西方音乐史名词解释全Word下载.docx
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作为一位宗教音乐作曲家，他一生服务于教堂，写了大量弥撒曲和经文歌，其中的《马赛路斯弥撒》等作品得到教会的承认，成为罗马天主教音乐的典范。
作品多为四至六个声部的无伴奏合唱。
其中清晰的声部缓缓而动，主调与复调相结合。
听来和谐、庄重、虔诚，成为宗教无伴奏合唱音乐的典范。
帕莱斯特里纳的学生和他的音乐风格的追随者，后来形成了盛极一时的罗马乐派。
格里高利圣咏
（格里高利圣咏）成为影响最大的教会音乐流传至今。
特点：
格里高利圣咏是吸取了（古代东方），（古希腊）以及（民间音乐）的特点而形成的是（无固定节拍），（无乐器伴奏）的（单音）音乐，内容选自（圣经），用（拉丁文）演唱，为（宗教礼仪音乐），分为（弥撒）和（日课经文），共1600曲以上。
中世纪宗教音乐的核心是罗马天主教会圣咏，俗称“格里高利圣咏”或“格里高利素歌”。
它是节奏灵活自由，没有伴奏的单声部歌曲，歌词来自《圣经》，用拉丁语演唱。
圣咏自4世纪以来，就被广泛用于教堂的各种礼拜仪式中，是宗教仪式重要的组成部分。
留存至今有3000多首。
格里高利圣咏：
肃穆、节制，排除世俗的感性欲念。
一般特征为：
无伴奏的纯男声歌唱单声部音乐形式，以拉丁文为歌词，即兴式而无明显节拍特征，建立在单纯的自然音阶基础上。
歌唱方式：
独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱四种。
根据旋律与歌词的结合情况，又可以分三种类型：
音节式、纽姆式、花唱式。
通奏低音
通奏低音：
是巴洛克音乐的最重要的特征之一，它的运用构成了一种主调和声织体。
基本上是由旋律加和声伴奏构成。
这种织体强调的是两端的声部，即低音部和高音部，它的低音声部持续在整个作品中，因此叫做通奏低音。
作曲家只写出两个声部，中间的和声声部并不写出，需要由演奏者即席演奏，作曲家通常在低音的上方、下方或旁边标记相应的阿拉伯数字来对每个和弦加以指示，所以，通奏低音也叫数字低音。
蒙台威尔弟：
是一个注重歌剧（戏剧化）的作曲家，他在创作中采用“激情风格”，强调旋律对人类情感的直接表现作用。
他大胆使用不协和和弦，转调也很自由，还加强了乐队的体制，首创颤音，拨奏等演奏手法。
歌唱出现了花腔，他的创作对后来的声乐、器乐发展影响很大。
蒙泰威尔第是16世纪末意大利牧歌最杰出的作曲家，并且在他的作品中出现17世纪音乐的特点。
蒙泰威尔第是文艺复兴晚期伟大的牧歌作曲家，又是巴洛克早期出色的歌剧作曲家，可以说，他在牧歌创作上的杰出成就引导他走向歌剧创作，并在这两个领域都作出卓绝的贡献。
蒙特威尔第（1567—1643）
蒙特威尔第是巴洛克早期的一位伟大的作曲家，他的创作可以被看做是从文艺复兴通往巴洛克的重要桥梁。
他发展了“卡默拉塔”作曲家的的表现体式，创作了更富于戏剧表现力的宣叙调，与初具规模的咏叹调相结合，吧17世纪的歌剧推向高峰。
