推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析共3篇.docx
《推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析共3篇.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析共3篇.docx（14页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析共3篇
推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析（共3篇）
本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！
随着中国经济的不断快速发展，中国流行音乐越来越多的人使用钢琴，钢琴在流行音乐中的地位也越来越重要。
下面是千里马论文网的小编整理的关于钢琴流行音乐论文范例，欢迎大家阅读欣赏。
第1篇：
对流行音乐钢琴副科教学的分析与思考
近年随着教育改革的不断深入，流行音乐专业高等教育受到越来越多的关注。
钢琴这一音乐教育的基础学科。
也将面临新的教学理念的冲击。
如何对各类流行音乐专业的学生更好地进行钢琴副科教学，成为摆在我们面前的新问题。
因此笔者总结一套适合音乐学院流行音乐专业钢琴副科的教学方法，可供同仁们参考。
一、对各专业学生择重实施锕琴副科教学的思考
钢琴副科授课对象人数多、层面杂、学生专业不同、钢琴基础参差不齐。
在川音通俗音乐学院的现代音乐文学系、通俗演唱系、流行歌舞系、流行器乐系、MIDI制作系这5个系别的学生将进行两年的钢琴副科的学习。
由于各系学生的钢琴基础又不尽相同，MIDI制作系学生大都经过长期系统的、正规的训练，基础相对扎实，程度较高，他们的入学考试要求，一般在车尔尼740程度以上。
与其他系相比程度要求相对较高。
现代音乐文学系、通俗演唱系、流行歌舞系、流行器乐系的学生在入学时不进行钢琴考试，基础相对较差，这些学生缺少童子功的基础，技术不规范。
所以，对待这些水平差的学生从授课方式、教学内容、教学方法及考试的标准上绝不能一概而论。
各系学生最终所从事的专业不同，为了让钢琴课与其专业结合，最大限度地发挥钢琴副科的辅助功效，在为时两年的教学中必须对不同专业学生进行针对性教学。
（一）对通俗演唱系、流行歌舞系学生重点进行自弹自唱的训练
1、对专业着重点的思考
通俗演唱系、流行歌舞系学生都将从事演唱专业，他们大多数钢琴基础薄弱，但每个演唱专业的学生都希望可以自弹自唱，方便其专业课学习。
上述专业学生对学习钢琴有一定的兴趣。
愿意花时间进行弹唱练习。
着重对学生进行自弹自唱训练，可以增强学生的音准、节奏。
了解和弦的配置，把握好歌曲的结构，培养良好的乐感，并能通过弹唱练习提升学生对钢琴的兴趣，使其快速入门。
2、进行自弹自唱训练的教学要点
（1）结合流行音乐的流行性、时代性创造性地授课。
选用教材，在充分体现综合技能训练的特点上，要注意结合流行音乐的流行性、时代性；在课程设置与编排上要强调创造性思维的建立，强调各门课程之间的相互渗透与融合。
强调理论与艺术实践相互结合。
从而真正体现对学生综合素质的教育。
教学形式采用开放性、观摩及艺术实践等形式。
提高学生的主观能动性、积极性、科学性，让学生认识到自己的专业能力，使自己在社会上有生存竞争能力。
