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艺术概论重点
艺术概论-重点
中国当代著名学者周宪这样看艺术
1.艺术从来就被看成是一种手工劳作，它与机械化流水线的成批生产的工业品截然不同
2.艺术因为是艺术家个人手工制作的，所以，艺术作品的生产总是和特定的个体及其时空境况有特殊的联系。
3.艺术作品应该是美的，应有足够打动人的美的形式和外观，尤其是造型艺术作品。
4.艺术作品应该表达出作者的某种思想或者意图，这是我们据以评判艺术作品是否成功的一个要素。
5.艺术这个概念最初的含义就是指某种技能或技巧。
对传统艺术的看法
传统艺术与现代机械复制时代的艺术有着根本的不同，那就是传统艺术具有一种特殊“韵味”，亦即艺术作品生产的此时此地的独一无二性。
比如红楼梦或者蒙娜丽莎，是特定时代的艺术家特殊视角中的特殊的世界。
传统艺术与现代艺术的差异性
现代主义是一个新的艺术创作观念和表现语言体系。
它否定了传统艺术原则，不认为艺术的主要目标是由对客观事物的模仿和共性理想美的
也和“技艺”区分开来了。
它与生活平等交流，并直指人心，贯穿思想。
艺术家们在尝试着用各种各样的方式作为媒介来传递他们对于艺术提出质问的各种观念。
这时候，艺术开始变得出乎预料和看起来难以捉摸。
尽管你并不一定喜欢它，但有一点是可以肯定的：
艺术和你的生活越来越近了。
如同维特根斯坦将哲学引向了语言、生活的自由天地，杜尚将绘画引入艺术的自由之境：
他的思想在于彻底叛离古希腊式的“技艺”思想，将艺术带入一个更真实也更广阔的境地：
艺术不再是描画幻影，而是直面真正的物和人生；不再是用艺术表达永恒，而是取消一切永恒；不再是单纯地表达意义，而是用各种各样的形式和意义捉迷藏，质问意义有何意义！
关于艺术起源的各种学说
其中较有影响的是“游戏说”、“巫术说”、“劳动说”，以及“模仿说”、“心灵表现说”等等。
游戏说：
又名“斯宾塞理论”。
认为艺术起源于早期人类的游戏活动。
这一理论出现于18世纪，其相关理论家有康德、席勒和斯宾塞。
原始人的游戏和后世的艺术有许多共同特征：
闲暇性、无功利性、假定性、愉悦性。
游戏说有一定道理，游戏与艺术确实有许多相通之处，尤其是符合“无功利性”这一艺术的本质性特征。
艺术与游戏的不同之处：
游戏通常只是消遣自娱，艺术却不仅仅是消遣闲暇。
评价：
艺术和游戏在深层次上终究不是一样的活动。
巫术说认为艺术起源于早期人类的巫术活动。
巫术说出现于20世纪。
主要理论家有英国人类学家泰勒、弗雷泽和法国考古学家雷纳克。
古代人试图与神秘力量沟通，希望由此控制自然或者通过祈求来满足自己的愿望。
产生了巫术活动。
巫术活动需要绘画、雕刻、面具、歌舞等等都是艺术的雏形。
巫术与艺术最大的差别是功利性和非功利性。
模仿说认为艺术出自人类模仿外物（自然或人生）的本能。
主要理论家有柏拉图、亚里士多德等。
模仿说重视艺术和现实关系，而忽略了艺术家的创造性和想象力，体现出某种局限性。
艺术的他律性和自律性
艺术从来不会在真空中发展，总要受到社会其他因素的影响，有时甚至是非常强力的推动或者制约。
影想艺术发展的社会动力主要有经济、政治、宗教、道德等等。
经济发展常常决定着许多社会元素的变动，但对于精神创作活动——艺术来说，经济的决定作用并不明显。
艺术发展和经济发展常常不是同步关系，艺术发展有时快有时慢，甚至有时与经济生产呈反方向发展。
