流行音乐节奏系列教程.docx
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流行音乐节奏系列教程
流行音乐节奏系列教程
有很多朋友在制作MIDI音乐时，在大的结构框架上很在行，但牵涉到一些细节，往往显得粗糙而随意。
因为细节是需要了解和学习的，而国内这方面的教材几乎是空白。
我们撰写的《流行音乐节奏系列教程》是希望对这种状况有所改观。
欧美音乐较之我们东方音乐更强调模块化，这种模块化是由一系列的规则来构成的。
这些规则包含和声，节奏、曲式、配器、对位等诸多方面。
由于规则的不同，从而产生风格的不同。
本教程试图着重从节奏方面进行阐述。
这个方面显现出某类风格的最外在形态，我们并不打算全面论述流行音乐的诸多方面，我们挖掘的是巨大冰山的一的最显眼的一个角。
这里所强调的是规则。
有些朋友（包括一些专业的）总是漠视规则，总是说现代流行音乐唯一的规则是好听，说得专业一些叫听觉上的娱悦。
这暴露了思维上的模糊性，在认识上是无知的，在逻辑上是混乱的。
当人类从事有意识的乐创作的时候，是需要作理性思考的。
巴赫，莫扎特，贝多芬，披头士的伟大的音乐中，时时闪现出理性的光芒。
所谓规则必定是理性的产物，没有规则，就没有风格。
较之西方人，,我们的思维中更多的是感性的成分。
而感性，往往具有不确定性的特质，这并不是我们的过错。
只是我们现在将要研究的是欧美的流行音乐，从而要求我们必须接收他们的理性成分。
从音乐创作的角度讲，灵感使我们确定创作主题的意义，而理性使我们的创作获得无限的动力。
另一方面讲，这些规则的边界条件又是模糊的。
这种模糊性，使得我们有条件将原有的规则打破。
从而建立起新的规则。
所谓风格，一定是在打破原有规则的基础上产生的，而风格最终确立的同时，新的规则又生成了。
弹奏电子琴的朋友一定知道RHYTHM（节奏），STYLE（风格）。
这是对其自动伴奏系统的定性的描述。
无论YAMAHA，CASIO，ROLAND或GENERALMUSIC都对流行音乐节奏风格进行分类。
本教程借鉴了他们的分类，以使问题的阐述具有系统性。
当然这些分类的边界是模糊的。
世界上并不存在一成不变的分类。
上诉公司的分类就不尽相同，有时甚至是矛盾的。
只是为了阐述的方便，我们才进行分类：
在一些大类中细分一些小类。
从发展的角度讲，流行音乐的风格又在不停地融合，并产生新的风格，这就使得本教程的话题会永无止境。
我们并不试图将所有的音乐类型作全面的囊括，而仅仅展示其中的一些相对固定的，具有阶段性的成分。
本教程将全部以若干小节C大和弦为谱例，并配以相应的MP3，而不将其MIDI文件示出。
这样就迫使学习者去按照乐谱制作MIDI文件，从而使得在了解音乐风格的同时，又进行了MIDI制作的专项技能练习。
听起来，我们要进行学术研讨。
而事实上，进行这样的教学不可避免某种学术的意味。
听听YAMAHA的那些STYLE谁能否认其中的学院般的严谨作风？
实际上这样的教学，更适合在那种新型的艺术学院来进行，就象在欧美大量存在的那种流行音乐学校。
而这里，就权作我们在抛砖引玉了。
最后，我们希望诸位能在教学过程中，与我们作经常性的交流，以不断充实，完善这个版块。
POPS类8BEAT
首先要讲的一个大类是POPS（流行）.为什么以此命名呢?
因为有些音乐没有明显的地域性和个体倾向性,故以此命名.
8BEAT的特征是它的节拍中是以每拍两个8分音符为基础,呈现出四平八稳的态势.其速度在每拍80上下.谱例1-1是这种节奏的典型形式（听style1-1）.也可以将鼓声部中的小军鼓（SNAREDRUM）,以鼓边（SNARERIM）代替,用在情绪相对平缓乐段中.如谱例1-2.当然,在实际音乐作品中,常常辅以弦乐为和声背景.谱例1-1的CLEANGUITAR声部也可以进行和弦分解,钢琴也是最常用的乐器.在打击乐声部中往往加入一些小件打击乐器,来增加曲的色彩,如加入STAVES和WOODBLOCK（谱例1-3，听STYLE1-3）.将TAMBOURINE叠加在SNAREDRUM上（谱例1-4,听STYLE1-4）.用CYMBAL取代HI-HAT（谱例1-5,听STYLE1-5）,请记住,HI-HAT是不能同时和CYMBAL,SNAREDRUM演奏的,除非鼓手有三只手.在一些情绪高昂的乐段中,DISTORTIONGuitar常常被使用.
