第二讲素描是一切美术设计的基础.docx
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第二讲素描是一切美术设计的基础
第二讲：
素描是一切美术设计的基础
中国太原任老师
平面美术设计主要是构图、造型和配色，素描主要是锻炼造型的能力，并且素描是表达与表现自己创意最好体现，不管是与客户沟通还是自己要表达创意，都离开不平面图稿的表现。
可以更好的和客户沟通。
他想要什么，你可以马上绘出第一效果；根据客户需要临时修改，不拖延时间，留住客户。
素描是一切绘画的基础，等你学的时间长了，会逐渐培养出一种“素描意识”。
在从事平面设计工作中，只有了解了一件物品，或者设计对象的结构之后，才能针对其结构设计出合理，丰富的图象来。
而且你有了素描基础，当灵感突现时，就能够顺手准确的绘画表达出自己的想法。
不知道大家有没有这样的感觉，有的时候，想画什么东西，但就是感觉画得不够精准，画不出自己想表达的那种想法。
这就是素描基础不够啊。
素描里包含了：
明暗（三大面、五大调）、构图、透视等诸多的知识理论,有时你了解了并不代表你读懂了，学习素描主要是通过绘制的过程提高你的观察能力、思维能力、构图能力……
其实作设计，是要有功底的，素描专门练得就是你的功底，功底越好，你做出来的设计越有味道。
一、何谓素描：
1.素描（DRAWING）、速写（SKETCH）、素描（DESSEIN）。
2.由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。
素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。
3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其他还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。
4.轮廓和线条是素描的一般称谓。
素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。
不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。
5.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。
它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。
6.在西洋美术辞典（雄狮图书公司出版）这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。
一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。
二、素描的地位：
1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。
2.素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕），另外对平面设计，也是画草图的必要基础。
素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。
3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。
虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。
在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。
因此，素描只是一种技术准备。
到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。
它有着广泛的表现范畴：
能表现体积、空间、深度、实质和动作。
文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。
三、素描的技法和种类：
1.线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。
直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。
2.素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。
例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。
弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。
人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。
因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。
3.在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。
我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。
线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。
4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。
平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。
而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。
素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。
四、素描工具：
1.素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。
工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。
2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。
一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。
炭笔是两者都可兼用的。
3.以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。
至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。
