最新电大影视鉴赏期末考试答案精品考试必过 精品推荐.docx
《最新电大影视鉴赏期末考试答案精品考试必过 精品推荐.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《最新电大影视鉴赏期末考试答案精品考试必过 精品推荐.docx（33页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
最新电大影视鉴赏期末考试答案精品考试必过精品推荐
《重庆森林》由两个基本不相干的故事构成。
两个不同个性警察的感情生活对比，一个多情缠绵、偏偏在被女友甩掉后，遇到一个不能与人发生任何关系的女杀手。
另一个散漫无心，完全落入暗恋者布下的网罗。
两个故事之间的关系就象擦身而过的金城武和王靖雯，无限趋近，却无缘相交，“只有0.01公分的距离”。
整部影片在整体的结构安排和人物的塑造两方面都堪称一绝。
在叙事结构上虽然常常是断裂、靠旁白补足贯穿，但这并不影响结构的完整性，因为在断裂中处处是因段落间对比而来的冲突张力，或因模拟而强化的主题。
影片在人物的塑造方面十分出色，角色往往出场不久，就树立鲜明的性格和特征。
痴情警察金城武；天天为女友买宵夜，却不知女友真正喜欢吃什么的警察梁朝伟、和古灵精怪的王靖雯。
不难发现影片中角色几乎都是个体户，家庭的从缺、个人主义的突显，强调了影片统一的无根感，由无根感流露出一种对生命苍凉短促的感受，对应于香港在九七大限下，自由、社会和二十世纪双重末世的不安，转而为在情感上近乎贪婪、偏执的专注，和对于时间流逝无尽的焦虑。
他们以杀手、警察、空中小姐，店员等固定的身份出现。
这些本质上透露着荒谬感的身份，表现出王家卫对人生活在社会层级中的基本看法。
尽管王家卫在时空处理及故事情节的设计上，充满着压抑与悲观，可是王家卫的人物们却常在不可思议的行径中，让人感受到他们对自己「活在这个时刻」的热爱。
虽然对未来茫然，但对当下这一分钟都是以全心去感受；这一分钟的空气，这一分钟的城市，一分钟奔驰的快感，这一分钟的热烈拥吻...对生命悲观却对生活充满激情与渴求。
《阿甘正传》真不愧是超经典的电影，导演用一个先天性弱智的阿甘，以一种反智的题材，揭露了亲情、友情、爱情，人类值得唤回的对弱势群体的同情心，对女人的尊重，人的良知，社会的动荡、人们对战争的愚昧（可以说是无知的群众对利欲熏心的政府的盲从），对支持和平反感战争的体现，人生的价值、人的智慧、人的追求，执着、乐观、坦诚、希望、命运等等都包罗在了这样一部电影里！
表现了各式各样的人！
随阿甘的缓缓叙述一路看来，我就好像走近阿甘的那个世界，在震撼，辛酸，感动中陪他走过了他的旅程。
人生的意义，在我的脑海徘徊不止，就像阿甘的母亲说的：
人生就像一盒巧克力，里面有各种形状，你永远也不知道下一块是什么样子！
阿甘的母亲临死前，阿甘问他母亲，人生的意义是什么，他不明白，他的母亲说：
没有谁明白了人生的意义，只有一步步的去体会！
电影含蓄的把很多的情节一笔带过！
却又把那些丑陋的人表现的淋淋尽致！
比方说：
阿甘的母亲为了阿甘上学做出的牺牲，珍妮离家出走以及多年后回到他小时候的房子前无限仇恨的片段，政府对丹中尉不公平的待遇，都以非常非常含蓄的方式告诉了你，他们曾遭遇了什么样的事情！
这就是伟大的电影，让人赞叹他的艺术和导演的才华！
《霸王别姬》描写了一代名角儿成长，发展，衰败，破灭的过程。
影片将历史动荡对传统京剧艺术的波及，具体落实到环境与人物的冲突，人物与人物的冲突上。
