美术种类6 风景画doc.docx
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美术种类6风景画doc
风景画
以风景为题材的绘画。
有时在其中也添画一些人物
和动物作为点景。
中国画中的山水画实际上也是风景画，
但不使用风景画这一概念。
风景画一词约20世纪传入中
国，在中国仅使用于从西方传入的画种，如油画、水彩
画等。
无论西方还是中国，风景最早只是作为人物画的背
景，以后才逐步发展为独立的画科。
在西方，14世纪前
半叶的意大利壁画如锡耶纳市政厅的《善政图》，和15
世纪初期尼德兰的抄本装饰画上，已经出现了风景在画
面上占很大比重的作品。
没有人物登场的纯粹风景画最
早是以素描等小画面形式出现的。
从15世纪起，风景从
作为人物画的背景中脱离而成为独立画科。
在德国画家
A.丢勒的水彩画和A.阿尔特多费尔的油画中，出现可确
定画家立足点的地志性风景画。
风景画在艺术上成熟于
17世纪的荷兰。
J.van雷斯达尔、J.维米尔、M.霍贝玛对
风景画的发展有较大贡献。
这时，从风景画中又产生海
景画、夜景画、街景画等分科。
意大利的A.卡拉奇等人
在当时还发展了“理想风景画”，呈现牧歌式田园景光。
法国的N.普桑、克洛德·洛兰在风景画中配置古代神话
人物作为点景，被称为英雄风景画。
克洛德·洛兰用逆
光表现早晨或黄昏的景色而显示特色。
在西班牙,EI.格
列柯、D.委拉斯贵支均留下风景画名作。
至18世纪,英国出现J.康斯特布尔,使风景画取得决
定性发展。
他学习荷兰画家的风景画，其直接描写自然
的写生态度，不久影响到法国印象主义画家。
J.M.W.泰
纳最初也受荷兰画家的影响，以后又被克洛德·洛兰的
画风吸引。
19世纪的画家还注意表现高山、大海及晚秋、
晨雾等前人未曾描绘过的自然景象。
以C.柯罗、J.-F.米
莱为首的法国巴比松画派，开始采取自然主义的态度来
表现风景。
19世纪后期，由于印象主义画家的努力，风
景画获得明暗和色彩的微妙谐调，并成为绘画中的重要
门类。
俄国画家И.И.希什金一生为万树写照，被视为俄
罗斯风景画派的奠基人。
И.И.列维坦则以风景画深刻揭
示了当时压抑的社会情绪，被称为俄国历史风景画。
日
本画家东山魁夷兼学东西方传统，在其富于哲理的风景
画中渗透着民族情调。
西方绘画传入中国后，中国油画
家一般都以人物画为主要课题，其次才涉猎风景。
颜文
□作为早期的风景画家而知名。
吴冠中的风景画将油画
形式和中国画的笔墨传统融为一体，其作品富有民族情
调。
（刘晓路）
静物画
以日常生活中无生命的物体为主要描绘对象的绘画。
通常以油画、水粉、水彩或素描为描绘手段。
一般认为
欧洲最早的静物画，是意大利画家J.de巴尔巴里在1504
年所作的《静物:
鹧鸪与铁臂铠》。
静物画成为独立的
绘画样式是从16世纪开始的,在此之前,它只是作为宗教
画或肖像画背景上的点缀。
到17世纪,静物画在北欧（主
要是荷兰、佛兰德斯）渐趋普遍,逐步成为完全独立的绘
画艺术样式。
到近现代，静物画还成为画家练习技巧和
学院美术教学的一种手段，旨在训练观察能力、造型能
力和色彩表现能力。
静物画的对象多为食品、炊具、餐
具、水果、蔬菜、花卉，以至书籍、乐器、灯具、骷髅、
死去的动物或动物标本等。
画幅一般不大。
早期的静物
画常常具有各种宗教寓意或象征意义：
如描绘面包、酒、
水隐寓耶稣受难，描绘骷髅、计时用的水漏或沙漏、蜡
烛等象征生命的短暂和时间的流逝，描绘花卉、水果、
蔬菜象征时令变化、四季转换等。
静物画体裁的产生,重
要原因之一是由于当时艺术家对于表现人的生活的兴趣，
其中有文艺复兴以来人文主义思想的影响。
17世纪的荷
兰静物画华丽、精美,代表画家有J.D.de海姆、A.van贝
耶林、W.考尔夫等，其中海姆的作品具有当时流行的巴
洛克风格，所描绘的各种水果质感极强、色彩瑰丽。
