几首国外交响月的音乐赏析.docx
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几首国外交响月的音乐赏析
巴赫《G弦上的咏叹调》音乐赏析
G弦上的咏叹调》是古典音乐史上一首脍炙人口的通俗名曲。
选自巴赫《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题，
充满诗意的旋律美，弦律始终洋溢着忧伤的美丽。
巴赫写了四部《管弦乐组曲》，其中以第三部《D大调第三组曲》
流传最广。
它由五首小曲组成，其中第二首叫《咏叹调》。
《G弦上的咏叹调》就是根据它改编而成的。
1817年，德国著名小提琴家威廉密将第一小提琴部分的曲调由D大调
改为C大调，从而将旋律全部移至小提琴G弦上演奏，
增强了乐曲浓郁深沉的情调，故名《G弦上的咏叹调》。
纯朴典雅的旋律加上G弦特有的浑厚、
丰满音色使之倍受小提琴演奏者的青睐。
音乐开始速度级缓。
逐渐长音渐强，抒发了沉思冥想的心绪，
又象在轻声咏唱。
第二段是在第一段的基础上加以发展成的，
没有象一般二部曲式那样在速度与性格上与第一段形成鲜明对比，
而保持了原来意境，感情起浮较大，不断向上推，
使乐曲在曲调上委婉动听。
最后音乐在激情而富于自信的情感之中圆满地结束。
记忆里有许多音乐，不同的人生阶段喜欢的音乐大多不同。
孩提时代喜欢儿歌，青年时代喜欢一些通俗易懂的流行音乐，再到纯器乐乐曲如新世纪音乐，电影配乐，曲调或简单或华丽，但它总叙说着尘世生活的快乐与悲伤。
后来，渐渐地就会爱上内涵更为丰富典雅的古典音乐。
而如我这样的凡夫俗子是轻易难以理解它的美丽和深刻的。
这麽说或许有点让人泄气。
眼前有这样一座绚丽多彩的音乐圣殿，你可以赞叹它精彩绝伦、举世无双，却无法真正走进其中，无法体味其中的美，无法与隐藏于音乐深处的精神相契合。
然而还是有这样一些乐曲。
它们同样来自这座圣殿。
它们简单纯粹却又丰富沉醉，无须绞尽脑汁条分缕析，只要一听就可以直叩心扉，直达心底。
我把它们看作这座神殿泄露出来的光芒，照在我们心里。
比如《梁祝》，比如贝多芬的《月光》，比如柴可夫斯基的《如歌的行板》，再比如，巴赫的《G弦上的咏叹调》。
初识巴赫的《G弦上的咏叹调》，是在连续剧《下一站，幸福》里。
女主角对男主角讲巴赫创作这首曲子的故事：
一七二七年至一七三六年之间。
在宫廷舞会上，巴哈的大提琴被做了手脚，除了G弦之外，所有的弦都断裂了。
当大家准备看巴哈出糗的时候，巴哈，仅仅只用了一根G弦，即兴演奏了一首《咏汉调》，该曲子就是今天所说的《G弦之歌》。
十九世纪德国的著名的小提琴家威廉密（AugustWilhelmj，1845—1908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。
当时心里就很佩服巴赫的才能和勇气，在那样困难的时候，他没有想到放弃，而是坚持下去，利用有限的资源完成动人的乐章，成就自己。
这首曲子最最动人之处在于它的纯净和诗意以及它神圣般的旋律与曲调。
从第一段落起初开始，旋律庄重悠长，起伏平缓，如行云流水，并几经反复。
大、中、小提琴共同营造了一种悲天悯人的神曲一般的意境和氛围。
到第二段落，原来的意境并没有被破坏，反而在情绪上有所发展，旋律起伏较大，高潮与平缓交替出现，像空气中不停流转的风，又像海上起伏的浪，但远比那美丽动人。
在全曲的最后，旋律归于平缓静谧，仿佛在祈祷，在祝福。