总之,8BEAT风格的乐曲的配器,在实际应用中手法是灵活多变的.整个管弦乐队都可以用在乐曲中,或作为和声背景,或作为华彩乐段的演奏,打击乐中用上CONGA鼓,BONGO鼓也并不为过,只要情绪需要.在和声运用上,以传统和声为基础,即使使用高位和声,也不会象FUNK音乐那样太过刺激.这类音乐往往呈现宏大的规模和态势.
在任何STYLE中,鼓的华彩（FILLIN）是必不可少的,这里仅仅列举一种样式（谱例1-6,听STYLE1-6）.与整个音乐的平稳性相比,FILLIN常常用连续的切分音来激发音乐的情绪.当然其余声部也要作相应的变化,以与鼓声部相呼应.
在中国特色的舞厅里,舞客们常常以8BEAT伴中四步舞.
任何一种音乐风格都会有无数的变种,这基本上取决于编曲者的灵性.我们仅仅展示其最基础的骨架.就是说我们关心的是典型性,而非特殊性.
POPS类16BEAT
严格讲16BEAT应该归类于FUNK,从它的节奏形态来看,它一定脱胎于FUNK。
但是16BEAT的音乐与8BEAT相似，也缺乏地域性和个体倾向性，所以常常被归入POPS.但也有归入FUNK类的。
16BEAT的音乐的特征是它的两个弱拍位置的BASSDRUM总是使用16分音符的切分音符和符点音符。
鼓的声部中最显眼的也是让人头晕目眩的16分音符在配器上，吉他常常用来演奏连续的16分音符的柱式和弦（见谱例2-1）。
萨克斯被用来华采段落的表演，而作为和声背景，电钢琴和各种弦乐，以及各种PAD音色都会被使用。
如果使用JASSORGAN或ROCKORGAN作为和声背景，会使音乐具有FUNK音乐的意味。
吉他手常常会表现出高超的技艺。
谱例2-2是用SNAREDRUM代替谱例2-1中的SNARERIM，常常用于音乐的高潮段落（谱例2-2）。
为了增加色彩，加上TAMBOURINE（谱例2-3）、不太密集的CONGA、BONGO（谱例2-4），会使音乐显得或泼而生动。
有的时侯，用8分音符的CYMBAL来代替HI-HAT，辅以16分音符的CABASA，并不会失去16BEAT的特征。
谱例2-5是一段鼓的FILLIN（见谱例2-5），其余声部也要相应变化，以作呼应。
16BEAT的速度常常在80左右，它的音乐情绪是平缓中带有一些摇摆，抒情是它的特质，不象FUNK那样激烈而怪异，和声的使用尽管也常常使用高位和弦，但远不如FUNK那样连续使用叠加和弦而显得那么刺激。
记住，我们注重的是共性而不是个案。
POPS类NEWAGE
NEWAGE曾经给我们浮躁的城市生活带来一丝心灵的宁静，它是一种理想色彩浓重的音乐，让我们重温田园牧歌般的生活场景。
NEWAGE的音乐家总是怀着世界大同的理想，来展开他们的音乐。
他们很少阐述英雄主义的主题，对灵魂的归化问题有着哲学家般的虔诚。
但是他们尽管执著于音乐理想，却不象那些摇滚音乐者般有着殉道者的疯狂。
他们从不强迫我们去接受什么，但我们却常常为他们的音乐而深深感动。
理想和信念是否是两个已经被漠视的命题？
我们在物化的尘世里是否逐渐丧失了作为人的尊严？
NEWAGE的音乐是否想告诉我们些什么！
作为一个音乐类型，NEWAGE并不拘泥于一些固定的形式，它运用人类的一切音乐元素来表达其音乐理念，各个地区、民族的音乐语汇被他们消化和利用，从而产生NEWAGE的独到的艺术境界。
雅尼的NEWAGE音乐在西方也被称作WORLDMUSIC（世界音乐）。
用交响诗来定义NEWAGE也许让我们产生某些错觉，好象它是以交响乐的形式来演绎其音乐的。
但如果广义地去理解交响是泛指一切声音的交织体的话，这样的定义好象并不过分。
很多时候NEWAGE的音响极其电子化，体现着工业化时代的情感，透出其特有的冷冰冰的热情和浪漫。
谱例4-1是一段并无典型意义的NEWAGE音乐，只是在MIDI技巧训练时才有其示范意义。
要想去抽象NEWAGE的音乐形态的企图是完全徒劳的。