同
时期的佛兰德斯画家F.斯尼德斯的静物画描写细致，富
于装饰美感。
18世纪法国画家J.-B.-S.夏尔丹的作品代
表了静物画发展的第二个高峰，他将题材范围扩大到以
往不常为人描绘的朴实、简单的厨房用具和食物上，把
极普通的对象变成了富于美感的艺术品。
后印象主义画
家P.塞尚,在其静物画创作中追求绘画的形式感,造型上
注重结构和色彩的坚实感，而不过分依靠明暗法来表现
体积,创造了静物画的新形式,赋予它以新的内涵──对
形式意味感的表现，其作品成为现代艺术的代表作。
立
体主义画家发展了塞尚探索的新形式，其中以意大利画
家G.莫兰迪为代表,他的作品具有形而上绘画的性质,对
后起的超现实主义绘画有所影响。
在中国绘画样式中,以
描绘古器物形状为主的博古画在一定意义上亦是一种静
物画的形式。
（周彦）
素描
以线为主要描绘方式的单色画。
作为研究和再现物
象的一种方式，素描是一切造型艺术的基础，同时是训
练造型能力的基本手段。
创作意义上的素描作品则具有
独立的审美价值。
素描使用的工具非常广泛，包括铅笔、
炭条、钢笔、毛笔、色粉笔、石笔、金属笔、芦杆笔等。
绘画的平面多为纸面，也包括羊皮纸、布料、木头、金
属、陶瓷乃至墙面、玻璃、沙面等。
素描的题材有肖像、
静物、风景、人物及非具象的点、线、面的组合等。
素描的概念虽源于西方绘画体系，但从单色画的角
度而论,中国画的白描、水墨画亦属素描的一种形式,它
们都具有一般素描的各种基本功能。
在20世纪的中国，
素描主要是作为美术教学的基本功训练手段，它以锻炼
整体地观察和表现对象的形体、结构、动态、空间关系
（包括明暗、透视关系等）的能力为主要目的。
素描是人类造型艺术活动中最早的、最基本的形式。
原始人的岩洞壁画就其造型功能远胜于色彩功能这一点
来说，即是一种广义的素描。
用单色线条表现对象的外
形，是人类视觉文化进步的一个标志，因为它必须将有
色的、立体的对象抽象为单色的、平面的线条，实际上
就是在平面上重新构造对象。
在西方，直至中世纪以前，
素描基本上是以草图的形式出现，处在从属于壁画等画
种的地位。
素描成为独立的艺术形式是从14世纪末开始的。
起
初是在意大利以习作、临摹作品、速写的形式出现，开
始逐步体现出画家的个性。
到15世纪,阿尔卑斯山以北的
国家产生了严密、细部精确的素描风格。
而文艺复兴时
代的北意大利画家则注重速写和习作，作品具有描绘比
较自由和概括的特征，中意大利画家则更多地用肯定的
线条勾描轮廓，此时素描开始成为工场授徒的教学手段，
L.达·芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗是意大利文艺复兴时
代卓有成就的素描大师。
德国画家A.丢勒精于各种素描
技巧，在版画中甚至可以明显地见到他运用清晰的线描
方式作画的特点。
16世纪德国画家H.荷尔拜因严谨、扎
实的素描风格影响了德国、英国、法国、荷兰等国画家。
P.勃鲁盖尔则直接继承了丢勒的风格。
17世纪意大利的
卡拉奇兄弟创办的美术学院将风景素描推到了一个高峰。
法国画家克洛德·洛兰更以其富于抒情意味和理想化的
风景素描闻名，A.瓦托则为其创作画了大量的人物素描，
尤其注重它自身的绘画性。
18世纪意大利的G.B.提埃波
罗创造了钢笔加晕染的素描。
西班牙画家F.de戈雅则长
于“红粉笔－毛笔”素描。
从18世纪末到19世纪初，线
的重要性重新得到强调，J.-A.-D.安格尔严谨的铅笔素
描成为新古典主义素描的典范作品。
稍后的E.德拉克洛
瓦则画得比较奔放。
H.杜米埃更是在光线、气氛、人物
性格上有很高成就。
印象主义画家如E.德加等人的素描
对光、运动和人物动作的韵律有深入的研究。
到了20世
纪，西方素描的草图功能大大减弱，而逐渐成为完全独
立的画种，线条自身的意义被提到很高的地位。
P.毕加
索的素描抛弃了古典素描的造型观念，使素描成为更加