注意学生个性化的培养目标，挖掘每个学生的艺术潜力。
完成综合素质能力培养。
（2）根据学生情况分程度教学
教学时难易程度要循序渐进，由浅入深、由简到难，并且要依据总授课时间与本课程的教学目的、教学目标而制定教学计划。
针对初级程度：
掌握正确的钢琴弹奏法和正确的声乐演唱技巧，解决弹与唱的协调性的问题；不加伴奏用右手弹旋律或手弹每小节主和弦，嘴里唱歌词，解决能弹不能唱的问题；口里哼唱旋律或含糊唱歌词，手上弹伴奏，解决能唱不能弹的问题。
针对中级程度：
弹唱的协调性已解决，选择多种风格特色的作品。
使学生进行移调弹唱的训练。
正确分析和声及和弦连接，使学生理解右手旋律与左手和弦的配置、连接的原则，让学生辨认和声风格、和声布局、旋律风格、曲式结构、织体形态等，提高及丰富弹唱的效果。
针对高级程度：
弹唱更难、风格更广的作品，并具有改编和创造钢琴弹唱的能力，在教授即兴弹唱的同时，感受到在遵循艺术规律的前提下，艺术创作有相对自由发挥的空间，使弹唱者充分发挥自身的艺术想象力和创造力。
在歌曲创作与改编钢琴弹唱作品上，使学生初步掌握及较熟练运用歌曲创作方面的各种技巧，使学生深刻体会到这是一种创造性思维与再创造的过程，是艺术表现力和艺术渲染力的综合体现。
（3）注重学生个性化能力的培养
学生在上课过程中的思想感受要经过“获知、认识、感受、综合性思维和再创作”这一系列的思维过程，才能最终获得所应学到的知识。
“获知与认识”是被动地接受过程，这个过程的重点在于教师讲授乐曲的背景，以提高学生对乐曲的理解力。
“感受”是将音乐魅力与心灵情感交融在一起，这一过程要注重培养学生对音乐的艺术想象力，并注意形象思维的启发，强调技能、技巧，丰富想象和表象音乐的内涵。
“综合思维”是再创造的准备，是学生对音乐作品理解后用自己的创造力拟将音乐作品再重新进行组合。
“即兴弹唱”就是再创造的表现过程，是学生自我表现力的体现，是对音乐作品中的旋律、和声、复调和低音等诸多要素理解综合后的升华。
在这一过程中教师要中注重学生个性化能力的培养。
（二）对流行器乐系学生重点进行四手联弹训练
1、对专业着重点的思考
流行器乐系学生需要通过钢琴学习，掌握音高和节奏。
通过四手连弹的合奏训练使他们能掌握钢琴（合成器）与乐队其他乐器之间的默契。
四手联弹作为一种教学手段，对普通钢琴学习者具有多方面的促进和帮助作用。
钢琴四手联弹曲目的教学培养了学生们的合作意识，提高了学生对音乐整体与个体的感受能力。
四手联弹增强了练习曲的艺术性，弹奏形式又很别致，因而很受学生们的喜爱。
随着水平的提高，学生对四手联弹的兴趣会越来越浓厚，为他们今后掌握钢琴（合成器）与乐队其他乐器之间的默契奠定了良好的基础。
2、进行四手联弹训练的教学要点
（1）选择合适的演奏搭档
四手联弹需要合奏乐曲时，不仅需要根据学生的特点来选择曲目，还要根据四手联弹本身的合作性特点来选择合适的演奏搭档。
一般情况下。
最理想的搭档是两个演奏者有着相近的演奏水平和音乐理解能力，以便两个搭档都能感觉到自己对一个演奏整体的贡献是重要的、不可缺少的。
如果是两个实力不平衡的演奏者组成一对搭档，如学生与老师、家长与孩子（有时孩子强于父母）、不同年龄的兄弟姐妹或是两个仅仅是分享兴趣的朋友等等。
在这种状况下，通常不会出现一方的强势导致另一方失去信心，而是一方带领着另一方去享受四手联弹的乐趣。
