关于西方油画毕业论文范文.docx
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关于西方油画毕业论文范文
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1.西方油画的论文
拉斐尔的《巴尔达萨雷伯爵像》和《雅典学派》拉斐尔是我最喜爱的美术家之一，或许是了解他比较多，我在11岁开头接触西洋美术时，就最先了解了拉斐尔，我的启蒙美术老师也是一个拉斐尔的崇拜者，他教授给我们的作画方法和风格也都来自于老师对拉斐尔作品的后期领悟。
达·芬奇的艺术肤浅、委婉、富有理智、布满才智；米开朗基罗的艺术博大、宏伟、富有激情、布满力气；而拉斐尔的艺术则以优雅、秀逸、和谐、高度的完善为标志。
拉斐尔·桑蒂1483年生于意大利山区的乌尔宾诺小公园。
父亲乔万尼·桑蒂是乌尔宾诺大公的御用画家，拉斐尔的启蒙老师。
15岁的拉斐尔在波伦亚画家的画室里学习，他勤奋地探究绘画的神秘，能敏感地捕获住美和艺术的真理。
16岁时离开家乡乌尔宾诺到北意大利安布利亚地区的裴路基亚城，从师于佩鲁基诺。
在佩鲁基诺的引导下，拉斐尔跨进了佛罗伦萨的艺术世界，很快就融入到画家群里。
他那讨人宠爱的外貌和擅长自持的性格，立即就为本人开拓了艺术道路。
他既崇拜达芬奇，也敬重米开朗基罗，他要把佛罗伦萨的全部艺术精华变成本人的养分。
他开头意识到本人的羽毛已经丰满了，他可以走向更高的艺术殿堂，他想到罗马去一显本人的才能，让世人看一看谁是当今意大利最优秀的画家。
在拉斐尔众多画作中，我最喜爱的是《巴尔达萨雷伯爵像》和《雅典学派》，《雅典学派》是我看过的第一幅拉斐尔作品，而《巴尔达萨雷伯爵像》是我在高校期间了解并喜爱的一副画作。
《巴尔达萨雷伯爵像》中比拉斐尔小5岁的巴尔达萨雷伯爵，是画家的挚友。
在这幅肖像中，画家不只细腻刻画了伯爵的抽象和性格特征，更精彩的是运用微妙变化的颜色，把伯爵身上那天鹅绒的银灰色，外衣和帽子描绘得淋漓尽致、质感鲜亮。
画家更着意于挖掘这位真实人物肤浅、和善、才智的内在气质，作为外交家、政治家、作家和学者的伯爵的抽象，在画家的笔下得到活敏捷现的表现。
构图采纳正三角形，使画面沉稳和严肃，这与人物身分，修养和心态非常吻合。
期中最令我惊异的是那正三角形的构图和那灰色天鹅绒的质感表现，首先，构图时美术作品，乃至于图像艺术中最为重要的元素之一，这样的正三角形构图体现了特别的稳固，而在油画、水粉、水彩的作画中，质感的表现可以说是一个很大的难点，而拉斐尔的这幅画中的灰色天鹅绒表现得非常到位，令人称奇。
而作为非常出名的《雅典学派》中，其特点广为人知。
宏伟庄丽的大厅里，汇聚着人类才智的明星，他们是不同时代、不同民族、不同地域、不同学派的杰出学者、思想家，古今同堂，自在热闹地进行学术争论，可谓弥漫着百家争鸣的气氛，分散着人类天才才智的精华。
画面构图宏大，视觉中心人物是古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德。
围绕这两位大哲学家画了50多个学者名人，各具身分和共性特征。
他们代表着古代文明中七种自在学术：
即语法、修辞、规律、数学、几何、音乐、天文等。
整幅画作最为令我感到不行思议的就整张画作有许多人物，但是拉斐尔奇妙地构图令这些各式各样的人变得非常奇妙。
拉斐尔极善利用台阶，使众多人物组合主次前后有序、真实、生动、活泼，画面将欣赏者带进先哲们的行列。
这宏大的场面，众多的人物，生动的姿势表情，具有肖像性人物共性刻画，规划的和谐、变化且统一的节拍，可谓把绘画创作进展到文艺复兴时期的顶峰。
2.西方油画的论文
拉斐尔的《巴尔达萨雷伯爵像》和《雅典学派》
拉斐尔是我最喜爱的美术家之一，或许是了解他比较多，我在11岁开头接触西洋美术时，就最先了解了拉斐尔，我的启蒙美术老师也是一个拉斐尔的崇拜者，他教授给我们的作画方法和风格也都来自于老师对拉斐尔作品的后期领悟。
达·芬奇的艺术肤浅、委婉、富有理智、布满才智；米开朗基罗的艺术博大、宏伟、富有激情、布满力气；而拉斐尔的艺术则以优雅、秀逸、和谐、高度的完善为标志。
拉斐尔·桑蒂1483年生于意大利山区的乌尔宾诺小公园。
父亲乔万尼·桑蒂是乌尔宾诺大公的御用画家，拉斐尔的启蒙老师。
15岁的拉斐尔在波伦亚画家的画室里学习，他勤奋地探究绘画的神秘，能敏感地捕获住美和艺术的真理。
16岁时离开家乡乌尔宾诺到北意大利安布利亚地区的裴路基亚城，从师于佩鲁基诺。
在佩鲁基诺的引导下，拉斐尔跨进了佛罗伦萨的艺术世界，很快就融入到画家群里。