谱例4-2和谱例4-3是增加色彩的小小的手段，谱例4-4是CONGA和BONGO，使得打击乐声部立体而丰满。
当然谱例4-1中的SNARERIM和HIHAT用SNAREDRUM和CYMBAL来演奏，是否情绪更高涨些？
谱例4-5的CONGA和BONGO较之谱例4-4更密集，适合情绪稍稍激动的乐段。
谱例4-6是鼓的FILLIN，应该有与之相应的其他声部。
这样的形式好似8BEAT与16BEAT的结合。
DANCE类DISCO
需要说明的是：
这里的DANCE绝不是城市的遗老遗少和孤男寡女在百般无聊，欲寻刺激时，在老式舞厅所跳的那些交谊舞和国标舞。
DANCE是指那些在迪高舞厅里那些另类的新新人类所蹦哒的那些越来越电子化的音乐--电子舞曲。
电子舞曲能够以最迅速、最直接的方式反映最新的音乐和音响技术。
在这种音乐中音乐经常是退居其次的东西，这种音乐强调音响效果的刺激性，它关心的是怎样使舞者忘乎所以，听者情不自禁。
很难想象，如果音乐自始至终以几乎一成不变的形态，将某一音乐动机作无休止的重复，会不使人昏昏欲睡，让我们惊讶的是电子舞曲正是以这种方式在迪高舞厅中夜复一夜地撩拨着新新人类们的情欲。
严格讲，DISCO还不是现在时尚意义上的电子舞曲，但时尚的电子舞曲是DISCO的一种延续。
DISCO和工装裤曾经是现代城市生活的标志性的东西。
并不仅仅追逐时髦的少男少女对DISCO音乐之趋之若鹜，那些被工作和生活所困扰的人们也很快发现这是一种很能舒缓压力的东西。
有DISCO的地方总是湿漉漉、汗涔涔的。
也许在很多人眼里，它比洗桑拿更能舒展身心。
DISCO是DISCOTHEQUE的缩写。
DISCOTHEQUE的原意是用唱片伴舞的舞厅和舞会，由于越来越趋向于播放某种类型的音乐，因而以DISCO来称呼这类音乐，也就顺理成章了。
谱例5-1（STYLE5-1）是典型的70年代DISCO音乐。
DISCO音乐的速度基本上在每拍120-130的范围左右，在乐器的配置上常常将传统乐器与电声乐器相结合，很少刺激性很强的音响效果。
和声上也以传统和声为主，在节奏上表现得四平八稳，吸引耳朵的因素并不多，所以除了主旋律都很好听外，一条漂亮的副旋律也是必不可少的，而且往往是弦乐的演奏将这条副旋律放在较显眼的位置，所以对位的技法是一定要有的。
谱例5-2（STYLE5-2）和谱例5-3（STYLE5-3）是TAMBOURINE和CABASA的乐谱，仅仅为了增加色彩，并不是必不可少。
谱例5-4（STYLE5-4）是CONGA的乐谱。
在谱例5-1加上CONGA，回是音乐显得活泼，但基本上是点缀的左右，并不处于很强的位置。
谱例5-5（STYLE5-5）是BASS的另一种常见的音型，活泼而俏皮。
DANCE类HOUSE
逐渐地，人们对DISCO失去了兴趣，DISCO节奏被认为机械单调、缺乏灵魂。
一些芝加哥的DJ试图使DISCO获得新的活力，他们在80年代中期创造一种电子舞曲音乐流派---HOUSE。
由电子合成器ROLAND303机械鼓发出的规律性的四分音符敲击声，开创了电子合成舞曲的新的里程碑它是革命性的创举，同时保留了美国地下音乐的原貌。
其特点是：
电子合成器ROLAND的303的机械歌声，速度在每拍118-130之间。
HOUSE音乐不仅仅从JAZZ、RAP、SOUL、R&B、SYNTHPOP和DubReggae当中获取灵感，还加入了让某些人反感的元素，如：
合成的质地，无机的重复和支离的声乐。
但对于对DISCO已经厌倦了的人们，它的出现满足了人们对于新鲜感的需求，所以它一产生就红及全球。
正因为House受惠于众多风格炯异的乐风，它也分裂成许多亚类别，如ACIDHOUSE、DEEPHOUSE等。
谱例6-1（enc,midi）是一段HOUSE，谱例6-2（enc,midi）是它的鼓的FILLIN。