你置身于这样的乐曲中，仿佛一个罪孽深重却无法解脱的人。
你跪在上帝面前祈求宽恕，而上帝则以悲悯的姿态迎接你，接受你的倾诉，你的忏悔，为你救赎，为你解脱。
你又仿佛是一个历经磨难，受尽坎坷的人，身处水深火热之中。
你愤恨不平，诅咒命运，心中充满黑暗。
此时上帝再次来到你面前，为你抚平心灵的痛苦，精神的创伤，让你再次感受到光明，感受到美好……总而言之，这是光明的音乐，是美的音乐。
这似乎也是为什么大卫.芬奇导演的著名影片《七宗罪》，深作欣二导演的著名影片《大逃杀1》都把《G弦上的咏叹调》作为背景音乐的原因，因为他能成就那一段段动人的场景！
毕竟，音乐响起时所带来的冲击和震撼是无可抵抗的。
有时候我常想，巴赫的《G弦上的咏叹调》将音乐世界缔造得太摄人心魄了，真是“此曲应只天上有”。
就像电影《莫扎特传》里所说的，上帝将音乐告诉莫扎特，莫扎特就随手将这些神作写了下来。
虽然是比喻的说法，但无不说明莫扎特的天才。
我想如果有《巴赫传》，同样的比喻也不为过，至少在这首《G弦上的咏叹调》上是这样的。
它是上苍给尘世中的圣殿将失去多少光辉的色彩，而艺术的世界又将减少多少动人心魄的美？
许多时候，对于来自艺术上的、生我们的珍贵的礼物，但首先是给天才巴赫的礼物，也是巴赫给予我们的礼物。
没有它，音乐的活中的美，语言总是显得苍白无力。
如果你曾为一片风景驻足，为一幅画或一张照片而心有戚戚；如果曾看过一部电影，你为之欣喜，为之落泪，或者，被一首音乐所冲击、所震撼，我想那就是美的力量，美的强大了。
这样的美令人愉悦，令人光明，让人面对人生的困苦又多了一份信心和勇气。
那是一种照耀人生苦难的光明。
真正的美是无价的。
虽然世事沧桑，岁月老去，它们却在时光的磨洗下历久弥新，愈发经典。
在多年以后，重又谛听巴赫的《G弦上的咏叹调》，你也许能够再次找回第一次聆听时的心灵撞击的感觉，重又看到沧桑繁复而又丰富多彩、让人含泪又含笑的人生，重新感受到失落已久的美好与光明。
那是永久的关于生活的感觉与记忆。
贝多芬《浪漫曲》音乐赏析
这首乐曲叫《浪漫曲》是西方集古典主义之大成，开浪漫主义之先河的伟大作曲家贝多芬的作品。
今天让我们随着浪漫曲插上想象的翅膀飞跃时空来到欧洲音乐的发源地，聆听古典主义和浪漫主义时期的音乐
《浪漫曲》-贝多芬g大调小提琴浪漫曲抒情、富于歌唱性
十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行，18、19世纪产生大量器乐浪漫曲，都以其原有特性书写，贝多芬此曲亦依照浪漫曲的声乐特性写作，主题和插部都为抒情、富于歌唱性的旋律。
更加富有对人情感的抒发，对爱情浪漫的写照。
月光、给爱丽丝、浪漫曲、皇帝、田园、悲愴、春、小步舞曲、七重奏、英雄、钢琴与管乐器五重奏、三重协奏曲演出者：
阿胥肯纳吉、海汀克、萧提、义大利音乐家合奏团、美艺三重奏、义大利弦乐四重奏、巴克豪斯、殷巴尔、帕尔曼、伊瑟斯德特等。
尽管贝多芬的作品经常以英雄般的壮阔豪情撼动人心，但在慢板乐章所呈现的婉约柔情，依旧令人迷醉。
专辑收录贝多芬作品中膾炙人口的慢板乐章，无论是著名的《月光》、《给爱丽丝》，或是较少听闻的五重奏与七重奏，都同样深具魅力，从另外一个角度体验贝多芬音乐魅力的机会。
【百科】浪漫曲（Romance）是一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。
又称罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲。
