城南小学声乐校本教材.docx
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城南小学声乐校本教材
编者的话
声乐艺术是人声音调在音乐中发展的直接领域，属直觉艺术。
它是通过人体自身（发声体）发出的声音所形成的音调与语言结合的艺术。
与器乐艺术相比较它又有着明显的造型性。
它凭借着语言的描绘，可以更直接地、具体地表达人们的细微感情。
由于它的表现手段是人声音调，因此它又受到人声音域、音量、音色的局限，还不能表达人的全部感情，还需要借助于人声音调之外的音乐手段给予补充和发挥。
要唱好歌不仅要有好的嗓音，还需具备一定的乐理知识和识谱能力，掌握科学的呼吸、发声、咬字吐字方法，这些目标都是可以在老师的指导下完成的。
鉴于此，本教材安排了歌唱前的准备、音乐和简谱知识、柯达伊识谱教学、节奏训练及固定伴奏、歌唱的姿势、歌唱的呼吸、共鸣与练声、咬字与吐字、优秀儿童歌曲等几个方面的内容。
第一章歌唱前的准备……………………………………01
第二章音乐和简谱知识…………………………………02
音的属性…………………………………………02
简谱术语…………………………………………03
第三章柯达伊识谱教学、节奏训练及固定伴奏………15
识谱的教学………………………………………15
节奏的训练………………………………………16
固定伴奏…………………………………………18
第四章歌唱的姿势………………………………………20
第五章歌唱的呼吸、共鸣与练声………………………21
歌唱的呼吸………………………………………21
歌唱的共鸣………………………………………22
发声练习方法……………………………………23
第六章咬字与吐字………………………………………32
第七章优秀儿童歌曲……………………………………36
迷人的火塘………………………………………37
在我和你之间……………………………………38
谢谢妈妈…………………………………………39
红领巾的世界……………………………………40
妈妈格桑拉………………………………………41
给妈妈放个假……………………………………42
哦，香格里拉……………………………………43
童心是小鸟………………………………………44
地球是个美丽的圆………………………………45
我愿是一条小溪流………………………………46
山里的孩子想大海………………………………47
摘草莓……………………………………………48
小鸟小鸟…………………………………………49
赶海的小姑娘……………………………………50
拾稻穗的小姑娘…………………………………51
童年………………………………………………52
老师我想你………………………………………53
丰收的月亮………………………………………54
外婆的澎湖湾……………………………………55
校园的早晨………………………………………56
祖国我们是你的花朵……………………………57
第一章歌唱前的准备
1．乐理知识的准备
对于初学声乐的学生来说，声乐课一般只包括两部分内容，一部分是声音技术，也就是发声练习，一部分是演唱歌曲。
对于识谱等基本乐理的内容，在声乐课里是不太涉及的。
所以需要学生在学习声乐之前或同时，进行基本乐理的学习，大致分：
音乐理论、识谱等内容。
专业的学生还要上钢琴伴奏课，钢琴伴奏课的主要内容是进行歌曲的艺术处理、钢琴伴奏。
2．视唱练耳的准备
声乐的主要素质要求不是嗓音条件，而是音准问题。
在歌曲演唱中如果唱音不准，就无法准确的表达歌曲的内容，而且也会很难听。
3．嗓音条件
在嗓音的问题上，并不存在优劣的差别，不同的嗓音条件适合不同的歌曲类型，而有许多学生表面看是嗓子的音色差，实际上大多是由于使用不当造成的病变，当技术问题解决了，音色就会发生变化。
这就看教师的教学方法了，好的教学法可以使学生发出前所未有的声音。
4．语言的准备
语言的准备包括三个方面，一是普通话要准确，二是演唱地方民歌时要尽量掌握地方方言，三是演唱外国歌曲时的外文发音问题。
对于初学的学生来讲，主要解决的是普通话发音准确的问题，发音不准一方面会造成歌曲"走味"，另一方面还会造成技术问题。
第二章音乐和简谱知识
和语言一样，不同民族都有过自己创立并传承下来的记录音乐的方式---记谱法。
各民族的记谱方式各有千秋，但是目前被更广泛使用的是五线谱和简谱（据说简谱是由法国思想家卢梭于1742年发明的）。
简谱应该说是一种比较简单易学的音乐记谱法。
它的最大好处是仅用7个阿拉伯数字----1234567，就能将万千变化的音乐曲子记录并表示出来，并能使人很快记住而终身不忘；同时涉及其他的音乐元素也基本可以正确显示。
简谱虽然不是出现在中国，但是好象只有在中国得到非常广泛的传播。
