如何分析摄影作品四篇.docx
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如何分析摄影作品四篇
如何分析摄影作品四篇
篇一：
怎样分析摄影作品
摄影作品的分析要点：
作品怎样突出主体，怎样利用陪体、前景、后景、方向、视角来表现主题；
作品怎样运用线条形成画面节奏，抒发感情，突出主体，表现主题；
摄影的光线、影调特点在哪里？
美术作品的夸张、变异在哪里？
说出自己直接感觉到的气氛、情绪，怎样说得自然、说得真切、说得让自己和老师都信服；
仁者见仁，智者见智。
第一、可以从内容上分析，作品拍的是什么。
第二、可以从当时的社会背景，联系拍摄意图，或者创作意图来分析。
第三、可以从画面的构成来分析，包括构图，安排等。
第四、可以从拍摄用光来分析。
第五、还可以从色彩来分析，怎么搭配怎么处理等。
摄影作品还可以从虚实处理来分析等。
总的说起来也有一些规律可循。
可以分析构图，分析造型，可以分析用光，可以分析影调色调，可以分析动态，可以分析画面中事物之间的关系……
一张摄影作品，构图是最基本的要素。
摄影作品主要拍摄的是什么，摄影作品主要表现什么，就是摄影的主体。
有时摄影的主体是一个人，有时是多个人，主体处于中心位置，整个画面是围绕主题来配置的。
有时在群体中突出的那个人虽然不是主体，但它是整个画面的意趣中心和构建中心，起着组织画面的作用。
自然环境中的物体形象也是同样道理。
除了在画面中占主要位置突出主体的方式，还有一些作品用各种不同的方式来突出主体，如线条引导，虚实、光线、繁简等对比的手法。
在画面中起陪衬作用，帮助表现画面的内容，丰富画面生活气息的，是画面中的陪体。
比如劳动的对象，讲话的听者，他们都和主题有着各种不同的呼应关系。
有的作品的陪体被安排在画面之外，但能使人明显地感觉到他们的存在。
在画面中主体与拍摄镜头之间的景物是画面的前景。
前景离观看者最近。
前景的利用都是有利于主体表现的，烘托、陪衬、渲染主体。
前景与整个画面处于和谐的状态，不相悖、不干扰。
在主体后面衬托主体的景物是背景。
它表达了主体事物存在的环境位置，能够深化主题，引起人们更多的联想，在背景与主体对比中突出主体。
背景的选择过程中能不能注意简化背景，让背景“单纯”一些，是作者的一种追求。
有些作品的画面中留有相当的空白，如天空、海面、森林、身影，这往往根据作品的主题和作者的创作个性不同而有不同的处理。
摄影镜头拍摄的时候，面对被摄人或物，有三个方向，一是正面，二是侧面，三是背面。
一般来说，正面表现和背面表现得不多，作为特殊手法使用时，会有特别的效果。
平常我们自己拍摄都是以平摄为主的，但摄影时根据需要镜头常常会仰摄，俯摄，甚至垂直向下、向上拍摄人或物，不同的角度会产生不同的艺术效果。
我们在分析摄影作品的时候，要根据具体情况，分析作品是怎样突出主体的；陪体、前景、背景是怎样帮助突出主体的；作品的方向和角度有时怎样帮助表现作品主题的。
生活中如果我们眯起眼睛，就可能发现，生活中事物都能够抽象成为一个个线条。
摄影作品画面中的形象基本要素也是线条。
垂直于地面的树目、烟囱、高楼、站立的人、地平线等是直线，建筑倾斜、风吹的树枝的斜线，蜿蜒的河流、起伏的山脉的曲线，这是主要的三种线条。
有些线条只是虚线状态。
画面中还有一种无形线条，人的视线方向、动作方向都能形成曲、直、斜的无形线条。
我们进行作品分析的时候，要注意垂直线条、放射线条、水平线条、波状线条、弯曲线条、倾斜线条、交叉线条、圆形线条、正三角形、倒三角形给自己的感觉。