“浪漫曲”原是来自于西班牙的抒情声乐曲，因具有悠长优美的旋律，易引起听者遐思和浪漫情怀，故名浪漫曲。
浪漫曲歌曲的特点为：
曲调表情细致，与歌词紧密结合，伴奏亦较丰富；器乐曲旋律富于歌唱性，常由小提琴及管弦乐队演奏。
有作曲家常把它们流畅抒情的器乐独奏曲取名为“浪漫曲”。
例如贝多芬的小提琴独奏曲《F大调浪漫曲》和《G大调浪漫曲》、舒曼的《双簧浪漫曲》等。
贝多芬是人类艺术上最伟大的创造者之一。
他一方面有着卓越的音乐天赋、炽热的叛逆气质和巨人般的坚强性格；另一方面他那百折不挠的意志和对社会的责任感而产生的崇高思想，形成他作为一个音乐家的特殊品质。
他通过自己的创作，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思想。
他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升时期的精神历程。
早在贝多芬在世时他就已被公认是具有世界意义的音乐家，他既是伟大的古典作曲家，又以浪漫派的先驱而载入史册。
贝多芬的音乐可以划分为三个时期。
任何作曲家青年时期的作品和晚期作品，在风格上有所变化，在某种程度上都是相同的，但唯独贝多芬的作品，可以非常明确地加以区分。
通常的分期是：
自作品第一号至《英雄》交响曲之前为初期。
约自《英雄》交响曲至第七交呼曲前后为中期；其后的晚年作品为后期。
贝多芬的初期作品是在他来到维也纳之后的十年里，边学习边创作的乐曲，他沿用了海顿和莫扎特的形式，在内容上也多方面受到这些先辈的影响；这些作品当然不是单纯的模仿，其中具有许多他独自的特征，但与中期和晚期作品相比，激动人心之处就不多了。
1800年以后，贝多芬的创作开始形成个人风格，即由维也纳初期受海顿、莫扎特的影响，渐渐转向一种富有哲理、戏剧性和英雄特质的音乐思想，从而形成新的创作倾向和创作风格。
1804年贝多芬完成了《第三交响曲》（即《英雄交响曲》）的创作，这标志着贝多芬的创作道路进入了成熟阶段。
这部作品完全奠定了他创作的基本逻辑枣“通过斗争，得到胜利”，“通过艰苦，走向欢乐”。
《英雄交响曲》标志着他创作的“英雄年代”的开始。
这一时期他还创作了其它一些重要作品，包括《第十四钢琴奏鸣曲》（即《月光》，1801）、《第二十一钢琴奏鸣曲》（即《黎明》，1804）、《第二十三钢琴奏鸣曲》（即《热情》，1806）、《D大调小提琴奏鸣曲》（1806）、歌剧《菲德里奥》（1805）、《克罗采小提琴奏鸣曲》（1803）等。
1808年他完成了简洁凝练、充满斗争精神和胜利信念的《第五交响曲》（即《命运交响曲》）和纯真质朴、歌颂大自然的《第六交响曲》（即《田园交响曲》）。
1810年为剧本《埃格蒙特》、1811年为历史剧《雅典的废墟》配乐。
中期作品是他写了遗书以后所创作的，热情洋溢的杰作全部出于这一时期。
这些乐曲都可看作是以天才的表现力体现他强烈的性格和命运对他考验的结果。
上述作品所表现的深度和强度，是从其它作曲家那里难以求得的特质。
晚期作品是完全失聪以后所作，有代表性的两部巨作是《庄严弥撒》和第九交响曲。
最能表现这一时期特征的是最后的三首钢琴奏鸣曲和晚年的弦乐四重奏曲。
这些作品已不复存在类似热情或斗争的内容，而变为充满冥想和诗意的音诗。
年青时的音乐形式只是作为固定的音乐语言而保持了原形，即把形式放在第二位，而只夸张地表现情绪和内心的感情。
