛，因而使画中之龙既显得体态矫健，又透出十分神韵。

在似与不似之间

牛皮大士

    后学演前辈的戏，难。

   一是前辈东西是死的，特别是过世的老先生，留下的东西什么样标准就成了什么样，稍有不同就被指为不肖。

二是观众对前辈的艺术不还能发展地看，就算是鼻祖，他早中晚期的特点也有不同，这是他学养和演出实践的不断丰富自身条件的变化以及临场表现等因素决定的，这在他身上是允许的，而后学唱他的哪出戏就要按他拿手的那部分去学，后学就要总向前辈的高峰看齐，若有变化便有人说是叛逆，恰恰最需要用发展眼光看待的后学却总免不了被要求一步到位。

三是什么叫像什么叫不像，基本是个平面的概括，往往从嗓音到四功五法都以原戏为标准衡量后学，不能从基本要素出发去对比像与不像。

四是人本来是个活物，从声带到悟性这些自然条件无一相同，要真的唯妙唯肖，难。

五是鼻祖只有一个，而后学成辈成批，哪里能齐步走处处到家不失一寸？

   如此说来，怎么样看后学的像，就有一个差异了。

如果以一点不差为标准来衡量，则后学几乎少有合格的。

我们看到不少以一腔之失一字之差就推说学艺十几年甚至几十年的后学为野狐禅的，以某之愚钝，难以将这种高标准严要求看成是客观的态度。

以后学的条件，如果表演确实具备先师流派要素但又有不同，应当理解为条件所限或还没学到家，是在学像的过程之中，急着与成熟的先师比拼就有所不当了。

这一点不能宽解一点的话，那任何后学肯定是要长期在骂声中成长了。

我们不能说不允许后学在“学像”道路上走而要求他们一上场就丝毫不差。

我这人特善良，虽然判断“在学”与叛逆很难，看到后学与经典有出入的地方，宁可理解为“在学”，而不愿指谪他是在叛逆。

学戏的不论是幼科从师还是私淑暗步，多少还是知道艺业规矩的吧，他们也会是在极力地向先师学习靠拢的吧，如果连这点艺德都不复存在，那就太可怕了，所以我想应该给后学一点起码的信任。

我想，流派流派，是流动的变化的有差异的大致方向一致的澎湃激流，而不是一瓶成分完全相同的蒸馏水，是激流就没有完全相同的两朵浪花，小的差异和不足如果不能被容忍，则戏剧的环境是不是会太窒息了呢？

化蝶堂子轩

舞台剧《白毛女》风行一时，因为演员演得非常投入，以致于许多观看的农民拿起砖头就往台上的“黄世仁”身上扔；电影《大决战》中也描述了一个类似的画面，因为演员演得太投入，塑造了一个栩栩如生的罪恶的敌人形象，以致与台下有战士开枪打死了这个演员。

在许多人的眼里，总认为戏演得越逼真越好，因为这样就能很容易与观众融为一体，打动观众的内心。

然而，德国戏剧家布莱希特却推崇戏剧的“间离方法”，又称“陌生化方法”，就表演方法而言，“间离方法”要求演员与角色保持一定的距离，不要把二者融合为一，演员要高于角色，驾驭角色，表演角色。

按照通俗的话来讲，就是提倡“写意”的戏剧观。

依此看来，戏演得不像，自然得不到观众认可，但是演得太生动了也不好，因为太深入了，就会使观众完完全全地沉浸其中，而无法跳出其情感体验去品味戏剧本身的艺术表现。

“妙在似与不似之间”，这是一代书画大师齐白石对艺术的独特见解。

“太似则媚俗，不似则欺世。

”绘画作品不能不逼真，画什么东西不像什么东西，这是对观者的欺骗。

但又不能拘泥于物象外在的形象，而应该抓住物象特有的内在本质，发挥艺术想象，或突出或夸张，体现于不同其它特象的独有特点。

这样做不仅融入了作者的情趣思考，更重要的是给了观者艺术解读的空间。

艺术如此，课堂亦然。

想起一位老师上的《大江保卫战》，执教的老师选择了很多当年抗洪抢险的视频资料，也费尽心思写出了许多极其煽情的课堂用语，整个课堂，伴随着洪水的咆哮，战士的呐喊，老师就像一个激情无比的现场解说员，师生都沉浸在浓情的氛围里。