比较弱的一方可以通过与较强一方一起练习，学习到很多宝贵的经验。
这时，教师可以选用一些主奏与副奏两部分有着不同技巧要求的教材，这样就能保证双方都可以掌握好自己的一部分。
（2）分别进行独奏练习使效果整体协调统一
要求学生练习弹奏整首乐曲，感受乐曲的音乐内容。
在合作练习之前，两个人既要熟悉自己的声部，又要熟悉另一声部，这样在合作的过程中才能够做到默契和统一，真正感受到整体的音响效果。
此外，独奏者还应在合作之前解决一些个人技术与音乐问题，如：
快速的跑句、复杂的节奏、音乐的层次等，为合奏做好充分的准备。
在合作练习之前，两人既要对自己声部的节奏有所体会，同时还要对另一声部的节奏有敏锐的听觉。
合作之前的练习虽然是单独分别练习，节奏也是单声部节奏，但弹奏者应在独奏练习中去体会合奏时的立体节奏，这样在合奏中才会有一种整体的节奏感，演奏时节奏才能协调统一。
（3）练习合奏技巧加强相互默契
两个声部同时开始时，由一方给出信号或小声提示开始、做出动作，但要简单明确，经过反复练习使两人达到默契。
两个声部不同时开始时，由第一个声部先开始，第二个声部要进入时，第一声部要弹出呼吸点或者用一个清楚的动作给一个明确的提示，使其第二声部能自然、协调地与第一声部结合在一起。
合奏结尾时，两个声部一定要同时干净、准确、整齐的结束。
合奏中出现小毛病不要导致曲子中断，应先保持曲子的完整性，然后从头练习细节部分。
合奏中有些曲子写出一些让两个人同时弹一个音，或先后很近的时间弹同一组音时，两个声部在练习时要协调由哪一个声部弹此组音，并练习成固定模式。
（4）应用踏板提高弹奏效果
踏板的运用是四手联弹的重要组成部分，首先确定主旋律演奏者承担踩踏板的任务，其次在练习合奏时不要踩踏板，在演奏双方完全熟悉并掌握彼此声部内容时，根据音乐的旋律进行、节奏变化、和声的变化来研究使用踏板。
（5）培养学生的合作意识，提=高学生的乐感和音乐理解力
在教学实践中，教师应要求两人先单独演奏自己的部分，让对方听一听。
彼此加深对对方声部特点的感受，再进行合奏。
然后再相互间倾听，看是否掌握好四个声部的平衡，音色是否一致，相互间的感觉是否协调统一。
通过教学实践的探索，学生们从中认识到联弹演奏中两人相互间“听”的重要意义。
在学习中学生们体会到：
联弹最重要的是两个人都要善于听对方正在弹什么，而且两人的音乐气息、语气感觉要协调一致，整首曲子才会有充实的内容，有内容才能吸引听众，才能把听众带进音乐。
（三）对MIDI制作系学生重点进行即兴伴奏训练
1、对专业着重点的思考
MIDI制作系通过弹奏大量不同风格的流行音乐钢琴乐曲，使他们深入了解流行音乐不同流派的特点及区别，从而更深入地进行流行音乐即兴伴奏的学习。
钢琴集体课的即兴伴奏教学可以使钢琴学习者的创造性与主动性得到提高，培养了学生的思维创新能力，教材的编写应加入即兴伴奏的教学内容。
钢琴即兴伴奏是钢琴演奏技能与和声理论知识运用的有机结合，学生学习了和声编配，各种伴奏音型有了初步的了解和掌握的基础上，教师可选择中外优秀的伴奏作品予以分析练习，为学生自配伴奏提供更多的经验借鉴。
近年来钢琴即兴伴奏在我国逐渐得到了重视，学习即兴伴奏的四个要素是：
理论要素-技术要素：
伴奏积累要素和心理要素。
在以上的理论研究的基础上，应提倡钢琴即兴伴奏的“多元化思维”。
所谓“多元化思维”是针对单一的和声功能体系训练的即兴伴奏而言。