蒙特威尔第首创激情风格的音乐，他在《吵架与恋爱牧歌》的序言中指出，音乐应该有激动、柔顺和克制三类。
他首创震音和拨弦音等奏法，还广泛使用不协和与不预备的七和弦。
蒙特威尔第：
是巴洛克早期的一位最伟大的意大利作曲家。
1607年他的第一部歌剧《奥菲欧》上演，作品追求清晰而准确地表达歌词和歌词中的情感，并没有完全放弃复调的写作。
在这部歌剧中并没有模仿佩里的《尤丽迪茜》，纯粹的宣叙调所占的比例较小，而大量运用了牧歌、单声歌曲、咏叙调和各种器乐形式和序曲。
器乐在每场的前奏、间奏或后奏中表达了场景和气氛的变化。
为了使音乐更好地打动人的情感，他还首次在作品中运用了弦乐的震音和拨弦两种演奏手法。
虽然不是最早的歌剧，但却是早期歌剧中艺术成就最高的一部。
他的作品总体来说豪华和壮观，体现在布景，服装上
经文歌
13世纪以后，经文歌成为最重要的音乐体裁。
最典型的经文歌是三声部经文歌，最低声部是全曲的基础，称为定旋律声部，另两个声部成为第二声部和第三声部。
其主要特征是各声部旋律线条的独立性以及在不同声部运用不同歌词。
受难乐
是用音乐表现耶稣受难故事的一种体裁。
公元5世纪到14世纪后半叶，群众开始用单声部齐唱来代表。
这种由单声部的圣咏构成的受难乐也叫做“素歌受难乐”。
第二个阶段，复调手法大约从15世纪被运用。
1650年以后，进入第三个阶段“受难清唱剧”阶段，在德国出现了一种清唱剧式的新型受难乐。
巴赫代表，把受难乐的创作推向了一个顶点。
马丁·
路德
拉莫
法国18世纪最重要的作曲家、理论家和键盘乐器演奏家。
理论著作《和声学》于1722年在巴黎出版，《音乐理论的新体系》在1726年问世使拉莫成为著名的音乐理论家。
拉莫的歌剧从吕利的传统中继承了很多东西，为了加强戏剧效果他的每幕合唱和歌舞场面篇幅更大。
他的合唱与娱乐性的歌舞场面篇幅更大，推动剧情是，他往往用大乐队伴奏的和更旋律化的宣叙调。
他的理论著作是与他的作曲时间紧密联系的，试图在自然法则的基础上解释和声，他的功能和声理论不仅对当时的作曲实践做了总结，而且对后来和声理论产生了影响。
代表作：
《双子星座》，《希波利特与阿里西亚》
问答题
一何谓文艺复兴？
简答：
文艺复兴时期音乐文化的基本特征？
答：
①约1450—1600年②“文艺复兴”指的是所谓黑暗的许多世纪过去以后，文化与学术中心兴起的时期。
③在音乐方面，作品中个人的风格较显著，世俗音乐与教会音乐相互渗透，音乐逐渐摆脱歌词的束缚，走向独立的艺术境界，进入了复调音乐的全盛时期，同时，促进了和声风格的形式。
器乐体裁的产生，教会调式也逐渐融合成现在的大小调式。
从14世纪开始，中世纪的封建主义社会政治制度，骑士制度，教皇统治的权威都逐渐地衰落，哥特艺术的黄金时代已经过去。
一个新的文明的时代被称为文艺复兴（西方音乐史上的文艺复兴约指1430年——1600年的时期）。
文艺复兴一词原意为再生，通常是指14世纪人们对古希腊、罗马的文化重新发生兴趣，或是指漫长的中世纪之后的文化繁荣运动。
1393年君士坦丁堡的一位著名学者曼纽尔?
