内部资料高中美术第一册第10课欧洲文艺复兴时期绘画Word格式文档下载.docx
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1.教师提问：
同学们，你们知道欧洲历史上最伟大的一场文化艺术革命运动吗?
它被称为什么运动呢?
学生回答问题：
文艺复兴运动。
导入课题。
2.教师简单评价文艺复兴运动的历史价值
文艺复兴是一个空前伟大的时代，人们的创造力被充分唤醒，无数艺术大师的努力汇成一股洪流，它的影响我们至今还能感觉到。
对它的评价我们借用恩格斯的一段话，请看屏幕，我们找一位同学朗诵一下。
学生朗诵：
“文艺复兴运动是人类历史上从未经历过的、最伟大、最进步的时代，是需要巨人并且产生巨人的时代，在学识渊博和多才多艺方面，在性格、知识和热情方面的巨人的时代。
”
强调文艺复兴运动的伟大意义和历史价值，引起学生探究欲望。
3.文艺复兴时期名家辈出，宛如灿烂的星空，我们不可能一一搞清，只能选择出最耀眼的几颗进行学习。
今天我们以分组的办法展开研究。
我明确一下各小组的专题与任务。
第一小组：
通过对比，分析文艺复兴时期与复兴之前绘画作品形式和内涵上的区别，谈一谈文艺复兴到底进步在哪里?
第二小组：
寻找不同国家几名画家的著名作品，分析文艺复兴时期画家的共性与个性。
第三小组：
以“三杰”的名作为例，从画面形式、故事内涵、艺术成就等方面入手，展示复兴时期绘画的辉煌成就。
学生接受教师布置的研究专题与任务，研究讨论，准备发言。
布置各小组研究任务。
调动全体学生参与研究。
4.教师引导学生：
理解文艺复兴时期绘画的人文主义色彩。
披着基督教神学的外衣，体现的是新兴资产阶级的世界观。
以人道主义、人本主义对抗神权与皇权，提倡个性的解放与张扬，即追求人性的彻底解放。
第一组学生以三组共计6幅作品对比讲解，肯定文艺复兴绘画的进步性。
作品分别为复兴之前和复兴时期的《哀悼基督》、《圣母子》、《最后的晚餐》。
通过中世纪与文艺复兴时期绘画的对比，让学生充分感受到文艺复兴时期绘画的进步性。
5.教师引导学生：
不同民族有着不同的文化背景和欣赏标准，但浪漫也好、严谨也罢，只是风格上的差异，而新兴资产阶级艺术家在思想内涵上基本是相同的，那就是赞美人性、赞美智慧和力量、关注现世生活。
第二组学生以波提切利的《春》、扬·
凡·
爱克的《阿尔诺菲尼夫妇像》、丢勒的《恶魔、死神与骑士》，分析文艺复兴时期不同国家画家手法和思想方面的异同。
点评中明确文艺复兴的本质和进步意义。
较为全面地展示复兴时期各国的绘画成就及不同特征：
意大利的浪漫，尼德兰的古朴精细，德国的严谨与理性。
注意在点评中明确艺术只有风格差异，没有高下之分。
6.教师引导学生：
达·
芬奇的深奥和富于哲理、米开朗基罗的热情和雄浑、拉斐尔的优雅和妩媚，各自引领一支潮流，汇成近现代欧洲文明的大海。
第三组学生详细分析3幅作品：
芬奇《最后的晚餐》、米开朗基罗《创世纪》、拉斐尔《西斯廷圣母》。
几位画家生平简介和作品分析要尽量详细，全面展示文艺复兴绘画的高度成就。
尽量启发学生在对“三杰”的作品分析、欣赏同时，能把其作品风格的不同归纳出来。
“三杰”是有着代表性的，学生自己准备、自己讲解，锻炼表达分析能力的同时加深印象。
点评中强化“三杰”的重要性。
锻炼学生的分析能力。
7.课堂总结：
通过今天的学习，我们浅显地感受了一下文艺复兴绘画方面的成就。
我希望同学以把握时代精神的深度理解这些作品，不要仅仅就画论画。
下面请同学记录这样一段话，它贯穿着整个文艺复兴时期艺术的要求。
学生记录：
标榜人道，反对神道；
宣扬人权，反对神权；
关注现世生活，反对追求来生幸福。
将文艺复兴运动的深刻本质再次强调。
设计二北京八中党威
1.首先，我们欣赏一组绘画作品，请同学们思考一下，它们是哪个时期的绘画作品?