1815年以后，贝多芬的创作一度消沉，抒情风格代替了英雄性的风格，1817～1823年间贝多芬完成了宏伟的，充满着哲理和英雄性的不朽之作《第九交响曲》（即《合唱交响曲》）。
它标志着贝多芬已度过了创作的危机期，表明他对胜利的信心，和对人类命运的关切。
贝多芬根据自已的经历、体验，认为最优秀的人物定会经受痛苦，并“从痛苦得到欢乐”。
他在完全失聪的病痛中所创作的晚期最重要的作品枣《第九交响曲》强烈完美地表达了这种信念。
在这部作品中，他唱出了终生向往的资产阶级理想王国的最强音。
这一时期的作品，在音乐风格上又有了新的变化，这表明贝多芬是一个永不停息的探索者。
正如他所说：
“音乐能使人类的精神爆出火花。
”贝多芬的晚年是他一生中最悲惨、最痛苦的岁月，处境十分艰难。
此间，他仍草拟了《第十交响曲》的一些主题。
1826年12月，他从外地回到维也纳，路上受了风寒，从此一病不起，使《第十交响曲》成为绝响。
综上所述，贝多芬的初期作品首先注重形式，属于典型的古典派，但中期作品表现出了强烈的个性，转向浪漫派的方向，到了晚期他跨越了半个世纪，已完全进入了浪漫派的世界。
柴可夫斯基《进行曲》
儿童进行曲作者：
柴可夫斯基《进行曲》选自舞剧第一幕第一场中孩子们登场时的音乐。
这段音乐兼有进行曲和双拍子舞曲的特点，轻快活泼的旋律生动描绘了孩子们吹着小喇叭，昂首挺胸，神气十足的神态，同时也表现了孩子们活泼敏捷的特色。
柴可夫斯基进行曲创作背景
当时是欧洲浪漫主义音乐兴起的年代
浪漫主义音乐是在浪漫主义文学的影响下于19世纪初兴起，以奥地利和德意志为中心。
19世纪中期走向鼎盛时期。
欧洲资本主义的进一步发展促使文艺格局的面貌发生了变化。
如英、法、德意志、意大利、奥地利等国都进行工业革命，资本主义经济的发展促使音乐艺术逐渐从封建主义的束缚和教会的压抑下解放出来，开始走向更广阔的社会阶层，更深刻地表现人性，反映更加丰富的社会生活。
第二，各国面临不同的社会问题使音乐的发展呈现出多样性和民族性。
19世纪的欧洲经历了拿破仑战争、维也纳体系的建立、1848年革命、19世纪六七十年代的资产阶级革命和改革等重大事件，
俄国需要消灭农奴制发展资本主义。
而东欧地区许多弱小和落后的国家则要完成反抗外来压迫反对本国封建统治的民族民主革命的任务。
在这种形势下，具有民主主义思想的音乐家把对现实的不满和困惑以及自己的追求倾注在音乐的创作中，使音乐的发展呈现出了多样性和民族性。
柴可夫斯基的作品着重内心刻画，旋律和配器富于表现力。
《天鹅湖》《胡桃夹子》至今仍焕发着生命力，受到人们的喜爱。
柴可夫斯基：
《胡桃夹子选曲》柴可夫斯基的二幕舞剧，OP．71，作于1891—1892年，1892年12月6日首演，剧情取自德国作家霍夫曼的童话《胡桃夹子与耗子王》，柴科夫斯基依据的是大仲马的法文译本。
《胡桃夹子》首演于1892年3月19日在圣彼得堡举行，之前九个月，柴可夫斯基就从全曲中选出一套组曲，让《胡桃夹子》中最具特色的曲子广受欢迎。
舞剧《胡桃夹子》音乐赏析
两幕三场梦幻芭蕾舞剧，作于1892年。
剧本是彼季帕根据恩斯特·霍夫曼的童话《胡桃夹子和鼠王》及大仲马的改编本写成的。
作者从舞剧中选了六首曲子作为《胡桃夹子组曲》，同年3月7日在一次交响乐演奏会上首演，获得了巨大的成功。
同年12月6日舞剧在彼得堡首演。
这部作品是柴科夫斯基三部芭蕾舞剧代表作品之一，也是世界舞蹈舞台上久演不衰的舞剧精品之一。
首演于1892年3月19日在圣彼得堡举行，之前九个月，柴可夫斯基就从全曲中一套组曲，让《胡桃夹子》中最具特色的曲子广受欢迎。