这主要是因为艺术是上层建筑中的最远离经济基础的文化活动，独立性较强，经济的发展要经过政治、社会文化、社会心理等很多中介环节才能影响到艺术生产。
总的来看，现代社会中经济对艺术的影响比古典时代要大，这主要是因为现代社会商业发达，市场通过消费需求、流通方式等引导或左右了不少艺术家，促使他们根据手中的需要去创作畅销作品。
但艺术的创作在相当大的程度上还是要依赖艺术家的审美体验、灵感、想象力等，因此艺术不会完全被经济、市场制约。
宗教和艺术的关系
宗教对艺术的发展影响很大，尤其在政教合一的年代或国家。
总的来看宗教在艺术的开端时代对文艺发展的促进作用比较大，那时艺术与原始巫术、原始宗教尚混茫未分，宗教故事中蕴含的种种奇幻的形象为艺术创作提供了大量的题材。
在宗教势力强盛的时期（如西方中世纪、中国魏晋南北朝时期），宗教集团往往也是艺术生产的组织者，他们以自身强力的政治和经济力量组织大规模的艺术创作活动，为后人留下了如达芬奇壁画、云冈石窟雕塑等许多优秀的艺术作品。
但宗教在近现代更多时候则对艺术起阻碍作用，如限制艺术的题材，遏制艺术家的思想自由，影响了艺术的健康、自由发展。
随着科学的进步，宗教在人类文化中的影响越来越弱。
随着宗教的没落，现代教育家蔡元培等人主张“以美育代宗教”，即以艺术继承宗教的超越性追求，为人们寻求生存意义提供启示，展现对生命的终极关怀。
道德对艺术发展的影响
道德对艺术的发展影响也很大，尤其在古典时代。
如西方哲学家柏拉图主张艺术表现真善美，中国古代艺术家以“文以载道”为使命。
在多数时候，当一个社会先进的伦理观念、道德准则往往随着历时的变迁而改变，有时，狭隘落后的道德观会限制艺术的题材，闭塞艺术家的精神境界，影响艺术作品的生命力。
譬如中国自宋代起树立的对妇女贞节要求极其严酷的贞操观，出现很多歌颂守节的列女传故事，不仅在当时扼杀了女性的生命活力，更是被历史的浪潮卷走，不再得到人们的欣赏。
总的来说，艺术经常无可避免的要表现人们的伦理生活，但艺术不等于道德教条，不能把文艺当成道德课本，简单的用现行标准去评判社会生活，相对于社会道德条规，艺术将以更为丰富的方式呈现人的个性，以前瞻性的视野、用曲折潜隐的力道提升人的精神，张扬人最优秀的本质力量，这才是艺术特殊的伦理意义所在。
什么是自律性
除了政治、经济等外部因素，艺术在长期的发展过程中也形成了自律性的发展脉络，即艺术在形式、创作方法、题材等方面形成了内部的历时继承性，在相当程度上不受外来社会因素得以影响。
表现在常见母题（包括爱情母题《罗密欧与朱丽叶》、成长母题《红与黑》等）、艺术形式、创作方法上。
诗哲之争
哲学代表：
柏拉图，控诉文艺，排斥诗人、诗歌。
柏拉图以著名的“三种床”为例阐明他的哲学观。
世界上有三种床，木匠制作的床，诗人写的床，床之所以为床的理念（床的本质）。
诗歌代表：
亚里士多德，他说过：
吾爱吾师，吾尤爱真理。
他批判的继承了老师的学问。
柏拉图一直认为，在现象世界的背后，存在一个不更真实的理念的世界，而现象本身是不真实的，是瞬息万变无法理解的。
文艺不仅模仿现实世界的外表和现象，而且更能揭示出现象背后的普遍规律和本质。
历史和诗歌的差别
不在于诗人用韵文，历史家用散文。
而是历史家描述已发生的的事，诗人却描述可能发生的事。
诗比历史更哲学更严肃。
因为诗所说的多半带有普遍性，而历史所说的则是个别的事。
文学是真实的，而且，这种真是不是日常真实，也不是历史的真实，而是一种本质的真实。
理解艺术所具有的虚拟性、真实性、形象性、情感性以及娱乐性等基本特质。