课件演示《春》、《维纳斯的诞生》、《蒙娜丽莎》、《末日审判》、《椅中圣母》、《雅典学院》。
学生欣赏并回答：
这些作品都是文艺复兴时期的。
以提问导入课题，考证学生对文艺复兴绘画风貌的熟悉程度。
2.很好，文艺复兴是欧洲也是人类文明史上一个重要的时代，它产生了诸如达·
芬奇、米开朗基罗那样伟大的艺术巨匠，但是，它的绘画与复兴之前相比，到底好在哪里?
进步在哪里呢?
我们对比两幅同名作品来体会一下，一会儿请同学们讨论并回答。
课件演示：
中世纪的《哀悼基督》和曼坦尼亚《哀悼基督》表现同样的内容，都表现耶稣下十字架后，圣母和圣徒悼念死者的情景，都是圣经题材的宗教画，请同学从两个玛丽亚、两个耶稣的不同画法分析对比一下，他们给人什么不同的感受?
学生听讲，在教师提示下对比观察并思考。
学生回答：
一个圣母年轻貌美，不太像死者的母亲；
另一个白发苍苍并且痛哭流涕，有人间母亲丧子之痛的真实感。
一个耶稣头上有光环，显得神圣而区别于常人；
另一个耶稣就像一个刚死去的普通中年人一样。
锻炼学生的鉴别能力。
锻炼学生鉴别能力并大胆表述自己的观点。
同学们分析得很好，除了人物以外，画面构图和人物表现技巧上有什么区别吗?
我完全同意同学们的看法。
第一张画是中世纪绘画，后一张就是文艺复兴时期的作品。
虽然内容完全一样，但处理手法和思想内涵却全然不同。
一个是死气沉沉的圣经故事图解，一个是有血有肉的真实生活再现。
我想，这就是文艺复兴绘画的进步意义吧。
复兴时期的画家们大胆传播人文主义思想，在绘画中鲜明地表达自己的爱与憎，以透视法和解剖学作为支柱，使绘画更加科学、更加可信。
只有看到这一进步，我们才能读懂达·
芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。
有。
我觉得第一张人物画得死板，后一张构图独特、效果新颖，人物刻画也很逼真。
评价文艺复兴的进步意义，通过对比使学生加深印象。
3.文艺复兴绘画的突出代表是“三杰”，我们首先看一看达·
芬奇。
课件显示《最后的晚餐》。
这是达·
芬奇一幅杰出的壁画作品，表现的也是一个《圣经》记载的宗教故事。
耶稣即将被叛徒犹大出卖，在最后一次和门徒吃晚饭时，耶稣突然说：
“你们当中有人出卖了我。
”一言惊四座，众门徒惊、疑、怒、惧，表情各异，充分显示了每个人的性格特征。
犹大也被充分暴露出来。
我们做一个小尝试，感受达·
芬奇绘画的杰出成就。
我安排了13位同学，表演一下这段圣经故事，希望通过他们的表演，表达出谁是耶稣、谁是叛徒犹大，其他门徒的表情反映出一种什么样的性格。
请同学评论一下是否做到主体突出、性格各异。
学生到教室前，围坐在长桌边，“耶稣”平静地说：
”余者有拍案而起状、有探身询问状、有惊恐欲逃状、有悲泣状、有晕倒状。
学生评价：
“耶稣”因为说了一句话我们可以确认，犹大由于逃跑，我们也能看出来，其他人的性格表现较乱，看不明确。
介绍重要人物及作品。
通过形体表达，使学生参加讨论，由对比而加深对原作的理解。
锻炼观察和表达能力。
模仿的小游戏可以充分满足学生的表演欲。
使课堂气氛活跃，也丰满了美术课的教学
好，对比刚才同学表演的效果，我们再来看原画。
（课件打开至《最后的晚餐》）请大家看耶稣的主体地位是怎样显示的。
那么，哪一位是叛徒犹大呢?