偶发的精神活动的自由发挥。
米开朗琪罗：
《人体》
徐悲鸿：
《人体》
在中国，唐以前的绘画虽不注重色彩的复杂性、写
实性,但也并不强调建立一种严格的单色绘画,具有独立
意义的单色画是在白描、水墨画产生之后才确立并发展
起来的。
早期中国绘画十分强调线的作用，在新石器时
代的陶器上就已出现运用单色线描的方式，汉代则出现
了以线为特征的壁画，但直到魏晋南北朝、隋唐时代才
大量出现典型中国特征的卷轴画，白描这种独特的素描
形式自此逐步萌芽。
顾恺之、吴道子属于一代大师，宋
代李公麟则正式确立了白描的形式，影响深远；水墨画
形式相传始于唐，成于宋，盛于元，而后得以持续发展。
约20世纪初，西方的素描开始传入中国，从而推进
了中国近现代美术的发展。
徐悲鸿、王式廓在素描上有
突出成就。
（韦启美）
漫画
以简练的手法直接表露事物本质、特征的绘画。
它
不受时间、空间等条件的限制，习惯采用夸张、比喻、
象征等表现手法和形式。
有较强的讽刺、歌颂、抒情、
娱乐等方面的功能，并善于表达作者对世事人情的看法，
尤以讽刺与幽默见长。
漫画一词是从日本引入中国的。
1925年5月《文学
周报》连载丰子恺的画，编者代为注明是漫画，这是中
国最早被称之为漫画的美术作品。
但实际上漫画在中国
古代就出现了，现藏故宫博物院明代成化皇帝朱见深所
作的《一团和气图》就是一例。
到清代末期，随着资产
阶级民主革命的兴起，漫画得到发展，才形成了一个独
立的画种。
当时被称为讽刺画、谐画、滑稽画等，没有
统一的称法。
到《子恺漫画》的出现,称法才得统一,沿
用至今。
日本对漫画的解释与中国也不完全相同，含义
似更广泛一些。
日本12世纪的《鸟兽戏画卷》是漫画的
早期范例。
西方的漫画起源于英国，18世纪的W.荷加斯
为漫画大师。
19世纪的法国画家H.杜米埃在西方漫画史
上取得了最优秀的成就。
20世纪的德国画家G.格罗斯的
漫画也很著称。
充分发挥漫画尖锐、辛辣的讽刺功能，
是世界各国都重视的。
中国著名的漫画家还有叶浅予、
张乐平、华君武、米谷、廖冰兄等。
（毕克官）
水画
以自然风景为主要描写对象的中国传统画科。
其支
科虽仅有山水与屋木（一称界画）两种，但名山大川、风
景佳胜、田野村居、城市园林、楼观舟桥、历史名胜均
可入山水画。
中国山水画不但表现了丰富多采的自然美，
更集中体现了中国人的自然观与社会审美意识，甚至从
侧面间接地反映了社会生活。
它是在中国画历史进程中
得到突出发展的画科，在元代以后的画史上尤占重要地
位。
山水画的分类虽亦有依题材差异者，但传统习惯多
按画法风格的不同：
勾勒设色、金碧辉煌、富于装饰意
味者称青绿山水或金碧山水；纯以水墨描绘者称水墨山
水或墨笔山水；以水墨为主的略施淡赭淡青适于表现朝
晖夕阳者称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打
底并施青绿等敷盖色者称小青绿山水；几无水墨纯以彩
色图绘者称没骨山水。
中国山水画，源远流长。
远在战国时代已在古地图
中，在工艺美术品中，在具有装饰作用的建筑材料上零
星出现，虽或为非完整构图的孤立形象，或为人物神异
活动的背景，但依稀可见作者的神话迷信思想，并遗留
着原始社会自然崇拜的痕迹。
独立的山水画正式发创于魏晋南北朝之间，据文献
记载东晋画家顾恺之即画有《雪霁望五老峰图》。
南朝
的宗炳与王微继之完成了两篇最早的山水画论《画山水
序》与《叙画》。
尽管至今未见这一时期的作品存留，
若干作品中的山水仍是人物的衬景，以致“人大于山、
水不容泛”，甚至以夸张变形的手法处理树石，追求装
饰趣味。
但山水画理论已经成熟，或强调哲理性的显现，
或重视抒情的表达,而且讨论了空间表现,奠定了中国山
水画的理论基础。
隋唐时代，中国山水画已经成熟，展
子虔《游春图》，反映了隋代或初唐青绿山水画的面目，
虽未脱装饰遗意，但写实能力有极大提高，饶有抒情意
