北京大学美术概论期末考题整理.docx
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北京大学美术概论期末考题整理
美术概论期末考试：
1、略论美术在当代社会中的功能
传达信息：
记录、宣传
日常生活（最重要）：
装饰、美化
精神活动：
宗教、象征
个人表现：
自我、思考
娱乐：
墨戏（文人画，特定人群的娱乐）、宣泄
市场经济（巨大的引擎）：
出售、投资
人际交往：
交流、送礼
（美术行为与作品的功能，常常具有复合性、多样性）
1，传达信息
一传达信息：
记录、宣传
1.成教化，助人伦
》格列高利教皇：
"教堂中使用图画，这样那些不识字的人。
。
。
。
。
。
"（宗教宣传作用，图画补充文字的不足）
2.实际的情景与理想的图像
》《开国大典》有五个版本，多次增删人物（高岗，刘少奇，邓小平等），构图视角的变化（从一个核心领导人到领导集体）
△被政治所左右的艺术
领导出题目，群众出思想，专家出技术
》文化大革命时期：
作者集体署名延安相关的作品都署名"秦文美"
二日常生活：
装饰、美化
1马家窑尖底瓶甘肃新石器时代（黄河中上游图案被视为黄河的漩涡）
2漆器战国湖北
3四川大邑县刘文彩庄园，晚清避暑庄园
三精神活动：
宗教、象征
2英国巨石阵：
表现对太阳、时间的崇拜？
3米开朗基罗最后的审判1536年－1541年梵蒂冈西斯廷礼拜堂
做好事的上天堂，不好的下地狱，成熟的宗教画
5寓意与象征
郑燮，石头图，万古不化
梅兰竹菊的象征意义
清，张若霭，五君子图（梅竹松柏石）
四个人表现：
自我、思考
△不为政府、宗教、权贵宣传，不为利诱，特立独行＝社会普遍认为的真艺术家
吴冠中；不在乎自己画多少钱，一辈子没有评过奖，和美术协会作对。
认为美术应该看形式，不应该看内容。
但是晚年越拉越看作品的内容。
》伦勃朗自画像多（探讨内心，对精神性的渴求）
》梵高真性情
》徐渭：
比梵高还梵高，他声称他的画不卖给有钱人
五娱乐：
墨戏、宣泄
》米芾，北宋，珊瑚笔架图，故宫
“金坐”：
画一珊瑚笔架，架左书“金坐”二字。
然后再加上米点和题款，米家山水便赫然而出。
米芾以画代笔，颇有意趣。
米芾是文人画的源头，从小学写字，慢慢的想学画，又不好意思从头开始画，用写字的方式来画画。
六社会交往：
国家交流个人送礼洗钱行贿
1972中日建交田中角荣送东山魁夷《春晓》
徐悲鸿送郭沫若《九州无事乐耕耘》
》美元新设计、鸡年吉利钱8888：
中国文化的软实力扩大
七艺术与经济
催生了收藏、拍卖、文物修复
暴利和暴跌、风险（画的真假：
有的可能半真半假）
很多名家的话是半真半假的，比如有些画印章是真的，画是假的。
有的是画是真的，印章或者字是假的
20世纪以来，中国美术市场越来越商业化
2、为什么说美术是一个变化的概念，因时因地而异呢？
一、因时间而异的“美术”
（一）美术的功能不断变化
1.早期：
秦汉及之前以叙事为主体现政教功能和社会准则画像石
2.中期：
魏晋到唐宋重视真实客观的表现对象由粗而精并逐渐开始传神，eg《韩熙载夜宴图》顾闳中
3.晚期：
元以后以意、趣等为主要追求注重审美和作者主观情感。
《陶渊明故事画》陈老眠
（二）审美观念不断变化
从题材上看，唐代之前中国人物画盛行诞生了很多杰出的画家和作品如顾闳中《韩熙载夜宴图》、周昉《簪花仕女图》等五代到宋花鸟画渐受主流青睐诞生了以黄筌、徐熙为代表的一批杰出的花鸟画画家。
