论述一下中国历代的绘画理论.docx

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论述一下中国历代的绘画理论

1----概述一下中国近代的绘画理论

中国绘画理论的历史发展分为萌芽、奠基、成熟和完善等四个发展阶段。

南北朝时期是中国绘画理论的奠基阶段到了宋代中国绘画理论体系已经构筑完成元代以来中国绘画理论没有大的发展但却在一些基本问题方面进行了充实完善。

。

中国绘画理论体系由绘画功能、创作与鉴赏原则、创作道路、构图比例透视、笔墨技巧、绘画步骤、作品评定、笔墨当随时代、百花齐放推陈出新等九个方面组成。

一萌芽阶段从春秋战国到两汉这段历史时期是中国绘画理论的萌芽阶段中国绘画早在&"""年前的仰韶文化彩陶艺术和河姆渡文化的刻画艺术即已产生到夏、商、西周的青铜艺术已达到相当高的水平。

但是付诸文字记载的有关绘画论述至今尚未见及。

到了东周春秋战国时代代出现了诸子著书立说、百家争鸣生动活泼的政治局面有关绘画的论说便出现在诸子的著作中。

之所以说从春秋战国开始到两汉是中国绘画理论的萌芽阶段是因为在这一时期里还没有出现专门的画论与绘画有关的言论只是片言只语散见于一些哲学的论说之中既不成系统且又只是作为论述学术观点时的例证。

这一阶段中国绘画虽已相当发达但有关绘画理论总结远不曾见及。

二奠基阶段魏晋南北朝的!

"#年间是中国绘画理论的奠基阶段。

这一阶段的主要特点是出现了专门的画论虽然传世的著作不多但却十分重要。

。

顾恺之《画评》是我国第一篇保存较为完整的画论提出画面的“置陈布势”画人的“生气”、“天趣”问题。

他所提出的“以形写神”原则一直指导着后世绘画成为中国画论的一个精髓成为南朝谢赫提出“六法”的先导。

综观上述魏晋南北朝时期在中国绘画理论发展史上是十分关键的对中国绘画理论和创作都起着奠基作用。

三成熟阶段由隋唐至两宋的"$%年是中国绘画理论大发展并趋于成熟的时期。

这一阶段的重要特征是山水画异军突起唐代的山水画与道释人物画、花鸟走兽画呈并立之势五代至两宋山水画已作为中国画十三科之首而遥遥领先这一时期的大画家多是山水画的高手一些划时代的绘画大师从自身的实践经验出发总结出不朽的山水画论这些画论充实完善了以“六法”为总纲的中国绘画理论体系。

代王维《山水诀》、《山水论》。

。

因此中国绘画理论到了北宋已相当完善成熟理论与创作呈比翼双飞态势构成中国绘画史上最为辉煌的一章。

四完善阶段从元代到现代的七百余年是中国绘画理论体系不断地得到充实完善的发展阶段。

由于元代之前中国绘画理论已经形成完整的理论体系元代以来的理论研究只是在大的框架内部进行。

这一阶段理论研究主要做了以下三方面工作1对前人理论作补充2善增加了分科技法的总结3对中国绘画的基础———笔墨提出了突破性的观点从而打开了中国绘画的新纪元。

两汉以前中国绘画理论的发生情况1审美价值取向的产生，《老子》，大，精神的充盈、自然、和谐、解衣盘礴、绘画达观超逸，个性追求。

（2）从本体的角度讲，绘画技法上：

观察法、创作方法：

类；色彩上：

黑白素朴；（3）教化功能的产生：

目的了解天象或“使民知神奸”（4）形神意识的产生，重视神。

《淮南子》

魏晋南北朝绘画理论

1、第一次高潮：

（1）出现一批画论家，自觉写作。

（2）出现了众多画伦著作。

（3）提出了影响深远的画论观点。

（2）“比《雅颂》之述作”提升了绘画艺术的地位；顾恺之：

（1）以形写神出自《魏晋胜流画赞》，用形来传达神气，汉代《淮南子》已提出绘画或音乐演奏中的“君形”问题，可视为传神论的雏形，它是对古今中外绘画艺术的精当概括，它与传神写照共同展示了绘画的本质。