不同历史时期的代表人物：
关师傅，太监张公公，袁四爷，青木，法官和伤兵，小四和红卫兵，分别代表了不同的政治，军事和文化势力。
故事由三个相对独立的叙事单元构成：
结义，恩怨，背叛，较典型的戏剧三段式结构（他的新戏《梅兰芳》也是由“斗戏传”、“弃情记”、“秉义志”三部分组成），形成一种史诗性的散点与线性相结合效果。
作为一种史诗性戏剧结构，剧情有不断引入的人物，也有不断推出的人物。
第一部，引入张公公，退出小赖子，第二部引入菊仙，袁四爷，青木，退出关爷，张公公，第三部引入小四，退出袁四爷，菊仙。
每一部分引入的历史色彩性人物，造成外部坏境的改变，由外到内改变人物内心，深化人物间的矛盾，造成戏剧动作的持续发展，将冲突推向一个又一个高潮。
《霸王别姬》人物性格的符号化取向与绣像式，脸谱化的戏曲传统是一脉相承的，电影语汇的符号化表述，也与戏曲的符号表述达到高度一致。
在叙事方法上，明显带有传统戏曲的史诗性叙事的特点，偏向于故事有头有尾，情景戏剧化，人物命运传奇化等等。
这部影片为电影民族化提供了一个成功的叙事范例。
《一江春水向东流》描述了八年抗战中一个普通家庭的悲欢离合。
影片从“九一八”事变，张忠良与素芬结为夫妻开始到抗战胜利后，素芬绝望投江自尽结束。
开头--发展--高潮--结尾，起承转合，环环紧扣。
影片运用现实主义的创作方法，将具体的历史事件与一个家庭的遭遇紧紧的连接起来，从家庭的角度反思时代，批判社会。
将历史进程的客观性与人物命运的传奇性结合在一起进行表现,从而使影片体现出一种动人的情感力量。
艺术品味隽永深长，是一部充满批判激情的长卷史诗。
此外影片在大气磅礴的史诗追求以及诗化表达及朴素的表演等方面也有不俗表现，成为40年代戏剧式电影的代表作。
《城南旧事》是一个儿童眼中的童年故事，以情绪的散文化的方式叙述故事的，但是它生动的语言还是给人留下深刻的印象。
小英子是一个小学生的年纪，贪玩、天真、懂事却有不失幼稚。
典型的，当她得知妞儿的身世后，回家问妈妈“我是不是你生的”“你怎么生我的”，这一席话充满了童真和童趣，而且符合人物的年龄、性格。
而后面小英子还有一段在葡萄架下为父母读课文，并且评论海的一段更是富有诗意和童趣，一个活泼、纯真的儿童形象很好地展现在观众的面前。
疯女人秀贞的语言也很有特点，她的话虽然颠三倒四，但是她不时会清醒一下子，特别是她对大学生的回忆的那段，配合着院内景物，她的话外音幽然传来，给人一种怀旧和哀伤，特别的那一句“这一笑啊”，让人为她的痴情动容。
宋妈的语言也很有特色。
她抱着弟弟拍着脚说“臭脚丫儿，哎~”这哄孩子的长声，令人熟悉不已，含着深深的温情，而“不要小栓子”这些话更是体现了她生活的无奈和对孩子的依恋。
《城南旧事》中还有很多风格化的小细节，比如提水，养小鸡，唱儿歌，骆驼，卖红薯的，换东西的货郎等更是构成了电影的怀旧的景象和气氛。
总而言之，影片很好地透出了那种淡淡的哀愁，沉沉的相思，不愧为中国电影史上突出的散文电影。
谢晋的《芙蓉镇》以亲历者的反思姿态直面历史，即便是出品时间更早，其思想上的韧度却更加尖锐和犀利。
谢晋没有选择这样的保守之路，虽然第五代的这几部作品同样值得尊敬。
在我看来，芙蓉镇上的风云变换，是被严丝合缝地记录而非再现在镜头前。
它没有那几部作品中铺天盖地的对文革场景的营造，像是文攻武斗、游街批判、集会造反等很容易引人兴奋的描写几近于无，但电影却以朴实逼真的生活事件、对接严谨的影像结构将政治运动的诡谲、世事人心的叵测，表现得惊心动魄。