他那讨人宠爱的外貌和擅长自持的性格，立即就为本人开拓了艺术道路。
他既崇拜达芬奇，也敬重米开朗基罗，他要把佛罗伦萨的全部艺术精华变成本人的养分。
他开头意识到本人的羽毛已经丰满了，他可以走向更高的艺术殿堂，他想到罗马去一显本人的才能，让世人看一看谁是当今意大利最优秀的画家。
在拉斐尔众多画作中，我最喜爱的是《巴尔达萨雷伯爵像》和《雅典学派》，《雅典学派》是我看过的第一幅拉斐尔作品，而《巴尔达萨雷伯爵像》是我在高校期间了解并喜爱的一副画作。
《巴尔达萨雷伯爵像》中比拉斐尔小5岁的巴尔达萨雷伯爵，是画家的挚友。
在这幅肖像中，画家不只细腻刻画了伯爵的抽象和性格特征，更精彩的是运用微妙变化的颜色，把伯爵身上那天鹅绒的银灰色，外衣和帽子描绘得淋漓尽致、质感鲜亮。
画家更着意于挖掘这位真实人物肤浅、和善、才智的内在气质，作为外交家、政治家、作家和学者的伯爵的抽象，在画家的笔下得到活敏捷现的表现。
构图采纳正三角形，使画面沉稳和严肃，这与人物身分，修养和心态非常吻合。
期中最令我惊异的是那正三角形的构图和那灰色天鹅绒的质感表现，首先，构图时美术作品，乃至于图像艺术中最为重要的元素之一，这样的正三角形构图体现了特别的稳固，而在油画、水粉、水彩的作画中，质感的表现可以说是一个很大的难点，而拉斐尔的这幅画中的灰色天鹅绒表现得非常到位，令人称奇。
而作为非常出名的《雅典学派》中，其特点广为人知。
宏伟庄丽的大厅里，汇聚着人类才智的明星，他们是不同时代、不同民族、不同地域、不同学派的杰出学者、思想家，古今同堂，自在热闹地进行学术争论，可谓弥漫着百家争鸣的气氛，分散着人类天才才智的精华。
画面构图宏大，视觉中心人物是古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德。
围绕这两位大哲学家画了50多个学者名人，各具身分和共性特征。
他们代表着古代文明中七种自在学术：
即语法、修辞、规律、数学、几何、音乐、天文等。
整幅画作最为令我感到不行思议的就整张画作有许多人物，但是拉斐尔奇妙地构图令这些各式各样的人变得非常奇妙。
拉斐尔极善利用台阶，使众多人物组合主次前后有序、真实、生动、活泼，画面将欣赏者带进先哲们的行列。
这宏大的场面，众多的人物，生动的姿势表情，具有肖像性人物共性刻画，规划的和谐、变化且统一的节拍，可谓把绘画创作进展到文艺复兴时期的顶峰。
3.急求关于西方油画艺术鉴赏论文大约800多字
（法）弗朗索瓦.米勒油画，83.5*111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏
《拾穗》是米勒最重要的代表作，这是一幅非常真实的，亲切漂亮，而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画。
从中不难看出画家对劳动的甘苦，特殊是“汗滴禾下土，粒粒皆辛苦”的意义是有着切身的深刻体验的。
整个作品的手法极为简约朴实，晴朗的天空和金黄色的麦地显得非常和谐，丰富的颜色统一于严厉的调子之中，它像米勒的其它代表作一样，虽然所画的内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平凡浅薄，一览无余，而是寓意深长，发人深思，这是米勒艺术的重要特色。
米勒是十九世纪法国现实主义在师，他的大量的以农夫题材为主的油画、素描、版画至今仍给我们深刻的启示与鼓舞。
《拾穗》描写了一个农村中最一般的情景：
秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着身子非常细心地拾取遗弃的麦穗，以补充家中的食物。
她们身后那堆得像小山似的麦垛，好像和她们毫不相关。
我们虽然看不清这三个农妇的相貌及脸部的表情，但米勒却将她们的身姿描绘有古典雕刻一般严肃的美。
三个农妇的动作，略有角度的不同，又有动作连环的美，似乎是一个农妇拾穗动作分解图。
扎红色头巾的农妇正快速的拾着，另一只手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎兰头巾的妇女已经被不断反复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲乏不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体的力气；画右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正认真巡察那那已经拾过一遍的麦地，看能否有漏捡的麦穗。