宋之后对技法要求不高又能很好的表达情感的山水画逐渐占据主流到元代达到鼎盛时期出现了黄公望等一批优秀的山水画画家。
从绘画风格和技法上看，早先人们推崇吴带当风、曹衣出水的高超技法而后期随着董其昌“南北宗论”的诞生，注重技法和逼真的北宗被贬为“匠气十足”逐渐占了下风。
其实美术题材和绘画风格本无甚高下之分优秀的山水画、花鸟画、人物画无论是栩栩如生还是气势磅礴都能带给人以美的享受。
但是在不同时期受各种因素的综合影响每个时期占主流的美术作品和风格都在变化。
（三）绘画技法与创作形式不断变化
随着人们对绘画方法的探索，逐渐有了新的绘画手法甚至是创作形式被发掘出来，不断向内开发、向外延伸着美术这一概念。
宋代米芾自创米氏云山发明落茄点的画法令人眼前一亮；元初赵孟頫提出以书入画说促进了文人画的兴起；而近代人们的创新愈发大胆，被誉为美国第一画家的波洛克发明的用有孔金属管甩墨的“画法”震惊世界；而、近年来不断涌现的各种光怪陆离的前卫艺术和行为艺术也不断丰富和挑战着人们对于“美术”的理解。
二、因空间而异的“美术”
不同国家的艺术家由于有着各式各样的历史、宗教、社会风俗背景创作出的美术作品无论是形式上还是内容上都充满着巨大的差异。
（一）不同的宗教背景带来不同的“美术”。
西斯廷教堂天顶画关于圣经故事壮丽精细、生动立体的描摹与敦煌壁画上飘逸灵动、薄如蝉翼的飞天是如此不同。
对于基督教的普遍接受使西方美术作品中出现了大量宗教题材的画作，而佛教在中国的影响力一直没能达到基督教在欧洲的强度。
道释画也没有成为中国绘画的主流。
（二）不同的社会风俗带来不同的“美术”。
西方艺术作品中出现了大量对人体裸体精细描摹和再现的作品，而这一类作品从没有在中国的美术作品中出现过。
这一类在西方司空见惯的美术作品如果拿到古代的中国，应该很难被认为是美术作品。
更大的可能性是被当做伤风败俗的禁忌物封杀掉了。
（三）不同的国民精神导致东西方对美术作品的审美标准也有很大不同。
西方作品在西方的科学精神的影响下，特别注重写实在光影、透视等方面的成就已臻化境。
而这一切在中国这个被浓浓的人文主义精神影响着的国度里，恰恰是很不受推崇的。
拉斐尔笔下那些逼真唯美的人物画和罗丹刀下栩栩如生的雕塑，在中国恐怕会被斥为“匠气十足”。
而在中国被封为镇国之宝的《富春山居图》《鹊华秋色图》如果拿给西方人看，他们也许未必能看出两幅画的区别，更不用去赞美了。
一、因时
1，审美
古典（写实逼真），蒙娜丽莎；印象派：
反应真实的色彩，没有那么逼真，莫奈，日出印象；抽象派：
抽象，波洛克《第31号》1950年，有意的消解主题人物内容，只有形式，颜料。
抽象派。
主题，在特定的历史时期，表达的主题有有所不同，革命时期，艰苦的生活，；文革时期，领导出题目，群众出思想，专家出技术；
风格：
唐朝，自信大气；宋朝：
精致典雅
色彩：
古典绘画的色彩达芬奇蒙娜丽莎，看起来显得沉重；印象派：
追求客观的写实的色彩，放弃绘画里的思想（传统绘画用人物故事表现思想），去掉文学性叙事性；新印象派，颜色尽可能保持鲜艳，强调眼睛所看到的光、色彩
2，技法，不同，
古典（写实），往往一幅画要花费非常久的时间，力求逼真；印象派，力求色彩和光线的真实，所以要在很短的时间内完成画，可以清晰地看到画的笔触；新印象派，相对于印象主义来说，新印象主义强调以科学为根据，显示出浓厚的理性色彩，大碗岛的星期天下午：
小笔触，亮颜色。
3，形式不同
中国画：