同学观察得很仔细，尽管谁是犹大有争议，但都有一定的道理。
犹大应该是这个人——身穿蓝衣、手攥钱袋、身子惊恐地向后倾斜的人。
他的嘴脸是丑恶的，也流露出内心的怯懦。
其他人分别是暴躁的彼得，腼腆的约翰，年轻的腓力，多疑的多玛、马太、达太、西门、安德烈、雅各、巴多罗米奥等。
画面分为四组，动态各异，最左最右两个人回望中间的耶稣，收住动势，彼得的刀、腓力的双手、老马太的眼神都是精巧的刻意安排，匠心独具。
芬奇给每个人都画了大量素描稿，像导演一样地写了动作脚本，难怪我们的表演难以与其相比呢。
他坐在正中央。
他身后有窗子，靠对比强化主体地位。
靠透视线引导。
穿蓝衣的人是犹大。
双手指向胸前的是犹大。
锻炼观察与表达能力。
4.下面我们欣赏米开朗基罗的绘画作品《创世纪》和《末日审判》。
米开朗基罗的绘画与达·
芬奇相比有什么特点吗?
教师总结：
对，米开朗基罗的绘画以博大雄浑著称。
最有名的就是他为西斯廷教堂绘制的《创世纪》和《末日审判》。
《末日审判》画了三百多个人物围绕着耶稣，耶稣正在世界末日降临时审判所有灵魂，正义的升入天国，邪恶的坠入地狱。
全画气势磅礴。
画面比较大。
人物更多。
锻炼观察能力。
5.拉斐尔是才华横溢的画家，靠优雅妩媚的圣母像名扬天下，笔下的圣母再也不是冰冷的神像，而是人间至美的艺术形象。
我们看他的《西斯廷圣母》、《金莺圣母》、《花园里的圣母》这些圣母和小耶稣的形象，你会产生什么样的感觉?
就像人间美丽的母亲和可爱的婴儿一样，这种人情化、人性化的表现，在中世纪绘画中是不可想象的。
拉斐尔还有很多大型壁画作品，同学知道哪一幅吗?
能否分析一下画面?
同学们对拉斐尔的画是比较了解的。
拉斐尔仅活到37岁，由于过重的艺术工作负担患上肺病，死在自己最后的作品《基督变容图》前，他一生献给绘画事业，后代尊他为“画圣”是当之无愧的。
“特别美好。
“就像人间的妈妈和孩子。
“净化人的心灵。
”等
《雅典学院》。
学生简介：
中心人物柏拉图与亚里士多德，另有苏格拉底、亚历山大、毕达哥拉斯、阿基米德、托勒密、笛卡尔、伊壁鸠鲁等著名学者。
引导学生体会画家的表达：
美的形象，崇高的情感……
考证学生知识面。
介绍重要作品，锻炼学生表达能力。
6.课堂总结：
我们今天欣赏到了文艺复兴时期最有代表性的绘画作品。
我们应该懂得是时代造就了大师而大师们又使得这个时代分外荣耀。
除意大利以外，尼德兰、德国在文艺复兴运动中也有上乘表现。
下面我布置作业：
以《从〈椅中圣母〉看欧洲文艺复兴》为题写一篇文艺评论，300字左右，要包含文艺复兴运动实质、画家简介等知识点，有自己的真情实感为佳。
学生记录作业题目和要求：
《从〈椅中圣母〉看欧洲文艺复兴》
（1）画面分析。
（2）哪些方面有进步意义?
（3）拉斐尔代表了什么时代精神?
