最新书法绘画.docx

最新书法绘画.docx

《最新书法绘画.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《最新书法绘画.docx（7页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。

最新书法绘画

书法

一、书法产生的基础：

1、独特的文字体系。

世界上有三种文字体系：

象形体系、表意体系和表音体系，象形体系现在已不存在了，现今各国的文字绝大部分是表音体系的拼音文字。

拼音文字线性排列，空间上表现为一维性；汉字是一种平面结构，空间上表现为二维性。

拼音文字虽然也有书写的好坏优劣之分，但写字根本够不上一门艺术，惟有表意体系的汉字，不仅是一种交际的工具，它本身更成为审美的对象，写字成了一门艺术。

2009年9月30日书法、篆刻等22个项目新入选《人类非物质文化遗产项目》

2、独特的书写工具——毛笔。

李泽厚《美的历程》：

“运笔的轻重、疾涩、虚实、强弱、转折顿挫、节奏韵律，净化了的线条如同音乐旋律一般，它们竟成了中国各类造型艺术和表现艺术的魂灵。

”一个汉字可以在书法中有几十上百种写法，姿态万千。

3、对书写的重视。

自魏晋以后，形成了举国崇尚书法的风气，书法家也像诗人一样，既可以取得当世的地位、名声和财富，又可以流芳百世。

唐代科举考试中有“明字”一科，唐代时一个个子通过礼部考试，只是取得了做官的资格，还要到吏部应试，通过以后方能授官，吏部的考试内容有“身、言、书、判”四个方面，其中“书”就是书法。

吏部选官时，特别要看“书”的水平，“楷法遒美”者入选。

著名书法家还可以受到特别使用，在中央任职。

书法的字体类型：

篆、隶、楷、草、行

二、书法艺术美的构成

三个要素：

用笔、结构、章法。

分别产生：

1、线条的美

书法的线条，都是一种有力度线条，即“笔力”。

有无笔力，首先看是否“圆”，其次看是否“涩”。

“圆”指线条饱满、结实，是用中锋行笔写成的，传统书学比喻为“锥画沙”；

“涩”指笔锋冲破纸面的阻力，挣扎前进产生的效果，不能将笔锋偃卧平拖过纸面，而要将笔锋站直，人为地制造逆势涩行，刘熙载：

“惟笔势欲行，如有物拒之，竭力与之争，斯不期涩而自涩矣。

”这样写出的线条，不轻滑、不飘浮，而是沉着、凝重、苍劲，古人比喻为“屋漏痕”。

2、平衡的美

汉字结构本来就追求匀称、平衡、协调，书法则更注重变化，运用强烈的对比手法，有意识地突出某一部分，用打破某种协调均衡来达到新的更高级的协调均衡，从而产生强烈的艺术感染力。