而所有这些成就的取得，其关键就在于谢晋对于政治、历史，乃至我们这个民族的无畏的反思和直面。
在《芙蓉镇》中，刘晓庆的表演完美无缺。
胡玉音看似坚硬的性格中蕴藉了如此的柔弱，在现实的步步紧逼下，她的怯弱的抵抗，或如姜文所饰的秦书田所说的“像牲口一样活下去”，是感动全篇的力量。
谢晋一直有演员伯乐的美誉，在本片中再一次被印证。
《芙蓉镇》表现出的勇气和完美，让我们这些影迷相信，我们的电影同样值得尊敬，即便它现在依然孱弱，依然被紧束。
《公民凯恩》讲述了“一个几乎失去了他所拥有的一切的人”的故事。
凯恩是一个被家庭抛弃到社会上的孩子，一个为了自己传媒事业的发展而不遗余力的中年人，一个获得了巨大的财富，却在政治和爱情上失意而最终在自己帝国般的庄园里孤独地走向人生尽头的老者。
临终之前，他吐出了“玫瑰花蕾”（ROSEBUD）的遗言，就是这个谜一般的符号，构成了影片的内容。
电影对人物性格的刻画是精确的，并且，在一个报业巨子身上集中表现人性魔方所固有的矛盾，在凯恩的人生历程中凝聚着对美国现代化后果的批判……
在影片中，由于试图揭示“玫瑰花蕾”的秘密，新闻记者汤普逊分别采访了几个人，他们面对同样一个话题，但是由于与凯恩的关系不同，对他的性格了解就只能在自己的认知范围内进行。
他们分别阐释了“玫瑰花蕾”的可能含义和心目中的凯恩。
伯恩斯坦是凯恩的挚友，也是凯恩征服世界却失去自己的见证人，他的语言充满着对一个正直、忠于事业和个人信念的奋斗者的崇敬和惋惜；李兰特是凯恩性格中欺骗和虚荣的洞悉者，他的语言刻薄而一语中的；苏珊是凯恩的第二任妻子，凯恩的控制欲和交往模式她最熟悉，而且她在舞台上的失败使她决心离开凯恩，逃离她的丈夫和牢笼般禁锢她的上都庄园，在这里，她的语言是愤激而不加克制的，从中也可以领略凯恩对她在精神上的伤害。
这些对白，富有个人特征，又紧紧围绕凯恩的一生，显得表现力强又生动、深刻。
《公民凯恩》完全可以被看作是美国的寓言故事，一个关于个人奋斗理念的叙述体。
《黑炮事件》讲述了一个酷爱下棋的工程师因为丢失了一个“黑炮”棋子而发了一封“黑炮丢失”的电报，不幸引起了领导的注意，以为他是台湾间谍，他工作暂停以至于工厂机器烧毁。
最终，黑炮回来了，大家虚惊一场，国家却损失了上百万。
《黑炮事件》是一个政治寓言，是一部政治禁锢下对知识分子文化心态深刻反思的荒诞式高度风格化影片，导演以有些无奈的黑色幽默态度审视“黑炮事件”和“赵书信性格”，促人冷静思考，理性认同，如同想起王小波笔下的“沉默的大多数”。
《黑炮事件》的色彩很有特色，比如领导开会，只有黑白两色，背景光秃秃的墙上挂着拘谨的钟，表现官僚结构和某些体制的呆板、僵化。
外面多次出现鲜亮的红色，暗示一种躁动不安。
陈墨曾写文评论几个导演说：
张艺谋的风格在龙精虎猛的青春时期；陈凯歌呢，少年的梦想；田壮壮，儿童时代。
只有黄建新的电影被他称为“成人寓言”。
黄建新自《黑炮事件》起一直在黑色幽默的风格里特立独行，象征化的叙事情节背后总是意识形态的蒙昧和人生命运的荒诞，在尖锐反映某些现实矛盾的同时又保持着冷静温和的立场。
可惜，固然老道深刻，却少了几分浪漫激情。
《黑炮事件》就有点“概念先行”的意思。
在阿伦•雷乃众多的电影中，《广岛之恋》和《去年在马里昂巴德》无可争议地被认为是他的代表作，同时也是“左岸派”的代表作品。
这其中，“记忆与遗忘”是编导们发展的最经典的叙事主题。