但是，当学生新潮澎湃地走出课堂的时候，留给他们的还有什么呢？

语文课上最基本的语言文字的品读又在何处呢？

正如方智范教授所说的，心中有教材，做有个性化的教学设计，心中更要有语言文字。

语文教学不能游离于语言文字之外。

过分地营造一种现场气氛，就会淡化对语言文字的分析。

追求语文课堂的“理性”激动，回归语文课堂文字品析，恰恰是语文教学的“自然之道”。

似与不似,这是中国艺术的一条美学原则，尤其是绘画作品，意思是说绘画作品不能不逼真，画什么东西不像什么东西，这是对观者的欺骗。

但又不能拘泥于物象外在的形象，而应该抓住物象特有的内在本质，发挥艺术想象，或突出或夸张，融入作者的情趣思考，体现于不同其它特象的独有特点。

在“是这一物象又不完全只是这一物象”之间给人以广阔的想像空间。

“妙在似与不似之间”，这是一代书画大师齐白石对艺术的独特见解。

在齐白石诞生140周年之际，我们重新来回味和欣赏他的书画作品，重新来回味这句名言的真义。

除了表达对一代大师的崇敬之外，还将对代表国粹的中国画有比较深刻的了解。

同时还可以解读到书画之外的自然和人生之理。

不愧是不朽的艺术大师。

齐白石用一句简单的“妙在似与不似之间”，就解决了多少年来艺术界一直争论不休的关于艺术创作的基本问题。

在他看来，太似则媚俗，写生不是绘“标本”，如果这样艺术家就成为了自然的奴隶，放弃了对自然与生活的概括提炼，是对艺术创作的不负责任。

太不似则欺世，艺术也是对客观自然的一种反映，太不似则是对客观自然的一种歪曲，同样是一种不负责任的行为。

它失去了艺术“真”的根本，是不会从根本上得到观赏者共鸣的。

齐白石的成功之处就是找到了似与不似之间的巧妙连接，为中国画的创造与发展作出了不朽的贡献。

齐白石无疑是最有人民性的一位画家，这基于他对自然和生活细微观察，对普通劳动者的热爱。

他把传统“文人画”从象牙高塔带入了民间。

他善于从极其平凡的生活与自然中提炼出深刻的美学理念与情趣。

一颗普通常见的白菜，通过齐白石的处理成了“菜中王”，他写其肥厚丰满，且赋予“清白”的寓意。

一群普通的虾子，通过齐白石的笔墨处理，一个个变得晶莹透亮，生动可人。

通过齐白石巧妙的空白处理，不着一笔而将虾群置于水中。

以至他的虾子成为以后任何一个中国画研习者的经典和必修课，也成为普通老百姓认识中国画认识齐白石的着眼点。

乍一看觉得相似,仔细看又不那么相似,再看又觉得有点相似……就在那似与不似之间最值得玩味！

就象“花未全开是最美”的感觉。

个中境界还要你慢慢品味……

本来想自己写来着，结果有现成的。

送你了（楼下的别抄我的原创啊。

如果抄也注明啊，看我，抄上面的就写出处，可以下几句是原创）

原创：

我的看法基本上是：

一、基于现实，超于现实。

即来源于生活，要高于生活。

二、画的高妙之处，神采意境为上，形质表象次之，二者兼之方称为妙品

“妙在似与不似之间”是符合中国千年传承的审美情趣的。

记得余秋雨先生在谈散文创作时提到一个“两难结构”，很有意思。

“妙在似与不似之间”实际也可以看作这样的一个两难结构。

我对中国千年传承的审美情趣是这样理解的：

太象的，把他交给科学与科学家去表现，

太不象的，把他交给哲学与哲学家去表现，

似与不似的，正是艺术与艺术家要表现的。

就一幅作品，对观照者而言，太象，就无吸引力，无法调动观赏者想象力。

太不象的，使观照者无处依存，虽能激发想象力，但想象力没有发端，力量分散，产生不了审美愉悦。

而似与不似的东西，既能激发想象力，又使这种想象力有发端，能形成较大的合力。

使观赏者既觉得妙，又说不出妙在何处；使观赏者觉得似呼这里妙，又似呼那里妙，处于一个两难的结构中，形成审美愉悦。

就象挠痒痒，妙在挠上与挠不上之间，完全的恰好挠上与恰好挠不上都不能产生最舒服的感觉。

最近闻正兄的几幅水墨作品，给人以美感，正是这种妙在似与不似间的深刻体验。

如笔触与音符&topic=107

只觉其妙，但妙在何处难以说出，只觉其象，但到底象什么难以说出。

你可能说妙在色块，线条的和谐，你可能说象山，象水，象木纹，可你又会觉得并不是这些，你的想象力得以激发，在这种两难或几难的审美体验中心荡神驰，就象挠痒痒，挠上一下，挠不上一下，舒服之极。