感性的形象
普列汉诺夫曾讲过艺术既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来展现。
这就是艺术的最主要的特点。
艺术形象是文学艺术反映生活的特殊形式，失去感性的形象这一基本特征的作品，不能称为艺术作品。
艺术形象是生动鲜明独特可观的，又是艺术家对生活亲身体验，有所发现并加以提炼、概括、虚化的产物。
如古希腊雕塑《米洛的维纳斯》女性的优雅和青春几乎都体现在这座无懈可击的雕像上。
情感的体验
《毛诗序》认为，诗歌、音乐、舞蹈等艺术都是来自情感，“情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之，咏歌之不足，不如手之舞之，足之蹈之也。
”指出情感的抒发。
陆机在《文赋》中提出“诗缘情”说。
黑格尔强调情感是艺术作品的生命所在，又称“缘情说”。
符号论美学代表人苏珊.朗格认为艺术是将情感（指广义的情感，亦即人所能感受到的一切）呈现出来供人观赏的，运用符号的方式把情感转变成诉诸人的知觉的东西。
艺术的功能
艺术作为人类精神活动的最高形式，其最核心最基本的功能就是审美体验功能。
就艺术对人类社会生活的总体影响而言，一般认为，在艺术的诸种功能中，最主要的还是以下几种。
1.无功利的超越性功能，就艺术功能的超功利性层面而言，着重突出艺术作为一种特殊的精神产品，对人类的精神世界产生的影响，主要强调艺术的无功利价值。
艺术是非实用的，其价值不在于物质层面。
而在于超越性的精神层面。
比如电视剧作为声光化了的艺术作品，与电影一样，给现代人提供了虚幻的慰藉。
对一个实用主义者来说，艺术或许是无用的。
艺术让我们更好地感知世界与生命，这一点比任何物质的满足都要重要得多。
2.社会认知功能。
譬如原始社会的艺术对于了解原始社会的生活是非常重要的。
比如西班牙北部阿尔塔米拉洞穴岩画《受伤的野牛》，生动的反映了原始人类的生存状况。
更是展现了丰富的自然和历史文化知识。
3.教育和宣泄功能。
从欣赏者的角度看，艺术可以通过美的形象发挥教育感化作用。
比如《音乐之声》这样的片子可以帮助陶冶人性，作品彰显的人性光辉、诠释的人间大爱可以让邪恶望而却步。
4.审美愉悦功能。
艺术在很大程度上来说，是一种情感的传达。
如《米洛的维纳斯》是一尊残损的雕像，但没有人认为她是不美的，在现实生活中，身体的残缺被认为不美，但在艺术世界里，却给了人们审美想象的空间，提供了一种即接近生活而有区别与生活的特殊情感体味。
后三者是就艺术功能的社会功利性方面而言的。
或侧重社会生活这一要素，探讨艺术之于社会人生的价值，或突出艺术家这一要素，侧重艺术之于创作者的作用。
或突出艺术欣赏这一要素，侧重于艺术之与欣赏者的意义。
罗丹曾说：
在艺人的眼中，一切都是美的，“在自然中一般人所谓“丑”，在艺术中能变成非常的美”。
他的著名雕塑《欧米埃尔》又名《丑与美》，取材于法国15世纪著名诗人维庸的《美丽的老妓女》。
展现了一个曾经美丽的妓女，在人老色衰、不堪回首的暮年，对自己皱缩的身体的哀叹。
你如何看待？
《欧米埃尔》，就是表现了一个年老色衰的妓女的形象。
这个作品给人视觉上的感受是非常丑陋、恶心，但是，内涵却十分丰富、强烈，具有震撼人心的艺术感染力。
不管哪种美都是靠自身感觉体现出来的。
只要是能满足欣赏者的情感需要，那么就是有审美的体验。
人品与艺品的关系
问艺品与人品谁轻谁重？
没有轻者，一样重要！