即兴伴奏原则上讲就是一种即时创作，它要求演奏者具备演奏技术、作曲理论、音乐天赋三方面的因素。
学习不同民族、不同体系的和声语言和音响特点是多元化思维，如中国民族的五声调式体系，在伴奏时，有其独特的效果。
同样，世界上不同的民族拥有不同的和声体系或和声特色，在为不同民歌以及民族器乐配即兴伴奏就需要不同的思维方式。
即兴伴奏是在具备一定钢琴演奏技能。
并对不同类型歌曲伴奏织体与和声配置有一定感性认识的基础上进行。
课堂上教师讲解键盘和声、分析歌曲性质，学生用约定的和弦和简单的伴奏织体编配，允许学生按自己的构思做多种即兴编配的尝试，教师作点评指导，学生的创造性与主动性得到提高，并培养了互助合作、协调发展的能力。
2、进行即兴伴奏训练的教学要点
（1）掌握即兴弹奏的“硬技术”
即兴配奏通常会需要弹奏者根据乐曲的要求。
立刻确定用何种调式调性、和声、织体以及弹奏方式。
而这些区别于钢琴演奏的即兴配奏范畴的基本功，需要进行专门的、规范的训练。
从弹奏的角度出发，那些变化比较规范、形态比较稳定的一些因素。
就可以称为即兴配奏的“硬技术”
（和弦、织体、调式、调性）。
和弦：
要求熟练掌握大三和弦、小三和弦、属七和弦（包括各种附属七和弦），以及属九和弦。
每一种不同的和弦，都有自己特定的色彩和音响效果。
现代通俗音乐由于追求音响色彩的复杂化，以丰富音乐表现力，常用三种和声词汇：
七和弦与九和弦、平行和弦及蓝调和弦等。
织体：
通常称为“音型”，它是指和声声部的具体组织形式。
即兴配奏的织体变化千姿百态。
归纳起来，有三种基本类型：
和弦式织体、带低音和弦式织体、分解和弦。
调式：
即兴配奏可能会遇到各种不同的调式，但最常见的还是大调、小调以及中国民族五声调式。
调性：
熟悉键盘十二个大、小调的弹奏，还有爵士音阶、琶音、和弦功能音阶的弹奏。
通常在即兴配奏当中，以上四个方面的因素是相辅相成、互相制约的，它们在具体运用时，还应注意：
和弦要稳定，但和弦在具体运用中，究竟使用何种位置排列，伴奏织体的选择是灵活的；乐曲的节拍、速度、基本节奏要稳定，但选择节奏型，以及节奏的变奏、补充要灵活；基本的调式、调性要稳定，但移调要灵活；和声的语法要稳定，但和弦的具体选择要灵活。
在这里。
稳定和灵活都是相对的。
即不能为了稳定而失去即兴的灵活，成为死板的弹奏。
也不能为了灵活而不顾基本的节拍、节奏，一味显示钢琴技术。
（2）明确曲子的音乐形象、风格类型
在即兴配奏以前，首先应该区分乐曲的调式和风格，然后，再分别动用不同的调式和声语汇来表达乐曲。
其次，还要区别音乐形象的基本类型，分析乐曲的体裁，判断该曲属于颂歌型、舞曲型，还是抒情歌曲型，然后再根据音乐形象的不同，分别选择其恰当的伴奏织体。
（3）进行和声节奏与织体规范化训练
欧美现代歌舞节奏包含：
拉格泰姆节奏、摇摆节奏、爵士圆舞曲节奏、探戈节奏、伦巴节奏，及上世纪60年代以来的歌舞曲等节奏，MIDI专业学生需要重点掌握。
为了保持音乐形象的统一，让即兴弹奏方便，就必须有意识地对全曲的和声节奏进行总体的设计。
一般说来，要让和声节奏在全曲、段落或乐句范围内达到某种统一，避免和声节奏忽长忽短、忽快忽慢的任意变化。
和声节奏与伴奏织体的规范化，是即兴配奏中的重要组成部分。
如果个别和弦选择失误。
影响的只是局部，而全曲的和声节奏与织体的选择、组织失误，影响的就是整个的音乐形象。
（四）对现代音乐文学系重点加强视奏训练
1、对专业着重点的思考