在结体中，凡是点，皆取倾侧之势，而不作正立之形，横不平，竖不直，横画总是斜向右上方，竖画则或左偏，或右偏。

孙过庭《书谱》：

“初学分布，但求平正；既知平正，务追险绝；既能险绝，复归平正。

”如柳字的“正”竖皆有所偏斜。

竖画并见时，欧、褚作相背内弧形，且左短右长，颜字则作外弧形。

笔画和部件的组合，没有一个字能真正结构成方形的。

如“西”字在唐碑中有两种取势方法：

一是首笔写成长横而收缩下部，二是首笔写成短横而突出下部。

再如欧阳询的“深”字，黄庭坚的“驚”字，（上部明显身左下侧倾斜，右下侧插入马字，平衡地托着上部，整体上既重心稳当，又新奇，有强烈的艺术感染力。

3、整体的美、意境的美

字与字之间存在呼应和对比两种关系。

呼应使字与字血脉相连，如《祭侄稿》中“方期亦在”四字；对比使字与字在大小、纵横、向背上都富于变化。

书法的意境有：

端庄雄伟——颜真卿

飘逸秀丽——王羲之、褚遂良、赵孟頫

豪放恣肆——张旭、怀素、米黄行书

古朴苍劲——汉隶、魏碑

工整精细——欧阳询

三、书法艺术的发展历程

公认的中国古代最早的书法家是秦代的李斯，（见中国古代的士人生活）但在秦汉以前，书法还处在不自觉的时代，李斯并不是为了流传书法而刻石的。

东汉时期，书法逐渐进入自觉时代，出现了一些人刻意地长期的练习书写，甚至作为终生的事业和爱好。

东汉时期著名的书法家有张芝，他在章草的基础上创出了今草，对汉字字体的演变产生了重要的影响，被尊为草圣。

三国时期的钟繇对楷书的定型起过相当大的作用，成为第一位楷书书法家。

晋人尚韵，唐人尚法，宋人尚意，明人尚态。

东晋：

生动，飘逸；唐代：

法度严谨，厚重；宋代：

平淡，清远；明清：

姿态万千，狂、奇、趣。

东晋王羲之是中国书法史上最伟大的书法家，对行书的创立贡献巨大，被尊为“书圣”，《兰亭序》被誉为“天下第一行书”。

他的儿子王献之擅长草书，与其父声名相当。

南朝智永《真草千字文》，创“永字八法”。

北朝书法以碑刻为主，其书体被称为“魏碑体”。

唐代是中国书法最辉煌的时期，各体皆精，名家辈出。

初唐的虞世南、欧阳询，之后的颜真卿、柳公权，风格各异，特色鲜明，令楷书的书法艺术大为丰富。

唐代更称雄的是草书，张旭、怀素、孙过庭的草书出神入化，不可捉摸。

宋代的书法虽无法与唐比肩，但也出现了众多名家，苏黄米蔡，均长于行书，以黄庭坚的成就最高。

宋徽宗创“瘦金体”，线条纤细流畅。

元明直到清初，帖学盛行，书风衰落，清中期以后，碑学兴起，阮元、包世臣提倡书法革新，至康有为而变本加厉。

碑学追求质朴、粗犷的美，来代替刻意求工而使精致流于纤巧，工整泥于呆板的时弊。

元代最著名的书法家是赵孟頫。

明代书法以祝允明、文徵明为代表的吴门书派。

明末代表书家有董其昌、黄道周、王铎等。

清代著名的书法家有朱耷、郑板桥，郑板桥是一位怪字专家，其行款布局如“乱石铺街”，却乱中有致，自有一番情趣，被称为“板桥体”。

清中后期涌现数位篆隶名家：

邓石如、赵之谦、吴昌硕。

中国最伟大的书法家是王羲之、颜真卿和张旭，评者只有赞颂、没有微词的，书法史上，惟张一人（张岱年《中国文化概论》）

从书体来看，汉隶、唐楷、宋人行书受推崇，其后的朝代在这种书体上难以创出新貌。

四、书法艺术的审美标准

晋王僧虔《笔意赞》：

“书道之妙，神采为上，形质次之。

”

王羲之《书论》：

“意要笔前，然后作字。

”书法家以书写来表现性情，抒发主观情感。

宗白华《美学散步》：

西方艺术整体风格的变化可以从建筑的变化上显示出来，而中国建筑各时代的变化不明显，但中国有各时代美学特征各异的书法，可以代替西方建筑的功用。

宇宙以气之流动成成，书法以线之流动而成，宇宙是一大书法，书法是一小宇宙。

书法的线之流动犹如天地间气之流行。

纸为白，字为黑，一阴一阳；纸白为无，字黑为有，有无相成；纸白为虚，字黑为实，虚实相生。

清初傅山提出书法的“四宁四毋”主张：

“宁拙毋巧，宁丑毋媚，宁支离毋轻滑，宁真率毋安排。

”

书法创新的评判：

1、时代的坐标；2、历史的坐标。

欧阳中石：

“来有所出，去见其才。

”