五、素描题材：
1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。
其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了１９世纪又出现以日常生活为题材的素描。
其他还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。
2.至于２０世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。
其中一些以表现线条豪放为特色。
还有一些画家试图把生活纳入几何图形中（立体派）。
3.在２０世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。
表现主义画家追求『表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表』，超现实主义者则着重表现潜意识心理。
4.除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。
实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。
实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。
很多艺术家作过科学说明的素描。
5.文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。
与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。
并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。
六、素描线条的演变：
1.线条的解放：
（安格尔对绘画线条的革新）
（1）.在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。
（2）.安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。
（3）.对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。
这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。
（4）.讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。
2.强调线条本身意义与表达的特质。
3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：
（1）.一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。
（2）.德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。
七、东方的素描：
1.西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。
在波斯--瑞札，阿巴西（RIZAABBASI，1565年）也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。
2.我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。
虽然寥寥几笔，可是这里面也含着与油画同样的条件。
也要有气韵，有强弱，有力量。
3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。
八、艺术家对素描的态度：
不少艺术家曾临摹其他艺术家的素描，如鲁本斯（RUBENS；公元1577~1640年）、林布兰特（REM．BRANDT；公元1609~1669年）及梵谷（VANGOGH；公元1853~1890年）。
临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。
这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。
以下是艺术家对素描的态度：
1.一种特殊风格：
窦加（DEGAS），罗特列克（LAUTREC），梵谷（VANGOGH）
2.兴趣：
林布兰（REM．BRANDT），哥雅（GOYA）
3.复制用：
杜米埃（DAUMIER），季斯（GUYS）
4.为鉴赏家而作：
卡拉齐（CARACCI）兄弟，保罗.布利尔（PAULBRIL），拉法吉（LAFAGE）
5.用素描作馈赠：
米开朗基罗
九、常用的素描用语：
1.明度：
色相明亮或沈暗的程度。
2.比例：
一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。
3.构图：
各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重
复的体系去安排。
4.轮廓线：
描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。
5.平衡：
在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。
6.线影：
平行或靠近得足以形成一个面的断续线。
7.立体表现法：
控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体
有三度空间的特质。
十、认识素描中的明暗
1.何谓明暗：
（任学生自由联想发挥，唤起旧经验）
2.明暗产生的原因：
有光源（不论是自然光源、人工光源）照射，才会产生明暗；没有光，我们的眼睛将看不到任何东西。
3.明暗的基本法则：
（1）.光源直射处（向光）是明亮部。
（2）.光源照射不到之处（背光）是黑暗部。
（3）.反射光所形成的是中间灰色部分。
4.利用铅笔表现明暗的方法：
（1）.铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实；铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。
（2）.笔触的方向要整理才不致混乱。
5.铅笔画使用橡皮擦注意事项：
（1）.初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。
一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。