前者是艺术价值的体现，后者是人格价值的彰显。
在中国传统文化精神中，文人士大夫是通过艺术的形式抒怀寄情，表达自己的性情、志趣、乃至人生理想的，因此，艺术不仅是外在的美感表现，更是内在的人性传达。
后来人评价艺术作品的高下，也往往是将作者的整体人格与其作品共同考虑的，画品、诗品、书品与人品的关系密不可分。
1563年，佛罗伦萨成立了第一个艺术学院，确立了三大视觉艺术与手工行会脱离的独立体制。
1.这标志着视觉艺术从被视为低级的手工活动的行业领域超越出来，取得与诗歌和音乐一样的“科学”地位。
2.艺术家也才由工匠而转变成具有独立地位的艺术创造者。
意大利哲学家克罗齐认为：
人人都是艺术家，人人都可以成为艺术家。
波普艺术的最著名的创始人之一安迪沃霍尔认为：
未来每个人都能当15分钟的艺术家。
你怎么看这句话？
尝试对这一变化做语义学分析，我们不难发现，其实，他的意思是说，我们将更快地成为“名人”，不用等“未来”那么久，15分钟内就能速成；而其隐而未宣的另一结论则是，对应于成为“名人”所需时间的缩短，我们作为“名人”的时限也在缩短，就像你出现在“超级女声”或“梦想中国”的海选中那样，刚一露头，刚开口唱上一句，刚被荧屏前的观众嘲笑一句，镜头就已经切到下一位参与者了。
我们都是“速成名人”，不过，我们也都是“速溶名人”，乍现后就消逝了。
即使是颠覆的面具下仍是传统的面孔，不过是一个速食文化的产物罢了。
即便是一个在人人都可以成为艺术家的时代，仍然有着大师与伪艺术家的区分。
艺术流派
艺术流派是指在一定历史时期内，由若干思想倾向、艺术主张、美学趣味、创作风格等基本一致或近似的艺术家，自觉或不自觉地组成的艺术家群体。
比如20世纪初诞生于意大利的“未来派”就是由意大利诗人马利纳蒂最早提出和组织的，他在1909年发表《未来第一次宣言》，1910年又有一批画家发表《未来派画家宣言》与之相对应。
从而形成了在艺术史上颇有影响的未来派艺术群体。
艺术法则
法国古典主义戏剧所极力提倡并严格遵循的三一律原则是什么？
时间、地点、和行动的统一。
本雅明在他的《机械复制时代的艺术》中，重点分析了由于技术力量的全面渗透，它如何从根本上改变了传统的艺术形式。
艺术分类的方法
第一种：
按照审美主体的感知方式，艺术可分为视觉艺术（绘画雕塑）、听觉艺术（音乐等）、视听艺术（戏剧、影视等）、想象艺术（文学）
第二种：
按照艺术形象的存在状态，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术
第三种：
按照艺术形象的运动状态，可分为动态艺术和静态艺术
第四种：
按照艺术形象与现实世界的关系，艺术可分为再现艺术（绘画雕塑小说戏剧影视等）、表现艺术（音乐舞蹈建筑等）
第五种：
按照艺术形象的创造方式，可分为实用艺术、造型艺术、表情艺术、语言艺术、综合艺术。
美术的定义
美术是采用造型手段塑造视觉形象的众多艺术类型的综称，包括绘画、雕塑、书法、工艺美术、现代工业设计等等。
美术是最古老的的艺术门类之一。
中西方绘画的异同
共同点：
都是绘画，绘画就是运用线条、色彩、块面等艺术语言，通过构图、设色、造型等手段，在二维平面创造视觉形象的艺术形式。
不同点：
中国画表现神情风骨，追求神似。
西方肖像画注重质感，追求逼真的风格。
中国画的审美特征包含笔墨情趣、散点透视、计白当黑、诗书一体。
油画是西方绘画的主要形式，油画的审美特征：
崇尚逼真，色彩丰富，易于保存（中国画保存不易）。