音的属性
一般来说，所有音乐的构成有四个基本要素,而其中最重要的是“音的高低”和“音的长短”：
1音的高低：
任何一首曲子都是高低相间的音组成的，从钢琴上直观看就是越往左面的键盘音越低，越往右面的键盘音越高。
2音的长短：
除了音的高低外，还有一个重要的因素就是音的长短。
音的高低和长短的标注决定了该首曲子有别于另外的曲子，因此成为构成音乐的最重要的基础元素。
3音的力度：
音乐的力度很容易理解，也叫强度。
一首音乐作品总会有一些音符的力度比较强一些，有些地方弱一些。
而力度的变化是音乐作品中表达情感的因素之一。
4音质：
也可以称音色。
也就是发出音乐的乐器或人声。
同样的旋律音高男生和女声唱就不一样的音色；小提琴和钢琴的音色就不一样。
上述四项构成了任一首乐曲的基础元素。
应该说简谱基本可以将这些基础性元素正确标注。
简谱术语
1、音符
在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。
而用来表示这些音的高低的符号，是用七个阿拉伯数字作为标记，它们的写法是：
1234567，读法为:
doremifasolasi
（多来米发梭拉西）。
音符是和音高紧密相连的,没有一个不带音高的音符。
2、音高
音符的数字符号如1234567就表示不同的音高。
在钢琴键盘上可以很直观地理解音符和音高。
广义上说音乐里总共就有7个音符。
钢琴上的琴键由黑键和白键组成，共有88个键盘。
上图标示出这88键盘以及对应的音符和音高。
现在重点看黄线框里面的音符---七个白键和五个黑键。
搞懂了这12个音符和位置规律就可以将所有88个键盘掌握了。
黄线框里面的音符上下都不带圆点的一般叫中音区音符。
如果您记忆的话先将中央1（C）牢记在心---这可以说是所有88个键盘位置的基础。
这7个白键的就是如我们通常唱的1234567这七个音符。
那么5个黑键呢？
请看下面有关半音/全音的解释。
黄线右面的音符上边出现有圆点的，则表示要将该音升高一个音组，行话说“高8度”。
如出现加两个圆点就表示将该音升高两个音组，余类推。
在音符下边出现有圆点的，则表示要将该音降低一个音组，即“低8度”。
如出现加两个圆点就表示将该音降低两个音组，余类推。
用手依次弹上面各组键盘，你会直观地感到音的“高低”了。
3、音符的长短
音乐中的音符除了有高低之分外，当然还要表示长短之分。
这里引用一个基础的音乐术语----拍子。
拍子是表示音符长短的重要概念。
表示音乐的长短需要有一个相对固定的时间概念。
简谱里将音符分为全音符、二分音符、四分音符、十六分音符、三十二分音符等。
在这几个音符里面最重要的是四分音符，它是一个基本参照度量长度，即四分音符为一拍。
这里一拍的概念是一个相对时间度量单位。
一拍的长度没有限制，可以是1秒也可以市2秒或半秒。
假如一拍是一秒的长度，那么二拍就是两秒；一拍定为半秒的话，两拍就是一秒的长度。
一旦这个基础的一拍定下来，那么比一拍长或短的符号就相对容易了。
用一条横线“—”在四分音符的右面或下面来标注，以此来定义该音符的长短。
下面列出了常用音符和它们的长度标记：
音符名称
写法
时值
全音符
5———
四拍
二分音符
5—
二拍
四分音符
5
一拍
八分音符
5
半拍
十六分音符
5
四分之一拍
三十二分音符
八分之一拍
上例可以看出：
横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。
从表中可以发现一个规律，就是：
要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“—”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间（时值）越长。
相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。
4、休止符
音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。
表示声音休止的符号叫休止符，用“0”标记。
通俗点说就是没有声
音，不出声的符号。
休止符与音符基本相同，也有六种。
但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。
5、全音与半音
音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。
在音乐中，相邻的两个音之间最小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。
表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。