针对音乐评论、歌曲创作等方面的培养，学生要了解中外音乐发展史，流行音乐发展史等音乐发展史背景及流派，同时了解各种音乐的特点（如和声织体、调式、调性、钢琴技术、结构布局、节奏、风格等），因此文学系必须要接触大量的、不同风格的乐曲，提升他们对不同风格作品的理解。
通过实际演奏来感受音乐的魅力。
通过演奏，走进作曲家的内心世界，去感悟作品的内涵，才能写出真正自我的、有建树、有深度的文章。
2、进行视奏训练的教学要点
（1）通过奏谱提高视谱的速度
要熟悉单音的键盘位置，建立起每个音和键盘的听觉关联，用听觉鉴别是克服读谱出错最有效的办法之一。
至于如何提高听辨能力，可以通过系统的视唱练耳训练得以提高，但需强调的是，要将获得的听辨能力和手指键盘的感觉结合起来。
要熟练地掌握各调的音阶、琶音、和弦的弹奏技能，因大量的练习曲、乐曲都是由这些基本练习组成，要将这些练习转化为自身的本能。
达到一定程度后，便可以将注意力放到视谱的速度上来。
（2）通过慢奏让双手的动作协调准确
钢琴家教育家赵晓生先生曾说过，“慢练经常是解决困难症结的有力措施，也是快速弹奏的基础”。
由于该专业学生的视觉经验多于弹奏经验，分析能力高于实际的操作能力，因此，当垒到一首新曲目时，不要急于弹奏，首先看什么调，有几个升号或几个降号，是什么拍子，有多少上加线和下加线。
其次了解曲目的节奏特点、节拍记号，要清楚各音之间的音程关系、时值的长短、有无休止符号等。
再次，了解曲目有几种弹奏法，如连奏、断奏、跳音，哪个乐句是应该连弹，哪个乐句应该弹断奏，以及延长记号、反复记号、高八度、低八度记号等。
然后在乐曲的整体基本掌握于心后，才开始练习，这时，不管乐曲的标记是什么速度，都应尽可能地放慢速度进行演奏，边看边记，让双手的动作协调准确。
这就是视奏的“慢奏”。
（3）通过部分记忆提高弹奏的准确性
通过对乐谱的观察，能够对视奏的乐曲的重复部分（节奏重复、音符重复、指法重复等）的规律有所了解。
在此基础上，对这些重复的部分进行记忆。
记忆的部分越多、越清晰，视奏的质量则越高。
如果对重复的部分在大致上能够背奏，那么视觉的注意力可以主要集中在乐谱中的变化部分，弹奏的准确性会提高。
（4）通过超前看谱提高视奏准确性
超前看谱，即弹奏某一个音符时，视觉的移动先于手指，这样可以保持手指弹奏的连续性，尽可能避免弹奏出错、失误、中断。
超前看谱意味着一心二用。
一是记住一瞬间看过的音符，并指挥手指弹奏；一是同时继续超前看谱。
为即将到来的弹奏提前作好思想准备。
超前看谱是一种看谱的习惯，这种习惯必须通过一段时间持续的训练才能建立。
在教学中，学生弹奏时出错、中断的情形屡见不鲜。
与看谱的速度、思维的状态有直接的关系。
建立超前看谱的习惯，归根结蒂以人的思维的积极性、主动性为关键。
看谱的准确性、速度超前是提高视奏能力的前提条件，通过视奏训练，使学生在迅速读谱的能力、分析乐谱的能力、对作品的理解能力各方面得到显著的提高。
上述的视奏教学方法的内容归根结蒂是以和声、曲式、织体等方面的基本知识为基础的。
换言之，只有具备这几方面的基本知识，才能够逐步提高观察乐谱的能力。
钢琴初学阶段的学生，在和声、曲式、织体等方面的知识甚少。
无法独立地进行有效的视奏练习。
正因为如此。
才有必要在钢琴教学中按照视奏的教学方法来施教。
二、结论
演奏中的各种技术问题一直是教学的主要目的，各专业学生都需要获得正确的技术指导与训练。