雕塑
雕塑的形式大体分为圆雕、浮雕和透雕三种。
雕塑的审美特征有是四点：
实体的生命感、可视可触、寓动于静、材质之美。
书法
书法是用毛笔书写汉字的艺术。
书法也是源于中国，最具有东方艺术神韵的一门独特的艺术门类。
书法之所以能成为一门独特的民族艺术，这与汉字的结构特点有关，也与中国的文化传统有紧密的联系。
汉字起始于象形文字，具有一定的图案性、表现性和造型性。
书法凝聚了中国传统文化的精魂。
笔墨纸砚是主要工具。
书法中的一点一画、一揖一让。
无不渗透着中国文化的精神意蕴和思想内涵，中国古代思想的核心就是“儒、道、释”三家合一。
儒家的中庸、道家的自然、佛家的空灵都得到了完美的展现，从而提升了书法的艺术境界。
书法艺术的基本元素有结体、笔法、墨法和章法。
审美特征概括为抽象性和表现性。
现代设计艺术，也叫工业设计或设计艺术。
20世纪初，包豪斯工艺美术学校建立标志着工业设计的出现。
代表人物有校长、著名建筑艺术家格罗皮乌斯。
包豪斯工艺美术需诶下被人们称之为“现代设计的摇篮”。
设计艺术在一定程度上就是手工工艺在机器大工业时代的延伸，体现了现代科技的因素。
人性化和宜人性是设计的灵魂。
建筑
法国大文豪雨果把建筑称为“石头的史书”。
前苏联美学家鲍列夫认为：
“人们惯于把建筑称为世界的编年史”
建筑艺术的主要艺术特征有如下几点：
实体与空间的结合，节奏与韵律美（建筑是流动的音乐）、民族性与象征性
音乐
奥地利音乐家海顿被称为“交响乐之父”。
浪漫主义风格的代表贝多芬被尊为“乐圣”
肖邦被称为“钢琴诗人”
音乐的审美特征如下：
抒情性和表现性。
舞蹈
中国古典舞的典范：
古代宫廷舞《霓裳羽衣曲》和现代《丝路花雨》
芭蕾舞是西方古典舞的主要形式。
《天鹅湖》《睡美人》等都是芭蕾舞的经典之作
伊莎贝拉-邓肯是现代舞之母
舞蹈的审美特征有如下几点：
动作性、抒情性
戏剧
悲剧之父埃斯库罗斯埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里庇得斯是古希腊三大悲剧作家
喜剧之父阿里斯托芬
最常见的戏剧分类，是根据戏剧冲突的性质，把戏剧分为悲剧、喜剧、正剧（悲喜剧）三大类
鲁迅先生认为：
悲剧是将人生的有价值的东西毁灭给人看，可以看做悲剧的一个简明的定义
悲剧分类
命运悲剧《被缚的普罗米修斯》
性格悲剧
社会悲剧《茶花女》
鲁迅先生认为：
喜剧将那无价值的东西撕破给人看，可以看做喜剧的一个简明的定义
喜剧名作有阿里斯托芬的《云》、莎士比亚的《威尼斯商人》、莫里哀的《悭吝人》、博马舍的《费加罗的婚礼》、果戈里的《钦差大臣》等
荒诞派戏剧代表是贝克特的《等待戈多》
兼有悲喜剧两种不同元素的戏剧形式又叫悲喜剧。
作为综合性的表演艺术，人们通常把戏剧的剧本、演员、导演和舞台美术看做戏剧的四个要素。
戏剧理论家把表演风格归纳为三个体系：
前苏联的斯坦尼斯拉夫斯基体系，德国的布莱希特体系以及中国的梅兰芳体系。
戏剧的审美体征：
戏剧动作、戏剧冲突、戏剧情境。
戏曲
世界戏剧共有总共有三大独立的发展系统，古希腊戏剧、古印度的梵剧和中国的戏曲。
戏曲源于先秦时代的乐舞和俳优，后演化为汉代的“百戏”、唐代的“参军戏”，北宋出现杂居，南宋温州的永嘉杂居标志着戏曲的成熟，到元代，杂居达到了一个艺术的高峰。
明传奇继续在杂居的基础上发展，到清代，京剧以及各种地方戏种空前繁荣，到清代，京剧以及各种地方戏种空前繁荣，形成了不同的声腔系统和表演风格。
京剧