白键位置上的3和4音、7和1音之间构成半音；而1和2之间，2和3之间，以及4和5、6和7之间构成是全音。
而1和2之间隔着一个黑键，1和2与这个黑键都构成半音。
6、变化音
将基本音升高或降低得来的音，就是变化音。
将音符升高半音，叫升音。
用“#”（升号）表示，一般写在音符的左上部分，如下所示：
基本音降低半音，用“b"（降号）表示，同样写在音符的左上部分：
基本音升高一个全音叫重升音，用“x"（重升）表示，这和调式有关。
基本音降低全音叫重降音。
用“bb”（重降）表示。
将已经升高（包括重升）或降低（包括重降）的音，要变成原始的音，则用还原记号“
”表示
7、附点音符
附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半,带附点的音符叫附点音符。
例如：
四分附点音符
八分附点音符：
8、节奏
掌握读谱，首先要掌握节奏，练习掌握节奏要能准确的击拍。
击拍的方法是：
手往下拍是半拍，手掌拿起有半拍，一上一下是一拍。
节拍符号：
前半拍
后半拍
。
一拍为
。
节奏符号：
用X表示，念da。
熟悉节奏是，要求击拍、口念节奏一起进行练习。
列如：
2/4
（注：
上列中2/4是拍，表示四分音符为一拍，每小节二拍。
x表示四分音符，即一拍；
表示八分音符，即半拍，
表示二分音符，即二拍）
8、节拍
乐曲或歌曲中，音的强弱有规律地循环出现，就形成节拍。
节拍和节奏的关系，就像列队行进中整齐的步伐（节拍）和变化着的鼓点（节奏）之间的关系。
9、单拍子
指每小节一个强拍。
例如：
2/4拍：
∣
（注：
表示强拍，
表示弱拍）每小节第一拍是强拍，第二拍是弱拍。
3/4拍：
∣
（注：
每小节的第一拍是强拍，第二、第三拍为弱拍。
）
10、复拍子
每小节有一个强的，有若干个次强的。
例如：
4/4拍：
∣
每小节第一拍是强拍，第三拍是次强拍，第二、第四拍是弱拍。
每小节有两个或两个以上的不同类型的单拍子组成。
它有两个或两个以上的强拍，这样的复拍子叫混合复拍子。
常见的右5/4拍。
它是由（2/4+3/4）或（3/4+2/4）两种形式，它的强弱规律是：
注：
强拍、
弱拍、
次强拍。
11、拍子的强弱规律
每一种拍子，它的强弱规律是不同，从下一览表中可以了解常用拍子的种类。
以音5（sol）为例：
拍类
音符
强弱规律
拍号
读法
单
拍
子
一拍
5
1/4
四一拍
二拍
5-5-
2/2
二二拍
55
2/4
四二拍
三拍
555
3/4
四三拍
3/8
八三拍
复
拍
子
四拍
5555
4/4
四四拍
六拍
6/8
八六拍
12、调式音阶
按照一定关系结合在一起的几个音（一般是七个音左右）组成一个有主音（中心音）的音列体系，构成一个调式。
把调式中的个音，从主音到主音，按一定的音高关系排列起来的音列，叫音阶。
13、反复记号
（1）
，表示记号内的曲调反复唱（奏）。
如果从头反复，前面的
可省略。
例如：
A
B
C
D
E
F
实际唱（奏）为：
ABCABCDEFDEF
（2）反复跳跃记号：
记在曲调的结尾，表示这段曲调的两次结束不相同：
实际唱（奏）：
ABCABD
（3）D.C.记在乐曲的复纵线下。
表示从头反复，然后到记在Fine或
处结束。
注：
“Fine”是结束。
“
”是无限延长号，如果放在复纵线上则表示终止。
14、装饰音
装饰音的作用主要是用来装饰旋律。
它们用记号或小音符表示，装饰音的时值很短。
（1）倚音：
指一个或数个依附于主要音符的音，椅音时值短暂。
有前倚音、后倚音之分。
例如：
前倚音，5要唱（奏）得非常短促，一带而过。
实际唱（奏）
仍然唱（奏）很短促。
（2）颤音：
由主要音和它相邻的音快速均匀地交替演奏，颤音的标记用tr或tr～～例如：
tr～～
-实际演奏:
（3）波音:
由主要音和它上方或下方相邻的音快速一次或两次交替而成。
波音唱（奏）时一般占主要音的时间。
波音分上波音（顺波音）
和下波音（逆波音）
两种。
例如:
上波音
实际唱（奏）
。
下波音
实际唱（奏）
。
（4）滑音:
主要音向上或向下滑向某个音。
滑音分上滑音
下滑音
两种。
滑音除声乐能演唱这一技巧外，一切弦乐器都可演奏。
但钢琴等键盘乐器是无法演奏这一技巧的。
15、顿音记号
用▼标记在音符的上面,表示这个音要唱（奏）得短促、跳跃。
例如：
▼▼▼▼
13︱53演奏成：
16、连音线
用︵标记在音符的上面，它有两种用法：
（1）延音线:
如果是同一个音，则按照拍节弹奏完成即可，不用再弹奏，如下面的2的连线；
（2）连接两个以上不同的音，也称圆滑线。
要求唱（奏）得连贯、圆滑。
下面的第二个连线就表示两个音要求唱（奏）得连贯、圆滑。
16、重音记号
用>或