单纯画，画上作诗，画上有后人的评论：
宋以前，画上很少有题字，有也很小；宋后，开始题诗，诗书画开始结合；随着文人画的发展，诗书画印结合，后来还逐渐有评论者的印等，明清时期日益完善。
二，因地
1，美术的形式
文明发展，当地资源
中国的玉器，青铜器，陶俑
中国在宣纸上绘画矿物性物质，人类很早就知道使用无机颜料，利用有色的土和矿石；
欧洲油画，植物油调和颜料在画布上作画画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。
凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强；日本浮世绘，德川幕府，彩绘版画
2，技法
中国画，线好的线条：
骨法用笔，有力度而又含蓄。
（自由又有控制力，简朴又文雅）吴昌硕《梅松石图》
》齐白石《虾》cf：
20岁《鲤鱼》91岁重题“笔墨自有是非”；
油画，光线，面，
雕塑：
意大利米开朗基罗莫西（符合人体身体真实结构、注重肌肉感）；武当山明代元合宫护法神将（强调整体性，整体的威仪感；戏剧、夸张），
3，主题
政治：
法国大革命，自由领导人民马拉之死
宗教：
中国道教，佛教；欧洲基督教，最后的晚餐最后的审判
地理：
3、通常有哪些主要因素影响画家的绘画风格的形成？
请举例论述。
1）画家经历，性格：
八大山人朱耷，为了逃避清朝满洲贵族对明朝宗室的政，迫害，借以隐蔽和保存自己。
朱耷六十岁时开始用“八大山人”署名题诗作画，他在署款时，常把“八大山人”四字连缀起来，仿佛象“哭之”、“笑之”字样，以寄托他哭笑皆非的痛苦心情。
八大山人由于他的特殊身世，和所处的时代背景，使他的画作不能像其它画家那样直抒胸臆，而是通过他那晦涩难解的题画诗和那种怪怪奇奇的变形画来表现。
例如他所画的鱼和鸟，寥寥数笔，或拉长身子，或紧缩一团，倾是而非。
特别是那对眼睛，有时是个椭圆形，都不是我们生活中所看的鱼、鸟的眼睛，生活中鱼、鸟的眼睛都是圆圆的，眼珠子在中央也不会转动。
八大的鱼、鸟的眼珠子都能转动，有时还会翻白眼瞪人哩。
2）个人身份，职业画家，文人画家，民间画工
画人主要分为三类，一是民间画工，二是宫廷画人，三是文人画家
宫廷绘画，广义地说，是指围绕着封建帝王生活、行政而进行的绘画创作，以宫廷画家的创作为主体，亦包括帝王、后妃的画作，以及朝臣和地方官员向宫廷进献的画作。
皇帝是宫廷绘画的组织者。
宫廷绘画服务于皇家的政治纪实、军事记事、文化娱乐等宫廷活动，反映了皇家的审美意识，是历代杰出艺术家绘画才智的集中体现。
文人画家如苏轼，王维等，他们不是以画画作为谋生的手段，画画只是他们修身养性，用来和朋友交流沟通用的一种爱好或者工具。
他们画画常常寄予自己的情思，以画明志，不用考虑其他人的喜好。
3）地域山水，地域文化：
中国水彩画地域性的初步呈现,画家艺术个性的成熟就绘画艺术而言,地域性或者说流派的产生,是艺术得以成熟的一种表现。
艺术家的个性,也就是艺术家中国的地域辽阔,民族众多,各地区生活习俗,风土人情互不相同,自然环境与人文脉落各有千秋,从而形成了不同的地域文化特色,这正是各地区的水彩艺术家所要描绘和表现的。
北方乡土题材绘画是北方这一地域给画家提供的绘画资料,虽然题材相同,却没有造就雷同的作品,这种相同与不同凝聚了画家自身的修养与不同的思维取向的结果。
同样,描绘江南水乡的绘画题材很多,多表现水乡风景，如明代苏州地区的吴门画派绘画，多是描绘江南地区的湖泊丘陵。