农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮食的感情，急躁而不辞辛苦地拾着麦穗。
画面上，米勒使用了诱人的暖黄色调，红、蓝二块头巾那种沉稳的浓郁颜色也溶化在黄色中，整个画面宁静而又严肃，牧歌式地传达了米勒对农夫困难生活的深刻怜悯，和米勒对农村生活的特殊的挚爱。
4.求1000字以上关于中西名画鉴赏的论文
一是文本分析法，就是你看作品的内容，依据内容去分析评价作者的创作意图，艺术风格；二是知人论世法，你要了解作者的生平经受来了解他作品深层的内涵；三是接受美学的角度，就是欣赏者觉得好就是好，看到作品你会产生怎样的联想，都可以视为正常合理.当然，许多时候是三种方法一起用的.所以，艺术的感人力是无孔不入的，艺术也是没有国籍\年龄\年月\性别等等的界限.它带给我们美感，带给我们感动.假如要成为某方面的鉴赏家，你要找相关的专著来看，比如"中国画鉴赏"，"西方美术史"之类.盼望能对你有所关心.众所周知，美术的鉴赏是运用感知、记忆、阅历、学问，对美术作品进行感受、体验、分析、推断而获得审美享受和美术学问的过程。
本学期，我选择了“世界美术赏析”这门艺术学科进行了选修。
缘由其实很简洁，我自小特别喜爱美术方面的东西，对这些看似神奇的艺术形态非常奇怪 ，很想从这课程当中得到一些艺术的学问与熏陶。
通过选修这门课程，我逐渐了解了很多关于绘画的学问。
学下来收获很大，我渐渐可以感遭到了文艺复兴意大利艺坛三杰之一的拉斐尔那作品分发出一种令人开心的笃定，那种归属感；意大利文艺复兴时期宏大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表米开朗基罗.博那罗蒂在他的作品中的寓意；了解了被可视为法兰德斯巴洛克风的详细意味的鲁本斯的作品；当然还有现在被我认为是世界上最美的油画之一的伦勃朗的“泰特斯”等等这些经典的西方美术艺术。
通过不断的美术鉴赏活动，可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操，通过美术鉴赏，提高我的艺术品尝，汲取前人优秀技法，在中国传统美术训练中是一种重要的方法。
而且在我看来从实际状况作为起点，由于经济生活的变化，各种思潮的影响，社会活动空间的扩大，同学产生了一些需要注重和处理的问题。
“高分低能”是一种表现。
同学有较多的学问和专业文化，并不肯定代表他具有其他方面的素养和修养。
所以要呼吁素养训练。
5.求一篇西方美术观赏论文
高校开设选修课，旨在拓展高校生的素养和综合力量，虽然体制上存在许多缺陷，但动身点还是很好的，这些姑且不谈。
选修《西方美术鉴赏》这门课，已经不是我第一次接触艺术了，但却是印象、收获最大一堂课。
首先，来了解一下艺术：
在艺术分类中，美术又称外型艺术、视觉艺术、空间艺术。
它是指艺术家运用肯定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉抽象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。
它次要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。
在《西方美术鉴赏》老师给我们讲解了很多画派的画家以及很多不同风格的作品。
我不能够真正懂得画家的画却观赏他们的生活，他们的作品给人一种朦胧的感觉，似懂非懂，有所感悟却又无法言语。
就课上老师讲解的内容，谈谈梵高和毕加索，他们的人生可以说是截然不同，但他们都是值得后人仰慕的画家，他们画我看不透但却可以模糊的感觉到艺术家那可不安静的心。
梵高生性和善，喜爱艺术，但在生活中屡受波折，艰苦倍尝。
他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家的基础上，汲取印象派画家在颜色上的阅历，并遭到东方艺术，特殊是日本版画的影响，构成了本人独特的艺术风格，创作出很多弥漫着生活激情，富于人道主义精神的作品，然而却得不到世人的认可，最终郁郁而终。
然而毕加索的一生却是辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到本人的画被卢浮宫保藏的画家，他性情奔放，对于生活特别的乐观，一生中画法与风格几经变化，好像是一
位一生都没能找到他的特别艺术风格的画家。