四大徽班奉召进京演出，被视为京剧的诞生之始。
著名京剧表演艺术家。
如四大名旦（梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云）
昆剧
主要剧目《琵琶记》《牡丹亭》《长生殿》等
对传统戏曲的看法？
举例说明。
可以继续发扬，但可以加入一些新的东西，或者从传统戏曲中找到灵感，来创新。
最可怕的就是一成不变，文化要传承，但更要赋予它时代的文明。
这就是最好的发扬！
戏曲作为中国5000年文化的结晶，历经老一辈的忘我创作，这值得我们称颂，中央电视台单独开设戏曲频道不无道理。
对于中国传统戏曲如何摆脱困境，获得新生？
这个问题我觉得中国戏曲要在剧目上有所创新。
这样才能使中国戏曲长盛不衰。
被称为“东方歌剧”中国戏曲远远流长,是中华民族文化历史长河中一颗璀璨的明珠.它是中华民族的瑰宝，经过了多年的磨砺和筛选留下的精华，它应该在创新中发展，在发展中创新!
一曲好的曲子跨越了年代的门槛，被一些后人继续传承下去，其中的一些精神也被人们广为传颂。
中国戏曲的主要特点则是经过无数代的艺人不断丰富的探索与发展，比如《霸王别姬》、《牡丹亭》等戏曲长盛不衰，几十年来保持着它的地位与活力。
这是其他艺术形式所不能够相比的。
戏曲艺术是前辈艺术家们的汗水与辛勤凝聚而成的，他象征着中国传统艺术创建者的精神品质，面对人生的态度，是艺术者们共同的结晶，因此我认为我们应该将这一种可贵的艺术传承下去，发扬光大，让更多的人加入到演绎戏曲的行列中来，突出中国传统艺术的可贵，让后人们将其更好地演绎出来。
摄影、电影、电视作为新兴的艺术门类，乃是现代影像技术的直接产物。
1839年，法国画家和物理学家达盖尔发明摄影技术。
德拉罗什感慨：
从今天起，绘画死了。
如何理解？
摄影对绘画产生了直接的冲击。
摄影艺术的美学特征有纪实性、光与影的艺术。
电影的审美特征：
运动的画面、声画结合、时空自由
电视和电影的异同
相同部分：
运动的画面、声画结合、时空自由、追求逼真性
不同：
观看环境不同，篇幅长度不同，电影时长有限，电视理论上无限长。
画面不同，小幅和大幅画面。
画质要求和美学原理都不同
媒介革命对艺术的影响何在？
第一次媒介革命：
口语，口语把声音和其所指的对象分离开来，极大地促进了人类的思维发展，增强了人类的交流能力，是人类从野蛮的动物群落进入文明的人类社会的重要标志。
口语时代具有漫长的历史，人际传播是这个时期的主要传播方式。
那个时代诗乐舞密不可分。
身体是重要的艺术媒介。
人人都是艺术家。
第二次媒介革命：
文字，文字的诞生是人类文明的一大飞跃。
文字能够把人类的思想和感情记载下来，使人类的文化创造可以更好地传承下去。
文字时代精雕细琢，讲究押韵和格律的诗取代了口传时期的歌谣。
成为最主要的语言艺术。
第三次媒介革命：
印刷，造纸和印刷术是中国人对人类文明做出的巨大贡献。
印刷术使文字媒介可以无限复制，时空的障碍不复存在，印刷术极大的打破了权贵阶层对于知识的垄断，促进了思想和文化的繁荣。
印刷时代最有代表性的语言艺术是小说，尤其是长篇小说。
而报纸的异军突起使长篇小说有了新的载体。
艺术也在文化的版图中占据了显要的位置，伟大的艺术家作为“天才”被后世敬仰。
第四次媒介革命：
电讯，电报技术以及雨后春笋般涌现的无线电、电话、留声机、电影电视等新媒体技术，将人类带入一个崭新的电讯时代，信息以光速传播，空间距离可以忽略不计，地球变小了。