看作品是怎样从生活中选择和提炼线条；怎样运用一定的线条结构来抒发感情；怎样运用一定的线条结构来形成画面的节奏；怎样突出作品主题和表现作品主题的。
能够在一张平面的摄影作品中体现出现实生活中的三维空间，是摄影作品的魅力之一，线条是表现画面深处空间的重要方式。
空气中近处清晰，远处模糊，光线构成的明暗都是表现空间和物体质感的因素。
分析摄影作品时不要忽略了这一点。
在某种意义上说，摄影是光的艺术，因为摄影胶片或感光的电子器件是要靠光才能记录下影像的。
摄影的光线分为自然光和人工光。
自然光中太阳升起和落下之前的15度，是一个特殊的用光时段；15度到60度之间是摄影的正常照明时刻。
60度到90度之间是顶光时刻，也可以运用这时光线的特别之处进行特别的创作。
根据镜头的位置，光源在镜头后面时顺光，光源在镜头对面的是逆光或侧逆光，光源在镜头和被摄物体两侧的是侧斜光、侧光。
一般情况下，不使用顺光的方式拍摄作品。
侧光能富有表现力地塑造被摄体的立体形态和空间的纵深感，还能细腻地表现影纹和质感。
逆光也称轮廓光、隔离光，可以表现生动的造型剪影；逆光的光效运用得当，会有许多妙不可言的艺术效果。
光的影子也是画面中的重要因素，有些光影非常有意义。
分析摄影作品，可以分析到光线的走向，说明光线的作用。
如果光影特别，可以单独分析光影的作用。
摄影作品中，有时对现实的表现有夸张变异的情况，有的变化还很强烈。
我们可能面对各种不同流派作品，各种世界名作，各个时期的代表作品和代表人物，可能面对东西方的不同表现手法，东西方不同种类的作品。
这些要靠平时的学习和积累。
一般都能粗之一二，并能有自己的一些心得和分析。
关于摄影作品的知识，不是简单内几天就能掌握的，即使是突击读几本书也未必能明白其中复杂多变的因素。
不要生硬地搬弄某些专业术语，那样往往会词不达意。
没有专业知识，并不是不能分析好摄影美术作品。
没有专业知识，也可以从自己的真实感觉出发分析作品。
看到那成功作品中人物的生动形象，你就说生动；看到动态很强的作品，你就说他的一种动感；看到开阔就说开阔；看到简练就说简练；看到色彩斑斓就说色彩斑斓；看到怪异就说怪异；说你感觉到的气氛、情绪、远近、凉热、幽静、热烈，甚至犹如响在耳畔的音乐、枪炮、呼喊、流水的声音……总之，你要说得自然、说得真切，说得别人和你自己都信服。
对于非常专业的作品，一般人很少能适应。
更何况以后将要系统地、由浅入深地进行专业训练。
对于摄影已经有多年的业余爱好，并且对于摄影的知识有一些接触，那就更好了。
篇二：
如何分析摄影作品
首先是看其功用目的，即服务于谁的问题；其二看其文化背景；第三看作品的写实特色，有没有形成什么风格；最后看其形式，如画面构成技巧方面的特点。
显然，艺术语言，尤其是具有创造性和个性化的艺术语言在作品中的运用程度，是作品分析的一大重点。
分析摄影作品，许多人都有自己的一套主张，但不管怎么说，在分析过程中最基本的几个步骤都是不可或缺的，那就是：
看看、想想、看看、再想想。
一看“说"什么，二看怎么“说”，三看“说"到了什么程度。
分析一般都是从读图开始，分析者最好具备一定的视觉表达方面的知识，如视觉心理学、摄影术、摄影史和视觉语言等方面的知识．从画面内外尽可能多地了解摄影画面所要表达的真实意图。
其中值得注意的是，分析者必须明确他们将要分析的摄影作品所属的类别以及它们各自所适用的基本的创作标准。
一般的欣赏者读懂了画面也就不再企求什么了．但对较认真的欣赏者来说，他们并不满足于读懂画面，他们还想读懂摄影师，读通这一类摄影作品，了解有关作品、作者和这类创作现象的更多的资料或信息．以便作进一步的比较研究．并且还要深入地对摄影作品本身的表达技巧进行剖析。
概括起来就是以下四个步骤：