美术鉴赏课走进高校校内是为了更好的培育高校生，提高高校生的素养，最根本的问题是要提升高校生的精神境界。
美术鉴赏的最终意义，就在于使高校生的情感得到陶冶，思想得到净化，品行得到完善，从而使身心得到和谐进展，精神境界得到升华，本身得到美化。
美术鉴赏有益于高校生灵魂的雕铸和人格的完善。
艺术训练注意开发和挖掘人本身的潜能，并努力于培育人的自尊、自信、自爱、独立、自强意识，不断提升人们的精神文化品尝和生活质量，从而不断提升人的生存和进展力量，促进人的全面进展与完善。
美术鉴赏有益于陶冶高校生的思想情操、提高高校生的精神境界。
通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素养和思想境界，都会产生不行估量的作用。
美术鉴赏可以关心高校生开阔眼界，扩大学问领域。
在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们供应了种种与他人产生共鸣的经受与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待四周的一切事物，并获得一种全新的洞察力。
在这堂课上印象最深的是：
观赏一幅画不能看它像不像，要专心去感受画家所要表现的心情、场景、意义，去感受当时画家那颗不安静的心。
其实我们的生活中从来都不缺少艺术，要看你用什么样的眼光去观赏、去感悟。
6.求关于西方美术的论文
20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。
进展情况现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。
19世纪80年月，法国的后印象主义、新印象主义和意味主义画家们提出的“艺术语言本身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依靠”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础，所以，法国后印象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。
较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中消失的。
以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，由此“野兽主义”得名。
1908年，另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。
立体主义的准绳最后消失在毕加索的油画《亚威农少女》中。
这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。
立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现风光的堆叠、交叉的美感，是立体主义追求的目标。
野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中汲取了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。
与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。
它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相像，只是带有深厚的北欧颜色与德意志民族传统的特色。
假如说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的将来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。
他们还热衷于用线和颜色描绘一系列堆叠的形和连续的层次交叉与组合，并且试图用线来描绘光和声音。
蒙克：
《圣母》上述思潮和运动，特殊是将来主义，在雕塑领域内均有所反映。
将来主义的画家和雕塑家U.博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言，并把将来主义的准绳运用到本人的作品中，代表作为《在空间连续的形》（1913）。
相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。