;
克莱索洛拉斯出使威尼斯，请求西方支援拜占庭帝国对土耳其人的战争。
作为希腊古代文化的使者，他立即受到意大利人的称颂，被挽留在佛罗伦萨大学教授古典文化，1453年君士坦丁堡被土耳其人攻占后，大批希腊学者逃往意大利。
然而文艺复兴人的对古典文化的热情并非突然产生，早在中世纪后期，西塞罗、维吉尔、塞内加和亚里士多德就已是文学家，甚至大教堂寺院学校中的崇敬的对象。
文艺复兴很大程度上是对古典文化长期向往而达到的高潮。
古典著作中对人的重视，古典雕塑对人各部分比例和面貌的忠实表现，古典悲剧中人与命运的斗争，这些都启发了文艺复兴人文主义精神。
人文主义者不接受专门研究神学和逻辑学的经院哲学，他们强调人的尊严和价值，在艺术中以优美流畅的风格表现人性中的美感。
然而宗教的统治并不是很快消退的，文艺复兴的大量艺术作品仍然是宗教题材。
但是艺术家们在宗教作品中融入了世俗的形象和情感。
他们同时也创作出许多世俗内容的作品。
在他们看来，人生与来世同样是吸引人的，表达情感享受欢乐不再被认为是邪恶。
他们力图使作品为人所理解，也为上帝所接受。
文艺复兴精神在音乐中的表现，与直接受到古典作品启发的文学、绘画和雕塑相比，要来得迟缓。
音乐家仍然要在教堂中受到训练，并服务于教会或宫廷。
但是世俗音乐的价值已为人们所认识。
音乐不再仅仅作为宗教仪式的附属品，它同时也是一门独立的艺术。
二请谈谈巴洛克时期清唱剧和康塔塔这两种体裁的区别。
清唱剧：
是巴洛克早期产生于意大利的大型声乐体裁。
通常有咏叹调，宣叙调，重唱，合唱组成，他有一个叙述故事的人，更强调合唱，并且没有舞台动作和服装布景。
合唱很重要，大部分清唱剧是宗教内容。
康塔塔：
是巴洛克时期产生于意大利的一种大型声乐体裁，它通常由一系列的宣叙调，咏叹调，咏叙调，二重唱与合唱组成。
即可用宗教题材，也可用世俗题材。
还可分为两大类，一类是小型的，独唱的康塔塔；
另一类是大型的，除独唱，还有合唱和管弦乐队伴奏
歌剧、清唱剧和康塔塔有什么区别?
清唱剧和歌剧差不多是同时诞生的。
在17世纪初，一些情节比较简单的歌剧在贵族府邸的祈祷厅
中演出，布景、化装也都比较简单，被称作清唱剧。
以后清唱剧成为一种有角色，只是没有布景、化妆的
独唱、重唱和合唱的演出形式。
虽然戏剧性弱一些，但还是保留着基本戏剧性的架构，所以在名称中还
是有一个“剧”字。
当然，这只是翻译的缘故，而清唱剧原文仍然还是保留着最早的oratorio，“祈祷厅”
的意思。
康塔塔起先只是为了区别于器乐曲（被统称为“素纳塔”），表示是“唱的音乐”的意思，是由独唱和重
唱组成的世俗声乐套曲。
到l7世纪，它已经发展成为包括了独唱、重唱和合唱，由乐队伴奏的大型套曲。
在
音乐结构上和清唱剧也相似，只是戏居性更加薄弱而已，在中文的翻译中，很自然地被叫做大合塔的共同点在
于都是与声乐有关系的形式，从歌剧、清唱剧到康塔塔，戏剧性越来越弱，表演的成分也越来越少。
三简单概述歌剧的诞生以及意大利早期歌剧的发展。
歌剧的诞生：
人们幻想聆听众神之声的时候，便诞生了。
带有音乐的戏剧很早以前就有。
歌剧的出现是在巴洛克早期，但实际上也可以这样认为——歌剧也算出现在文艺复兴的末期——因为就西方音乐历史本生而言，巴洛克早期和文艺复兴末期的某个阶段是重叠的。
歌剧最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式,歌剧（opera）是综合诗歌、音乐和戏剧特点的艺术形式1599年佩里创作的《达夫尼》（已亡佚）是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。
意大利早期歌剧的发展
1637年威尼斯开放了第一家公共歌剧院—圣卡西亚诺剧院，使得这门艺术走出了少数贵族的沙龙，迎接一个更广泛的市民阶层的青睐。
此后半个多世纪里，威尼斯前后开放了十几家歌剧院，一大批有才华的作曲家、剧作家为之谱曲、写脚本，比较有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。