而生活在北方的画家常常表现的就是高山峻岭，气势也更加雄浑壮阔。
4）宗教，社会思潮：
宗教和社会思潮也会对画家的绘画风格有很大的影响。
在西方，原来的圣母像都是千篇一律的，但是到了文艺复兴时期，以拉斐尔为代表的画家所画的圣母越来越有“人”的精神面貌；而在革命时期，画家们往往更加关注革命战争以及生活在战乱中的普通百姓的生活。
如伊里亚·叶菲莫维奇·列宾的画，他的《宣传者的被捕》、《拒绝仟悔》、《意外归来》都是以革命者的斗争生活为题材的优秀作品，他的画作如此之多、展示当时俄罗斯社会生活如此广阔和全面，是任何一个画家都无法与之比拟的。
5）年龄，阅历：
毕加索
中国画是一个拼年龄的行当。
一个好的画家，前期要不断的模仿学习前人的画，提高自己的技术，要到了一定的年龄以后，他们会结合自己的生活经历，思想感悟以及对绘画的看法，形成自己的绘画风格。
如吴门画派代表人物沈周，在绘画方法上，沈周早年承受家学，兼师杜琼。
后来博取众长，出入于宋元各家，又参以南宋李、刘、马、夏劲健的笔墨，融会贯通，刚柔并用，形成粗笔水墨的新风格，自成一家。
沈周早年多作小幅，40岁以后始拓大幅，中年画法严谨细秀，用笔沉着劲练，以骨力胜，晚岁笔墨粗简豪放，气势雄强。
沈周的绘画，技艺全面，功力浑朴，在师法宋元的基础上有自己的创造，发展了文人水墨写意山水、花鸟画的表现技法，成为吴门画派的领袖。
6）老师，学习的绘画，画家画派的影响
一个画家学习模仿的画派对他有非常深刻的影响。
我们经常可以在某个画家的画中看到某个画派的烙印或者是某个画家的影子。
以印象派修拉为例。
修拉属于后期印象派画家,他保持了印象派画家的某些原则:
化情节为主题,描写当代的生活,喜爱效果,密切注意明暗效果。
1884年修拉创作的作品《挥锄的农民》使用了印象派画家的铺排笔法。
他的大幅作品《安涅尔浴场）中的形象也是“绝对静止,没有个性表现”。
只是到了后期，修拉意识到了印象派的局限性，才创作出了后印象派的画风。
4、何如理解中国艺术中色彩表现的特异性。
如果说中国画尚意，那么西方话尚形；中国绘画重表现、重情感，西方绘画则重再现、重理性；中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画则主要是由光和色来表现物象。
特质
中国绘画
精神特质
主观性
意象性
象征性
精神性
中国绘画崇尚哲学意义上的“道”，讲究主客观统一的随“意”赋色——既不完全遵从自然之色相，也不完全抛弃感性的自然之色相，追求意与象、主观意构与客观自然的和谐统一，以致达到心物相契、情景交融、虚实统一的境界。
色彩观
哲学色彩观
中国绘画的色彩主要是画家主观感受的理想表现，以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，即所谓“随类赋彩”。
它不强调色彩的光感和物体的立体性，而是通过概括、象征、寓意等手法来表现物体，妙在似与不似之间。
色彩技法
笔墨浓淡
中国画的艺术语言主要是指笔墨，用色的特点是以墨代色。
墨分五色，焦、浓、重、淡、清，强调在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果，表现物体的质感、光感、色感和空间感。
墨的韵味可以造成丰富的色彩错觉，产生闪烁的色彩。
它或以单纯的色相，饱和的色度，造成响亮灿烂的效果；或减弱色度，缩小色相的差别，创造恬淡而蕴藉的效果，使人站在一幅水墨画前，虽不见色彩的绚丽，却可以思接千载，心游万仞。