以写作方式巩固对文艺复兴时代绘画的把握能力。
课堂习作备选题：
（可与上面写作互换）
填空
14—16世纪欧洲的运动是人类历史上空前伟大的文化革命运动，是新兴资产阶级为谋求自身发展在意识领域进行的一场战斗，其本质是以资产阶级想对抗封建与。
最杰出代表是三位意大利艺术家，其中的作品深奥而富于哲理；
的作品妩媚而优雅；
的作品雄浑而刚健。
（笔答、口答皆可）
文艺复兴
人文主义
神权、皇权
芬奇
拉斐尔
米开朗基罗
视情况略降低难度，巩固本课重要
教学内容资料
（一）作品分析
春（木板蛋彩画，203厘米×
314厘米，约1478年作，佛罗伦萨乌菲齐美术馆藏）波提切利（意大利）
波提切利（1445—1510），又译作“博蒂切利”，是意大利佛罗伦萨画派的代表人物。
他的作品以宗教题材居多，这也是文艺复兴时期前期美术的主要特点之一。
但最能代表他独特的艺术风格的是两幅以古典神话为题材的作品，即《春》和《维纳斯的诞生》。
这两幅画都是为当时佛罗伦萨统治者美第奇的一个远房兄弟绘制的。
据近年考证，这两幅画的含义至今仍有不少存疑之处，可以肯定的是，它们都取材于订画者、意大利诗人、人文主义者波利齐亚诺（1454—1494）的诗文。
《春》又名《春的寓意》，可见，这幅用神话人物来表现自然节令的作品，自有它的寓意所在。
全画描绘了9个神话人物，自右至左为：
代表春天的西风神（在意大利西风代表春风）、代表大地的仙女、花神、爱与美的女神维纳斯、小爱神丘比特、三位优美女神、众神的传信使者墨丘利。
其中，维纳斯女神位于画幅的中央，是全画的中心人物。
她是爱和美的象征，是人性的化身，突出她也就是表示对人性的歌颂。
全画背景是一片幽静的桔林（桔子的圆球形暗喻美第奇家族的徽饰），一派春回大地、花草争妍的景象。
显然，诸神们是为春天的到来而欢歌。
对美和爱的追求，即对人性的追求，是这一作品的主题，体现了鲜明的人文主义思想。
平面的装饰性的构图和生动细腻的人物描写，特别是三位身披薄纱的优美女神，体现了波提切利秀逸的艺术风格。
最后的晚餐（壁画，484厘米×
880厘米，1495年—1497年，米兰圣马利亚·
德拉格拉齐耶修道院藏）达·
芬奇（意大利）
列奥纳多·
芬奇（1452—1519）是文艺复兴时期意大利最杰出的画家、科学家和发明家。
他一生完成的绘画作品不多，但几乎件件都是不朽之作。
他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并善于使艺术创作和科学探索结合起来，深沉、含蓄、富于理性。
他晚年潜心科学研究，死后留下大量笔记手稿及草图，从物理、数学以至生理解剖，几乎无所不包。
他的技术发明也遍及民用、军事、工程、机械各方面。
因此恩格斯称赞他：
“不仅是大画家，而且也是大数学家、力学家和工程师，他在物理学的各种不同部门中都有重要的发现。
壁画《最后的晚餐》是达·
芬奇为米兰圣玛利亚·
德拉格拉齐耶修道院饭厅而创作的。
它不是一般的灰面湿壁画，而是掺用了一些油彩，所以有的美术史书籍中不称它为壁画，而是标为“油性蛋剂颜料”。
由于这是一种不成熟的新的尝试，所以原画在16世纪时就已逐渐退色霉坏，加上后人保存不善，现在已很模糊。
目前有关方面正试图以现代科技加以修复，但进展缓慢。
《最后的晚餐》取材于基督教圣经中耶稣被他12个门徒之一的犹大出卖的传说。
因耶稣在耶路撒冷被捕前，与他的圣徒们共进了最后一次晚餐而得名。
这类题材的宗教画从中世纪到文艺复兴时期，不断有人创作，且形成了一套程式化的表现手法。
芬奇的这一作品则以它独到的匠心、卓越的构图、深刻的人物心理描写而成为不朽的杰作。
芬奇在这一作品中，紧紧抓住耶稣在与12门徒共进晚餐时，突然说出“你们当中有一个人要出卖我”以后，众门徒顿时显出各种不同神态的这个极富表现力的瞬间，着重刻画了各个人物的内心世界，表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎，进而对人物的微妙的心理描写，达到了空前的高度。
全画的构图十分完美：
横幅的画面以耶稣为中心，组成严格对称的构图。
12个门徒平均分成对称的4组。
这几组人物之间彼此具有紧密的联系和各种不同的姿态，显得丰富而统一。