味（见彩图《游春图》（隋））。
盛唐的吴道子进而发展
了简练而又写实的山水画法，所画山水“怪石崩滩，若
可扪酌”。
张□及中晚唐画家更创造了水墨山水，没骨
山水亦出现于敦煌壁画中。
五代北宋的山水画在真实描
写大自然并表达一定的审美认识上达到一个高峰。
继荆
浩、关仝、董源、巨然分别开创或继承南北山水画派之
后，北宋关仝、李成、范宽三家鼎立，各擅胜场。
荆浩
的山水画论《笔法记》，把谢赫“六法”移于山水，以
“真”为主，强调以树木体现一定道德观念。
北宋郭熙
父子的《林泉高致》则围绕中国山水画创造的核心意境
问题,系统地总结了经验,使中国山水画理论更加体系化。
经过南宋画家对寄幽情美趣于精粹景色中的探索，至元
代尤其是元四家──黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，山水
画又出现了一个重视主观抒发与风格创造的新的高峰，
也完成了山水画中诗书画的统一。
明末董其昌简化古人创造的山水形象，参照书法开
合起伏的法则，用以构置平面化的山水境界，造成了山
水画的又一变异。
入清以后，一派沿董其昌蹊径变化古
法，在笔墨风格气味上谋求新意；另一派面向自然亦发
挥笔墨传情的效能，独抒个性。
后一派的代表石涛撰写
的《苦瓜和尚画语录》（《画谱》）是古代山水画论中
最优秀的名篇。
五代两宋以后山水画的变异发展，不但
造就了为数极多的名家和作品，而且形成了多种多样的
风格流派，还完成了在中国画论中居于首位的理论著述，
为近现代黄宾虹、李可染等山水画大家的出现准备了历
史条件。
中国山水画虽然以自然风光为主要描写对象，致力
于审美客体的发现与描绘，甚至省略山水中的人物，或
把人物视为点景，但决不是被动的摹写，决不忘表现审
美主体的认识、理想、感情与愿望。
尽管出现在画面上
的山水是有限的，是形貌上的，仅能是自然景物的局部
或社会生活环境的侧面，但或者通过有限的取景表现对
整个宇宙自然的由表及里的认识，或者在一山一水中寄
托了对国家乡土的感情。
它既要求描写自然风物的外貌
及其丰富变化，又注重显现其运动中的内在联系。
中国
山水画的特殊传统是创造形神一致情景交融的意境。
通
过不同意境的构筑,实现画外意与“意外妙”,去吸引观
者,感染观者。
为创造动人的意境,要求山水画家“外师
造化,中得心源”,读万卷书，行万里路，把观赏了解认
识、感受大自然与社会生活之总和酝酿为胸中丘壑，胸
中意象，按写境与造境两种意境构置方式诉诸笔下。
所
谓写境，即寄情于实际存在的景物，更强调审美对象的
实在性与具体情。
所谓造境，即对现实景物进行更大胆
的艺术概括、艺术提炼与艺术幻化，从而更强烈地表达
作者的情感、理想与愿望。
二者境象虽有具体与宽泛的
不同，却无不以情与意为主导。
在形象的描写上，中国山水画强调留影，亦即实行
宏观的总体的把握，而不过分拘泥于细节；同时从物象
的结构组织出发,形成了既反映树石类别的特点,又更具
程式化的手法。
在程式化法则的使用上，则反对依样葫
芦,主张灵活变化,实际上是以高度提炼的结构程式进行
写实。
在空间的处理上，中国山水画要求“以小观大”，
“折高折远”,游动视点,把高远、平远、深远、阔远巧
妙地加以灵活运用。
山水画的构图，比之人物、花鸟画
更重视“势”的表现与“开合起伏”。
所谓“势”，也
就是具体形象间的联系；所谓“开合起伏”，则是这样
联系中的节奏变化。
对“势”与“开合起伏”的高度重
视，是在静止的画面或简或繁的形象组合中体现大自然
内在联系与运动的重要手段。
山水画的笔墨技法，较一
般的人物、花鸟画丰富多变。
笔法主要表现为多种皴法
和点苔法，墨法则湿者有“染”，干者有“擦”，趋湿
相化为“破墨”，以干累积为“积墨”。
笔中有墨，墨
中有笔，彼此互相渗透,极尽千变万化之能事,有效地提
高了笔墨状物抒情与表达独特风格的作用，对人物、花
鸟画也发生了积极的影响。
其色彩的使用，及书画的结