这个时期的威尼斯歌剧场面有时奢华到了夸张的地步，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。
与此同时，17世纪中期，以A·
斯卡拉蒂为代表的那不勒斯学派也发展起来，并统治了意大利乐坛和欧洲舞台近一百年。
这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用，使声乐独唱水平空前提高，更加强了歌剧的主调风格。
斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，选择不同的咏叹调表现不同的情绪。
在重视人声的同时，他重视器乐的独立表现，采用高度程式化的作曲手法，剧情相似的剧目可以使用相同的配乐；
首创了歌剧启幕前的器乐合奏—序曲，由快—慢—快三部分组成。
他树立的这种歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧
四巴洛克时期的协奏曲有哪几种类型？
各自特征如何？
协奏曲：
与组曲不同，完全是巴罗克时期的产物，起源于十七世纪中叶，是巴罗克时期最重要的器乐体裁之一。
由多乐章组成的套曲。
有乐队协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲。
1、大协奏曲：
是当时最重要的管弦乐体裁，由二或三件乐器构成一个独奏组与合奏部分进行协奏，也是小组独奏乐器和大组乐器相互对比的竞奏。
2、乐队协奏曲或协奏交响曲：
乐队中的某个乐器既起到独奏的作用，又充当合奏的角色，其中发挥华丽技巧的某个乐器与合奏部分常常形成对比竞争风格，该体裁尤其强调协奏部分。
3、独奏协奏曲：
协奏曲体裁中最后发展起来的一种形式，它是由一件乐器与管弦乐队进行协奏的体裁。
五谈谈古钢琴组曲的典型结构和法国古钢琴音乐的代表人物。
古钢琴组曲的典型结构：
意大利的室内奏鸣曲，由四种风格化的舞曲为核心有：
德国阿拉曼德舞曲、法国库朗特舞曲、西班牙萨拉班舞曲、基格舞曲。
代表人物：
德国作曲家弗罗贝格
法国古钢琴音乐的代表人物。
拉莫弗朗索瓦·
库普兰
六概述亨德尔的音乐创作
1．亨德尔的创作特征:
亨德尔的音乐辉煌灿烂，他特别擅长创作嘹亮、节奏强烈的音乐，给听众产生感观的印象。
使人激奋着迷，布局密大，作品清晰灿烂，他的和声属自然音阶性质，较少转调，旋律富有歌唱性，具有宽广、悠长、庄严的特点，复调音乐对深化戏剧发展、刻化感情起了重要作用。
但在写作中十分注意纵向的和声关系。
七什么是喜歌剧？
第一部喜歌剧诞生于何时何地？
18世纪上半叶意大利出现了喜歌剧（OperaBaffa），这是在启蒙主义思潮影响下，一反意大利正歌剧“矫揉造作”而追求“自然”的一种新的歌剧体裁形式。
它是在意大利幕间剧（Intermezzo）基础上发展起来的。
剧中人物常常是社会中下阶层，场景多是大众十分熟悉的日常生活而非豪华的王宫深院生活。
剧词幽默口语化，音乐也十分生动。
意大利的佩格莱茜（GiovanniBattistaPergolesi，1710—1736）不仅是一位有才能的正歌剧作曲家，他的《女仆作夫人》被认为是第一部意大利喜歌剧。
这部独立的喜歌剧最初是分为两部分穿插在他本人的三幕正歌剧《高傲的囚徒》的幕间演出的。
剧情简洁，人物仅有主人（男低音、常扮演喜歌剧中音乐较生动的角色）、女仆（女高音）和一个哑仆。
作品表现了市民阶层女仆的精明机智。
八说说海顿的音乐风格。
海顿的音乐大都以日常生活为题材，他长于表现人类朴实明朗的感情和乐观的信念，但不喜欢表现人的复杂的内心冲突。
他的音乐不是以戏剧性而是以美妙和幽默的情趣引人入胜，快乐和充满希望构成了海顿的艺术气质。
他的音乐保持着与民间音乐的联系，粗犷质朴的民间舞曲被他自如地引入高级的交响曲形式。