《广岛之恋》的片头显得十分特别。
法国女人与日本男人不是一开始就出现于镜头里面，导演让现在的他们与广岛核爆的画面交替出现，渐渐地将男女主人公显现在画面中，这种光线的压抑感处理，使观众对这段现实与历史的交替出现没有任何突兀之感。
“左岸派”电影摄影强调画面构图和用光效果。
在摄影机的运用上，我们经常会发现面对一个静止的物质（或人），摄影机是缓缓拉回或推进的，细节被不断地放大及至充斥整个画面，思考一下，这不正如人的眼睛一样。
但是“左岸派”的眼睛却是十分的冷峻与严肃的。
声画处理在“左岸派”看来应该是同时的，如前文提及的平衡文字与影像，他们也关注平衡声音与画面。
《广岛之恋》却也暴露了至少是阿伦•雷乃的倾向，即将声音置于一种优先的地位，《广岛之恋》中声音在画外空间中的运用，男女主角对记忆的描述与过去的画面同时行进，这也是对白、独白和旁白的魅力所在。
在“左岸派”电影中，《广岛之恋》成为一部经典，如果我们撇开这些冗繁的理论和说教，《广岛之恋》其实应该理解为比“一般新闻纪录片更具说服力”（玛格丽特·杜拉评价）的具有纪实风格的电影，是阿伦·雷乃在用电影补偿我们对于和平与战争、爱情与失落的往事。
1988年5月，《红高粱》为中国电影夺得了第一个世界冠军级大奖——柏林国际电影节的金熊奖，可以说，它是中国电影的高峰，是中国艺术史上的高峰。
影片以红色为主基调，利用色彩本身对于人的视觉的美感效应以及色彩的象征意义，勾起人们丰富悠远的联想，充分调动了观众的审美体验。
这样的红，代表着大爱大恨、大悲大喜、大彻大悟、大执著、大解脱，这是中国艺术雄浑壮丽的“境界”之美。
同时，这种独特的美感形式和艺术风格，也构成了中国艺术的精神气质。
电影中还有一些颇具原始状态的情节，唢呐、花轿、高粱地、剪纸、年画、酒篓子、肚兜以及黄土地尽处的血一样的红太阳……它们被最大程度地赋予了生命、生殖、情绪、梦想等等的一切，对生命的美好以及繁衍生息的追求。
这就是《红高粱》，以历史、民俗和浓重的民族性色彩作为表现形式，倾注民族人格和民族精神，将形式与精神二者紧密而完整的结合，我想这也就是中国艺术的精神。
《黄土地》是“第五代”导演的代表作。
因为整个故事都发生在陕北黄土高原上，“黄土地”成为整个影片的核心意象：
画面构图始终以大面积的黄土为主，沟壑与土塬连绵不绝，山形地貌经岁月的销蚀，大起大落，高原一片荒凉，没有一点生命的痕迹。
“黄土地”看上去或温暖、或冷漠、或贫瘠、或深广，总是传达出一种特别沉重和压抑的感觉，在影片中，它的意义已远不只是单纯的故事背景，成了整个民族的人格化的象征体。
影片中陕北农民在黄土地上默默耕作的身影，显出一种巨大的韧性和耐力，但土地的凝重也映衬着心灵的闭塞、保守和无奈。
电影的故事情节主要是从一个启蒙者的目光来看出这块古老土地上人民的愚昧落后：
在黄土高原上搜集民歌的八路军文艺工作者顾青，唤醒了当地少女翠巧对自由生活的向往，但她却难以抵抗自己作为女性的悲剧命运，她所面对的是养育了她的亲人，是那种平静和温暖中的愚昧，最终她为自己的选择付出了死的代价。
“黄土地”的象征意义就在于那种沉积在民族文化深处的保守性格和无法挣脱天命的悲剧感。
但影片的价值是更深层地表达出对 “黄土地”的复杂感情。
这是通过电影里两个大场面的对比表达出来的，即安塞腰鼓和农民祈雨。
在前一个场面中，上百名青年农民在兴高采烈地打起了腰鼓，尽情释放着欢乐情绪和使不完的力气，一切都在瞬间变得生机昂然；后一个场面则非常压抑，无数瘦弱的老农向画面尽头缓缓奔去，传达出一种芒然无措的感觉。