但提高技术除了正确的方法外还需要充足的时间。
我认为在有限的两年时间内对流行音乐专业的钢琴副科学生进行有侧重点的教学，可以让学生在有限的时间内掌握更多有利于流行主科学习的知识。
同时在教学实践中增补一些近现代的流行钢琴作品，体现时代性、通俗化、作品风格多样化的特点。
让钢琴课的学习更好的与流行专业相结合，最大限度地发挥钢琴副科的辅助功效，补充学习相关专业所需的养分，全方位提高学生的音乐素质。
作者：
吴诤钰
第2篇：
爵士钢琴在我国流行音乐中的应用现状研究
爵士钢琴（jazzpiano）并不是一种乐器，而是一种音乐形式，是指由爵士音乐演变而来的音乐体裁，用钢琴演奏，故称为爵士钢琴。
爵士钢琴是由移民到美国的黑人在特定的历史时期、社会及人文环境下所创造的一种音乐形式，它节奏非常鲜明、变化很多、在旋律中大量使用切分音方式，给人一种动感十足、捉摸不定的感觉[1]。
在演奏上，爵士钢琴也使用了独特的演奏技巧，常采用即兴演奏的方式，摆脱了条条框框的束缚，可以让演奏者自由地展现音乐才华，充分发挥音乐天赋。
爵士音乐艺术本身就是一种强调即兴演奏的艺术。
爵士钢琴从诞生到现在经历了多种音乐元素的渗透和各种演奏技巧的融合，形成了独特的艺术体系。
爵士钢琴不仅对美国流行音乐的发展起到了关键的作用，也对整个世界的流行音乐发展和各种音乐形式的发展起到了重要的作用。
在我国流行音乐发展的过程中，爵士钢琴也得到了广泛的应用，起到了关键的作用，因此，本文在研究爵士钢琴基本理论的基础上，探讨爵士钢琴在我国流行音乐应用的现状。
一、爵士钢琴的发展史
钢琴是爵士音乐中最主要的演奏乐器，在爵士乐发展史上起到了关键的作用，在继承和发扬古典钢琴的演奏风格及技法的基础上，形成了适合爵士乐自己的独特演奏技法和风格，创作出许多快炙热口的经典名作。
因此，爵士钢琴成为了爵士乐的代名词，爵士乐的发展史也就是爵士钢琴的发展历程。
爵士钢琴十九世纪末产生于美国南部的新奥尔良，当时新奥尔良是一个移民城市，大量的非洲黑人被贩卖到这里，这里对于各种人种政策非常宽松，也就促成了大量的黑人、白人还有克里奥尔人混杂居住的状况，也为爵士钢琴的萌芽提供了沃土。
爵士钢琴是由黑人布鲁斯音乐（Blues）与欧洲白人音乐雷格泰姆音乐（Ragtime），通过作曲技法与演奏技巧的有机地融合而形成了的[2]。
从20世纪20年代到现在已经经历很长时间，其中具有代表性的有：
传统爵士乐也就是新奥尔良爵士乐、大乐队演奏的爵士摇摆乐、比波普爵士音乐、冷爵士音乐、50年代的硬波普、60年代的自由爵士、70年代以后的摇滚爵士，以及而后的拉丁爵士、进步爵士融合爵士、冷爵士等等。
爵士乐经历了一个长达百年的漫长发展过程，爵士钢琴的发展是伴随着爵士乐的发展而不断发展的，同样也经历了各种不同时期，风格也存在差异。
首先，是基于雷格泰姆的一种流派，这种流派的弹奏风格多为自散拍乐以及大跨度钢琴演奏效果，这种流派在美国东北部地区比较盛行；其次，是基于蓝调的布吉乌吉弹奏风格，在美国南部乡村以及中西部地区比较常见。
二、爵士钢琴的特点
爵士钢琴是在古典钢琴演奏的基础上不断与爵士乐结合而发展起来的，形成了爵士钢琴鲜明且独特的节奏特点、爵士音阶与和弦、曲式与主题以及即兴特性等等。
（一）爵士钢琴节奏特点
爵士钢琴的演奏已形成了自己独特的音乐风格和演奏技巧，按照节奏律动形态分为平直节奏和摇摆节奏。