除了受立体主义和将来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。
笼统主义的美术作品最早于1910年前后产生。
首先从事笼统主义艺术制造的是参加德国青骑士社活动的俄国画家W.康定斯基。
他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和心情。
他的著作《论艺术中的精神》（1912）、《点、线、面》（1923）等奠定了笼统主义的理论基础。
作为实践家，他次要从事抒情笼统绘画的制造，但同时也在几何笼统方面有所探究。
俄国的画家K.C.马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何笼统的范畴。
至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应当说是有意义的。
真正奠定几何笼统主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P.蒙德里安创建的风格派（或称新外型主义）。
在整个20世纪，笼统主义基本上遵照着抒情的笼统和几何的笼统两个方面进展，只是在各个阶段有所变化而已。
康定斯基：
《第一笼统水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世消失的达达主义社团，影响波及欧美各国。
在法国、德国都有达达美术社团。
达达主义反对战斗，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必定要走到自我否定的境地。
达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。
在平面的绘画中采纳拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。
超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。
它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。
它直接从弗洛伊德的潜意识学说中吸取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指点思想。
超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中吸取灵感，努力于探讨人类阅历的先验层面，试图突破现实观念，把现实观念与天性、潜意识和梦的阅历相糅合，以达到一种肯定的和超现实的境界。
超现实主义者经常采纳出其不意的偶然结合、无意识的发觉、现成物的拼集等手法。
写实与笼统的语言在他们的作品兼而有之。
从1924年以后到30年月末，是超现实主义美术的活跃期。
30年月以后，作为艺术运动，超现实主义渐渐冷寂，但很多重要的超现实主义画家仍旧活跃于欧洲和美国画坛。
波伊斯：
《向兔子解释图画》其次次世界大战以后曾在美国产生的笼统表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、笼统主义和超现实主义大成的流派，也是注重共性、注重风格的现代派绘画顶峰。
笼统表现主义强调创作者行动的自在性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。
杜尚：
《干燥的便盆》继笼统表现主义之后产生的硬边笼统、后绘画性的笼统是几何笼统主义在新形势下的变化和进展，也说明艺术从强调客观感情到侧重于客观表现的转变。
这种转变在与笼统表。
7.谁有关于油画的毕业论文
你这个话题的确大！
但你能提出这个问题并讨论，实在珍贵。
我和北京的美术评论家和一些职业画家聊起过这个话题！
这个话题是他们正在思考的问题，也是整个中国油画界面临的问题！
至于做到油画本土化需要很长时间甚至几代人的努力和探究。
看到油画家费正先生的画册上这样几段话，对我启发很大！
60年月初，我接受了一位对艺术颇有胆识的画家董希文先生的指点，对绘画产生了难以抑制的激情！
在文艺被禁锢的年月竞与画室中几个担心分的同学偷吃了西方现代绘画的禁果！
心中萌动起来，在本人的画中消失了客观臆想的变形和夸张的颜色，绘画语言和形式的清醒带来了艺术制造的活力，那时，这种醒悟和锐进，终究在所难免。