1．从读图开始：
2．了解画面的真实意图：
3．解读摄影师（如有可能的话，尽量去了解与作品创作相关的背景资料）：
4．分析画面内容与形式（也可称为“意义与结构”或“立意与表达”）的关系。
看立意——读懂画面的含义
◎审视摄影作品的标题，抓住画面所揭示的主题标题（包括副标题）对大多数摄影作品来说，通常都属于点睛之笔或是最简练的内容概括。
不管该摄影作品是系列照片，还是单幅照片，通过其标题的引导，你就会立即明确该作品所表达的内容及其大致含义。
因此，我们看作品，应结合标题看画面，或者说是联系画面看标题。
标题中所提供的信息，有来自时间方面的（某年某月某日，表明某个特定历史时期的），有来自空间方面的（某某地方，表明特定的拍摄场所），也有说明事件、情节的，甚至是表达某种特定的情绪心态和奇特感受的，这些都是作品中最重要的信息．
或者说是重要信息中的一部分。
总之，标题能或多或少地明示或暗示该作品所要揭示的内容与创作者的立意。
◎结合画面，由标题作引申，概括出作品的主题思想（立意）主题思想（立意）是作品的灵魂，是作品的价值所在。
在具体的分析过程中．我们也是首先根据作品的立意来确定该作品的思想深度和人文方面的立场．并以此来推断它的存在价值与社会效应的，从标题开始结合画面推断出作品的立意．再从对作品的一步步解读中．仔细体会创作者对拍摄主题的提炼与概括．以及对各种表现技巧的驾驭．这实际上是对创作者心智运作过程的一次重现与还原n我们可以由此判断出该摄影作品创作的成败和思想品位的高下。
看表达——分析画面内外的各种表现技巧
不管画面立意有多重要．终究都要取决于画面所采取的表达方式。
立意一旦离开了表达，也就变得没有意义了，因为只有表达出来的立意，才能为人所理解和接受。
也就是说，我们大部分人所能理解和接受的意义．只能是被表达出来的意义。
而理解与接受的程度，则完全取决于表达的程度。
正因为如此，“高僧只说家常话"。
说给别人听的，是为了让人明白所说的意义，除非你压根儿就不想让别人明白。
故弄玄虚，其目的只是为了显示自己的“学识"。
然而，视觉的含义与文字的含义有很大的区别，事实上，具象本身就存在着显著的意义，但这种显著的意义往往是不经意和不确定的，在理解上具有多种可能性。
视觉的表达，难就难在它表达的合乎目的性（即对具象特定含义的筛选与确认）。
对摄影来说，只要拍出了图像，就存在了意义的表达，问题就在于这一表达是否达意．是否与立意还有一段距离，而如何缩短甚至消除这一距离，正是我们学习摄影这一视觉表达手段的主要目的.
◎造型能力的分析判断
◇构图技巧分析
1．主体对象的选择与强调。
这里主要包括：
拍摄作品时镜头焦距的运用．景别的选择与控制，拍摄距离、拍摄高度与拍摄方向上的考虑．背景的范围、明暗和虚实等方面的控制，景深的选择．运动的处理，神态的处理，情节的控制．瞬间的取舍，细节的刻画．编辑或展示的思路和方案等．有效的手段．也可以说是唯一的途径。
每个具体的摄影画面都应该如实地体现摄影师特定的拍摄意图。
摄影师凭借构图手段来充分证明他在拍摄现场对某个拍摄主题的新发现，而摄影师的视觉发现则主要依赖于他对被摄主体的全新的观察角度。
新角度产生新感觉。
在角度独特的摄影画面中，新感觉才能被充分有效地加以强调。
因此，充分运用摄影独特的表现手法来选择与强调主体对象，也就成了摄影表达上的首要任务。
如采用哪一段镜头焦距?
选择怎样的拍摄角度?
取什么样的景别（如果是特写．是采用广角镜头靠近拍摄，还是采用长焦距镜头后退拍摄）?
选什么样的景深?
画面细节如何控制?
虚实如何安排?
瞬间如何选择?
影调如何处理?
如果是系列照片，整体表现上又该如何构思?