此外，在画面空间与背景的处理上，用透视法画出了深远的空间。
所有这些，使这一作品成为举世闻名的杰作。
西斯廷教堂天顶画（壁画，3654厘米×
1314厘米，1508年5月—1512年10月，梵蒂冈西斯廷教堂藏）米开朗基罗（意大利）
米开朗基罗（1475—1564）是文艺复兴时期意大利最杰出的雕刻家、画家、建筑师。
雕刻方面的著名代表作有《大卫》、《摩西》等，绘画方面的重要代表作有《西斯廷教堂天顶画》、《西斯廷教堂祭坛画》等，建筑方面的代表作有圣罗伦佐教堂图书馆、罗马圣彼得大教堂的圆顶等。
西斯廷教堂天顶画是米开朗基罗在绘画创作方面的杰作。
它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。
整个屋顶长3654米，宽1314米，平面达480平方米，但由于屋顶是券拱形结构，画面略呈曲形，实际面积达500平方米左右，乃是美术史上最大的壁画之一。
提出由米开朗基罗来完成西斯廷教堂天顶画的任务，原来是出于心怀嫉妒的建筑师布拉曼特（1444—1514）的主意，他企图以此使缺乏绘画创作经验的米开朗基罗当众出丑，达到贬低米开朗基罗的目的。
所以，当教皇执意要米开朗基罗担当这一创作任务时，他确是感到很为难，但意志坚强的米开朗基罗还是勇敢地接受了这一挑战性的创作任务。
他以最初的无比悲愤的心情很快转化为创作的激情，谢绝助手协作，独自一人站在18米高的脚手架上作画，经过四年的极其艰苦的劳动，终于出色地完成了这一宏大的创作任务。
最初，米开朗基罗对这一壁画的设计是比较简单的，只是在屋顶四周画些基督教的先知和圣徒，中央则以图案作装饰。
后来经过反复考虑，才决定以这一教堂宏伟的建筑结构作框边，把整个长方形大厅的屋顶划成中央和周围两大部分，并以中央为主，全部绘以基督教的宗教故事和人物形象。
其中宗教故事取材于基督教的“创世纪”之说，即所谓上帝创造世界的故事。
故西斯廷教堂天顶画也称为《创世纪》壁画。
按照基督教“创世纪”的传说，上帝创造世界是在6天完成的：
第1天是分开宇宙中的光暗；
第2天是把水分成了天上的水和地下的水；
第3天创造了陆地和各种植物；
第4天创造了日、月和星辰；
第5天创造鸟类与鱼类；
第6天创造各种兽类以及男人和女人。
米开朗基罗创作的天顶画则在这基础上增加了“亚当、夏娃被逐出乐园”、“洪水”等情节。
根据整个屋顶的平面划分，分别绘制了名为《神分光暗》、《创造日月草木》、《神分水陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《诺亚献祭》、《洪水》、《诺亚醉酒》等9幅大型宗教故事画。
周围建筑框边的拱间壁面画了12位男女先知，四角画摩西、大卫等故事，在建筑构件上面和间隙处还画有各种青少年形象。
整个壁画中形体鲜明的人物形象共有343个之多，大部分比真人还大，有的甚至大于真人两倍之多，真可谓规模宏大、气象万千。
壁画公开展出后，举世公认为空前绝后之作。
由于米开朗基罗长达四年之久的高空仰面作画，他的颈项僵直，以至看书看信均须置头顶仰视，其劳动之艰苦可想而知。
壁画中的许多人物虽多系宗教人物，但他们都不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人，而是体态健壮，具有强烈的意志与力量，显示了米开朗基罗是用人文主义思想来表现这些宗教人物的，寄托了他一贯追求的对英雄人物的崇敬和理想。
所以，这一作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说是米开朗基罗对宗教传说的再创造。
椅中圣母（木板油画，直径71厘米，1515年作，佛罗伦萨比蒂美术馆藏）拉斐尔（意大利）
拉斐尔（1483—1520）和达·
芬奇、米开朗基罗一样，是文艺复兴时期盛期意大利的艺术巨匠，人称意大利文艺复兴“三杰”。
他比达·
芬奇小30岁，比米开朗基罗年轻8岁。
他虽然只活了短短的37岁，但他善于吸收包括达·
芬奇、米开朗基罗在内的艺术前辈之长，融汇贯通，创造了被后来的古典主义者尊奉为典范的理想美的艺术世界。
他的重要代表作除本课欣赏的《椅中圣母》外，还有《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。