价值意义：

（1）确立了中国绘画的中心是“气韵”；

（2）开创了中国绘画中书画同源的先河（骨法用笔）；（3）为中国画创作开列了完整的技术清单（用笔，用色，构图）。

张彦远：

《历代名画记》

（1）更加详尽的论述了绘画的社会功能问题，突出强调其社会教育意义。

对谢赫的六法论做了新的阐述，强化了以气韵为核心的中国画审美趋向。

强调形似更强调神似。

（3）首次提出了书画同体，用笔同法的观点。

（4）阐明了绘画用笔风格与立意之间的相互关系问题。

元代如此的政治制度和社会关系，决定着元代绘画与隋唐五代和两宋着明显的不同，具体说来有以下几点：

第一，文人画开始占据画坛主流。

元代统治者对绘画主要强调实际应用，在题材、技法、审美倾向上不自觉地表达文人的情趣和爱好，从而带来元代绘画题材、风格以及技法上的巨大变化。

在复古思潮下，唐宋的文人画和山水画自然成了师法和模拟的对象。

总之，以水墨写梅兰竹菊，成为元代文人作画的特殊题材和时尚，舍形取神，简逸为上，重视情感的发挥，审美趣味发生了显著的变化，开了明清绘画之先河。

元代绘画还有一个不同之处，就是其传世作品比六朝、隋唐五代、两宋都多。

中国绘画艺术的发展脉络和基本特征：

史前美术以生活工艺品为主，其发展显示了我们中华民族的艺术才能和智慧，迎来了美术史上光辉的黎明。

夏商周三代政治制度革新，社会生产力和人的精神得到一定程度的解放，成为推动美术发展的巨大动力。

的绘画以人物肖像为主，画在墙壁上、丝帛上。

战国时期是中国绘画艺术从萌芽走向成熟的关键阶段。

对民族美术传统的形成和不断发展也有着深远的意义。

秦汉时期，随着国家的强生，政治经济联系的加强，秦汉的统一使得科学和文化艺术也出现繁荣，对外交流活跃，边地各民族在美术上的创造为此时代增添了光彩，绘画艺术有进一步发展。

后期佛教美术初见端倪，为后来繁荣做了准备，对后来魏晋南北朝美术的发展有着直接和深远的影响。

绘画门类丰富，有壁画、帛画、木刻画、木版画、画像石、画像砖等。

五代两宋时期是中国绘画的鼎盛时期，一方面，绘画自身的形式意义得到了充分的释放；另一方面，绘画与其他艺术形式之间的关系得到了空前的加强。

与唐代相比，宫廷画院进入最为活跃的阶段，画学兴起，适应民间需要，绘画成为商品，绘画艺术得以全面发展。

山水花鸟画的成熟，诗歌书法的渗入，由偏重描写个体到有意识的展现个体，各画种全面发展，题材愈加广泛，画派并出，空前繁荣，盛极一时，其光辉璀璨，照耀百代。

绘画形成了完美而成熟的格局体系。

中国的绘画宋以前主要是文人画，强调诗中有画，画中有诗。

宋代由于理学的兴起，绘画注重意境。

宋以后，由于商品经济的发展，市民阶层的兴起，民间风情画大量出现。

现实性和世俗性明显增强，现出多元化的趋势，对元明以后有重要的影响。

魏晋南北朝时期，战争频仍，民生疾苦，但是绘画仍取得了较大的发展，苦难给佛教提供了传播的土壤，随着民族大融合以及人们的思想观念挣脱开旧的束缚，佛教美术勃然兴起。

艺术造诣极高。

由于上层社会对绘事的爱好和参与，除了工匠，还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家，如顾恺之等。