和声、织体上的明晰，结构上的匀称、讲究，这一切构成了海顿创作的总体风格，使他成为维也纳古典乐派的奠基人。
后人将他的许多交响曲、四重奏加上形形色色的标题，如交响曲《熊》、《时钟》、《鼓声》、《告别》，四重奏《云雀》、《梦境》、《涉猎》、《皇帝》等等。
这是由于这些作品音乐语言的平易亲切所引起的共鸣与联想，也是人们对海顿乐观精神的一种永久性的纪念。
论述题：
⏹一论述“巴洛克音乐”的主要特征。
巴罗克音乐文化的特征？
①约1600—1750年②巴罗克是一个反对旧秩序的时期是一个获得较多自由的时期。
如果我们说文艺复兴是文明的青春期，那么巴罗克时期就代表它的首次开花结果。
③在音乐方面，歌剧的产生和器乐作为音乐的二大分支开始了互相补充，相互影响的独立发展。
复调风格逐渐向主调音乐风格转移，教会调式逐渐被大小调代替，数字低音的运用引起了“和声学”的新概念，新的音乐生活产生出新的音乐语言和音乐体裁，欧洲进入了近代音乐发展的时期。
简述巴洛克的器乐音乐风格。
答：
巴洛克时期的器乐有了很大发展，人们开始热衷于努力发挥乐器的性能和探索各种演奏的可能性，促进了演奏技巧的发展，出现了不少炫技性演奏的能手。
17世纪上半叶，器乐音乐的风格和织体仍受声乐音乐影响，例如，小提琴演奏倾向于歌唱性和吸收独唱、重唱的技巧，作为伴奏的键盘乐器采用通奏低音手法；
同时体裁样式尚处于探索阶段。
17世纪下半叶和18世纪初，各种器乐体裁逐步定型，不同乐器的特点也明显突出。
巴洛克时期记谱法粗糙，往往不明确标出演奏要求甚至把独奏部分让演奏者完成。
复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。
与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。
同时也有许多作品采用主调织体。
巴洛克时期催然产生了12平均律，但是由于初期强调“调的性格”，即不同调性表达不同的感情，人们以为平均律的24个调无个性而很少运用，直到18世纪才广泛实践。
巴洛克音乐按照类型可分为键盘音乐、重奏音乐、合奏音乐。
键盘音乐的乐器主要是管风琴和古钢琴，其中古钢琴包括羽管键琴和楔槌键琴。
管风琴声音明晰，适合于演奏线条清晰的作品。
键盘音乐的体裁主要分为：
1）即兴风格的体裁，如托卡塔、幻想曲、前奏曲，18世纪将这类作品与赋格组合成套，体现了动力与稳定的平衡，自由奔放与严谨的结构的平衡。
2）变奏手法的体裁，如主题与变奏、基于众赞歌的体裁、帕萨卡利亚和夏空。
3）赋格4）组曲，其中德国和法国的形式有所不同，德国组曲包含4首同一调性速度为快—慢—快—慢的舞曲：
阿勒芒徳、库朗特、萨拉班德、吉格，前可加前奏曲，第3首与第4首之间可任意加一首或多首舞曲；
而法国组曲则由一系列小曲组成。
重奏音乐的乐器有弓弦乐器和管乐器。
其中弓弦乐器中的提琴族乐器音色明亮，并产生了炫技风格。
其体裁多为奏鸣曲，从织体上看可分为三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲。
合奏音乐使用巴洛克乐队，其中小号和圆号都是独立声部，要求有很高的炫技性。
其体裁主要有协奏曲和乐队组曲，其中协奏曲又可分为大协奏曲、乐队协奏曲、独奏协奏曲。
⏹二概述古典主义音乐的总体风格特点。
这一时期音乐的整体风格特征主要表现在一下七个方面：
1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。
2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。
3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。
音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。
4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。