可千万不要迷信这样的乐谱，真正的HOUSE绝没有这么干净。
事实上我们所掌握的音源是做不出纯粹的HOUSE音乐的，纯MIDI的手段是远远不够的，它要牵涉到音频技术的诸多方面，对于音色也要有充分的想象力。
但在做MIDI的HOUSE音乐时，可以在以上谱例中加上CABASA、TRIANGLE等，以丰富鼓的声部。
DANCE类TECHNO
逐渐地,人们开始厌倦HOUSE了,因为对于需要更强烈的大脑刺激的新新人类来讲,他还是显得过于温文尔雅,这时一种叫TECHNO的舞曲应运而生,时间在80年代中期。
在典型的Techno舞曲中常可以听到工厂中一些重复、机械、固定和单调的音效影子，所以他明显地带有后工业时代的烙印。
90年代Techno开始在欧洲逐渐趋于普及，也是我国北方舞厅舞曲的主要组成。
Techno较一般舞曲隆重、激烈和嘈杂。
其特点是：
电子合成键盘的强烈电子声、强烈的合成贝斯声、紧凑、狂乱的能量输出及动感，维持在每拍130－150的节奏速度。
在舞厅里,人们必须经受巨大的声浪对心脏的考验。
相比HOUSE音乐来讲,TECHNO是更严格意义上的电子舞曲。
谱例7-1（midi）是TECHNO舞曲的一种典型样式，不过世界上哪里来这么干净的TECHNO舞曲呀！
在TECHNO舞曲中音乐是退居其次的因素，和声显得不那么重要，谱例7-1中的JAZZORGAN声部是一个四度的音程，它的和声性质是极不明确的，所以这也就成为了它的特色。
谱例7-2（midi）是TAMBOURINE，可以叠加在鼓的声部中，以增加亮点。
谱例7-3（midi）的WOOODBLOCK也是同样的意义。
在真正的TECHNO舞曲中，用来制造音响效果的各种各样的乐器和音效手段简直层出不穷，有时令人觉得不可思议，最新的音响技术在TECHNO舞曲中得到最彻底的运用。
谱例7-4（midi）是鼓的FILLIN，当然也可以尝试加一些别的乐器来使音乐变得丰富、饱满。
DANCE类RAP
大约在70年代在美国兴起了一种乐风叫RAP，这是一种以说唱为主的音乐类型。
曾经有一段时间，我们的电视屏幕上充斥着这样的画面：
一位或一群黑人歌手在一种机械、单调、轻快又极富个性的音乐的伴奏下，嘴里不停地以一定的节奏述说着他们的故事，并且还边说边跳，展现着黑人特有的柔软的、富有弹性的身姿，仿佛永不知疲倦。
所以RAP的中文被称着“说唱乐”或“饶舌乐”，他们说唱的故事涉及社会生活及其价值观念的各个层面。
这个乐风在八十年代达到它的巅峰期，在九十年代逐渐式微。
最初的RAP音乐是非常简单的，有节律的唱片的摩擦声、机械、单调和轻巧的鼓的循环被引入其中，作为RAP的鲜明特征，音乐的要素被淡化。
早期的RAP录音被称作“守旧派”。
随着这种音乐风格的发展，重摇滚的吉它演奏方式被引入RAP音乐中，打击乐声部被加重，唱片的摩擦声逐渐被各种稀奇古怪的音响样本甚至是白噪声所代替（尽管唱片的摩擦术曾经是那样的风光），这种肮脏的音响效果被推向极端，并在一段的时期内占统治地位。
到了九十年代，这种最初是与主流音乐背道而驰的音乐风格逐渐磨平了他的棱角，开始强调音乐性，并最终融入主流音乐中，同时在RAP的基础上产生了HIP-HOP。
到今天，RAP音乐已不那么收欢迎了，但在它的一些特点被其他音乐类型所接受，在HIP-HOP，SOULBALLAD和最新式的R&B中都可以发现RAP的痕迹，这种痕迹有时被着重强调。
谱例8-1（enc.midi）是一种RAP的样式，显然他是一种主流的RAP风格。
16分音符的小三连音是RAP音乐的要素，在慢速的RAP音乐中，16分音符不是严格的三连音。
以每拍240的TICKS为例，如果是严格的三连音，那么四个16分音符的位置分别是0、80、120、200。
在慢速的RAP中，这四个音符的位置是0、70、120、190。
在量化是，SWING的程度在59%。