或sf标记在音符的上面,表示这个音要唱（奏）得坚强有力.当>与
两个记号同时出现时,
表示更强。
例如:
17、保持音记号
用-标记在音符的上面,表示这个音在唱（奏）时要保持足够的时值和一定的音量。
例如:
18、延长音记号
用
标记。
延长记号表示可根据感情情和风格的需要,自由延长音符过休止符的时值。
例如:
19、小节线
用竖线将每一小节划分开线叫小节线。
第三章柯达伊识谱教学、节奏训练及固定伴奏
一、识谱的教学
柯达伊教学法的主要特色是首调唱名法和五声音阶为基础。
在音阶的教学中采用从二声→三声→四声→五声→六声→七声的步骤进行教学，最后到完整的音阶。
音程的教学从小三度下行（so-mi）入手，先下行后上行，先小跳后级进，先全音后半音，然后才是六、七、八度等。
唱名的教学步骤仍然从小三度so—mi开始，当学生能掌握这两个音的音高关系后接着又开始加入la、do、re，如此五声音阶自然形成，最后认识fa、ti，再加入音程唱，两个或三个音的和声等都安排在适当的进度之内，并且采用首调唱名法。
在识谱教学的过程中，为了让学生把音唱准，充分利用柯尔文手势的优势辅助教学，帮组学生理解首调唱名体系中音级之间的高低关系、调式音级倾向，使抽象的音高关系变得直观、形象。
教师和学生通过身体语言形式进行音高、音准的调整、交流，使学生能对音的高低有个系统的心理位置，不至于造成音准问题。
二、节奏的训练
在音乐中，将长短相同或不同的音，按照一定的规律组织起来，就叫做节奏。
节奏是构成音乐的第一要素，是音乐的骨骼，它赋予音乐以活力；没有节奏，音乐将如同一盘散沙。
现今，许多学生喜欢音乐、喜欢唱歌、跳舞，但是他们却不喜欢上音乐课；尤其节奏教学的时候，学生仅机械的学习了音乐理论知识，却无法正确流畅的歌唱一条节奏型的旋律，很多人都在模仿，缺乏流动感，更无真正的“节奏”可言。
很多学生重视音乐课中的听觉训练，但却忽视了节奏训练的教学，听赏、演奏与创作等都有节奏的因素，这些都需要教师从中去努力挖掘与探索。
长期以来，我们的很多教师仍旧采用原始的老套模式教学，枯燥、单一、程式化等问题抑制着孩子们学习音乐的热情。
《音乐课程标准》中明确指出：
要通过各种音乐实践活动，让学生感知音乐节奏，并能初步辨别节拍的不同，从而培养学生良好的音乐节奏感。
因此，在节奏教学中，我们应该从学生自身角度出发，把视、听、唱、触等多种感官，用感受——运动——感受的方法使之具体化，在愉悦中感知节奏，学习节奏。
初学阶段我不进行“四分音符、八分音符、全音符”等名
称和抽象概念的讲述，而是通过音节的声音让学生首先从感性上体验、识别。
首先，出示各种音值节奏，如：
×---、×-、×、××、××××、×××、×·×。
告诉它们的读法，教师读，学生边听边观察每个×的长短关系。
以上节奏的读法是：
×---（ta-a-a-a）、×-（ta-a）、×（ta）、××（ti-ti）、××××（ti-li-ti-li）、×××（ti-ta-ti）、×·×（ta-m-ti）。
弄清楚每个×的长短关系后，让学生划着拍子练习读这些节奏。
然后，设计一些节奏范例让学生读，如：
1、××︱×××︱××××︱×-‖
tatati-titati-titi-tita-a
2、×××××︱×××︱××××××××︱×-‖
tati-li-ti-litati-titi-li-ti-liti-li-ti-lita-a–
3、×·××××︱×××××××︱
×---‖
ta-m-titi-titati-ta-titi-titi-tita-a-a-a
接着，把节奏和旋律结合起来让学生练习，如：
×××︱×××︱××××××︱×-‖
ti-ta-titi-titati-li-ti-liti-tita–
535︱665︱5556i6︱5-‖
当学生能读出节奏和唱准旋律后，把学生分成两部分，一部分读节奏，一部分唱旋律。
在此基础上，让学生自编节奏和旋律，并加上唱词，把好的作品让全班学生分成三部分进行练习（节奏、旋律、唱词）。
这样，节奏的训练不再单一，它和旋律的视唱自然结合在一起，提高学生的识谱能力。
不仅如此，还可结合课本和生活中的歌谣的语言节奏和游戏歌曲进行固定节拍和节奏训练。
通过拍手、踏脚、摇曳等身体运动，或设计熟悉的生活动作，如钟摆、敲打、拉琴等，伴随歌曲，体验、加强固定拍的感觉，进行节奏的基础训练。
随着节奏体验的丰富，逐渐培养儿童对节拍、节奏、节奏多声部、节奏即兴创作等多方面的感受和能力，为以后能做到读谱即唱打下坚实的基础。
三、固定伴奏
歌唱教学中，声部音准是难点，特别是在分声部演唱的时候声部与声部交界处学生往往不能很明确的找到自己声部的那个音高，有的时候会被别的声部“带跑”。
柯达伊认为只有练唱多声部，才是唱准音的保证，多声部的训练只能从两个声部开始，一方面是至少要有两个声部才能辨别声音之间的协和程度，另一方面要遵循“从易到难”的原则。