5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。
6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。
7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。
以上这些变化对欧洲音乐的发展都具有深远的影响。
⏹三试论巴赫的历史贡献。
巴赫的作品：
声乐作品：
《b小调弥撒曲》《马太受难曲》《约翰受难曲》。
管风琴曲：
《托卡塔与赋格》。
管弦乐曲：
《勃兰登堡协奏曲》。
他的《十二平均律钢琴曲集》用创作实践证明了平均律乐制的科学性，开启了通向转调自由王国的大道。
巴赫的创作特征？
巴赫的音乐作品中突出着浓郁的宗教色彩，他予以总结，发扬，承上启下。
他的古钢琴音乐直接继承了库伯兰为代表的法国乐派风格。
管弦乐和室内乐直接受了意大利的科莱里和维瓦尔弟的影响。
声乐合唱完成了许茨，泰勒曼开始的德国式风格。
管风琴音乐更集中了巴罗克时代德、意、法大师的精华，巴赫的旋律是与对位艺术结合表达的，和声表现充实而富于变化，常用半音进行。
节奏在音乐中的地位突出，变奏手法多样。
声乐作品有丰富的形象的情感体验，在写法上趋向器乐风格。
不同点：
①巴赫终身为宗教和宫廷服务，始终保持着对宗教的信仰至死作品大多为孩子们写的，因此被称为“音乐之父”亨德尔出生在宫廷，创作为宫廷贵族服务，他的“二十一部清唱剧获得了很高的荣誉，被罗曼·
罗兰看作是十八世纪艺术的顶峰之一”被英国人誉为“英国民族”的天才。
②巴赫的音乐呈现了出一种坚持不懈的倔强。
坚实是巴赫音乐的基本特征，巴赫的音乐大多数体现了复调音乐的风格。
而亨德尔的音乐，则大多体现主调音乐的风格。
③巴赫的主要作品多器乐作品，声乐作品有丰富的形象的情感体验，趋向器乐风格。
亨德尔的作品多歌剧和清唱剧，旋律具有歌唱性，他的器乐作品也具有声乐的特点。
⏹四莫扎特在音乐创作上的重要贡献有哪些？
莫扎特在钢琴协奏曲创作方面
莫扎特在海顿等古典主义早期作曲家的基础上，上他进一步完善了钢琴协奏曲这一体裁，并把四重奏这一个新形式推向高峰。
确立了18世纪古典主义协奏曲的结构原则：
3个乐章对比并置的套曲结构（第1乐章奏鸣曲式，第2乐章是类似咏叹调式的抒情乐章，第3乐章具有舞蹈性或通俗性格）；
双呈示部，独奏乐器有技巧性的华彩段等。
同时加强了独奏乐器的地位，强调了它不同于协奏乐队的音乐性格。
莫扎特成为近代协奏曲形式的创始人。
在歌剧上他发展了意大利歌剧，并且开创了德文歌剧的先河。
⏹五试论贝多芬的交响曲创作。
贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，他将交响曲这一艺术形式的社会生活与精神生活相结合，使交响曲具有社会启示性和斗争性的社会内涵。
形式结构上，他扩大并完善了交响乐的组织框架——奏鸣曲式。
不仅打破交响曲传统的配器惯例，使得交响乐中体现出思想性的同时，以动力更强的谐谑曲（注：
也称诙谐曲，她们大多是3拍子的，节奏活泼，速度较快，常有突发的强弱对比）取代了过于温和的传统小步舞曲，从而赋予交响乐以更加丰富的有机性。
从另一个角度来看，为了达到表现社会性重大题材和人类斗争性及精神境界的目的，他将交响乐队的编制扩充到了更加合理的程度。
同时为了达到他的整体艺术构思，甚至将人声增加了进去，在他的《第九交响曲》中，合唱队演唱的“欢乐颂”揭示了一种无比崇高的精神境界。
而这种巧妙的构思和大胆的实践，则充分地说明了贝多芬作为一代交响乐宗师，所表现出的非凡魄力和杰出天才。
他的九部交响曲像是一篇完整描写英雄生活成长的长篇史诗，有统一的思想主线——英雄性。
他的音乐好比一道人们青春的保全，激励着英雄们成长，奋斗，使人们更加勇敢。
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