“妙在似与不似之间”中的“似”是什么？

“不似”又是什么？

“似”无须阐述，“不似”则有很多不同的阐述。

有人说：

“似”是形，“不似”是神，对“不似”的肯定是中国写意画家经过宋、元、明、清漫长的艺术实践得来的。

其中有两层意思，其一肯定写意画中抽象“不似”成分的存在，其合理性与不可缺少性是写意画的精髓；其二这种抽象形式依赖书法形式去完成，即“神”之所在。

由鲁迅美术学院中国画系主编，辽宁美术出版社出版的《中国高等美术院校国画名家教学画稿·写意花鸟》一书，就是由齐白石的再传弟子韩不言的学生李巍教授编写的。

作为齐门画家，他对老师的画风遗貌取神，师心不蹈迹，将老师的艺术风格融进自己的创作，将齐白石大师最动人心弦的画风、诗意和情趣很好地继承下来。

在他看来，只有诗意和情趣，才能将自然之美化为艺术之美，将实境化为虚境，造成深邃美妙的意境。

他的《似乎有鱼》画中那疑惑地注视着花瓶上一层鱼的小猫，其情趣神韵即可看出白石画风的神韵所在。

从李魏先生的画集中我们还可以看出，一方面，他反对雕琢气，追求“似与不似”的神韵，另一方面，就是不主张“语不惊人死不休”的刻意磨炼技巧，他追求天籁般的自然，对自然与雕琢问题，主张运用技巧进行创作，只要完成的作...

似与不似之间的距离

江南大学设计学院副教授、硕士研究生导师　唐鼎华　

齐白石大师砚边耕耘数十年硕果累累，在这无数的财富中他有一句用毕生的心血浇灌出来的经验之谈：

画“妙在似与不似之间，太似为媚人，不似为欺世”。

这是大师艺术——写意画实践的总结，也是大师心目中衡量“好画”的标尺，又是作画的法宝。

“似与不似”一般是指作画者、观画者对画面中表现的物象与生活中相对应的物象进行对比判断是否接近，感觉像不象的一种程度。

“妙在似与不似之间”是齐白石大师设立的没有具体刻度的艺术形象“好差”的尺度，似与不似之间的距离是多少？

如何来衡量？

翻开大师的作品——草虫乱真、鱼虾逼真，那些葫芦、牡丹似象却又不象……，大师没有指点迷津。

常言说：

画画是非常奥妙之事，只能意会而不能言传。

这句经典名言的真谛究竟何在，还须今人反复咀嚼，这把标尺如何来使用还需在自己绘画实践中去摸索，这样才能真正领会其中之道理，这种意会毫无疑问也会带有个人的色彩。

一、似与不似之间的分配与比例

“似”是造型的要求，目的是传达这形象是什么，接受“这是什么”，是人对画面形象的反映。

画是一种幻象，各种绘画技法都无法把对象“搬进”画面，画面上的“一朵花”是绘画技法制造出来的一朵花的“感觉”，而不是花，尤其是水墨写意画，笔墨的局限性与特殊性只能制造一种“似”的大体感觉，绘画的“似”不可能绝对的百分百的真，“似”的尺度可以“被伸缩”，所以也包含着不似。

“不似”不仅是指画中的形象“形不正”，对于写意画来说还是指它的局限性与独特的审美标准。

写意画属国画中的纵放型，讲究塑造形象“写出来”——落笔见形神，难度高不容易“似”；另外所用材料（生宣纸）吸水性能强反映敏感，常会出现偶然的效果与预想的不一致，所以容易造成“不似”，再有，写意画强调“写神”及笔情墨趣又容易造成“不似”。

所谓“写神”是指写意画去表现对象的内在的感觉。

所谓笔情是指笔墨语言组织出来的情趣，其中包含画家的情趣和生活中感受到的情感。

所谓墨趣是笔墨的枯湿浓淡及中锋侧锋等形式语言形成的趣味。

笔墨造型追求内在的接近及游离对象“似”的笔情墨趣，由此拉大了与对象“似”的距离而形成“似与不似之间”的特点。

这也是写意画的特征。

传达的“似”与笔墨趣味的“不似”，表达物象内在的“似”、情感的“似”，成为似与不似之间把握的内容，看齐白石大师的作品，其似与不似之间的具体表现为：

在个体形象上和群体形象上“似与不似”会落实到个体物象的某个局部或群体形象的某一个体。

肩负“似”的局部或个体去完成传达的任务，而肩负“不似”的局部或个体来完成笔墨的趣味和内在的精神和人的情感。

而不同的画面、内容，不同的对象“似与不似”会落实到具体的局部或个体。

另外，是“似”多还是“不似”多，是“似”少还是“不似”少还会有不同的比例，从而来形成写意画笔墨形象不同的似与不似之间的距离。

二、似与不似之间的距离在于“神似”