色彩原则
写意性
类型化
装饰性
平面化
A中国画的设色不注重不同个体之间的微秒变化，只提示事物美的本质，不做表面的精确分析，不做纯自然的模仿（如山水画中，树的用色只区分品种，树干大多是储石色，树叶依不同种类为绿色、红色等，多作类型化处理）
B中国绘画色彩具有装饰性，色相不多，颜色的明度、纯度变化不大（如山水或人物画中的勾描金线，人物画服装与饰物的色彩对比），具有很强的装饰性。
C中国画中的色彩没有透视变化莫测，色彩基本上都是平涂的，空间感往往靠形的近大远小排列层次和墨色的浓淡来体现。
情感体验
隐性
传神
中国传统的美学观念使中国绘画中的色彩文化呈现为“隐性色彩”，即在中国深厚的历史文化背景的影响下，通过非自觉意识引起人的内心活动变化，同时激发其好奇心理，冲破其深层意识范畴的局限。
5、以作品为例论述美术作品的"形式"是否具有至关重要的作用？
材料：
5.美术形式作用探源（3部分阐述形式对于审美的重要性）
5.美术作品形式研究（形式对于创作佳作的重要性）
5.浅谈美术作品的形式美（几种形式特点的简要论述及其作用）
point：
形式当然非常重要！
！
在美术作品的作者意图与欣赏者认知之间，最重要的（甚至是唯一的）桥梁就是形式，形式是表达感情和心理的中介。
另一方面，形式可以理解为秩序感，而秩序感是人的本能与生活经验的必然要求。
只有所谓内容而没有形式的美术作品如同歌曲没有曲调只有歌词，是缺乏使其成为“美术”的美感的。
一、形式以其自然属性同人的本能相适应，与人的生活体验相吻合，在此基础上形成特定的美术。
抽象的形式是从自然图形演变而来的,对此已有不少学者作了大量的考证。
而人对形式的反应是基于生理适应功能之上的，如人体结构本身就存在一种对称的秩序。
而形式的秩序感产生在人类与自然秩序同构的基础之上。
在现实中,秩序感常常受到干扰。
重新创造新的秩序,使之同人有序的天性相适应,这就是装饰设计大量应用秩序构成的原因。
然而人又不喜欢过分单一和杂乱的两极,喜欢介于两者之间的组合,即将多徉变化纳入有序之中——这就是统一与变化法则产生的原委。
美术形式的产生同人的生活经验和相应的具象性诱导紧密相关。
例如,抽象的三角形,尖朝上给人以稳定之感,而尖朝下则给人以不稳或危险的感觉,这是三角形实体给人留下的经验和印象移入到抽象形式之中所产生的。
这种直觉是在长期的感觉经验中积淀而成,是对具象感觉的升华和替代。
在美术设计中,不同的形式可以产生多种特定的效果。
例如,倾斜的构图使画面产生动感,放射状的构图有向外扩张感,漩涡形构图具有旋转的动感,如此等等。
举例：
人类在美术创作的最早期就出现了对秩序感的追求。
如新石器时代的人面鱼纹彩陶盆，已经将图案对称地规律排列。
陶盆概括写意地描绘了半坡文化中的鱼图腾崇拜，是将当时人的生活中抽象的信仰具体化为美术的形式。
而在那之后一万多年，皮特-蒙德里安的作品《红、黄、蓝的组合》则是当代最著名的理性秩序的实例。
曲线模型以及主观意识的排除，迫使人们按照作品严格的形式语言来审视作品，并使人联想到艺术的完全理性形式与秩序之间的相互交错。
二、从具象的生活情态中提取其形式意味,抽象地再现其感情因素,成为诉诸某种感情与心理的中介与条件
格式塔心理学派的代表人物阿恩海姆以他的心理试验证明了支配哀情的“力的图式”：
被试的舞蹈演员在用动作表现悲哀感情时,无一例外的动作缓慢,舞蹈造型呈曲线形式。