我们分析摄影作品，就是要看摄影师究竟是采用何种手段来突出画面的主体，达到表现目的的。
就拍摄距离而言．其中便大有学问。
有人说，距离产生美，指出保持距离在审美情状下的重要性。
但在很多情况下，我们不只是为了追求美，因为在创作中还有比美更重要的东西。
正因为如此．罗伯特．卡帕就直言相告：
“如果你的照片拍得不够好，那是因为你离得不够近。
"的确，对于新闻照片来说．重要的莫过于照片能如实地再现真实的现场感觉。
当然，卡帕的这番言论还包含着另一层含义．那就是摄影师素质中更令人敬佩的执著、勇敢和随时随地都准备付出生命代价的牺牲精神。
卡帕的主张对现代世界新闻摄影的影响尤为深刻。
以纪实摄影见长的意大利现代摄影家恩佐．桑最主要的摄影经验也是：
“我宁愿靠近拍摄，而且靠得非常近。
"尽管他拍摄的大构图是实现摄影师想法的最多不是新闻照片．但近距离拍摄所得到的却是照片中拍摄行为的自行消解——画面给人的感觉．已经完全无视照相机的存在，镜头的视点似乎已经消失在主观感受之中．照片里剩下的只是怦然心动的那份真情实感了。
无独有偶，成功地自费环球拍摄世界政治文化名人的中国当代摄影家邓伟也主张近距离拍摄人物肖像．为的是“要能听得见彼此的心跳"．这已经演化成了一种极具心理张力与人本精神的挑战。
2．画面空间的经营处理。
这里主要包括：
形状（主体形状与背景形状、）与画面空间的关系，如“松"与“紧"、“疏"与“密”等；均衡与画面空间的关系．如传统绘画中的均衡原则在摄影中的运用，以及现代摄影构图中均衡规则的新变化等：
透视与画面空间的关系，如画面视角的开阔程度、远近感觉和空间深度，不同焦距镜头对透视的夸张与压缩处理等；动感与画面空间的关系，如沉寂与飞动、内在的较为隐含的动感与外在的较为紧张激烈的动感对画面空间形成与配置的影响：
节奏与画面空间，如节奏所产生的视觉愉悦感和视觉含义的完整表达．对画外心理空间的建立所需要的象征性与寓意性（明示或暗示）因素的要求等。
3．画面影调的构成。
指适应视觉表达的需要而确定的摄影画面内的明暗配置情况，如：
画面调子轻重浓淡的取舍与合理的分配：
影子的处理；画面基调的确立：
全影调照片的技术控制：
黑白照片中的影调调节与反差控制：
影调与画面虚实感觉的关系：
背景影调与主体影调的区分处理：
整体影调效果与画面情绪气氛的关系等。
4．画面线条的构成。
线条是构成摄影画面主要造型感觉的最抽象也是最基本的视觉元素．它能强调出主体与背景的形状．形成和谐的视觉秩序．产生画面内外的视觉张力。
在分析具体的摄影作品中，一般从画面的主线着手，推断出摄影师在创作时对画面的主线进行提炼和截取的真实意图。
因为当我们顺着主线的方向进行搜寻时．就可以非常自然地了解画面所要表达的含义。
因此，我们也通常将这一贯穿画面情节内容的主线．称为“视觉引导线"。
5．画面色彩的构成。
色彩感觉在视觉表达方面是最强烈．也是最外在化的，因而也是摄影创作中最难驾驭和最活跃的视觉元素。
许多人奈何不了它．是因为不了解色彩的脾性．尤其在对客观色的选择与主观色的控制方面，处处都有陷阱，时时都会面临新的挑战。
用色不仅要有深厚的艺术修养．还得有独特的色彩体验和行之有效的创意表达方法。
6．画面背景气氛的营造。
视觉表达难就难在气氛的表现。
优秀的戏剧或电影导演，不光会导戏，更善于诱导气氛。
其实，拍摄照片也同
理。
许多初学者拿起照相机拍照，“一叶障目，不见泰山”，只见主体，不见背景，注意力分配不当，全集中在主体一头了，而在不知不觉间放弃了对整个画面的全面经营。
拍摄出来的照片，由于背景严重失控，主体的表现不得不受到来自背景杂乱因素的视觉干扰，以至于无法明确表达拍摄者的真正意图。
有经验的摄影师知道，拍摄照片花在画面背景上的时间与精力，要远远大于对主体选择控制所需的时间与精力。
在具体的操作过程中．背景往往比主体还重要，因为经营画面必须有一个通盘的考虑。
对摄影师来说，必须对画面进行全面的控制。
不光要以背景来有效地衬托主体，还要有意识地将背景因素当作与主体密切相关的信息来表达n其实。