谱例8-2（TR-808CLAVES）（enc.midi）、谱例8-3（CABASA）（enc.midi）、谱例8-4（TAMBOURINE）（enc.midi）是润饰打击乐声部的手段，谱例8-5（enc.midi）用于加强TR-808的SNAREDRUM，这些声部可以随意组合。
谱例8-6（enc.midi）是鼓的FILLIN。
在FILLIN时，加上谱例8-7（enc.midi），用于加强效果，它是RAP的经典音效---唱片摩擦声。
要注意的是：
虽然所有的谱例均以16分音符记谱，这是为了记谱的方便而采取的一种通常的办法，但实际上却应该是严格的16分音符的小三连音，即四个16分音符的位置分别是0、80、120、200。
以谱例8-4为例，实际上他的记谱应该是谱例8-8（enc.midi）的样式有。
DANCE类HIP-HOP
对于未经训练的耳朵而言RAP和HIP-HOP是几乎一样的音乐，但是即使最简单的RAP和HIP-HOP都有不同程度的区别。
从音乐史的角度来讲，HIP-HOP是一种后现代主义的音乐类型，它脱胎于RAP，因而他在外在形态打上了RAP的深深的烙印。
随着人们对RAP音乐喋喋不休的厌倦，RAP音乐从20世纪90年代开始逐渐衰弱。
那些RAP音乐家们试图为RAP寻找出路。
一开始，他们用RAP的形式来演绎一些经典、人们耳熟能详的老歌，使这些老歌披上后现代的外衣，从而使之获得新生。
人们用难以置信、不可思议甚至精彩绝伦来形容这种重新包装的结果。
这种音乐的处理手段被称为HIP-HOP。
然而从音乐风格的演变来讲，HIP-HOP确实走了保守的路线。
与RAP的最大不同是：
RAP以说为主，而HIP-HOP更强调唱，也更强调音乐本身的表现力。
随着音响技术和音乐技术的发展，HIP-HOP呈现出越来越电子化的倾向。
在配器上合成音色的成分在不断加重，体现在音响上，它越来越具有后工业化的肮脏的背景色调。
在社会学的意义上，HIP-HOP已经成为时尚的标志，它牵涉到音乐、绘画、舞蹈、服装、工业设计等与人类生活息息相关的诸多方面，新新人类们为之痴迷。
谱例9-1（enc,midi）是HIP-HOP的一种典型形态。
请注意量化的程度是SWING为59%，即既不是平均的16分音符，也非完全的16分音符小三连音，而是介于两者之间（见《流行音乐节奏系列教程（八）:
DANCE类---RAP》种的关于量化的描述）。
谱例9-2（enc,midi）是一种鼓的FILLIN，与谱例9-1形成鲜明的对比。
DANCE类EUROBEAT
从战略的角度讲，欧罗巴人永远梦想着古罗马的辉煌和荣耀，他们决不甘心于美国文明对于欧洲文明的冒犯,对于美国文化的横冲直撞,欧洲人不愿低下他们高贵的头颅。
于是他们在80年代创造了一种音乐风格叫EUROBEAT，与美国人的DISCO相抗衡。
但美国文明和欧洲文明属于同源的文化体系，他们有着共同的基督教文明的背景，本质上他们彼此认同，所以在对抗的同时又彼此眷恋地互相融合。
EUROBEAT与DISCO同样如此。
EUROBEAT是典型的录音棚的产物，它从诞生之日起就溶入了DISCO的血液，它有着和DISCO一样的不断重复的、不知疲倦的节奏，同时汲取了HOUSE、RAP的一些元素，而形成了它的独特的风格。
从音响上讲，合成音色的大量运用，使EUROBEAT较之DISCO更具有工业化的特质。
在80年代至90年代初，大多数的舞曲专家皆追随其脚步，出现了一大批旋律流畅、脍炙人口的好歌。
它的速度基本上在每拍120到130之间。
据说这种速度的舞曲最容易激起人类的情欲。
谱例10-1（enc,midi）是EUROBEAT的一种样式，其中钢琴的运用较之DISCO要灵巧和活泼，连续的切分音是它的基本特征，不象DISCO那样过于强调平稳的重复。
象这样的EUROBEAT，用弦乐作为和声背景是不错的选择。