每一动作幅度的张力都比较小,显得缺乏能量和主动力量。
从这里我们可以看出造型特点同感情之间的联系。
举例：
在后期印象派中,梵高的绘画是以强烈的色彩和富有力度的线条交织在一起,来表达他的激动和狂热的。
在他的作品中,引人注目的不是景物,而是在表现形式中流露出的强烈感情。
他那扭曲的、近乎神经质的笔触,正是他晚年心境的迹化。
他笔下的《向日葵》，像闪烁着的火焰，艳丽华美又和谐优雅，其富有运动感的、仿佛旋转不停的笔触粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。
观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感动。
如果只是以向日葵为内容，画作不会感人。
正是因为借助了梵高独特笔触的形式，观者才能体会到他内心强烈的情感。
形式是否起到至关重要的作用
丰富了美术的表现形式，不单一沉闷：
人物：
白描，道子墨宝之一，传为吴道子作品，美国克利夫兰博物馆（元代摹本），
工笔画，步辇图，阎立本，唐，
写意画，泼墨仙人图，宋，梁楷，
版画，金刚般若波罗蜜经卷首图，唐咸通9年（868），刊本
素描，
传递的信息不同
画没有名字
署名
诗书画一体
在加上别人的评论：
唐韩干照夜白图这幅画描绘了一匹骏马“照夜白”的形象。
“照夜白”是唐玄宗李隆基的坐骑，图中“照夜白”系一木桩上，昂首嘶鸣，四蹄腾骧，似欲挣脱缰索。
此图用笔简练，线条织细有劲，马身微加渲染，雄骏神态已表现出来。
图左上题“韩干画照夜白”六字，系南唐后主李煜题字。
左边上方有“彦远”二字，似为唐代著名美术史家张彦远的题名；左下有宋米芾题名，并盖有“天生真赏”朱文印。
是流传有序的名迹。
博物馆把这幅画上的印都列出来了，乾隆在上面盖了20多个印，5首诗。
汉代的马精干的，唐代的是肥的。
这幅图联系到了汉代汗血宝马，张彦远，李煜，米芾，乾隆，宋代一堆人。
一幅画中包含这么多历史。
表达美重要性
雕塑：
立体感
大小来制造直觉感受：
巨型雕塑，视觉冲击，美国芝加哥"永远的玛丽莲梦露"，英国伯恩茅斯海滩巨型沙滩椅
色彩：
印象派：
追求客观的写实的色彩，放弃绘画里的思想（传统绘画用人物故事表现思想），去掉文学性叙事性；新印象派，颜色尽可能保持鲜艳，强调眼睛所看到的光、色彩
写实抽象：
王希孟《千里江山图》山水画也可以很逼真，大桥有很多层，可以让你观赏风景；泼墨仙人图（李白），宋，梁楷
形式本身所表达的：
玉器，高贵；
陶俑：
统治阶级的权利的体现，中国的丧葬文化
不同的形式社会功能不同：
宗教画：
欧洲基督教，最后的晚餐最后的审判
政治画：
法国大革命，自由领导人民马拉之死
文人画：
表达自己作为文人的情操，梅兰竹菊等，高尚的品格
能否保存下来：
欧洲早期雕塑很多都是缺胳膊缺腿的，胳膊腿伸的长，容易损毁
墓室里的陶俑等保存千年，画潮湿腐烂，
6、略说艺术中的"真实"
视觉，物理（事物的本来的属性，内在的属性），心理，历史，解释，虚拟，正确的真实
1）视觉的真实——栩栩如生
肉形石和翠玉白菜，好的玉温润。
这两块玉并不是用好的玉做的，是工匠根据石头的本色来设计的。
白菜有"百财'的音。
中国人如何把人像画的越来越逼真：
先勾线，然后平涂颜色，所以正面的鼻子很难画。
元代的画家用短小的线条来画生活中的人物，远离宗教的程式化的东西。
明代：
