《艺术的故事》读后感.docx

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《艺术的故事》读后感

《艺术的故事》读后感

　　老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。

据说它被译成30种文字。

把成千上万的人引入了艺术的殿堂。

作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。

　　读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。

因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。

但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。

其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。

《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。

引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。

就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。

更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。

这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。

　　在前言我被震撼了，看到了很多实话。

作者骇人听闻地说：

“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。

”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。

作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

　　读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。

所以，这本书值得我们去读。

　　这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。

该书被誉为艺术史中的圣经。

据说它被译成30种文字。

就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。

作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。

生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。

任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。

他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。

50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：

“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。

贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。

他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。

”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：

本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。

因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。

简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

　　《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：

即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。

换句话说，“艺术为何会有一部历史”？

作者以其特有的方式给出了回答。

因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。

它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。

正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。

难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。

　　本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。

通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。

尤其值得注意的是，作者在结尾写道：

在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。

因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。

换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。

从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。

至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。

所以，这本书值得我们去读。

　　读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。

《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。

旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。

这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

　　《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：

本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。

因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。

简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

　　记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：

“这是什么样的轮廓啊！

”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。

这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。

这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。

然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。

特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

　　本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：

一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题；另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。

正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：

即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。

换句话说，“艺术为何会有一部历史”？

作者以其特有的方式给出了回答。

因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。

它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。

正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。

难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。

本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

　　西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。

它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。

从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。

其中有一种可称为所见与所知的理论。

这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。

知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。

　　接触《艺术的故事》这本书是挺意外的，因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。

看之前总觉得像在应付考试，细读下来却对这本书有了些许敬意。

　　《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。

里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。

倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。

还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。

在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。

因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。

　　“透视”这个词在我们看来并不陌生。

甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。

可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊！

　　《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。

我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。

　　透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。

最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。

画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。

我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。

也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。

后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。

当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。

可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。

　　乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。

像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。

乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。

　　到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。

我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。

马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。

在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。

通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。

　　到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。

乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。

通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。

虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。

但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。

　　曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。

他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。

曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。

他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。

　　当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。

《艺术的故事》这本书中涉及较少。

希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。

　　写在前面：

写完整篇文章后猛然意识到这既是读后感又是我的一些天马行空不着边际的想法的总结。

“至纯至善”这个词或许远远不及，然而“率真烂漫”我想努力地踮起脚来还能微微够得到。

　　“艺术”是个遥远而崇高的词。

每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字，便畏惧般地匆匆避开，深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。

在中国，艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道，而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。

所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想，在我的中国我们的中国里，会涌现出一批又一批的伟大艺术家，创造出一代又一代的巅峰之作。

　　只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头，无论是童年时期的习画或是书法，总抱着一种敬而远之的态度，因此此类不成爱好便也只能草草了事。

而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品，便又为以前的年幼无知后悔不已。

身处中国，目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。

面对市场上充斥的良莠不齐的作品，如何炼出一双火眼金睛至关重要。

　　但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿，因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。

他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命。

书房里曾有摞成一刀的书画册，其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。

然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过：

“事实上，左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。

”这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。

　　当第一遍拿起书粗粗翻过《艺术的故事》，意料之中地看到第七章《向东瞻望：

伊斯兰教国家，中国，2至13世纪》。

中国作为四大文明古国之一，艺术史的发展理所应当地作为超前所在。

但是在中国，艺术愈来愈作为高端高雅的象征，旨在人们并不是能够轻易地够到艺术的被拔的很高的高度。

前段时间我的舅舅为我带来一幅喷漆画。

他在意大利街头闲逛时看到一位街头艺人在现场作画销售。

他花了十欧元买下一幅瀑布画并带回中国。

显然在国外，艺术是件自由自在的事儿。

艺人们可以无所畏惧生活来源，以自己的灵感及对艺术的热爱而轻松地活着。

国内鲜少能够看到有谁能够坐在街头带有艺术家的漫不经心随意潇洒的气质售卖自己的作品。

我看到的更多是流于形式的出现：

那些梳着马尾的男人们。

为此我感到深深的悲哀，不是与艺术有关的男人都要留起长发以此骄傲地向世人告知“我是艺术家”。

所以我想，中国的艺术要脚踏实地实实际际，以此来真正的在品质上提升自己的高度。

　　贡布里希是个伟大的艺术史家，没有其《艺术的故事》一书或许类似我的很多在艺术长廊口茕茕徘徊再徘徊的人一生便错过了此领域的入门卡。

曾看过一位将这本书做成PDF版本的网友说：

这是一本深入浅出的适合初学者的入门书。

入门书的划分是历史性的。

然而作为一本入门书，《艺术的故事》价格偏高——在我翻到精美的各类画作的第一眼时便在心中做出了适当的心理准备。

本就不甚饱满的钱包在购买了数本书后瘪成一团，即使丢在大马路上被人捡起也会被嫌弃地丢下。

然而兴奋战胜了荷包失去分量的痛楚，我面色恭敬地将其供上了神翕。

　　当我一个如此的门外汉在翻阅这部书的过程中，那过明或暗或书画或雕刻以及贡布里希言语精辟深入人心的评价无时无刻不让人有一种三步一跪三步一拜的匍匐朝圣之感。

然而惊奇的是，我在合上尾页的时刻豁然有了一种君临天下之感。

这种感觉我想同格雷诺耶制造出天堂气味的香水，同三毛高坐在撒哈拉沙漠租来小屋的沙发上漠视一切是同样的。

我想到我要用艺术者的眼光看待这个我所生活了十六年的世界，我的双眼不能再在尘世灰蒙蒙的污垢缝隙间用世俗的眼光看待一切。

“在入世中做着出世的梦。

”我希望的目光能够越过千年的尘嚣穿透以光年为单位的距离，远远地眺望这整个，我所生活的平凡而伟大的世界。

　　前段时间在旅游时翻过一本《从风景到人文风景2011》的现代画册，其中一幅《神灵守护鲸鱼》让我感动得几乎落泪。

苍茫浩瀚的深蓝色大背景下，只有画页最下方偏右处有一头与深蓝色相衬成辉的洁白鲸鱼。

而在剩余深蓝色的海洋中，作者画满了浅蓝带白的鲸鱼神灵，所有神灵或东或西，皆在为下方这头可爱的鲸鱼护航。

我并没有深层次地妄想着去了解作者此画的意图，我只是单纯地一见钟情。

贡布里希没有为我指出我这样无端地被感动是否因为我对艺术还是充满了虔诚的热爱。

　　就在昨天下午我抱着吉他听老师给我放钢琴版的《天空之城》。

我热泪盈眶地扭过头去，声音哽咽地让老师暂停，继而若无其事地回过头来继续自己的练习。

不得不说音乐美在这本书中并没有涉及，我想可能是音乐更多的需要的是耳朵的原因。

有时艺术给我帕台农神庙的震惊感，其中根根巨柱顶天立地，音乐也是其中之一。

好比听柴小协会让我不能自已，音乐就在那时倏的一声在空中绽开一束烟火。

　　我想我爱艺术。

这是人类毕生无法拒绝的一件事儿，你会自然而然地对其倾心倾心再倾心。

我爱中国，在我的中国梦中我期盼中国艺术能够茁壮发展。

当隔着万水千山远远眺望的高度被脚踏实地的一步又一步向上所取代时，不由地心怀感激。

我感激《艺术的故事》，我感激贡布里希，我感激所有对艺术做出贡献的人。

我感激啊，没有艺术便没有如今的曼妙世界。

　　然而——

　　“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。

”