第一种，平直节奏也就是传统上说的拉格泰姆节奏，这种演奏形态常常采用大量的切分节奏，主要是利用加连线的方式进行，这种方式可以改变节拍的规则和重音位置。
另外，切分节奏和低声部节奏经常进行强音交叉和重叠，形成了独特的复合节奏，这种演奏形态直接影响了现代流行音乐的发展模式；另一种是摇摆节奏，它是继承了布鲁斯的演奏特点发展而来的。
三连音是其构成的基础，旋律上常采用4/4拍，伴奏上采用12/8拍，速度上要比布鲁斯音乐快一些，并切分音使用较多，因而避免了强拍的反复出现所造成的影响。
摇摆爵士乐的流行和发展对当今的舞厅舞以及流行歌曲节奏的处理具有重要的意义。
（二）爵士钢琴音阶与和弦特点
爵士钢琴旋律是由大调音阶和小调音阶共同组成的，也经常使用一些中古调式音阶和建立在此基础的变化音阶等特色音阶。
爵士钢琴的和弦与音阶紧密相联，和弦结构是布鲁斯音阶作旋律的主要素材。
大多数爵士和弦为七和弦，同时也有使用替代和弦，各种七和弦延伸音的配合与序进方式也被广泛应用。
常用的有和弦延伸音、装饰和弦、替代和弦等。
（三）爵士钢琴曲式与主题特点
爵士钢琴音乐是“即兴演奏”的艺术，一个好的爵士钢琴作品往往是半创作半即兴演奏的产物，作品的一部分内容是预先写好的另一部分内容就需要演奏者即兴发挥，因此，可以看出爵士钢琴更倾向于以表演者为中心。
爵士钢琴主题的选材范围很广，民间音乐、古典音乐的片断或流行音乐都可以成为它的主题，当然也可以选择专门创作的爵士乐主题等等。
（四）爵士钢琴的即兴性
即兴性是爵士钢琴的灵魂，其本质就是即兴创作的过程。
爵士钢琴的即兴并不是随心所欲、漫无目的的。
是在主题不变的前提下，利用旋律变化、和声变化或者相结合的方式进行的。
旋律变奏主要是对主题旋律的节奏进行改变，而和声是以和声为主题的变化。
三、爵士钢琴在我国流行音乐中的应用
（一）爵士钢琴在我国的传播
爵士钢琴在一定的历史背景下传播到世界各地，在20世纪30年代传到了我国，上海以其特殊的地理位置和文化背景成为了中国爵士钢琴的中心。
早期的中国爵士钢琴是与流行音乐共同发展的，以流行歌曲的演奏和创新为其主要形式。
也出现了很多音乐大家，例如黎锦晖、黎锦光、陈歌辛等杰出的代表，他们将爵士钢琴的演奏特点、方式、创作手法与传统音乐融合在一起，创作出了很多独具中国传统风格的爵士钢琴作品。
这一时期代表性的作品有[3]：
陈瑞祯的《等着你回来》；陈歌辛的《夜上海》、《蔷薇蔷薇处处开》、《玫瑰玫瑰我爱你》；黎锦光的《香格里拉》；刘雪庵的《蓝花花布鲁斯》；严折西的《如果没有你》、《告诉我》等。
在后来很长一段时间内，由于各种政治原因，爵士钢琴在中国跌入谷底，在最近几十年爵士钢琴才重新回到我们的视野，受到人们的重视。
（二）爵士钢琴在我国流行音乐中的应用现状
目前，爵士钢琴已经形成了十种以上的流派，而各个爵士钢琴流派的爵士技法在中国流行歌曲上都有运用。
其中运用最为普遍的爵士钢琴技法是：
布鲁斯技法、新奥尔良爵士乐技法、摇摆爵士乐技法、冷爵士技法等[4]。
1.布鲁斯技法在中国流行音乐中的应用现状
布鲁斯技法主要体现在其特有的调式音阶，主要是通过在自然大调基础上降低三级音或七级音来实现的。
在我国的流行音乐发展过程中，布鲁斯技法运用得很多也较常见，例如：
电影《搭错车》的插曲《把握》；由谢承强作曲、林萍演唱的《为我们的今天喝彩》；歌手杭天的《还给我吧》、《傻瓜》、《不要想太多》等一系列成功的作品。
这些歌曲中出现了大量的布鲁斯调式音阶，降三级音的运用非常频繁，有
升级会员 