这一时期玄学流行，文人崇尚飘逸通脱，画史画论等著作开始出现，山水画、花鸟画开始萌芽，书画理论著述的问世，知道了艺术创作的方向。

这个时期的绘画注重精神状态的刻画及气质的表现，以文学为题材的绘画日趋流行，正确阐明他们各自的作用及其相互关系，对研究美术史有着重要的理论价值与实际意义。

　　隋唐时国家统一，社会相对稳定，经济比较繁荣，对外交流活跃，给绘画艺术注入了新的机运，使文化艺术有了长足的进步，丰富多彩的绘画正是在这样的社会条件下出现的。

绘画艺术也随着社会经济文化的繁荣，在题材、内容和表现手法等方面，成为中国绘画史上的高峰之一。

在人物画方面虽然佛教壁画中西域画风仍在流行，但吴道子、周昉等人具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势，民族风格日益成熟，展子虔、李思训、王维、张缲等人的山水画、花鸟画己工整富丽，取得了较高的成就。

明清时期封建专制中央集权体制进一步加强，出现资本主义萌芽，艺术生产有其特殊规律性，宫廷绘画都曾受到重视，发挥着宣扬教化装饰宫廷的职能，一部分美术雅化的趋向成为这一时期值得注意的艺术现象，民间美术的活跃和艺术上的成就都应得到科学的评价，在写意花鸟画成就最高，山水画也有一定发展，而直接表现现实生活的人物画则明显衰弱，后期剧变动荡，中国美术只有适应时代潮流，继承和发扬优良传统，进行大胆改革和创新，百年来近现代美术的变化与发展证实了这一点。

如石涛的绘画创作建立的独特画风起了先导作用，其《苦瓜和尚画语录》通过“搜尽奇峰打草稿”进行艺术概括，反对泥古不化，“借古以开今”名气颇大。

明代晚期，经董其昌等人从理论到实践系统地提倡复古，以临摹前人为能事，中国山水画艺术陷入步履古人的圈子而少有创造。

影响所及，直到清初的四王（王晕、王时敏、王鉴、王原祁）也都是如此，“摹古逼真便是佳”。

他们虽有泥古之弊，但在摹古之中也总结了前人在笔墨方面的不少经验心得，对于绘画遗产的整理与研究，不能说是毫无贡献。

明代山水画从形式上看风格多样，出现复杂纷繁的流派，显示出山水画坛的兴旺；但从内容上看，却日益空泛，画家趋向于摹仿古人笔墨，因袭成风，有创造性的不多。

在改革开放的今天，我们要创新，但仍要努力地去吸收传统中技法和笔墨之精髓。

有人认为临摹几张作品就算是继承了。

其实真正有成就的画家时时刻刻都在汲取前辈留给我们所有丰富宝贵的经验和精深的笔墨功力，从而使自己更能从中发扬和创造出具有时代特征的辉煌作品。

2__山水画的历代变迁

山水画成为一个独立的画种，在艺术史上，审美理想的确立与艺术语言的成熟常常存在一个时间差，正如山水诗兴起于南朝的谢灵运，而在盛唐达到高峰，山水画艺术语言的成熟也需要历代画家的不断锤炼经营。

从魏晋到隋唐，受外来佛教绘画的影响，中国画家的写实水平得到很大提高，这在人物画上表现显著，在山水画上同样如此，展子虔的《游春图》是以写实的手法描绘真实自然的开始，勾线填彩之法自然就成了早期山水画的表现形式。

宋元山水画家忠实于自然，师法造化，形成了注重写实的画风，这为元代山水画的转变奠定了基础，以“元四家”为代表的文人画家在继承前人的基础上，将情感与笔墨形式美相结合，完成了画风由尚形写实向抒情写意的转变。