合则具有相同于人物、花鸟画的特点。
（薛永年）
花鸟画
以动植物为主要描绘对象的中国画传统画科。
又可
细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等支科。
中国花鸟画集中体现了中国人与作为审美客体的自然生
物的审美关系，具有较强的抒情性。
它往往通过抒写作
者的思想感情,体现时代精神,间接反映社会生活，在世
界各民族同类题材的绘画中表现出十分鲜明的特点。
其
技法多样，曾以描写手法的精工或奔放，分为工笔花鸟
画和写意花鸟画（又可分为大写意花鸟画和小写意花鸟
画）;又以使用水墨色彩上的差异,分为水墨花鸟画、泼
墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画与没骨花鸟画。
早在工艺、雕刻与绘画尚无明确分工的原始社会,中
国花鸟画已萌芽，发展到两汉六朝则粗具规模。
美国纳
尔逊、艾京斯艺术博物馆所藏东汉陶仓楼上的壁画《双
鸦栖树图》，是已知最早的独幅花鸟画，南齐谢赫《画
品》记载的东晋画家刘胤祖，是已知第一位花鸟画家。
经唐、五代北宋，花鸟画完全发展成熟。
五代出现的黄
筌、徐熙两种风格流派，已能通过不同的选材和不同的
手法，分别表达或富贵或野逸的志趣。
北宋的《圣朝名
画评》更列有花木翎毛门与走兽门，说明此前花鸟画已
独立成科。
北宋的《宣和画谱》在总结以往创作经验的
基础上撰写了第一篇花鸟画论文──《花鸟叙论》，深
入地论述了花鸟画作为人类精神产品的审美价值与社会
意义，阐述了花鸟画创作“与诗人相表里”的思维特点。
此后，画家辈出,流派纷呈,风格更趋多样。
在风格精丽
的工笔设色花鸟画继续发展的同时，风格简括奔放以水
墨为主的写意花鸟画，水墨写意“四君子画”（梅、兰、
菊、竹）相继出现于南宋及元代。
以线描为主要手段的
白描花卉亦兴起于同时。
随着写意花鸟的深入发展，以
明末的徐渭为代表自觉实现了以草书入画并强烈抒写个
性情感的变革。
至清初朱耷则达到了史无前例的高水平。
经过数千年的发展，中国花鸟画积累了丰富的创作经验
形成了自立于世界民族之林的独特传统，终于在近现代
产生了齐白石这样的花鸟画大师。
中国花鸟画在长期的历史发展中，适应中国人的社
会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归
依的传统。
所谓写生就是“移生动质”，就是“变态不穷”地
传达花鸟的生命力与各不相同的特性。
所谓寓兴，就是
通过花鸟草木的描写，寄寓作者的独特感处，以类似于
中国诗歌“赋、比、兴”的手段，缘物寄情，托物言志。
所谓写意，就是强调以意为之的主导作用，就是追求象
中国书法艺术一样淋漓尽致地抒写作者情意，就是不因
对物像的描头画脚束缚思想感情的表达。
为此，中国花鸟画的立意往往关乎人事，它不是为
了描花绘鸟而描花绘鸟，不是照抄自然，而是紧紧抓住
动植物与人们生活遭际、思想情感的某种联系而给以强
化的表现。
它既重视真，要求花鸟画具有“识夫鸟兽草
木之名”的认识作用，又非常注意美与善的观念的表达，
强调其“夺造化而移精神遐想”的怡情作用，主张通过
花鸟画的创作与欣赏影响人们的志趣、情操与精神生活，
表达作者的内在思想与追求。
表现在造型上，中国花鸟画重视形似而不拘泥于形
似，甚至追求“不似之似”与“似与不似之间”，借以
实现对象的神采与作者的情意。
在构图上，它突出主体，善于剪裁，时画折技，讲
求布局中的虚实对比与顾盼呼应，而且在写意花鸟画中，
尤善于把发挥画意的诗歌题句，用与画风相协调的书法
在适当的位置书写出来，辅以印章，成为一种以画为主
的综合艺术形式。
在画法上，花鸟画因对象较山水画具体而微，又比
人物画丰富，所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的
装饰意味，而写意花鸟画则笔墨更加简练，更具有程序
性与不可更易性。