这两个场面都象征着力量，但前一个意味着生命本身的积极进取的力量，后者则表现着不知所终的盲目的力量。
影片显然是想要说明，这两者都是中华民族性格的成分，是这片“黄土地”上生成的民族文化的必然的两面；而在影片结尾的段落里，翠巧的弟弟在求雨的人流中逆向奔跑的情景，正象征着他在投向一种新的人生，似乎也在暗示着那种长期被压抑在古老黄土之下的年轻的生命力必定有它被唤醒并喷勃而出的一天。
《克莱默夫妇》是一部社会伦理剧。
它的题材和主题深刻地触及了社会现实，从而具有了发人深思的艺术效果。
影片反映了美国社会中一个相当普遍的问题：
家庭婚姻问题。
个人的理想、事业与家庭生活之间的矛盾导致了夫妇冲突和家庭离异的悲剧。
这在当时的美国具有深厚的现实基础。
同时影片还涉及到了西方社会中的一个十分敏感的问题：
妇女解放问题。
在影片的深层含义上，导演对男女两性的关系如何调整、如何实现以及妇女应如何保卫自己的独立个性和追求生活意义等问题作了深入的探讨，这也是影片的意义之所在。
同时，在艺术性上也有着很高的成就。
其最大的特点就是表现真情、以情动人。
影片紧紧扣住人物的情感关系、情感线索，以人物间的亲情来打动观众。
影片几乎完全由演员的脸庞，强烈的感情和冬日的风景所组成，使观众深深地沉浸在影片所营造的气氛之中。
达斯汀·霍夫曼和梅丽尔·斯特里普这两位天才巨星在片中的杰出表现也是影片得以成功的重要原因。
在这部影片中，没有什么激烈的动作表现吸引观众的注意，全靠演员质朴无华和亲切自然的表演来塑造和表现人物。
在霍夫曼的拍片期间，他正面对着与片中主角泰德同样的婚姻问题和家庭问题，切身的感受和出色的演艺天赋使他把人物演得栩栩如生，入木三分，而导演也鼓励演员大胆地自由发挥。
影片中乔安娜在法庭上的自白就是梅丽尔·斯特里普放弃剧中原有台词，根据故事情节和自己的感受而即兴创作的。
导演的大胆放手和演员的积极配合，使影片达到了真实动人的艺术效果，也为他们各自带来了好莱坞的最高荣誉。
《老枪》讲述的故事颇为简单：
1944年诺曼底登陆后的法国，于连医生为了一家老小的安全，将妻女送至乡下的古堡。
在从城里返回古堡，目睹妻女被杀的惨象之后，拿起老枪，向德军复仇。
最终，古堡淹没在一片火海之中。
影片开头，是于连一家骑自行车在乡间漫游。
在打完字幕后，镜头一转，就来到了黑夜中弥漫这痛苦气氛的医院。
面对维希法国的保安队员，于连始终不肯向他们低头，交出"自由法国"的伤员，为此，还不得不向德国军医求助，这不得不说是一个悲哀--同族相残，却要向外人求助。
于连在后来也在剧中表现了对这群保安队员的愤怒--在为一个保安队员做完手术后，期盼着他在法国解放后被枪毙。
影片的几乎前四分之一的时间都在讲述于连一家在德军占领下的法国虽然艰苦但却其乐融融并充满希望的生活。
但当于连目睹妻女被杀之后，情节便急转直下，变成了于连对党卫军的血腥复仇。
《老枪》在细节上的描写也是下足了功夫。
比如，德军占领下的法国燃料短缺，普通人在汽车上不得不加挂烧煤的燃料箱来驱动；医院本身药物不足，于连不得不向黑市求购麻醉药品；于连并不是普通的医生，他之前在军队中服过役，这点在有一段的闪回中可以看到；于连的老枪实在是年代久远，他刚刚把弹药盒打开时还不得不把哑弹挑出来，等等。
《老枪》的主旨在于控诉战争的残酷以及反法西斯，是一部把颂扬人性与反法西斯成功结合起来的电影，这是无愧于它凯撒奖最佳影片的美名的。