组曲是以序曲开始，然后是第一幕的进行曲和第二幕双人舞的《糖梅仙子之舞》。
接下来是第二幕，插曲中的四首曲子：
俄罗斯舞、阿拉伯舞、中国舞、莫利顿笛舞（Mirlitons），压轴的是第二幕的《花之圆舞曲》，也是柴可夫斯基最知名的圆舞曲之一。
《胡桃夹子》是典型的柴可夫斯基后期作品，精巧地使用弦乐，是作品的背景光彩闪耀，而且战线出一般乐曲少见的逼真写实，尤其在《雪花圆舞曲》中的童声，和第一幕其他乐曲中的儿童乐器。
为传统乐器所谱写的音乐，也是创意十足，尤其是第二幕的插曲，以西班牙舞代表巧克力，以阿拉伯舞代表咖啡，中国舞代表茶；但全曲最美妙之处仍在《糖梅仙子之舞》中钢片琴独奏，依照剧本的描写，迷人地暗示出水滴“从喷泉中溅出”。
舞剧的音乐充满了单纯而神秘的神话色彩，具有强烈的儿童音乐特色。
剧情大致为：
圣诞节，女孩玛丽得到一只胡桃夹子。
夜晚，她梦见这胡桃夹子变成了一位王子，领着她的一群玩具同老鼠兵作战。
后来又把她带到果酱山，受到糖果仙子的欢迎，享受了一次玩具、舞蹈和盛宴的快乐。
舞剧音乐中最为著名的是《花之圆舞曲》，选自舞剧第二幕中糖果仙子与众仙女群舞时的音乐，经常单独演出。
竖琴的华丽流畅的序奏之后，圆号以重奏形式奏出圆舞曲主题，旋律如歌，表现出糖果仙子与仙女们轻盈婀娜的舞姿，在单簧管相呼应的独奏之后，乐曲的主题抒情而优美。
《进行曲》选自舞剧第一幕第一场中孩子们登场时的音乐。
这段音乐兼有进行曲和双拍子舞曲的特点，轻快活泼的旋律生动描绘了孩子们吹着小喇叭，昂首挺胸，神气十足的神态，同时也表现了孩子们活泼敏捷的特色。
《特列帕克舞曲》选自舞剧第二幕中糖果仙子的盛大宴会中的音乐，是一首双拍子的俄罗斯舞曲，情绪欢快奔放，力度变化激烈，节奏动力感极强，音调带有浓厚的乡土气息和鲜明的民族色彩，整个舞曲洋溢着兴奋奔放的情绪。
《芦笛舞曲》也是选自舞剧第二幕中糖果仙子的盛大宴会中的音乐，音乐用长笛代替芦笛，以长笛三重奏的形式展开主题，节奏轻快而带有诙谐的色彩，主题愉快活泼,宛若一首清新宜人的田园晨曲，这是一首著名的体现长笛特色的音乐。
德沃夏克《幽默曲》
德沃夏克《幽默曲》赏析“幽默曲”是十九世纪以后逐渐兴起的一种音乐体裁，多采用2/4或4/4拍子，以各个段落的表情极富变化为特征。
是一种富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快的小型器乐曲，表情变化鲜明，且富于歌唱性。
不少作曲家都写过这样的作品，最脍炙人口的恐怕是捷克作曲家德沃夏克的钢琴独奏曲《八首幽默曲》了。
1894年夏，德沃夏克从美国回到祖国度假，心情舒畅，写下这组钢琴小品。
其中的第七首尤为动人，后被改编为大提琴、小提琴、单簧管等乐器独奏曲，特别是克莱斯勒改编的小提琴独奏曲流传最广，就是我们常听的这首《幽默曲》。
这是一首泥土的颂歌，生命的颂歌，表现的正是土生万物、生生不息的自然景象。
泥土是万物之母，她孕育着生命，支撑着生命，供养着生命，最后又收容着生命。
你听第一段，节奏轻盈活泼，旋律时断时续，忽强忽弱，正是初春时节，潜伏地下的种子开始萌动，拥挤着冲破泥土，一点一点探出嫩黄的幼芽，充满着生机、喜悦和希望；第二段旋律极其优美，行板如歌，植物在阳光雨露的滋养下，蓬勃生长，充分舒展，放眼一片碧绿，呼吸满腔芬芳；第三段，秋天到了，丰收的季节，果实累累，稻谷金黄，一根弦忙不过来，得用双弦并奏，才能表现出那热烈的情绪。