（薛永年）
人物画
以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科。
曾
因题材类别的不同分为许多支科：
描写历史故实与现实
人物者称人物,描写仙佛僧道者称道释,描写社会风俗者
称风俗，描写妇女者称仕女，肖像画称写真。
又曾因画
法样式上的区别分别若干类别：
刻画工细勾勒着色者名
工笔人物，画法洗练纵逸者名简笔人物或写意人物，画
风奔放水墨淋漓者名泼墨人物，纯用线描或稍加墨染者
名白描人物，以线描为主但略施淡彩于头面手足者名吴
装人物。
人物画是中国画里直接反映现实的画科。
它在
体现中华民族审美意识特点的同时也较全面、较充分的
反映了政治、哲学、宗教、道德、文艺等社会意识，在
中国画各科中最富于认识价值与教育意义。
历史发展人物画的产生早于其他中国画科。
据《孔
子家语》记载，在周代即有劝善戒恶的历史人物壁画。
至战国秦汉，以历史现实或神话中人物故事和人物活动
为题材的作品大量涌现。
战国楚墓出土的《人物龙凤》
与《人物驭龙》帛画是已知最早的独幅人物画作品。
其
后大量出土的帛画、壁画、画像砖石，表现出这一时期
人物画的兴盛发达。
魏晋隋唐是中国人物画重要发展时
期。
魏晋时期,思想的解放,佛教的传入,玄学的风行,专
业画家队伍的确立,促成人物画由略而精,宗教画尤为兴
盛，出现了以顾恺之为代表的第一批人物画大师，也出
现了以《魏晋胜流画赞》、《论画》为代表的第一批人
物画论，奠立了中国人物画的重要传统。
盛唐时期吴道
子则把人物宗教画推进到更富于表现力，也更生动感人
的新境地。
五代两宋是中国人物画深入发展的时期。
随
着宫廷画院的兴办,工笔重着色人物画更趋精美,又随着
文人画的兴起，民间稿本被李公麟提高为一种被称为白
描的绘画样式。
宋代城乡经济的发展,宋与金的斗争,社
会风俗画和具有现实意义的历史故事画亦蓬勃发展。
作
品在体现对象的社会属性上，在表达人物内心的复杂性
上，在宏伟的构图能力上，都有飞速进步。
张择端的杰
作《清明上河图》便产生于这一时期。
自南宋受禅宗思
想影响，写意人物画肇兴以来，此后中国人物画开始朝
另一方向发展。
从重视教育认识功能，转向重视审美作
用；从为对象传神，转向更多地抒发作者情感。
仕女画、
高士画大量出现。
元明清以来，虽较多的文人画家转而
致力于山水画与花鸟画，但接触民生，关心国事，接受
了具有萌芽状态反封建意识的文人或职业画家仍不乏人
物画的优秀创作。
明末的陈洪绶、清末的任伯年便是杰
出的代表。
现代的中国人物画，深入研究传统，广泛吸
收外来技巧，表现新的时代生活，做出了前无古人的贡
献。
传统与特点 中国人物画历史悠久，形成了独特的
传统,它善于选择具有认识与教育意义的题材,也能在平
凡而广泛的选材中开掘深意，给人以美的享受。
对于人
物美的认识与表现,一般不留意于人体美,而侧重“神识
风采”之美。
其最名贵的传统素称传神或称为写真、写
心、肖品，即通过足以显现人物内在本质的外形的描写，
真实地展示不同人物的性格、个性与内心世界，同时也
揭示其品格，反映其社会属性，并给以或尝试新的审美
判断。
为此,中国人物画家主张以神“君形”,紧紧抓住
有利于传神的眼神、手势、身姿与重要细节，强调分别
主次，有详有略，详于传情的面部手势而略于衣冠，详
于人物活动及其顾盼呼应而略于环境描写，或只写人物
而不图背景，或背景十分简略仅出示有助于点明环境的
道具，或人物头面手足写实而衣着略带装饰，或背景用
程式化手法而人物精细刻画。
某些人物画为突出作者独
特感受，亦采取夸张变形的手法。
在人物活动与环境景
物的关系上，抒情性的作品往往借创造意境氛围烘托人
物情态，叙事性的作品在采取横幅或长卷构图中，尤善
于以环境景物或室内陈设划分空间，采用主体人物重复
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