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1、最新书法绘画书法一、书法产生的基础：1、独特的文字体系。世界上有三种文字体系：象形体系、表意体系和表音体系，象形体系现在已不存在了，现今各国的文字绝大部分是表音体系的拼音文字。拼音文字线性排列，空间上表现为一维性；汉字是一种平面结构，空间上表现为二维性。拼音文字虽然也有书写的好坏优劣之分，但写字根本够不上一门艺术，惟有表意体系的汉字，不仅是一种交际的工具，它本身更成为审美的对象，写字成了一门艺术。2009年9月30日书法、篆刻等22个项目新入选人类非物质文化遗产项目2、独特的书写工具毛笔。李泽厚美的历程：“运笔的轻重、疾涩、虚实、强弱、转折顿挫、节奏韵律，净化了的线条如同音乐旋律一般，它们竟成

2、了中国各类造型艺术和表现艺术的魂灵。”一个汉字可以在书法中有几十上百种写法，姿态万千。3、对书写的重视。自魏晋以后，形成了举国崇尚书法的风气，书法家也像诗人一样，既可以取得当世的地位、名声和财富，又可以流芳百世。唐代科举考试中有“明字”一科，唐代时一个个子通过礼部考试，只是取得了做官的资格，还要到吏部应试，通过以后方能授官，吏部的考试内容有“身、言、书、判”四个方面，其中“书”就是书法。吏部选官时，特别要看“书”的水平，“楷法遒美”者入选。著名书法家还可以受到特别使用，在中央任职。书法的字体类型：篆、隶、楷、草、行二、书法艺术美的构成三个要素：用笔、结构、章法。分别产生：1、线条的美书法的线条

3、，都是一种有力度线条，即“笔力”。有无笔力，首先看是否“圆”，其次看是否“涩”。“圆”指线条饱满、结实，是用中锋行笔写成的，传统书学比喻为“锥画沙”；“涩”指笔锋冲破纸面的阻力，挣扎前进产生的效果，不能将笔锋偃卧平拖过纸面，而要将笔锋站直，人为地制造逆势涩行，刘熙载：“惟笔势欲行，如有物拒之，竭力与之争，斯不期涩而自涩矣。”这样写出的线条，不轻滑、不飘浮，而是沉着、凝重、苍劲，古人比喻为“屋漏痕”。2、平衡的美汉字结构本来就追求匀称、平衡、协调，书法则更注重变化，运用强烈的对比手法，有意识地突出某一部分，用打破某种协调均衡来达到新的更高级的协调均衡，从而产生强烈的艺术感染力。在结体中，凡是点，

4、皆取倾侧之势，而不作正立之形，横不平，竖不直，横画总是斜向右上方，竖画则或左偏，或右偏。孙过庭书谱：“初学分布，但求平正；既知平正，务追险绝；既能险绝，复归平正。”如柳字的“正”竖皆有所偏斜。竖画并见时，欧、褚作相背内弧形，且左短右长，颜字则作外弧形。笔画和部件的组合，没有一个字能真正结构成方形的。如“西”字在唐碑中有两种取势方法：一是首笔写成长横而收缩下部，二是首笔写成短横而突出下部。再如欧阳询的“深”字，黄庭坚的“驚”字，（上部明显身左下侧倾斜，右下侧插入马字，平衡地托着上部，整体上既重心稳当，又新奇，有强烈的艺术感染力。3、整体的美、意境的美字与字之间存在呼应和对比两种关系。呼应使字与字

5、血脉相连，如祭侄稿中“方期亦在”四字；对比使字与字在大小、纵横、向背上都富于变化。书法的意境有：端庄雄伟颜真卿飘逸秀丽王羲之、褚遂良、赵孟頫豪放恣肆张旭、怀素、米黄行书古朴苍劲汉隶、魏碑工整精细欧阳询三、书法艺术的发展历程公认的中国古代最早的书法家是秦代的李斯，（见中国古代的士人生活）但在秦汉以前，书法还处在不自觉的时代，李斯并不是为了流传书法而刻石的。东汉时期，书法逐渐进入自觉时代，出现了一些人刻意地长期的练习书写，甚至作为终生的事业和爱好。东汉时期著名的书法家有张芝，他在章草的基础上创出了今草，对汉字字体的演变产生了重要的影响，被尊为草圣。三国时期的钟繇对楷书的定型起过相当大的作用，成为第