植物完成了一个周期，渐渐进入休眠，回归泥土。
接着周而复始，第二个春天来临，新的一代种子又开始萌动生长，生生不息，新陈代谢，生命之树常青。
这就是大自然的规律，生命的规律，在德沃夏克的音乐中得到了完美的表现。
音乐之树也是常青的啊。
弗里茨克拉斯勒《爱之喜》克莱斯勒《爱之悲》、《爱之喜》是一对“姊妹篇”，两首小品的知名度不相上下。
《爱之悲》依照维也纳地区民谣风格的圆舞曲作成，c小调转a小调，3/4拍子，略带烦恼及伤感。
相当清丽的主旋律首先出现，接着是这一主旋律的变奏形式，乐曲的中段旋律色彩较为明朗，仿佛是忧郁之中对幸福和欢乐的憧憬，然后经过变奏，再回到主旋律。
《爱之喜》，具有维也纳古典民谣风格的圆舞曲，3/4拍子，C大调。
明朗快活而又光辉灿烂的主部主题首先出现，然后进入旋律流利的副主题——实际上是主部主题的变奏形式，乐曲的中段徐缓而宁静，与光辉的主部主题形成鲜明的对比，然后再回到主旋律，全曲为维也纳固有的圆舞曲形式，小提琴演奏在光辉中带厚重、力强的变化，给人以全新的感觉。
两首曲子有相同的速度和相同的形式，但两曲又各具特色，给人以不同的感觉，连起来欣赏时趣味更浓。
近来总听到很多小孩说——我会坚持自己的音乐梦想，我将继续努力，请大家继续听我的歌、支持我、关心我、爱护我……有的还在接受采访时深情并茂地袒露，他或她曾为了音乐梦想而放弃了原来所学的专业，有的甚至和父母产生了分歧和裂痕（有孩子在说这些话的时候，面部表情平静地如同在说和自己不相干的事，真令人对年轻的一代“刮目相看”）。
虽然不排除这些孩子中存在真有音乐梦想的，但一定也有不少已学会了用“音乐梦想”这四个字来美化自己对名和利的渴望。
于是，一段时间以来，一听到“音乐梦想”这四个字，就能起一身鸡皮疙瘩。
当年欣赏克莱斯勒的《爱之悲》和《爱之喜》时，老师说，此人乃奇才，还曾在音乐家和医生这两种职业间游走。
有个同学（此人后来入了电视行当）听后便认定克莱斯勒一定是个勤奋刻苦的人，否则在怎么可能胜任这两种都需要功力的工作呢。
老师很快就毫不留情地打击了他，说虽然克莱斯勒被“小提琴家之王”海菲兹推崇为“最伟大的小提琴家”，但事实上，克莱斯勒从来不练琴（小时候除外），除了全新曲目他会看谱走几遍以外，其他曲子只有在预演时，才会和伴奏协商着来诠释，那些小提琴家们平日里的例行功课，他从来不做。
该同学讷讷地说：
“那他至少是个有音乐梦想的人吧，否则中途做了医生的人如何又要重返乐坛呢？
”老师答复道——他有没有音乐梦想我不知道，我只知道他的记忆力很好，据说有次应邀演奏许多年都没碰过的奏鸣曲，他也就和伴奏每首预演了一次，就敢凭着记忆上台了，还做出了完美的演出，所以经常和他搭档的钢琴家拉赫·曼尼诺夫有点愤懑而酸溜溜地说：
“他上台的机会那么多，根本不用练琴了！
”
这对师徒的交流影响了很多人听曲的注意力，又不好对老师表示不满，就只能对那个同学挥手示意让他闭嘴。
如今看到他在电视节目里的提问，依旧本着当年着三不着两的精神，依旧做着不着四六的主观臆断，居然还能混下去，观众缘还不错，真令人费解。
小提琴家兼作曲家克莱斯勒生于1875年2月2日的维也纳，父亲是名医，还是个狂热的业余小提琴家，因此克莱斯勒4岁时就在父亲的教导下开始接触小提琴。
7岁时，就获准进入维也纳音乐学院，成为该校有史以来最年轻的学生。
9岁时，他就有了第一场演出，10岁便获得了第一名的成绩。
之后，他前往巴黎音乐学院继续打磨小提琴演奏。
1887年，与4位都比他年长近10岁左右的学生一同获奖并毕业，时年12岁。