背景本身就是主体表达不可分割的一个有机组成部分。
◇用光技巧分析
摄影技巧在很大程度上就是用光技巧．摄影的成功首先是用光的成功．对光线的特殊敏感和细致人微的控制能力是摄影师应具备的必不可少的素质。
光线的处理．在技巧方面只有充分到位，才有可能形成良好的表达效果，否则，再好的设想也无法在摄影画面上体现。
这里最重要的要数良好的用光意识与用光感觉了。
区分专业还是业余，一看摄影画面的用光意识．便可略知一二了。
专业摄影师总是处处留意用光的技巧，甚至到了非常在意、几近苛刻的程度。
而且专业摄影师对光线的感觉显得更为可贵．因为只有良好的用光感觉．才能在拍摄现场用最短的时间，极其
果断地对具体的用光方案和措施作出选择和判断，并在每一个具体细节上进行严格的控制。
用光的感觉，已不只是一个熟练的技术与技巧的问题了．这里体现的更多的是一种晤性”，或者说是一种特殊的能力和天赋。
举个例子，绝大多数摄影师在拍摄人像时，都喜欢采用轮廓光，将人物从背景中区分出来，同时又可用来勾勒人物最值得表现部分的轮廓特征．从而达到美化人物的目的，于是许多人就以为这种用光就是一种经典的用光。
但是，优秀的摄影师却从不迷信任何一种所谓的经典用光，他总要去设法创新，去努力获得全新的感觉。
他们在使用轮廓光时就显得十分小心，因为大家喜欢的已经用滥了的方式，其中必定是最缺乏创意的，而且会显得媚俗。
因此．他们往往改用最朴实和最不起眼的背景光来取代轮廓光，而且改用对画面气氛的营造来替代对人物主体的美化，这样反而令人物显得更具“内涵”。
其实，这才是一种更智慧的做法。
渗其他综合技巧的合理运用视觉语言有其局限性，摄影当然也不例外。
其一，摄影只是属于视觉的，它肯定没法被听见或被嗅到：
其二，摄影所展示的空间只是二维的平面空间，它根本无法与真实的三维世界相提并论；其三，摄影又是静态的表现，它只是截取了运动中的一个瞬间，而决不是对一个过程的忠实复写，它在时间与空间上都受到了极其严格的限制——只是永恒的时空链条中的一个“切片”!
摆在我们面前的这些限制，都是无可争辩、无可奈何的事实。
然而，有限制就会有突破，或者从另一个角度说．正是因为有了某种限制，我们才有可能找到自己的落脚位置和生存发展的空间，我们才有可能充分看清这些限制．并且以此出发试图去打破这些限制，以拓宽其疆界。
不少有经验的摄影师，他们在打破摄影局限性方面早已作出了许多富有成效的努力，如他们综合了摄影或传统视觉语言中的
种种技巧．有的甚至还运用了视知觉心理学方面的最新科研成果。
我们在分析其作品时，应当充分注意到这一点。
篇三：
如何分析摄影作品
学会欣赏摄影作品是摄影者的基本功之一，因为会欣赏才能从别人的作品中吸收营养，学习到更多的东西。
我以为，欣赏摄影作品大概分为四种类型：
第一种是较大众化的，如普通民众看挂历那样，只能说出风景漂亮，妹妹漂亮、颜色鲜、照片清楚之类的评价，其实只要掌握好天气，只要你到了风景点，或者妹妹长得漂亮一些，是较容易拍出好看照片的。
拍摄的人也容易产生成就感。
难怪一些导师不主张初学者多拍这样的片子。
第二种是摄影爱好者，他们把更多的注意力放在照片的构图、影调、色彩、用光的技巧上。
一般说来，他们拍出的照片已开始向艺术摄影方向发展，这些照片有些看头了。
第三种是发烧友。
他们对摄影的执着追求，让人敬佩。
他们非常关注摄影器材的选择。
如相机、镜头、胶卷、相纸、药水等。
因为他们已懂得，摄影作品的质量与器材的选择是密切相关的。
但是切不能唯“武器”论。
第四种是摄影艺术家，他们更注重摄影作品构思、思想内涵，拍摄时机与人物神态的把握，作品的视觉冲击力，表现主题的手法技法、后期制作等等。
因此这些大师的作品总是很耐看，越看越有味道了。
以上是本人的粗浅认识，我想一幅照片的好与差，可以从以下几个方面来欣赏：
一、构图要美，要新颖。
一幅好的照片，首先吸引你目光的一定是它的构图。
好的构图不会沿袭别人的手法，应该是有个性的、独特的。
它所反映的主题应该突出，不呆板。
二、对于彩色照片，应该色彩丰富、鲜艳、冷暖搭配得当；而黑白照片则应该对比明显、柔和。