《马路天使》是由袁牧之自编、自导，赵丹、周璇主演的一部具有深刻的社会思想意义和极高艺术成就的现实主义优秀影片，是我国社会问题片的代表作之一。
影片以现实主义的创作手法刻画了生活在社会最底层的妓女、歌女、吹鼓手、报贩、剃头匠、小报摊主等一群有血有肉的艺术形象，真实地表现了他们生活的痛苦和悲惨的命运，具有深切的人文主义关怀。
这些出身卑微的贫苦青年不仅在物质生活方面极度匮乏，多年的动荡与战乱也使得他们孤苦伶仃、家破人亡，然而，他们始终没有放弃对自由、爱情和幸福的渴望，在艰难的岁月中互相扶持、苦中作乐，甚至不惜付出生命的代价。
片中运用活泼的喜剧手法传达了深沉的悲剧性内容，对当时的社会进行了含蓄而又辛辣的嘲讽，其中许多细节处理上的细微变化真切地点燃了人们的情绪，撩动着人们的神经。
周璇演唱的电影主题曲《天涯歌女》曾风靡一时，而创作者们也充分发挥了电影的视听艺术特性，使影片的编、导、演、摄、美工等都达到较高水平，成为20世纪30年代中国电影艺术发展高峰的标志。
看过袁牧之的《马路天使》的人，如果不知道该片是在1937年出自一个对法国电影一无所知的年轻导演之手，他一定会以为这部影片直接受了让·雷诺阿或是意大利新现实主义的影响。
这部影片以充满愉快、激情和同情的笔调，通过几个小人物的悲喜遭遇，生动地再现了20世纪30年代中国都市下层人民的苦难生活，歌颂了他们的善良，严厉地抨击了那些为富不仁的富商和实业家。
影片的风格极为独特，而且是典型的“中国式”的。
《泰坦尼克号》毫无疑问是一部商业片，也预示着将来电影的发展趋势和走向。
作为一部商业电影，它的票房是惊人的，在《阿凡达》之前，它一直稳居票房榜第一名。
尽管泰坦尼克号被超越，但是我们不得不说，这是这如奇迹般的电影不折不扣的影响了一代人。
《泰坦尼克号》仿佛是人类的缩影，指引着人们。
丰富精彩的电影内容和商业的完美结合，使得这部电影变成了经典中的经典。
莱昂纳多.迪卡普里奥饰演的杰克，凯特.温丝莱特饰演的罗斯已是人们永恒的追忆和向往。
在夜晚，当船与冰山相撞后，慢慢下沉，所有的人都吓呆了。
船上没有足够的救生船，这就意味了有很多人可能会牺牲在冰冷的海水之中。
面对死亡所有的人都有恐惧，那一刻有着人性的光辉，也有人性的阴暗与罪恶。
人类自私，贪婪，利己主义是对人类最好的写照，也有大公无私的人，他们救了别人牺牲了自己，这是人类最光辉的一面。
霍利为了逃生，带着一个小女孩走向了救生艇，为了保全自己，他是显得那么肮脏。
他用他的死换来了她的生，她用她的生完成了那份承诺。
他用他的死承载者他们一生的爱，她用她的生延续着他们的爱。
杰克和罗斯，永志不忘。
时光流转，经典永恒。
《小鞋子》。
小哥哥贪玩耍，把妹妹唯一的一双鞋弄丢了。
父亲工作很辛苦，母亲重病，家里实在没有余钱买一双鞋。
这就是每个人童年时代都曾经遇见的那种问题，那种“绝对不能告诉爸爸妈妈”的问题。
《小鞋子》就以这种儿童的视角讲述了一个关于鞋子的故事，平静地讲述了两兄妹怎么想尽一切办法解决鞋子的问题。
所有小孩子能想到的办法他们都想到了，都尝试了。
导演没有把他们表现得和两个难民一样地乞讨观众的同情，从头到尾，他们都在努力，观众只是无法停止关切之情，迫切地想知道他们的努力是否能够成功，而不是在散场后哭着捐献慈善款。
全片唯一称得上震撼的场面甚至有些黑色幽默：
小哥哥的学校举办长跑比赛，季军的奖品是一双新鞋子。
于是，小哥哥在比赛中倾尽全力去得到那双鞋子，却一不留神得了第一名。