明清山水画，除少数画家外，大多以摹古为能事，突出笔情墨趣，如明代早期的画坛就以崇尚南宋画院的院体、浙派为主。

但之后的绘画，仍有所突破。

他们多强调主观的审美感受。

融各家之长，手法灵活多变，构图不再遵循从揖让的传统格式，自由安排，强调生活情趣。

明代中期的吴门四家——沈周、文征明、唐寅、仇英的山水画成就较高。

山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位，并在东方绘画中成为富有特色的艺术。

东晋顾恺之的传世摹本《女史箴图》，《洛神赋图》来看，这时期的山水画只是作为人物画的背景，山水画的技法还比较简单粗拙，这时期的山水画还很不成熟，是中国山水画形成的孕育期。

中国山水画，经东晋顾恺之发端，历南北朝至隋唐，才逐渐摆脱作为人物画的背景，而发展成为独立的画科。

传为隋展子虔的《游春图》是现存最早的一幅山水画真迹，它标志着中国山水画的形成和进步。

到了唐代，由于经济的发达，社会的安定，以及宗教绘画的世俗化，中国山水画走向成熟并进入了繁荣昌盛的时期，因而有各种风格竞相出现的局面。

五代的代表画家为荆浩，他第一个将勾填、勾染法变成了“皴法”，这是中国山水画技法的重大变革。

山水画至宋代，已达到完全的成熟，是山水画空前兴旺鼎盛的时期。

山水画的许多表现方法都创始于宋代。

山水画的理论在宋代也十分发达。

对于宋代及以后水墨山水的发展具有极其深远的影响。

元代是山水画的重大转变期。

从中国山水画的发展来看，表现形式由五代以前色彩为主，经过两宋色彩、水墨交相辉映时期，至元代则水墨占了画坛的统治地位。

形成的文人派写意山水画，雄踞画坛先后达几百年之久，至今仍然具有一定的影响。

明代山水画从形式上看风格多样，出现复杂纷繁的流派，显示出山水画坛的兴旺；但从内容上看，却日益空泛，画家趋向于摹仿古人笔墨，因袭成风，有创造性的不多，八大山人、石涛为代表的在野派画家有力地冲击了几百年山水画坛的沉闷气氛，别开一条新路。

3历代文人画的特点和中国文人画的传统风格

文人画应指封建时代文人士大夫创作的、鲜明反应他们生活理想和审美趣味的绘画。

古代文人从事绘画的历史甚早，但文人画作为艺术潮流则形成于北宋熙宁、元丰之际，活跃于封建社会后期，并在美术发展史上占有显著地位。

北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖。

作为一种传统技艺，它在古代取得过辉煌的成就，“文人画”的兴起使那幕辉煌永远地成为了历史，“文人画”的传统则成为中国画的主体精神。

对于“形”、“境”的追求它是以特有的形式来反映自然界花草树木的。

中国的文人画有以下三个主要特征:

“以形写神”而注重“神似”;讲求“笔墨”及其相对独立的审美价值;诗、书、画、印四位一体的综合艺术性。

一般以为文人画始于宋元而盛于明清。

因为宋元之后文人作画论画蔚然成风,作品也大量涌现;而且元代以前的画“多不用款,款或隐之石隙”（沈颢《画麈》）,诗书画印的结合尚不明显。

文人画的确只是到了宋元之后才真正形成了诗、书、文人画重意。

杜甫讲"意匠惨淡经营中"匠心独运，可回味无穷。

倪赞道"画者不过意笔草草，不求形似，聊以自娱，写胸中逸气耳"。

文人画重书，张延远在《历代名画记》中说"夫骨气形似皆本于立意而归乎用笔，故能书者皆能画"。

赵孟頫诗云\\\\\"石如飞白木如籀，写竹还需八法通，若也有人能会此，须知书画本来同"。

文人画重墨趣，运用墨干湿浓淡浑厚苍润的微妙变化，以单纯的墨彩概括绚丽的自然。

后人怎么看：

文人画是一种综合型艺术,集文学、书法、绘画、篆刻艺术为一体,是画家文化素养多方面的集中体现。

它崇尚＂意似＂贬斥＂形似＂,追求笔墨意蕴,讲究诗书画印结合,并要求画者的学养深厚方能言之有物,画面格调才能高雅。

传统文人书画以不同于院体画的另一种典范意义对后世文人画的发展产生了广泛的影响。

对文人画及中国传统文人书画教育中的审美倾向进行正确研究和批判的继承仍具有积极的现实意义。

正众所周知,中国明末清初的文人画家们的尚古之风和对传统绘画风格的研究之盛是无与伦比的。

通常他们在自己的作品上题写“仿”黄公望、倪瓒、王蒙或另一个受到尊敬的古代画家的名字。

对于西方人来说,由于他们长期处在一个早已形成的崇尚个性创造的文化环境之中,所以有时会被这些画家坦率地承认其“灵感来自于”某个古代大师或者甘心情愿地“模仿”某个古代大师的行为弄得迷惑不解。

在中国环境里深受中国哲学熏染、政治伦理影响、文人传统陶冶的文人，在他们的艺术中表现出的昂扬向上，不屈不挠，自强不息的人格力量对后世的影响早已超越了审美的境界，而成为了一种心灵的告白激励着中国的文人。

不少文人画相关著作多注重对作品感性研究和艺术图式的研究，而我则力求更多的站在哲学和美学的视角看待文人画的萌蘖。

特点唐代诗歌盛行，大诗人王维以诗入画。

使后世奉他为文人画的鼻祖。

他的绘画作品成为后世文人画家的范本南北宋时期出现了许多大文人，如苏轼、黄庭坚、米芾父子等，他们在王维的文人画派基础上，以书法入画，实践并发展了其水墨技巧。

此时，苏轼提出的“士人画”概念又使文人画向更成熟迈进了一步。

进入到元代，文人画进入兴盛时期。

元统治者重武轻文，导致更多的文人从事绘画。

最著名的文人画家有黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。

即后世所说的"元四家"。

诗情贯注于画意之中相辅相成，这也标志这文人画形式的完善。

明代前期文人画处在继承发展时期，明代中后期身为理论家、画家的董其昌根据苏轼的"士人画"理论进一步提出画分南北宗和文人画理论，文人画的名字也正式被提出和使用。

同时，作为南宗的文人画地位得到确立乃至成为中国绘画观念的最高认识。

清代到了文人画鼎盛的时期，涌现了诸多顶极文人画家，最突出的是"四僧"，"四僧"中又以八大山人、石涛最为突出。

文人画的出现和发展,与中国文化衍变、艺术推进,与传统美学思想的变化等要素都分不开。

文人画的出现,最直接的契机是北宋苏东坡等一批文士的介入。

肇始于北宋时代的＂文人画＂思潮,就其反对刻画雕琢,推崇平淡自然,脱略形似格法,注重个性发挥,不事涂丹傅粉,追求清新素净,以及对于画中有诗之韵味、写意寄情之笔墨。

因此,文人画的艺术特色,一开始就与文人学士的性质及趣味连在一起。

文人画往往诗、书、画浑然一体,相互映衬,因而大大丰富了中国画的艺术表现力。

它的艺术特色,不少已成为传统绘画民族风格特征的重要元素。

文人画的长处为宋以后历代画坛所继承和发展,其作者不限于文人学士,其作品不但有水墨浅绛的山水花鸟,也涉足重彩工笔的人物故事。

就其内容、形式、风格、作者诸因素看来,把文人画当作文士诗文余事的遣兴,或仅看作一个流派,都难以概其全貌;

元代文人画以山水最为盛行。

文人画中有明显的独特的审美倾向：

形似之外求其画；气韵非师；诗书入画。

宋代是中国古典文化的巅峰时期，文人士大夫作为文化的继承者和传播者，在宋代得到了前所未有的重视和尊敬。

文人画是画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画，于是文人画成为他们发泄心中愤懑情感的最为有效的工具。