三、主题突出。
每一幅照片都有它的主题和主体，不是主体的部分都应该虚掉或暗淡下去。
背景要干净，不能喧宾夺主，避免包罗万象，什么都照下来，结果什么都没突出。
四、要有时代感染力。
一幅好的照片出现在你的面前，应该使你感到非常震撼。
它不仅反映的画面有时代气息，而且很有独特的个性。
五、光源运用恰当。
逆光、侧光、顺光、顶光、底光、自然光、反射光等光源，如果运用得当，就能反映主体和整个画面的内容。
一般来讲，一幅好照片，运用逆光和侧光的比较多。
除非是纪实性的新闻片或艺术照片，顺光是很难出好效果的。
六、照片的层次要丰富、分明。
前景、中景、远景都要清晰明朗。
七、关于广告片，主题要突出，色彩要鲜明夺目。
可以运用夸张、虚构等手法加强号召力。
简单明了、幽默、含意丰富、大众化、独特、有个性，这些都是广告片的要素。
八、要处理好照片的特殊效果。
如黑白效果、油画效果、水彩画效果、版画效果、雕塑效果、条纹效果、水纹效果等等。
这样，照片就有了特殊的美术效果。
摄影图片欣赏的一般方法：
说起来也很简单：
一般讲，两个方面，即内容构思和艺术手法。
其实由此对一幅作品进行复杂的审美活动，因人而异，所产生的结果却是很不一样的。
它并不是有个统一标准或数学运算定律来统一认识，要么“英雄所见略同”，看法较一致，也有差异，你给99.5,我给99.7,你给5颗星，我给3颗星等；要么“萝卜青菜各有所爱“，你喜辣，我爱酸，你说好，我嫌糟，大家争持不下。
这是由于多种因素造成的：
首先，审美对象是美的，其次，我们认为它是美的，问题就出在“认为”上，每个人的知识积累，艺术修养，审美取向，情趣喜好等的不同和差异就会得出大相径庭的结果。
但无论如何，对一幅作品的认识而进入欣赏审美的路数，方法应该大致差不多的。
首先：
这幅作品是否让你一见钟情，第一眼印象不错，对胃口，愿意费些时间和笔墨口水去欣赏它，学习它。
这一条跟个人因素关系很大，常因个人趣味而定好恶。
其二：
分析画面内容，题材，主题，意义，以及气氛，情绪，倾向等等。
有句话说，艺术都是相通的，虽说太笼统，太含混，但如果从任何艺术种类都必须由内容和形式所构成的概念出发，这话就清楚了。
摄影属视觉艺术，如此，它就离不开线条，块型，色彩，光线等等视觉基本元素，进而运用这些元素来组合/勾连画面内容和形式的内在联系，最终以此来完成艺术形象的塑造，而这个艺术形象所表达的主题，情绪，气氛因此得到完整表现，创作者的思想也寓之其里。
方法:
也就是胡思乱想，翻来覆去的演绎，归纳什么的。
1、认知形象，回答画面是什么的问题。
2、分解内容形式，研究画面主体和客体等之间的内在结构联系
3、辨析元素，线条，块型，色彩，光线等状况
4、整体思考，作品表达的主题意义，情绪气氛，揣摩作者的立意和思想
5、深层联想，推己及人，作品有什么寄托寓意
6、咀嚼品味，观者自我内心的感受和情感共鸣
其实，各人有各人的招，怎么顺手怎么来吧！
其三：
如前所述，一幅片子制胜成功的决定性因素在于按快门拍摄前的主题思考和技术准备，也是最终给与欣赏者含英咀华完成审美过程的前提。
如老西名言：
没有照相机就没有摄影，信然。
那么，在欣赏所喜爱的风光摄影作品就必然涉及完成作品创作的器材应用和技术手段。
有言摄影者有两类：
一是技术类，主要兴趣在把玩机器和技术制作；二是主题类，主要精力放在各类摄影流派的研究和创作上，但无论怎样，谁都沉醉那迷人的小机器悦耳的卡嚓声，谁都没完没了地梦想拥有各种各样的相机和镜头。
方法：
也就是胡猜乱想摄影师玩的啥器材和技术处理。
1、器材应用处理,相机牌号是猜不出来的，但相机的画幅尺寸要参考的,还有镜头、胶片、滤色镜等。
不同焦距镜头，不同种类的胶片和各种滤色镜的运用对作品有直接影响,摄影师是怎样处理它们的，对作品产生怎样的效果。
2、摄影技术手法，基本的摄影技术在每次创作都需要的，快门速度、光圈景深、超焦
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