80年月的中国画坛兴起85新潮，众多青年画家和我们当年那样涌向现代绘画，它们自行其事冲撞呼喊，在中国美术史上留下特别的一页，我为此而兴奋，同时又对这有些浪费的中国现代有几分怅惆！
在法国进修时，我在西方人的生存环境中看那些油画珍品，已经孕育这些宏大的鳞鳞城镇，乡村田野以及人们生活中的点点滴滴，都与画的广阔精微息息相连。
它们的种种现代在西方文明的空间显示着一种真实引人深思。
我想这就是艺术的生命！
！
！
油画在中国，在这方水土与东方民族共同生长，他必需成为中国的油画并获得新的生命。
我放松了对现代的刻意追求，沉静与潮流之外。
面得当代形态感受一点实在和真实，在频繁的操作中寻得一份淡泊和从容。
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听中心美院袁运生先生讲座时：
他对中国现代绘画的否定！
哗众取宠！
看了许多大师日记！
德拉克罗瓦论美和美术家。
梵高书简全集。
马蒂斯论艺术。
赵无极中国讲学笔录等！
它们都谈到三句话！
敬重自然！
！
！
！
敬重传统和基本东西。
赵无极谈到唐宋艺术时提到！
他们是从生活中来的！
！
！
谈到画时说！
应时时考虑画能否实在和恳切！
敬重自然是敬重你对自然的感受！
是要真诚的面对自然！
犹如文学！
你想一想中国的一句的古话！
外师造化，中得心源！
到这！
你应明白我的意思，你想想，中国现代绘画中绝大多数只是学了一个表面的形式！
它们并没有真诚的面对大自然，感受自然，所以画中流显露一种虚假！
你想想范宽，梵高，蒙克等大师们他们的画中流显露的真诚，蒙克画呐喊时是他的切身体验！
是他的真实感受！
你不妨从油画本土化或现代油画本土化和自然的关系或面对自然的态度入手！
这是我对油画本土化的一点思考和对你的一点建议！
盼望对你有用和帮到你！
8.跪求一篇关于油画方面的论文
写意油画与中国传统文化精神油画作为外来艺术形式，在中国百余年的历程中，取得了令人注目的成就。
中国油画始于写实，至上世纪五十年月学习苏俄油画，接受的也是现实主义的写实画风。
多年来，中国由于美术训练格局以及政治因素的影响，写实具象始终占据着中国美术训练与绘画艺术的主流。
作品风格、观念和形式的陈旧与单一令人触目惊心，误使人们以为油画只是一种表现形式。
油画家们只是在特定模式的写实技巧上比试凹凸，却没有在风格与个风光貌上进行探究和发挥。
改革开放以来，随着国家经济的高速进展以及中国政局发生的巨变，外国各种流派与形式的美术作品不再遭到封堵和批判，中国油画家接触和了解西方艺术的机会越来越多。
西方现代绘画成为中国艺术家更新观念、转变艺术风格自创的对象。
在全国一片“解放思想”的大背景下，中国油画家经受了从历史反思到艺术反思的过程，提出“要多样，不要统一”和“追求艺术共性”等口号，成为新时期油画创作的新起点。
特殊是近年来中国油画界提出的油画本土化与民族化，促使中国油画更趋多元与共性化。
中国油画家一方面学习和自创西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生深厚的爱好。
于是，表现、笼统和意味成为新的艺术取向，并成为当代中国油画的一大特色。
中国传统绘画本来就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。
由此，中国油画开头从写实走向写意，画家以共性化形式表现本人的心灵印记与某种感情阅历，写意与表现成为油画家全体性的文化诉求。
写意，是中国传统文化独具特色的美学因素。
它基于中国人对待宇宙中形与色的基本观点，通过特定的内容描绘和特定的笔墨意趣表现，追随心灵与精神的共鸣和满意。
所谓写意，就是借物抒情，是艺术家对客观世界的描绘和内心客观情感表现的有机结合，是心与物交融的产物，这是中国悠久的历史与深厚文化底蕴所构成的不同于西方的思维方式和审美意味。
究其内涵而论，中国文化上的写意与现代西方强调艺术家的自我表现，在本质上是有差异的，这源自两者完全不同的精神文化模式。
西方文化很早就把物质与精神区分开来，构成二元论的世界观。
而中国文化则长期受老庄哲学及《周易》美学思想的影响与渗透，强调冲突双方的相互转化，阴阳相互，有无相生。
老子认为宇宙天道之妙用全在于阴阳动静，宇宙万物都包含着“阴”和“阳”这两种对立的方面或倾向，万物的变化都是由于阴和阳的相互转化，它们最终都在“气”中得到统一。
“气”就是宇宙万物的本体和生命，是万物生命产生的根源，没有“气”就没有万物的生气与造化。
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