得了第一名的小哥哥在镜头前哭成了个泪人，他真正伤心的原因居然是他没有得到第三。
他回到家里，把满是血泡的脚泡在水池里。
水里的鱼纷纷游过来，触碰那一双小脚。
这是全片最为宁静的时刻，所有观众在那一刻都能感受到相同的滋味，和小男孩分毫不差。
没有眼泪，没有叹息，只有一个安静的下午，一池水，一群鱼，和你自己。
因此，要把《小鞋子》说成是一部儿童影片我觉得不大公平。
它其实是拍给大人看的，让人咂一咂生活的滋味，在某天花时间看完以后安静下来想一想。
全片没有一处刻意表现生活的艰难，而是处处体现出人性的美。
小妹妹终于找到了那双丢失的鞋，却发现穿在一个盲人的女儿脚上。
她躲在墙后看着，然后转身离去。
没有一句台词，没有一个音符，但是却能深深打动人心，并且在最后流泪鼓掌。
我想这掌声的意思是鼓励和祝贺，里面没有一丝一毫廉价的同情。
不抒情地朗诵，在字里行间你就能读出坚硬的东西，那就是尊严。
《小鞋子》，号称有史以来最伟大的儿童片。
《偷自行车的人》就是一个穷人被穷人偷，以至于被偷的人也沦为了偷穷人的小偷的故事。
二战结束后的罗马，Antonio本是一个失业游民，意外地得到了一个张贴海报的工作，但前提是他必须有一辆自己的自行车。
Antonio说服妻子当掉家里的六条床单换来了购买自行车的钱。
当Antonio用新买的自行车将Bruno送到他当童工的加油站，并开始他第一天的工作时，他怎么都不会想到，自行车马上就被小偷给偷走了。
执着的Antonio带着Bruno在偌大的罗马城不知疲倦的找到了那个偷车贼。
可是，那个偷车贼也是一个穷鬼，并且他的身边有一大堆穷鬼帮他做假证。
所以Antonio找到贼也无法要回自己的车，万般无奈下他动了恶念，骑走了一辆停放在楼道口的自行车，可是，当场就被抓住了。
当一群人要把他扭送的警局的时候，小Bruno的哀求与眼泪救了父亲。
父子俩儿，伤心欲绝，万念俱灰的走入了人流之中……
可怜的Antonio最后连这一点威严都损失殆尽了。
当他偷车被抓，是小Bruno的哀求与眼泪救了他。
最后，Antonio的泪水是悔恨的泪水，是绝望的泪水，更是一种身为人父的尊严毁灭后的痛心智泪。
而小Bruno得泪水，充满了对未来生活的恐惧，也充满了对父亲的哀伤。
《音乐之声》一开始，音乐带着我们掠过奥地利的山脉，河流，民居和草愿，最后来到那片壮丽的阿尔卑斯山脉上，幽幽绿草地，修女玛丽亚远远地奔来，展开双臂唱出那首《THESOUNDOFMUSIC》，“我的心像小鸟一样，从湖边向森林中展翅飞翔，我像小雀日日夜夜在高声歌唱，当寂寞时候我就来到山岗～”真的太美了，灵动的画面，悦耳的歌声，可爱纯真的玛丽亚。
电影从头至尾，总是弥漫着无忧无虑的调子，除了玛丽亚的离开，除了丽莎男友的背叛。
前者是因为爱情而放手，后者是因为，因为初恋总是青涩而不成熟的。
玛丽亚和上校跳完那支奥地利民族舞蹈时，他们配合得天衣无逢，他们四目相接深情款款。
玛丽亚双颊染得通红，她这才知道原来她早已经深深地爱上了上校，却选择了逃避，又回到了修道院。
但在睿智的大修女的指引下和她那份想念孩子的心的驱使下，终于她还是选择了回去。
但没想到命运从此改变——上帝在关上一扇门的时候，总会在其它地方为你打开一扇窗的。
当她再次回到修道院的时候，是以新娘的身份。
当身披洁白婚纱的玛丽亚从大修女手中接过花环，缓缓走向上婚姻礼的殿堂时，你不得不承认，那样的婚礼是人人都艳羡的。
最后的结局是完美的，在德国纳粹即将到来的时候，上校带着玛丽亚和七个孩
升级会员 