一般理解似与不似之间是指接近对象外表程度的把握，似与不似之间还指表现对象内在的似与外在的不似之间的关系。

其实事物都有“内在的形象”就如人的气质：

刚强、柔弱、青春勃发、老气横秋，每个人都不同。

但它是建筑在形之上的内在结构，如音乐一样具有抽象性、不确定性，在造型过程中因写意画的局限性很难接近对象的外表，更强调用笔墨的表现力去追求对象的内在的接近——神似，因而放宽了外表“似”的尺度，如齐白石大师画的公鸡，大笔横扫的尾巴苍劲有力，但一条一条笔痕与真实的羽毛对照截然是两码事，两种不同性质的形象，大师追求的是雄鸡的斗志，而没有刻意贴近羽毛。

事物的精神是没有具体形象的，作为视觉艺术要通过形象语言来把精神表现出来，它可以通过具象语言也可以抽象语言。

写意画“具象”主要是指以线条勾勒物象轮廓、结构为主的形象，那些以大笔触的墨块墨团表现出来的形象和对象相比距离很大，那些仅一丁点接近对象的笔墨只能称谓意象。

写意画许多笔墨与对象的外表似乎没关系，仅剩轮廓是对象的，那些似是而非的笔墨可称谓半抽象形态或抽象形态，这些笔墨在表现对象的精神气质中主要通过用笔的力度、速度和手腕动作的变化及笔中所含笔墨水分多少，在纸上运行产生变化不同的笔痕，具体有：

粗细、长短、枯湿、浓淡、中锋、侧锋、逆笔、顺笔等等，还有笔墨的点与点、线与线、面与面、线与面、点之间的紧松、动静、深浅、虚实等组织变化，来接近其内在结构达到沟通，获得“神似”，生活中人们对物象不同的内在气质，精神状态是十分敏感的，那无形的结构与外表同样印入大脑之中，当一个笔墨形象与对象外表不接近，而内在神气接近，仍然可以作出正确的判断，因此由内在的似和外在的不似造成似与不似之间。

三、似与不似之间的距离在于“联想”

从“妙在似与不似之间”到“太似为媚人，不似为欺世”，齐白石点明了画与观众的密切关系。

画是给人看的，观众会依据生活经验与知识修养来辨别画中的形象并与之交流，当进入到欣赏状态，便会自觉地参与到画中来，对那些“似与不似之间”的形象中“没讲清，没说到的内容”会通过猜测、想象来“完成”。

生活中的物象因各种因素的影响会不完整，如被遮挡或光线弱看不清，但观众会联想地看，通过一个明确的局部形象或一个体形象的诱导，会朝完整的形象去想象，会凭平时生活中储存在头脑里各种形象的变化印象去对号入座。

如看到生活中人的一只手似乎就看到了一个人。

写意画中常常画鱼不画水，水留给观众去“完成”。

所以联想成了似与不似之间的通道，似与不似之间的距离无论多大，通过联想都能相联系，但是如果没有一点“似”就会堵塞联想的通道，让人摸不着头脑，可谓“欺人”，相反“太似”就没了想象的空间。

联想与似与不似之间相互作用化为艺术处理，是似与不似之间的妙之所在。

联想可以滋生出造型的简化能力，儿童时期用笔画一个圈就似一个太阳，一个圈加一竖就似一只苹果；写意画中一点似眼睛，一钩似鼻子；简笔画的快速与书写要求相统一容易发挥笔墨效果，又给人充满想象。

联想还可以使形象自由化，天上的云在人眼中能“想象”出生活中的各种物象，同样似与不似之间的笔墨形象在人眼中会“想象”出这是什么那是什么。

联想通道使似的尺度不受似的束缚，任意改变对象，任意变化笔墨形象。

笔墨形象的简化、自由化都没有一个“绝对”统一的“定位”，也就是似与不似之间的位置，应该由画家依据不同画面的总体要求、对象的感受、自己的审美标准来设计。

再看齐白石大师的作品，鸡、鸭、鱼、虾、葫芦、牡丹等众多形象似与不似的程度各不相同。

又看历代画家对造型“似与不似之间”也是各有不同的把握，宋代梁楷的《布袋和尚》、清代任佰年的《钟馗》、黄慎的《渔翁》都运用“似与不似之间”营造出笔情墨趣，让人百看不厌、玩味无穷。

“似与不似之间”是作画的理念，而尺度要由画家自己来刻画，在不断的绘画实践中去琢磨达到恰到好处。

“似与不似之间”更多是在不似上做文章去发挥笔墨的趣味，但不能忽略“似”的作用，更不能丢弃“似”，“似”不仅是外在的象，“似”是生活中生动的内容和画家对生活真切的感受及内在的把握。

从齐白石大师作品中看那些与自然形象距离极大的画面形象及距离接近的形象都洋溢着生活的气息与真情，他把“似”贴近生活的形象，把“不似”贴近物象内在的真实，所以极富感染力，在似与不似之间强调笔墨发挥的同时不丢弃似又要用心地去表现内在的精神，由此来达到“妙”在似与不似之间。