绘画

一、中国绘画的分类：

人物画，山水画，花鸟画

魏晋六朝是中国绘画的形成期，以人物画为主，追求“以形写神”，以顾恺之为代表。

中国绘画可以从题材、技法、材质和画者等不同角度进行分类。

从题材上分为人物、山水、花鸟画等，从技法上可以分为写意画、工笔画、界画等。

东晋的顾恺之是中国第一个有画迹可考的著名画家，宋代是绘画全面发展的时期，人物、山水、花鸟各科都涌现出新的流派，艺术流派中，形成了“院体画”和“文人画”两大体系。

元代是绘画发生重大转折变化的时期，即“文人画”占据画坛主流，人物画相对减少，山水画盛行。

体裁分类：

宫廷绘画、文人绘画、宗教绘画、市民绘画、民间绘画。

宫廷绘画追求精巧，载体为彩墨画，以神品为第一，逸品为第二。

文人绘画抒情达意，主要为水墨画，以逸品为第一，神品为第二。

1、人物画

东晋顾恺之是中国画史上最早有画流传至今的著名画家，他的名作《女史箴图》是我国现存的最早的卷轴画。

“传神写照，正在阿堵中。

”“以形写神”。

唐代最杰出的画家是被称为“画圣”的吴道子，有“吴带当风”之说。

阎立本《步辇图》，张萱《虢国夫人游春图》、《捣练图》，周昉《纨扇仕女图》、《簪花仕女图》。

五代顾闳中《韩熙载夜宴图》。

宋代李公麟《五马图》，梁楷《泼墨仙人图》，张择端《清明上河图》。

元代赵孟頫《红衣罗汉图》。

明代吴伟《武陵春图》，唐寅《孟蜀宫妓图》，仇英《人物故事画册》。

清代金农自画像，黄慎《渔翁渔妇图》。

2、山水画

唐代吴道子、王维。

以水墨代替了青绿敷色。

五代关仝《关山行旅图》，董源《潇湘图》、巨然《万壑松风图》。

宋代有范宽《溪山行旅图》，郭熙《早春图》，米友仁《潇湘奇观图》。

南宋四家：

刘松年、李唐、马远、夏圭（《溪山清远图》）

元代赵孟頫倡导“书画同源”，以书入画。

《鹊华秋色图》、《水村图》。

元四家：

黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒。

明代吴伟《长江万里图》。

明四家：

沈周，文徵明、唐寅、仇英。

晚期：

董其昌，提出“南北宗”说，代表作《高逸图》、《关山雪霁图》、《秋兴八景图》。

清初四家：

王时敏、王鉴、王翚、王原祁。

清初四僧：

石涛、朱耷（八大山人）、石溪、弘仁。

3、花鸟画

宋代徽宗赵佶代表院体画，文同善画竹，苏轼画枯木竹石，

元代水墨写意的梅兰竹菊盛极一时。

柯九思、倪瓒画墨竹，王冕画墨梅。

明代沈周《牡丹图》、唐寅，徐渭《墨葡萄图》

清代朱耷《荷石水禽图》，石涛《花卉图》，郑板桥画竹，《墨竹图》、《兰竹石图》，金农画梅。

二、绘画在中国文化中的地位

就一般士人而言，作画主要是为了消遣，宋代士人称书画为“清玩”、“墨戏”。

中国艺术重传统，尚摹仿。

书法和绘画要求学习必须从临摹前人的作品入手，因而艺术创作在相当程度上是一种重复性的劳动，艺术的手法和风格历千年而不变，清末的绘画与宋元的绘画几乎没有什么不同。

画家吴冠中1997年在《中国文化报》发表《笔墨等于零》的文章，批评中国画重复前人，没有创新。

中国绘画在神韵和技巧上与中国书法和中国诗歌是息息相通的。

书法给它以技巧和基本的表现手法，从而决定了它未来的发展；而中国诗歌则赋予它神韵。

在中国，诗歌、绘画和书法是紧密相连的姐妹艺术。

绘画总体特点：

散虚透视，以线为主，以形写神。

三、中国绘画的特点和基本原则：

（1）以山水为主体，人体画薄弱。

在绘画题材上，主要是山水木石，古代士人对山水画情有独钟，通过山水画表现出对超越世俗、实现自由人格的向往。

中国山水画是心灵的艺术，传神的艺术。

景物是心境的写照。

人体往往被当作自然物体的点缀。

此外，花鸟中的梅竹兰菊（四君子），也是经常性的题材。

（2）遗貌取神。

舍弃形似，取其神似。

描绘主体的本质，而非外在的形貌。

追求气韵生动。

“以不似之似似之”为准则，强调意趣，强调对神采的挖掘和内心情感的表达。

顾恺之《论画》：

“以形写神。

”

苏轼：

“论画以形似，见于儿童邻。

”

“意在笔先，画尽意在。

”讲究意境，力求含蓄，留出想象的余地。

北宗——工笔写实，讲究着色；

南宗——重在写意，以黑墨写内在真实。

（3）散点透视。

将多个视点的图像叠加到一幅画中，有利于表现广阔的场景。

西方绘画——焦点透视，严格遵循人体和事物的比例关系，光与影。

中国文化否认有一个最后视点，仰观俯察，像浏览画中的景象，往往不符合“近大远小”的规律。

（4）整体原则。

以大观小，画家要站在一个宏伟的高度，俯察游观自己所表现的对象。

《梦溪笔谈·书画》：

“大都山水之法，盖以大观小。

”“以大观小，如人观假山。

”不注重从固定角度的透视法，画家的眼睛不是从固定角度集中于一个透视的焦点，而是流动着飘瞥上下四方，一目千里，把握大自然的内部节奏，把全部景界组织成一幅气韵生动的艺术画面。