《椅中圣母》是拉斐尔一系列圣母像中最精致的一幅作品。
在这一作品中，一位善良、和蔼的母亲取代了神圣、庄严的圣母。
她像普通的母亲一样，把自己的孩子耶稣抱在膝盖上，静静地用脸颊贴着孩子，从中可以体会到母亲的一片温情。
据说这一画中的圣母形象，是拉斐尔根据自己的恋人弗尔娜丝创作的。
拉斐尔通过对恋人的描绘，创造了理想美的典型形象。
在这一作品中，拉斐尔既严格遵循了中世纪以来基督教题材绘画的许多传统规则，例如为显示圣母神性而在头上画的光圈，小耶稣旁边合着双手的小圣约翰的象征他身份的手杖（圣约翰曾以牧童的身份预言基督的到来，牧童用的手杖便暗示着小圣约翰的身份），圣母的红色上衣罩着绿色的披肩。
同时，又有拉斐尔自己的创造，例如圣母头上的光圈，已由中世纪时的金色的圆盘变成一个似有似无的圈，使它与整个画面很自然。
再如，基督教规定的圣母的上衣需要罩上蓝色的外套（基督教规定，红色象征着上天的爱，蓝色象征着上天的真实），拉斐尔为了画面的谐调，将它们处理成圣母的蓝色外套完全脱下，盖在膝盖上，而在抱着小耶稣的手臂上露出了红色上衣的袖子。
值得注意的是，就在这红与蓝两大鲜明的色块之间，恰好是小耶稣的位置所在。
小耶稣的衣服是黄色的，从而在画面上形成了红、黄、蓝三原色的对比而又和谐的效果，同时，红与蓝之间加上大块黄色，使画面增添了富丽的色彩。
此外，拉斐尔在处理这种圆形画的构图方面，表现了独具匠心的构图技巧。
例如，现在我们看到的圣母坐在靠背椅子中的姿态：
左膝盖，即画面深处位于小圣约翰胸前的膝盖高高地抬起着，在现实生活中是一种很不舒服、很不自然的姿态，但人们看画时，不大注意到这一点。
这主要是因为圣母左膝盖上面的圣约翰的头吸引住了人们的视线。
如果用手指把圣约翰的头遮去，就立刻会发现左膝盖很不自然地突出在画面上。
人们还会想，这左膝盖这样高高抬起，左腿一定是踏在什么东西上才会比右腿显得高的。
可圣母又偏偏把孩子抱在低低的右腿上。
在生活中一般是不会这样做的。
而所有这些都是为了适应圆形构图的需要，而这些又不易为人所察觉，使人感到自然而谐调。
这就是拉斐尔匠心独运的所在。
阿尔诺非尼夫妇像（木板油画，82厘米×
60厘米，1434年作，现存伦敦国家画廊）扬·
埃克（尼德兰）
扬·
埃克（1395前—1441）和他的哥哥胡·
埃克（1395前—1426）在美术史上合称“凡·
埃克兄弟”，是文艺复兴时期尼德兰著名画家，油画材料和技法的革新者。
埃克博学多才，富于钻研精神。
“尽我所能”是他的艺术格言。
观察入微、描绘细致，重视对人物性格的刻画，注意空间构成的处理和光、色的表现，是他的艺术特点。
他最著名的代表作《阿尔诺非尼夫妇像》集中体现了他的艺术成就和特点。
油画《阿尔诺非尼夫妇像》是世界美术史上的重要作品之一。
首先，它是运用改革后的油画材料和油画技法绘制的。
画中的许多景物被描绘得非常出色。
例如，房间里经过精心打磨后的有金属质感的铜烛灯，男子的由丝绒制成的沉重的贵族袍，以及小狗刚硬的毛皮，都非常逼真自然。
其次，这一作品的表现手法新颖而又富于独创性。
这主要表现在：
这种男女组合的全身双人肖像是史无前例的；
同时，这一肖像的背景是十分真实的室内景，也是罕见的；
此外，这一对夫妇所摆出的礼仪般的姿势，可想而知这是正在举行一种仪式，即正在举行结婚仪式，这也是以前所未见的。
当然，在这一作品中，也保留了不少中世纪美术惯用的寓意象征的手法，如鞋子脱在一边表示结婚，床是婚姻的象征，窗边的桔子意味多产，小狗象征对爱情的忠诚，新娘的白头巾表示纯洁，绿色长衣象征生育，红色的帐幔代表性的和谐，室内的吊灯和烛光象征上帝之光，壁上的圆镜代表基督教宣扬的天堂，挂在镜旁的口念珠则是艺术上常用的忠贞的暗喻，吊灯上的一根蜡烛常常是用于宣誓典礼，特别是用于婚礼。
其中一个引人注目的是画中的一面小圆镜和画上的签名。
这面小圆镜既是基督教宣扬的天堂的象征，也是室内的重要装饰，同时也是画家借以扩大画面空间、增强艺术表现力的一种手段。
画家通过这面小圆镜，把这对夫妇的背影，以及观看婚礼的人也画了
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