（2）.当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。
（3）.其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了,我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。
同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害于画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。
6.画面宾主表现:
（1）.前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确；后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。
（2）.主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。
十一、造型基本因素
1．形体的点、线、面
我们所描绘的物体都是立体的，而最基本的形体是立方体、球形、柱体与椎体。
素描写生可从这四类形体出发，去研究主体构成的基本因素与形体塑造的关系。
点点表示位置，是形体塑造的标记，对于造型有着特定的数量意义。
先看位置点，找出它的基点与顶点、右点、左点、近点和远点，这些点规定着物体的整体范围和个面之间的大小比例关系。
再看转折点，这些点如同交通枢纽，联系着形体中的线与面。
线线由点的定向运动产生。
线条是点运动的延续，连接起点和终点的是线，任何一幅素描都是由无数的线组合而成。
线是形体塑造的中坚，线有着无穷的魅力。
辅助线 是指在形体塑造的过程中所借助的假设线。
这些线，有助于我们把握形体的动势和形体的整体特征，有利于我们表现形体时能做到从整体到局部有序的进行。
轮廓线 轮廓线反映的是形体转折部分。
在绘画过程中，轮廓线的表现要求由直线到曲线，有外轮廓到内轮廓，从而形成物体的立体框架。
面无数点的组合或无数线排列后的效果，在视觉上形成了面，而面运动产生了体。
在造型过程中，面可分为两类，即直面与曲面。
直面 立方体在画面上一般是以正面、侧面、顶（底）三个面呈现。
曲面 球体借助于光线，在画面上一般是以亮面、暗面、明暗交界线（面）、反光面和投影组合而成。
任何一种复杂的形体，都可以由立方体、球体体面关系去理解和分析。
2．比例与分割
比例是指物体间或物体各部分的大小、长短、高低、多少、窄宽、厚薄、面积风诸方面的比较。
不同的比例关系形成不同的美感，观察与表现比例关系有个较好的方法，如先抓住相比关系因素的两极，再确定中间部分，依次分割下去，就可以确定出任何复杂的比例关系
3．特征与基本形
物体的形体特征，是指物象都有自己的特征，使之相互之间得到区别。
我们要对形状进行概括与归纳，形成了一个基本形的概念，如圆形：
人脸、苹果、罐子、太阳；方形：
课桌、书籍、电视机、房子等，因此可以这样说，抓住了基本形就基本抓住了形体的主要特征。
从形体总体出发，对物体的原形进行简化，省去烦琐的细枝末节，以形成简单的几何形状。
首先是抓住它的平面形，是方、是圆还是角；再看它的体积特征，属于立方体、球体还是柱体。
在具体作画时，先目测高度，再目测宽度，最后作上、下的宽窄比较，就能把握住形体的基本特征。
4．转折与轮廓
当构成物体的面发生方向上的变化，形体的面就出现了转折。
方形物体转折明显，称为折，圆形物体转折缓慢，称为转。
一般的物体的边缘可以看作是转折，立方体外缘内的棱为转折，叫内轮廓。
球体内侧的明暗交界可视为转折，也属于内轮廓。
在造型过程中，当我们以线去体现形体的转折处，即为轮廓线。
根据形体转折内外的部位，轮廓线可分为外轮廓线和内轮廓线。
在作画起稿过程中，应集中表现物体的轮廓，抓住轮廓的方法可采取由外到里的方法。
5．结构与构成
结构是指物体本身个部分组合和构造。
物体都有内部和外部的构成因素和结构关系，个部分的互相连接穿插、重叠、相离等决定了物体的形体。
在素描训练中，对结构加进一些主观成分和表现手法，反映在画面上的形体结构，可看作一种构成。
6．透视与空间
一切物象占有一定的空间，物与物之间也存在着一定的空间距离。
如画者与写生物的空间距离，被画物体之间的空间距离，被画物本身前后的空间距离，被画主体与背景的空间距离。
。
。
。
在素描中，利用物体的透视变化产生距离感，表现空间的技法，其中最基本的方法是透视原理的运用。
几何透视法
几何透视法产成与数学原理，是把几何透视运用到绘画艺术表现之中，是科学与艺术相结合的技法。
它主要借助于远大近小的透视现象表现物体的立体感。
平行透视
当立方体的六个面中，有一个面与画者的位置呈平行状态时，画者所看到的是它面产生的透视变化。
平行透视
成角透视
当立方体的一个角正对画者时，立方体所有的面都产生透视变化
几何透视法包括三个要素：
视平线，一般是指画者平视时与眼睛高度平行的假设线。
视平线决定被画物的透视斜度，被画物高于视平线时，透视线向下斜，被画物低于视平线时，透视线向上斜。
心点，是指视觉中心。
它位于画者的核心部位。
在平行透视中，一切透视线引向心点。
距点，视点至心点的距离叫距点，如果把视距移至视平线上心点的两侧，所得的点为距点。
空气透视法
空气透视法是借助空气对视觉产生的阻隔作用，表现绘画中空间感的方法。
它主要借助于近实远虚的透视现象表现物体的空间感。
其特点是产生形的虚实变化，色调的深浅变化，形的平面变化，形的繁简变化。
7．明暗与调子
物体的形象在光的照射下，产生了明暗变化。
光源一般有自然光、阳光、灯光（人造光）。
由于光的照射角度不同，光源与物体的距离不同，物体的质地不同，物体面的倾斜方向不同，光源的性质不同，物体与画者的距离不同等，都将产生明暗色调的不同感觉。
在学习素描中，掌握物体明暗调子的基本规律是非常重要的，物体明暗调子的规律可归纳为“三面五调”
A：
三面 物体在受光的照射后，呈现出不同的明暗，受光的一面叫亮面，侧受光的一面叫灰面，背光的一面叫暗面。
这就是三面。
B：
五调 调子是指画面不同明度的黑白层次。
是体面所反映光的数量，也就是面的深浅程度。
对调子的层次要善于归纳和概括，不同的素描调子体现的不同的个性、风格、爱好和观念。
在三大面中，根据受光的强弱不同，还有很多明显的区别，形成了五个调子。
除了亮面的亮调子，灰面的灰调和暗面的暗调之外，暗面由于环境的影响又出现了“反光”。
另外在灰面与暗面的交界的地方，它既不受光源的照射，又不受反光的影响，因此挤出了一条最暗的面，叫“明暗交界”。
这就是我们常说的“五大调子”。
当然实际画起来，不仅仅是这五的调子，还要更丰富。
但在初学时，我们起码要把这五种调子把握好。
在画面中树立调子的整体感，即画面黑、白、灰的关系，运用好这几大调子来统一画面，表现画面的整体效果。