6、一位楷书书法家。晋人尚韵，唐人尚法，宋人尚意，明人尚态。东晋：生动，飘逸；唐代：法度严谨，厚重；宋代：平淡，清远；明清：姿态万千，狂、奇、趣。 东晋王羲之是中国书法史上最伟大的书法家，对行书的创立贡献巨大，被尊为“书圣”，兰亭序被誉为“天下第一行书”。他的儿子王献之擅长草书，与其父声名相当。南朝智永真草千字文，创“永字八法”。北朝书法以碑刻为主，其书体被称为“魏碑体”。唐代是中国书法最辉煌的时期，各体皆精，名家辈出。初唐的虞世南、欧阳询，之后的颜真卿、柳公权，风格各异，特色鲜明，令楷书的书法艺术大为丰富。唐代更称雄的是草书，张旭、怀素、孙过庭的草书出神入化，不可捉摸。宋代的书法虽无法与唐比肩，

7、但也出现了众多名家，苏黄米蔡，均长于行书，以黄庭坚的成就最高。宋徽宗创“瘦金体”，线条纤细流畅。元明直到清初，帖学盛行，书风衰落，清中期以后，碑学兴起，阮元、包世臣提倡书法革新，至康有为而变本加厉。碑学追求质朴、粗犷的美，来代替刻意求工而使精致流于纤巧，工整泥于呆板的时弊。 元代最著名的书法家是赵孟頫。明代书法以祝允明、文徵明为代表的吴门书派。明末代表书家有董其昌、黄道周、王铎等。清代著名的书法家有朱耷、郑板桥，郑板桥是一位怪字专家，其行款布局如“乱石铺街”，却乱中有致，自有一番情趣，被称为“板桥体”。清中后期涌现数位篆隶名家：邓石如、赵之谦、吴昌硕。中国最伟大的书法家是王羲之、颜真卿和张旭，

8、评者只有赞颂、没有微词的，书法史上，惟张一人（张岱年中国文化概论）从书体来看，汉隶、唐楷、宋人行书受推崇，其后的朝代在这种书体上难以创出新貌。四、书法艺术的审美标准晋王僧虔笔意赞：“书道之妙，神采为上，形质次之。”王羲之书论：“意要笔前，然后作字。”书法家以书写来表现性情，抒发主观情感。宗白华美学散步：西方艺术整体风格的变化可以从建筑的变化上显示出来，而中国建筑各时代的变化不明显，但中国有各时代美学特征各异的书法，可以代替西方建筑的功用。宇宙以气之流动成成，书法以线之流动而成，宇宙是一大书法，书法是一小宇宙。书法的线之流动犹如天地间气之流行。纸为白，字为黑，一阴一阳；纸白为无，字黑为有，有无相

9、成；纸白为虚，字黑为实，虚实相生。清初傅山提出书法的“四宁四毋”主张：“宁拙毋巧，宁丑毋媚，宁支离毋轻滑，宁真率毋安排。”书法创新的评判：1、时代的坐标；2、历史的坐标。欧阳中石：“来有所出，去见其才。”绘画一、中国绘画的分类：人物画，山水画，花鸟画魏晋六朝是中国绘画的形成期，以人物画为主，追求“以形写神”，以顾恺之为代表。中国绘画可以从题材、技法、材质和画者等不同角度进行分类。从题材上分为人物、山水、花鸟画等，从技法上可以分为写意画、工笔画、界画等。东晋的顾恺之是中国第一个有画迹可考的著名画家，宋代是绘画全面发展的时期，人物、山水、花鸟各科都涌现出新的流派，艺术流派中，形成了“院体画”和“文

10、人画”两大体系。元代是绘画发生重大转折变化的时期，即“文人画”占据画坛主流，人物画相对减少，山水画盛行。体裁分类：宫廷绘画、文人绘画、宗教绘画、市民绘画、民间绘画。宫廷绘画追求精巧，载体为彩墨画，以神品为第一，逸品为第二。文人绘画抒情达意，主要为水墨画，以逸品为第一，神品为第二。1、人物画东晋顾恺之是中国画史上最早有画流传至今的著名画家，他的名作女史箴图是我国现存的最早的卷轴画。“传神写照，正在阿堵中。”“以形写神”。唐代最杰出的画家是被称为“画圣”的吴道子，有“吴带当风”之说。阎立本步辇图，张萱虢国夫人游春图、捣练图，周昉纨扇仕女图、簪花仕女图。五代顾闳中韩熙载夜宴图。宋代李公麟五马图，梁楷