从此在琴艺上，克莱斯勒再也不曾接受过指导。
13岁那年，克莱斯勒随著名的钢琴家罗森塔到美国旅行演出。
这位年少的小提琴家在当时只被看作是称职的伴奏，这有违于常规——通常钢琴是小提琴的伴奏。
之后的十余年间，克莱斯勒听从了父亲的安排，没有继续练琴，而是留在维也纳研习医学，准备子承父业。
所幸，是珍珠总要被发现的，1899年，克莱斯勒重续了演奏生涯，并获得了比利时小提琴家、作曲家易沙意的首肯，音乐界相信易沙意的鉴赏力，口碑由此传开。
虽然有了一定知名度，但那时克莱斯勒在音乐上的发展并不顺利，甚至再度往医学甚至是美术方面发展，终因无法割舍小提琴，而再度重返舞台。
1901年，克莱斯勒二度赴美演出，且大获成功。
1902年，他娶了美国人HarrietLies，如今看来他太有眼光了，没有HarrietLie，就成就不了后来为人所道的克莱斯勒。
精明会经营的HarrietLie一手将个性随合、从来不主动争取机会的克莱斯勒推入了大牌行列，还成为了七十八转唱片的开路先锋。
看来，一个生性淡薄消极的音乐家需要娶一个好的经纪人当太太。
也不知，克莱斯勒和HarrietLie之间是爱之喜多，还是爱之悲多，不多，很多时候对于爱本身而言，悲喜交织才是爱之真谛。
知名度相辅相成的姊妹篇《爱之悲》和《爱之喜》是克莱斯勒最具代表性的小提琴小品之一，都是依据维也纳地区古民谣风格而写成的圆舞曲，为A小调，3/4拍子，两首曲子具有相同的速度和相同的形式，演奏时间都在三分多钟，但又各具特色，给人以不同的感受，接连起来欣赏则意境更佳、风味更浓。
《爱之悲》的主旋律凄清哀伤，之后便是这一主旋律的变奏形式，中段旋律的色彩较为明丽，仿佛在忧伤之中掺加着对幸福和欢快的憧憬，然后经过变奏，再回到清丽哀婉的主旋律上来。
而《爱之喜》的主旋律则轻快激扬，紧接着的主旋律变奏形式的曲调舒缓而甜美，又带点不确定的期许，还有那么一丝丝不易察觉的烦恼及伤感。
近年来人们很推崇马友友大提琴演绎的《爱之悲》和《爱之喜》，而这两首曲子早已被其他乐器和音乐家所青睐过，曾被改编为管弦乐曲及其他器乐曲，如竖琴、长笛、小号，再如弦乐合奏等。
莫扎特《一首小夜曲》
莫扎特G大调弦乐小夜曲（K525）又称《第13号小夜曲》，该曲是十八世纪中叶器乐小夜曲的典范，莫扎特于1787年8月24日在维也纳完成，并以当时最时髦的德文用语EineKleineNachtmusik《一首小夜曲》命名。
最早为弦乐合奏，后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏，尤以弦乐四重奏最为流行，它是莫扎特所作十多首组曲型小夜曲中最受欢迎的一首，
一、G大调弦乐小夜曲（K525）原有五个乐章，后第二乐章因故失传，所以现存只有四个乐章。
第一乐章（Allegro）快板，G大调，4/4拍，是一首完整的小奏鸣曲。
第一主题开门见山，以活泼流畅的节奏和短促华丽的八分音符颤音，组成了欢乐的旋律，其中充满了明朗的情绪色彩和青春气息；随后是轻盈的舞步般旋律。
第二乐章（Romance）行板，C大调，2/2拍，抒情的浪漫曲。
音乐开头乐队奏出简易、动听如歌的主题，旋律温柔恬静，犹如轻舟荡漾，充满了绵绵情思。
第三乐章（Menutetto）小快板，G大调，3/4拍，小步舞曲。
本乐章主题节奏鲜明，旋律流畅，充满了青春的活力。
第四乐章
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