这时，我们就可以先采用固定伴奏来进行训练。
如我在教唱西师版音乐教材二年级下册《共产儿童团歌》的时候，这是一首五声音阶的歌，旋律比较简单，学生学会了以后，用domidoso（发“嘭”的音,so是低八度音）做为伴奏音型，一开始由老师唱固定伴奏音型，学生唱歌曲的旋律，接下来部分学生唱旋律，部分学生唱固定伴奏，等学生完全学会这种唱歌的方式了以后，就可以安排学生一小组对一小组，或者一个对一个单独练习。
学生学会了歌曲固定伴奏演唱方式以后，这时就可以加人卡农即轮唱了，在实际的教学过程中这种方法使得学生的合唱配合能力有了明显的提高。
第四章歌唱的姿势
声乐界有句常用语：
“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。
”形象地说明了姿势对歌唱的重要性：
歌要想唱得好，就一定要有正确的歌唱姿势。
姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势正确了，发声的各部位就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。
这好比跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。
另一方面，一首歌曲的思想感情不仅要用歌声来表达，同时还要通过形体和动作表演来塑造各类人物的艺术形象，而端正的姿势，正是形体和动作表演不可缺少的重要条件。
一般来说，正确的歌唱姿势要达到以下几个要求：
（1）身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。
（2）头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。
（3）两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重心要平稳，重量落在双脚上。
（4）面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五宫中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。
（5）嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切忌紧咬牙
关。
（6）还有歌唱时下颁收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。
（7）演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。
（8）坐唱的姿势在站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交叉叠起。
第五章歌唱的呼吸、共鸣与练声
一、歌唱的呼吸
1、吸气
想象自己处于一个美丽的花园之中，想深深地闻一下鲜花的异香——这就是歌唱的吸气，这样吸得才深。
吸气以后，像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张、膨胀的感觉，找到这种感觉是歌唱的关键。
2、呼气
呼气的方法就是利用横膈膜的力量，把腰圈扩张的感觉一直保持住。
呼气要均匀、舒缓。
可以准备一张10平方厘米大小的薄纸片，放在墙上，距离它4—6公分，用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。
也可以代之以一支燃烧的蜡烛，对着火苗发“u”音，正确的气息是火苗倒而不灭。
3、怎样训练横膈膜的力量
横膈膜的力量对气息的保持和声音的力度都很重要。
传统的训练方法有：
（1）、数数字：
深吸一口气，利用腰圈的力量保持住，从1开始数，数到60为合格。
数数要均匀，有节奏，不能偷气。
（2）、吹灰：
深吸一口气，然后像要吹掉桌上的灰尘一样往前吹气，一慢二快，体会横膈膜的力量。
（3）、多做仰卧起坐，增强腰腹的力量。
二、歌唱的共鸣
有了正确的呼吸后，便可以开口唱歌了。
要使歌声圆润、悦耳，必须利用共鸣。
我们唱歌主要利用的共鸣腔体有胸腔、咽喉、鼻腔及头腔，声音要好听，必须在唱高、中、低音时都有部分胸腔以上的共鸣，也就是“声音的高位置”。
1．歌唱的基本状态
要获得声音的高位置，必须放松喉头，内收下巴，这两个器官不能在歌唱中使力。
一般人唱高音都是挤压喉头发声的，这是错误的发声方法，不能获得美妙的声音。
应放松喉头，使之成为气息的通道，然后抬起软腭
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