11、泼墨仙人图，张择端清明上河图。元代赵孟頫红衣罗汉图。明代吴伟武陵春图，唐寅孟蜀宫妓图，仇英人物故事画册。清代金农自画像，黄慎渔翁渔妇图。2、山水画唐代吴道子、王维。以水墨代替了青绿敷色。五代关仝关山行旅图，董源潇湘图、巨然万壑松风图。宋代有范宽溪山行旅图，郭熙早春图，米友仁潇湘奇观图。南宋四家：刘松年、李唐、马远、夏圭（溪山清远图）元代赵孟頫倡导“书画同源”，以书入画。鹊华秋色图、水村图。元四家：黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒。明代吴伟长江万里图。明四家：沈周，文徵明、唐寅、仇英。晚期：董其昌，提出“南北宗”说，代表作高逸图、关山雪霁图、秋兴八景图。清初四家：王时敏、王鉴、王翚、王原祁。清初四僧：石

12、涛、朱耷（八大山人）、石溪、弘仁。3、花鸟画宋代徽宗赵佶代表院体画，文同善画竹，苏轼画枯木竹石，元代水墨写意的梅兰竹菊盛极一时。柯九思、倪瓒画墨竹，王冕画墨梅。明代沈周牡丹图、唐寅，徐渭墨葡萄图清代朱耷荷石水禽图，石涛花卉图，郑板桥画竹，墨竹图、兰竹石图，金农画梅。二、绘画在中国文化中的地位就一般士人而言，作画主要是为了消遣，宋代士人称书画为“清玩”、“墨戏”。中国艺术重传统，尚摹仿。书法和绘画要求学习必须从临摹前人的作品入手，因而艺术创作在相当程度上是一种重复性的劳动，艺术的手法和风格历千年而不变，清末的绘画与宋元的绘画几乎没有什么不同。画家吴冠中1997年在中国文化报发表笔墨等于零的文章，

13、批评中国画重复前人，没有创新。中国绘画在神韵和技巧上与中国书法和中国诗歌是息息相通的。书法给它以技巧和基本的表现手法，从而决定了它未来的发展；而中国诗歌则赋予它神韵。在中国，诗歌、绘画和书法是紧密相连的姐妹艺术。绘画总体特点：散虚透视，以线为主，以形写神。三、中国绘画的特点和基本原则：（1）以山水为主体，人体画薄弱。在绘画题材上，主要是山水木石，古代士人对山水画情有独钟，通过山水画表现出对超越世俗、实现自由人格的向往。中国山水画是心灵的艺术，传神的艺术。景物是心境的写照。人体往往被当作自然物体的点缀。此外，花鸟中的梅竹兰菊（四君子），也是经常性的题材。（2）遗貌取神。舍弃形似，取其神似。描绘主

14、体的本质，而非外在的形貌。追求气韵生动。“以不似之似似之”为准则，强调意趣，强调对神采的挖掘和内心情感的表达。顾恺之论画：“以形写神。”苏轼：“论画以形似，见于儿童邻。”“意在笔先，画尽意在。”讲究意境，力求含蓄，留出想象的余地。北宗工笔写实，讲究着色；南宗重在写意，以黑墨写内在真实。（3）散点透视。将多个视点的图像叠加到一幅画中，有利于表现广阔的场景。西方绘画焦点透视，严格遵循人体和事物的比例关系，光与影。中国文化否认有一个最后视点，仰观俯察，像浏览画中的景象，往往不符合“近大远小”的规律。（4）整体原则。以大观小，画家要站在一个宏伟的高度，俯察游观自己所表现的对象。梦溪笔谈书画：“大都山水