摄影、电视、广播、电视等媒介技术起初都是以别的艺术形式为内容，后来纷纷喧宾夺主，自立门户，成为一门新的艺术形式。
艺术依赖媒介，媒介成为艺术。
媒介导致了艺术形态的变异。
媒介文化的图像转向
第五次媒介革命：
网络，是人类历史上最为深刻的媒介革命，新的网络媒介则把此前所有的媒介都一网打尽，多媒体技术把文字、声音和图像全部转化成自己的“内容”。
催生出网络艺术。
网络艺术的特征
远程性、虚拟性、互动性、流动性（流媒体）
形式美的基本规律
好的艺术作品在创作时是没有什么既定规范可循的，越是优秀的佳作，越是难以按常规去揣想复制。
但是从宽泛的视野看来，凡是人们喜闻乐见的艺术作品，通常会符合一些基本规律。
譬如比例均衡、节奏和谐、统一中又有变化，等等，这与人的生理感觉、审美接受惯性有关。
古典时代的作品大多数都讲究工整、匀称、协调，可以从中总结出一些形式美的基本规律
对称与平衡：
对称指事物整体的各个组成部分之间的相称或对应，建筑艺术就特别讲究对称，例如中国古代民居，从门前的石狮到门窗、对联，进门后的左右厢房、走廊等，莫不对应齐整，给人安稳谐和之感。
平衡是均衡、平均之意。
对于视觉艺术来说，在一个视觉形象或者一个视觉空间内，中心轴左右两部分的要素应当在大小、明暗、轻重等方面保持均衡，能给观赏者带来愉悦的感受。
例如黄金分割率就是人们最喜欢的长方形宽和长的比例。
达芬奇的多幅作品都符合黄金分割率。
比如蒙娜丽莎的脸部。
反复与渐变：
在一个整体结构中，同一单位的要素重复出现，称为反复。
《诗经-蒹葭》就是一首在反复吟咏中略有变动的佳作，全诗三段，大部分字句都一样，只在每句末尾变换一两个字，诵读时既有回环往复、情意绵绵之感，又不会觉得过于单调。
渐变是逐渐强化/弱化或等级变化的反复。
渐变形式多样，有数量上的增减，也有排列次序的变化。
中国古代建筑的宝塔就是一个典型例证，它们一般底层最高最宽，往上就一层层的变小变窄，直到顶层变得很尖。
调和和对比：
在一个形式结构中，各要素的质（形状、色彩、音色、动作等）量（大小、高低、强弱、快慢等）虽然不同，但差别不显著，称为调和。
如果差异显著则为对比。
例如在视觉艺术中，用红色与蓝色搭配蓝色与绿色搭配最容易取得调和的效果。
而对比效果在诗句里经常出现，比如“大漠孤烟直，长河落日圆”体现出的形体对比“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红”是色彩对比。
两种明显对立的因素组合在一起，收到相反相成的审美效果。
统一与单纯：
统一也成为协调，就是在复杂的结构中，有一个共同的要素来统和各部分，使其成为首尾一贯、繁而不乱的整体。
如电影《云上的日子》讲述了四个小故事，看起来毫不相关，实际上由一明一暗两条线串起来。
使整部电影笼罩在统一的情调中。
单纯是指利用简单纯一的形状、线条、声音、文辞或情节为主要甚至唯一元素的形式。
伊朗电影《天堂的孩子》（又名《小鞋子》）全片线索单一，仅围绕一双小鞋子展开。
在极其简单的情节里体现了童真之美，展现了儿童心中的至纯至善，感人至深。
艺术内容指的是什么？
就是指艺术的形式体系所具有的的含义，或者说是作品通过形式所表现出来的社会生活和思想感情等。
艺术的内容主要包括题材和主题两大部分。
艺术的内容与形式的关系
一般认为，艺术作品是由内容和形式两方面构成的
艺术的内容和形式是有
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