逐渐受到西方影响，在脸上找光线，有结构了，高高低低的，正面的鼻子也知道怎么画了，有立体感了（从宋赵匡胤开始，中国每个皇帝都有标准像）；乾隆是中国被画最多的，衣服上绸缎有质感。
乾隆时期的完全是西方的画法。
陈独秀说中国的画家应该像郎世宁学习，学习西方的写实艺术。
现在的画家都觉得他技术还可以，品味不高。
脸用西方的画法，身上还是用线条勾勒，中国传统的画法颜色夸张，红光满面。
《父亲》罗中立超级写实两米高的图，就画了一个头像。
物理上的真实——格物致知
画中反映了生活的真实性。
唐代人很在乎很画的东西是不是真实的，王维看到一个画说是霓裳羽衣曲的某一章的内容。
猫的画，看出是中午，因为猫的眼睛，以及画已经开始收缩了
清明上河图，每一个船都可以做出来
看着马画马，而不是根据老师说的画
心理的真实
艺术家应该是平淡天真好，董源。
现在绝大多数画家功利性太强。
虽然也能出一些好作品。
不为名不为利的画家都被称为艺术家。
比如竹林七贤。
梁楷，宫廷画家，皇帝给他受过一个腰带，他不在乎，把腰带扔在树上了。
皇帝也不在乎。
所以宋代是一个文人的天堂。
宋代一个规矩，文人犯多大的错都不杀。
梁楷画的李白，简笔画，看上去很随性，但是实际很理性。
是画的最好的李白像
徐渭，书诗文画，他认为的他最擅长的。
他不给富人画，有钱人当官的画。
中国的文人画家都佩服的五体投地。
徐渭杀妻，自己精神上有病。
看上去比较怪异的，平淡天真。
怀素。
草书的一些草稿出于无心，这才是真妙
性灵的真实体现
倪瓒，他的画常常是格式化的，山水树诗的基本格式
八大山人，孤独有恨，对社会的悲愤，
官人怎么看性灵，如赵孟頫，元朝朝廷上最大的官。
所以他画的画都战战兢兢。
比如有一幅画叫人骑图，看上去非常谨慎。
艺术世界是他可以让自己放松的地方。
官最大的时候是一品，文章，画，字都是一流的
历史的真实时光之镜，
五代，周文矩，重屏会棋图，五个兄弟在夫父亲的墓前会见，说把国家传给自己的弟弟，不要给儿子。
但是后来还是传给自己的儿子了，也就是李煜。
后来被俘虏后，被宋太祖嘲笑。
后来宋太宗上位，他是太祖的弟弟，对李煜很好，李煜就让人画了一幅这个画，来证明传给兄弟的合法性。
跨越历史的真实。
看花不仅审美，更是阅读历史。
一幅拴在柱子上的马的图。
马的力量被束缚了，在宫廷里面。
博物馆把这幅画上的印都列出来了，乾隆在上面盖了20多个印，5个诗。
汉代的马精干的，唐代的诗肥肥的。
这幅图联系到了汉代汗血宝马，张彦远，李煜，米趺，乾隆，宋代一堆人等很多人。
一幅画中包含这么多历史。
仁者见仁
敦煌壁画的复原的问题。
敦煌壁画色彩鲜艳才是真实的。
可是还原以后就觉得很俗气。
整理性的临摹，半还原。
虎溪三笑
慧远，路修进？
，陶渊明。
一团和气，一套五官，三个人，朱见深。
已经知道是假的，但是还是接着画
西园雅集图，北宋的16个很多文人聚在一起。
已经论证不存在。
不是历史事件，而是佳话。
画家是奇迹的见证者和记录者
达摩一叶芦苇渡江。
引申意义渡的是苦海，要渡过苦海只需要身边的一个小东西就行了。
所以所谓的真实与信仰有关。
7、以不同时期和国家作品为例，简要概述看起来不同的东西如何有重要的相同
书法是中国五千年文化滋养下独有的一种艺术。
书法被看做是抒发个人性情志向，体现个人文化修养的一个工具，中国人常说的字如其人大概就是这个意思。
而行书更被视为在压抑环境下释放表
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