15、之法，盖以大观小。”“以大观小，如人观假山。”不注重从固定角度的透视法，画家的眼睛不是从固定角度集中于一个透视的焦点，而是流动着飘瞥上下四方，一目千里，把握大自然的内部节奏，把全部景界组织成一幅气韵生动的艺术画面。“若同真山之法，以下望上，只合见一重山，岂可重重悉见，兼不应见其溪谷间事。”（5）虚实相生。“虚”就是艺术作品间接显示出来的形象，它是艺术家用有形的线条、色彩或声音刻画之外的部分，通过欣赏者的想象思而得之的形象。“实”是可见的，可闻的，“虚”是不可见的，不可闻的。虚与实相结合，构成艺术作品的整体。一幅书画总留有空白，空白之处是作品有机的组成部分。一首乐曲，要有弦外之音，余音缭绕，荡气

16、回肠。视频内容：一、中国绘画的特点：1、以山水为主体，人体画薄弱。题材：山水木石，（花草中以梅竹兰菊为四君子），人体往往被当作自然物体的点缀，2、抽象的传统，排斥工笔技巧；中国绘画的第一法则：传神传达表象之后隐藏的真实。描绘主体的本质，而非外在的形貌。追求气韵生动。顾恺之论画：“以形写神。”苏轼：“论画以形似，见于儿童邻。”“意在笔先，画尽意在。”讲究意境，力求含蓄，留出想象的余地。暗示手法的运用：“竹锁桥边卖酒家”，“野渡无人舟自横”，北宗工笔写实，讲究着色；南宗重在写意，以黑墨写内在真实。3、采用移动视角，无单一消失点。中国绘画散点透视，将多个视点的图像叠加到一幅图画中。这种方法有利于表现

17、广阔的场景。张大千长江万里图长20米，景象阔大，气势恢宏。二、形成中国绘画特点的三大要素：1、士大夫文人画家的独特文化。兼有官僚和艺术家双重身份；2、源自毛笔书法；文人学士在写字之余尚有更多的精力用于其他艺术上去，是文人的消遣。李泽厚美的历程：“不是书法从绘画而是绘画要从书法中吸取经验、技巧和力量。”3、中国独特的山水之美。 三希堂：王羲之快雪时晴帖王珣伯远帖王献之中秋帖林语堂：平静与和谐是中国艺术的特征，它们源于中国艺术家的心灵。中国的艺术家是这样的一个人：他与自然和睦相处，不受社会枷锁束缚和金钱的诱惑，他的精神深深地沉浸在山水和其他自然物象之中。他必须首先“坚其心志”或“旷其胸襟”，这主要

18、是通过游历名山大川，凝神观照，沉思冥想而达到的。中国的艺术家学习绘画时，并不是到房间里剥光一个女人的衣服来研究其骨骼构造，而是四处游历遍访名山，如安徽的黄山，四川的峨嵋山等。这中对山中空气（“山林气”）的爱好，这种时常染上一些隐士悠闲和孤独感的精神和爱好，造就了中国各种艺术的特性。（中国人：P254-256）中国绘画在神韵和技巧上与中国书法和中国诗歌是息息相通的。书法给它以技巧和基本的表现手法，从而决定了它未来的发展；而中国诗歌则赋予它神韵。在中国，诗歌、绘画和书法是紧密相连的姐妹艺术。其一是反对将艺术家笔下的线条束缚在所画客体上，由吴道子开始，一改顾恺之以来死板得像是用钢笔画出来的线条，开创

19、了所谓“莼菜条”，曲折粗细变化无穷，笔触微妙；其二是反对照相机式地再现物质现实。王维把中国诗歌的精神与技巧引入绘画，从而开创中国绘画中的南宗，这种绘画被称为“士夫画”，又称“文人画”。“士夫画”就是对被动的写真手法的反抗，单纯追求细节精确的绘画是商业画家们之所为，而真正称得上是艺术的绘画应该致力于表现精神。绘画过去是，现在仍然是文人学士的消遗。这种游戏的情绪可以用来解释中国绘画的某些特征，这种特征称为“逸”，这种“逸”的特质被誉为士夫画的最高标准。中国绘画画面上留有不少空白，空白地位的艺术性运用，也是书法上的一条重要原理，正如包慎伯所言，合适的空白布置是书法的第一要旨。对人体美（尤其是女性人体美）的崇拜，正是西方艺术最卓越的特征。中西方艺术的最大差异，在于灵感来源的不同：东方人的灵感来自自然本身，西方人的灵感则来自女性人体。