十二、画面构成
一张白纸无所谓空间，一旦画上了笔触，便破坏了纸面的完整与稳定，即出现画面构图分割现象。
若是画上一个物体，纸面就形成了空间，再画上两个以上的物体，就得考虑形体的组合方式。
绘画的基本训练是培养大家如何把空间的物体转移到平面的画面上，解决画面构成问题。
1．形体组合与画面切割
同属于绘画的构图问题，构图是画者根据表达的意图与主题的需要，对画面所进行的整体布局。
在形体组合这个问题上，我们要注意：
（1）不同位置的组合，
（2）不同质的组合，（3）不同量的组合。
2．角度确定与空间序列
画者与物体的角度主要有两种，即平行透视和成角透视。
画面中造型因素均应按空间位置的变化而变化，为了使画面中造型因素有条不紊，需要物体在特定的角度下形成明确的空间序列。
上面这幅作品由三个立方体构成，并以三角形的三个顶点作为三个立方体的这个整体形状位置，从而形成了三角形的构图。
画面图示了三种切割变化形式。
（1）框太长
（2）框太大（3）框为宜
十三、素描原理在PS鼠绘实物中的应用
1．素描理论
素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。
（看来用PS来绘画，也需要有素描的基础，毕竟这是一切绘画的基础）
在素描中，第一要素就是线，素描通过线条来表现物体的形象和轮廓，引起观者的联想。
大家都知道，两线一面，三线一体。
我们可以从线条的变化中，得到可以一个具体的的形象。
因此，通过勾勒线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的作品。
同样，我们在PS绘图中，也是通过类似的手段，在一个轮廓的基础上不断添加新的元素，使作品逐渐饱满，然后构成一副精美的PS鼠绘作品。
在素描中物体的三维特性是通过控制明暗的逐渐变化来实现的。
明暗也就成了展现立体的另外一个手段。
由于光的反射和折射，以及在不同介质上表现出来的不同性质，所以产生了明暗的不同。
光源直接照射（也可以说是反光充足）的部分我们称为亮部，光源照射不到的地方（无光或者反光少）我们称为暗部，当然，事物不止两个极端，中间部分我们称为中间调。
2．透视原理
首先，我们先了解几个基本术语：
（肯能有点形式化，但是，我还是希望各位能看完这些，因为理解了这几点会对PS绘画有所帮助）
1.视平线：
就是与画者眼睛平行的水平线；
2.心点：
就是画者眼睛正对着视平线上的一点；
3.视点：
就是画者眼睛的位置；
4.视中线：
就是视点与心点相连，与视平线成直角的线；
5.消失点：
就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点；
6.天点：
就是近高远低的倾斜物体（房子房盖的前面），消失在视平线以上的点；
7.地点：
就是近高远低的倾斜物休（房子房盖的后面），消失在视平线以下的点；
8.平行透视：
就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。
这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉；
9.成角透视：
就是任何一面都不与平行的正方形成长方形的物体透视。
这种透视能使构图较有变化；
在素描中最基本的形体是立方体。
同样，我也希望各位能通过画立方体来培养自己在PS绘画中能力。
在素描时，大多是以对三个面所进行的观察方法来决定立方体的表现。
另外，利用面与面的分界线所造成的角度，也能暗示出物体的深度，这就涉及到透视规律。
同样，在PS绘画中，通常新手最好练习方法是多进行素描绘画，在此基础上，逐渐脱离临摹，然后转向创作。
当然，这个过程更多的是枯燥无味，所以，希望各位有心理准备。
透视分一点透视（又称平行透视），两点透视（又称成角透视）及三点透视三类。
1.一点透视：
一点透视就是说立方体放在一个水平面上，前方的面（正面）的四边分别与画纸四边平行时，上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致，消失成为一点，而正面则为正方形。
图06
2.两点透视：
两点透视就是把立方体画到画面上，立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时，往纵深平行的直线产生了两个消失点。
在这种情况下，与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小，但是不带有消失点。
图07
3.三点透视：
三点透视就是立方体相对于画面，其面及棱线都不平行时，面的边线可以延伸为三个消失点，用俯视或仰视等去看立方体就会形成三点透视。
图08
3．构图
构图是对画面内容和形式整体的考虑和安排。
如何构图，直接影响了作品的质量，在PS绘画中也如是。
现在我说说构图的原则。
归结成一句话：
变化中求统一。
构图方法有三个要点：
1.画面主题图形的位置;
2.非主题图形的位置以及与主题图形的关系;
3.画面底形的位置以及与图形的关系。
在三个要点中，画面的主题图形是起决定性的，它在画面中的位置决定了画面的样式。
构图的样式分为两大类：
对称式构图和均衡式构图。
对称式构图：
主形置于面面中心，非主形置于主形两边，起平衡作用，底形被均匀分割（对称式构图一般表达静态内容）。
对称构图的变化样式有：
金字塔式构图、平衡式构图、放射式构图等。
均衡式构图：
主形置于一边，非主形置于另一边，起平衡作用，底形分割不均匀（均衡式构图一般表达动态内容）其构图的样式有：
对角线构图、弧线构图、渐变式构图、S形构图、L形构图等素描写生构图的应用相对简单，只要将对象的主要部分置于画面中心，将对象整体与边框距离处理得当，背景底形不重复，就是成功的构图。
要注意的是，“画面中心”并不是画面的等分中心，它是以人的视觉方式确定的。
这一中心，是以黄金分割定律原理确定的位置，即以1∶0.618的比例分割画面，得出画面中的四个相交位置，这四个位置即是接近画面中心的“构图中心点”。
我们可以将写生对象的主要部分，置于其中任何一点，即可得到优美的构图形式。
4．光线问题
在素描或者是PS绘画中，如何解决好光线的问题，直接影响到图的质量。
如果无法掌握好光线，就很难把握好空间感。
因为空间感，立体感产生的原因都是因为光线决定的。
在素描中，光源基本分成两种：
一种是从窗户射进来的散射的自然光，另一种是灯光。
灯光又有单灯和多灯之分。
相比较而言，灯光要比自然光容易掌握，因为灯光的光线比较单一和固定，物体被照射后的明暗关系比较简单，对比较为明显，前后关系也比较突出。
自然光的光照比之灯光的照明，可使物体明暗变化丰富、层次多样、对比协调，是素描训
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