“若同真山之法，以下望上，只合见一重山，岂可重重悉见，兼不应见其溪谷间事。

”

（5）虚实相生。

“虚”就是艺术作品间接显示出来的形象，它是艺术家用有形的线条、色彩或声音刻画之外的部分，通过欣赏者的想象思而得之的形象。

“实”是可见的，可闻的，“虚”是不可见的，不可闻的。

虚与实相结合，构成艺术作品的整体。

一幅书画总留有空白，空白之处是作品有机的组成部分。

一首乐曲，要有弦外之音，余音缭绕，荡气回肠。

视频内容：

一、中国绘画的特点：

1、以山水为主体，人体画薄弱。

题材：

山水木石，（花草中以梅竹兰菊为四君子），人体往往被当作自然物体的点缀，

2、抽象的传统，排斥工笔技巧；

中国绘画的第一法则：

传神——传达表象之后隐藏的真实。

描绘主体的本质，而非外在的形貌。

追求气韵生动。

顾恺之《论画》：

“以形写神。

”

苏轼：

“论画以形似，见于儿童邻。

”

“意在笔先，画尽意在。

”讲究意境，力求含蓄，留出想象的余地。

暗示手法的运用：

“竹锁桥边卖酒家”，“野渡无人舟自横”，

北宗——工笔写实，讲究着色；

南宗——重在写意，以黑墨写内在真实。

3、采用移动视角，无单一消失点。

中国绘画散点透视，将多个视点的图像叠加到一幅图画中。

这种方法有利于表现广阔的场景。

张大千《长江万里图》长20米，景象阔大，气势恢宏。

二、形成中国绘画特点的三大要素：

1、士大夫文人画家的独特文化。

兼有官僚和艺术家双重身份；

2、源自毛笔书法；文人学士在写字之余尚有更多的精力用于其他艺术上去，是文人的消遣。

李泽厚《美的历程》：

“不是书法从绘画而是绘画要从书法中吸取经验、技巧和力量。

”

3、中国独特的山水之美。

三希堂：

王羲之《快雪时晴帖》王珣《伯远帖》

王献之《中秋帖》

林语堂：

平静与和谐是中国艺术的特征，它们源于中国艺术家的心灵。

中国的艺术家是这样的一个人：

他与自然和睦相处，不受社会枷锁束缚和金钱的诱惑，他的精神深深地沉浸在山水和其他自然物象之中。

……他必须首先“坚其心志”或“旷其胸襟”，这主要是通过游历名山大川，凝神观照，沉思冥想而达到的。

中国的艺术家学习绘画时，并不是到房间里剥光一个女人的衣服来研究其骨骼构造，而是四处游历遍访名山，如安徽的黄山，四川的峨嵋山等。

……这中对山中空气（“山林气”）的爱好，这种时常染上一些隐士悠闲和孤独感的精神和爱好，造就了中国各种艺术的特性。

（中国人：

P254-256）

中国绘画在神韵和技巧上与中国书法和中国诗歌是息息相通的。

书法给它以技巧和基本的表现手法，从而决定了它未来的发展；而中国诗歌则赋予它神韵。

在中国，诗歌、绘画和书法是紧密相连的姐妹艺术。

其一是反对将艺术家笔下的线条束缚在所画客体上，由吴道子开始，一改顾恺之以来死板得像是用钢笔画出来的线条，开创了所谓“莼菜条”，曲折粗细变化无穷，笔触微妙；

其二是反对照相机式地再现物质现实。

王维把中国诗歌的精神与技巧引入绘画，从而开创中国绘画中的南宗，这种绘画被称为“士夫画”，又称“文人画”。

“士夫画”就是对被动的写真手法的反抗，单纯追求细节精确的绘画是商业画家们之所为，而真正称得上是艺术的绘画应该致力于表现精神。

绘画过去是，现在仍然是文人学士的消遗。

这种游戏的情绪可以用来解释中国绘画的某些特征，这种特征称为“逸”，这种“逸”的特质被誉为士夫画的最高标准。

中国绘画画面上留有不少空白，空白地位的艺术性运用，也是书法上的一条重要原理，正如包慎伯所言，合适的空白布置是书法的第一要旨。

对人体美（尤其是女性人体美）的崇拜，正是西方艺术最卓越的特征。

中西方艺术的最大差异，在于灵感来源的不同：

东方人的灵感来自自然本身，西方人的灵感则来自女性人体。