在伴奏中也可使用木吉它或电吉它作为柱式和弦的声部。
总之全凭你的想象力。
谱例10-1是打击乐的TAMBOURINE，可以作为点缀，以增加节奏的冲击力。
谱例10-2（enc,midi）是鼓的FILLIN，加上一些小件打击乐，会更饱满。
ROCK类ROCK
对于ROCK的来历，我们已不必赘言，因为有太多的资讯供我们阅读。
在了解了摇滚的诸多背景知识后，我们就有了仁者见仁，智者见智的基础。
赵传说过：
“摇滚是一种生活状态”。
这句话大体可以这样理解：
摇滚的精神已成为摇滚人的生活信念，并成为他们的行为准则。
的确在所有的音乐品种里，摇滚最少小布尔乔亚的情调，最接近于我们的生活，并且承载了丰富的生活内涵。
作为一种标志，它在七十年代形成了一种被社会学家称为的摇滚乐亚文化现象。
它表现得离经叛道，游离于主流文化圈之外。
它在获得巨大的社会响应的同时，在商业上同样赢得了丰硕的回报。
对于这种亚文化现象，我们可以批评它，反感它，甚至唾弃它，但无论如何我们无法漠视它的存在。
美学家苏珊琅格曾经对艺术下了这样的定义：
“艺术是一种有意味的形式”。
那么摇滚对于我们意味着什么呢？
反叛、吸毒、滥交仅仅是它的最外化的表现形式，其深层次的根源恐怕在于在人们感觉到的巨大的生存压力。
在越来越物化的当今世界上，以基督教伦理和资本主义精神为支柱的传统的价值体系受到了前所未有的挑战，人们渴望获得自由的呼吸、在打破原有价值体系的同时，构筑新的精神秩序，于是摇滚乐成为人们诸多选择中的有着相当号召力一种，而这种选择的主体是社会最活跃的群体--青年一代。
《分析的时代》的作者M怀特曾预言：
“英雄的时代已经过去，我们将面临一个分析的时代”。
但恰恰摇滚人一代又一代义无反顾、前赴后继地创造着属于青年一代的英雄和准英雄，并且孜孜不倦。
我们的英雄和准英雄们几乎一成不变地身着一袭黑色，没日没夜地在舞台上喋喋不休地向他们的信徒们宣讲着他们的教义，他们的生活哲理。
我们的世界并不存在绝对的价值取向，我们的价值体系因地域、种族、信仰、教育的差异而呈现多元化的趋向。
而对于某个特定的人群来讲，价值取向又带有很大程度的一致性，精神分析学家荣格将其定义为集体无意识，所谓社会思潮其实是这种集体无意识的概括和提炼。
摇滚音乐产生于西方，但因其针砭时弊、介入现实的特质，而在各色人群中引起了广泛的共鸣。
它一旦与不同的价值判断相结合，所导致的必然是各种摇滚风格的的千差万别，这种差别在其音乐语汇本身和其所表达的思想内涵中得到充分的展现，这就使得中国的摇滚有着它独特的魅力。
我们可以对中国摇滚的表达手法、技术手段和中国摇滚人的音乐技巧加以批评、指责、甚至蔑视，但如果我们要选择摇滚作为表达我们思想的武器的话，它必定是中国摇滚，而绝非美国摇滚或英国摇滚。
听过日本摇滚的人大概都因其血腥气而不寒而栗，这是大和民族独有的精神气质使然。
但极端的摇滚人的思想是狭隘的，他们以为摇滚就是判断一切的准则，摇滚可以垄断所有的思想，他们用现代工业技术的成果为之提供的便利，来表达摇滚可以凌驾于一切人类文明之上的极端理念，他们不明白宽容的力量是何等伟大、人类的进步其实有赖于这种力量。
谱例11-1（ENC,MIDI）是一种摇滚的样式。
DISTORTIONGUITAR和OVERDRIVENGUITAR是摇滚必备的武器，他们所产生的剧烈效果与背景的合成器音色的结合，加上鼓手肆无忌惮、忘乎所以的演奏，歌手玩世不恭、故作领袖状的表演，造成舞台上传达给观众的音响是巨大轰鸣声，短暂的宁静很快被巨大的声浪所打破。
现代音响技术一直在追求逼真地再现实际音色，唯有摇滚要用失真得无以复加的失真吉它来表达其真实的内心思想。
亲临摇滚现场的善男信女们不是癫狂就是痴迷，唯独无法安静。
舞台上炫技的角色一
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