宋代文化范式和审美意识对文人画强烈的感染和影响，在理论上表现为奉宋文人画理论巨擘苏轼、米芾、黄庭坚等为圭臬。

苏轼（1036—1101）是文人画的最早提倡者,也是文人画基本理论的建立者租杰出的创作实践者,研究文人画的理论和实践在中国绘画史上的影响这个问题,苏轼是一个最值得重视的人物。

“文人画”,由来都韶为宋代的苏东坡和米带、米友仁父子是“始作俑者”;到了元四大家黄公望、吴镇、王蒙、倪云林以来,文人画就成了国画—尤其是山水画的主流了。

至于明代四大家,除仇英以外的三大家沈周、文征明、唐寅,也都是文人作画;此外明代著名画家如徐渭、董其昌等等。

4.----艺术家与艺术创作的关系

艺术家是指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。

艺术家是进行艺术创作的主体。

作为创作主体所具有的构成因素中，发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感和娴熟的艺术表现技巧是艺术家的主要内涵。

丰富的生活经验和对生活的敏锐而深刻的洞察力是艺术家必须具有的素质。

对人生的严肃态度、对人类命运的巨大责任感是艺术家的主要道德品格。

艺术天赋对于艺术家来说，也是十分重要的。

正艺术来源于生活又高于生活,艺术创作是对平凡生活的真善美的一种提炼,是对社会生活的一种心灵情感互动的反应。

社会生活对艺术创作有着直接的影响,社会生活的积累,是一个艺术家的修养不可缺少的部分,丰富的生活体验是艺术创作的源泉,涉世的深浅会直接影响看问题的深刻程度,这种思想情感与文化修养则决定艺术作品的格调。

在设计自己作品风格时不得不以市场价值取向为参照标准,既要迎合市场又要考虑到消费者的口味,只顾及创作的商品价值而远离了艺术本身,使作品出现了一种千人一面,没有学术价值,缺少个人风格的媚俗化现象。

社会文化环境直接或间接地影响着艺术家的创作,调节着艺术家的思维方式。

艺术创作是艺术的“生产阶段”，它是创作主体（作家、艺术家）对创作客体（社会生活）能动反映的过程。

艺术风格是指艺术家在创作总体上表现出来的独特的创作个性与鲜明的艺术特色。

艺术是生活的提炼、加工和再创造。

艺术家从生活中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。

作为艺术的表现方法，决不是生搬硬套生活、或者重复生活，而是有取舍地提取生活中的精华。

在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是这些不同，才能满足不同人的需要。

人们站在不同的角度去看审视、品味作品，从中得到美的享受。

5——写意风格的演变历程

写意早在唐代就有以泼墨著称的画家王恰，到了南宋出现了写意画大家梁楷，开启了元明清写意人物画的先河，北宋山水画出现了富有诗情画意和文人情趣的米氏云山米芾/米友仁的山水小景，丰富了中国山水画的笔墨，揭开了写意山水的序幕。

徐渭在水墨大写意花卉画方面创造性的贡献尤为突出。

明以后，这种写意的美学主张已逐渐发展成熟为绘画史上代有传人的大写意画派。

魏晋南北朝时期，在“传神论”的基础上重视主观感受的表达；宋代出现了“士人画”，欧阳修、苏轼等都对写意做出贡献；写意在以文人画占主流的元明清时期占主导地位，成为中国画最显著的特征。

进入现代，多元化的美学建构赋予它新的美学价值。

看法：

正类似绘画,尽管中国古代有霍去病墓石雕那样著名的"写意"作品,雕塑也并非以"肖似"作为主要标准,但并非完全规避了"写实",这可以从秦始皇兵马俑上得到印证。

正如绘画一样,"写实"在这个文化体系里,非不能也,是不为也。

因此,将"写意"等同于"继承传统",并不见得和历史完全符合:

一方面,在中国古代"写实"雕塑不乏其例,另一方面,"写意"很难讲就是中国古代雕塑仅有的重要特征。

“写意”写的是意中之形、意念中形成的形象、头脑中的形象。

苏轼曾说，画竹之前，“必须得成竹在胸，执笔熟视之乃见其所欲画者。

这个“以意为之”的形象，与实际物象是有差别的，因为它不是对实际存在的花卉的描摹，所以不必与实际视觉中的花卉完全形似。

写意画要求物象的个性要符合共性中国画追求抒情写意风格，强调个性表现，注重神韵意趣，集文学、书法、绘画及篆刻艺术为一体。

，逼真的再现物象，并不是绘画的最高目的。

绘画和其它艺术一样，都是人的精神产物。

人要充分、自由地抒发自己的性灵，表达情感，就必须突破刻意模仿物象的阶段。

因为刻意模仿物象，必须束缚着人的性灵的高度发挥。

只有摆脱了“形似”的束缚，从“形似”中解放出来，绘画才能取得更大的自由。

6——你觉得学习中国美术史有没有必要，为什么有

学习《中国美术史》之前，我会有很多疑问，例如学习中国美术史对我以后的学习生活真的有用吗？

美术史学起来会不会很枯燥等等问题，但当我真正接触它之后发现,美术史不枯燥.了解历史上不同时期不同地域美术,各种文化的特点,文化背景，是很有乐趣的。

学完中国美术史我们便会了解为什么某一艺术会出现在特定的时期,而且又有自己的独特风格.一切的发生都是有原因的。

作为一名在校大学生，很有必要提高自己在这方面的修养。

这不仅是个人素养的需要，也是从事其他科学研究的源泉。

经过一个学期的学习，自己有所收获。

开端于史前美术及先秦美术，然后经过秦、汉美术，魏、晋、南北朝美术，隋、唐、五代美术，宋、元美术，最后到离我们最近的明、清美术。

首先是史前美术与先秦美术，这一时期的艺术成就包括原始陶器、原始雕塑、

原始绘画、先秦书法等。

生动的展现了当时人类的生活状态对美的理念，给我很深的震撼。

秦、汉美术时期。

这一时期的美术，不论是雕塑、建筑，还是工艺画，都有着一种大气磅礴的艺术魅力，而这种美感是只有在这样的封建社会统一初期的伟大时代下才会产生的。

魏晋南北朝传承和发扬了汉代绘画艺术，呈现出丰富多彩的面貌。

出现了专业画家，绘画创造呈现出繁荣的景象。

魏晋南北朝传承和发扬了汉代绘画艺术，呈现出丰富多彩的面貌。

出现了专业画家，绘画创造呈现出繁荣的景象。

隋、唐、五代美术时期，文化积累得到进一步的融合，赞美现实生活是这个时代的艺术主流。

绘画，在这一时期的美术中，占有主导地位。

宋、元美术，绘画艺术呈现出新的气象和面貌，最后是明、清美术，特殊的历史文化背景下，美术领域的状况也相当复杂，既有陈腐落后保守的一面，也有勃勃兴旺力求革新的一面，发展极不平衡。

通过中国美术史的学习，在欣赏了许多优秀作品的同时提高了自身的鉴赏能

力。

虽然只有短短的学习时间，但是这次课带我踏入了艺术鉴赏的大门，拓宽了

我的视野，使我对于美有了更深的理解，不再是肤浅的人云亦云。

学习中国美术史的时候能深刻的感受到中国文化的精深与宏伟。

不论是被后人称道的汉唐鼎盛

还是所谓萧条淫糜的两晋两宋，画坛的人才辈出，让我们意识到其实中华文明只

是比较内敛含蓄，而他的伟大绝不亚于所谓的文艺复兴的璀璨光华，他的气魄绝

对是全人类最宝贵的真典。

美术的出现和发展有着深厚的社会因素，因此中国美术史学是非常精细且涉及面极广的一门学科，它至少不能脱离中国考古、文物、文字、方术、神话、宗教、政治、民俗文献。

我们也应当公正客观的对待遗留下来的古文化，在研究的过程中取其精华去其糟粕，革故鼎新；同时国家