高中美术案例分析练习题.docx
《高中美术案例分析练习题.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《高中美术案例分析练习题.docx（9页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
高中美术案例分析练习题
高中美术练习题
五、案例分析
1、水彩画中水、色的相互渗化，会产生丰富的色彩变化。
但学生在实践的过程中，往往不能较好地掌握用笔、用水、用色等要领。
请你结合教学实际，列举学生在运用水、色的相互渗化时容易出现的问题，并提出解决的方法。
要点：
水、色相互渗化会产生丰富的色彩变化，这是水彩画技法的最主要特点。
容易出现的问题：
用笔滞、习惯来回涂、喜欢用小笔描等。
用水滥没有形，或用水少没有滋润的感觉。
用色厚不透明，用色少，干后太淡，调配颜色脏、暗、灰，用色过火。
解决的方法：
用笔；要求流畅、肯定、迅速、一气呵成。
忌来回涂，要有笔触；养成用大笔处理画面；以中笔处理局部的体和面；最后用小笔画点勾线。
用水；要求饱满，进行笔中含水量不同会产生不同效果的尝试；用先湿润纸面再画的方法，使水分饱满；还可以进行水分流动的尝试，体会趁湿渗化的效果。
用色；了解水彩画要画的干净、明快，首先要熟悉各种颜色的性能；调配颜色要水多色少，为避免色彩灰暗，以两色相混为宜；慎用黑白两色。
2、以下三个案例都是以《太阳》为课题内容的教学目标设计，都有可操作性，但其把握的侧重点不同。
请分析有哪些不同的侧重点？
《太阳》
要点：
上述三个目标设计是同一课程内容的设计，三位教师的目标设计都具有极强的可行性。
每位设计者在对教材和学生分析以及设计理念的基础上，每个目标都有更适合自己学生的方面，同时都具有一定的弹性。
例1目标设计侧重点是让学生熟悉美术的媒材，运用视觉语言，使他们更多地介入信息交流、力所能及地参与美术文化的传承。
例2目标设计侧重点落在学生用想用的材料表现他们心目中与别人不同的太阳形象。
因此，该目标的弹性就体现在第一条即“灵活运用多种材料和方法来表现太阳”内容中，有很大的灵活性和自由度。
例3侧重于保持学生学习的浓厚兴趣，在此基础上让学生展开自己想象的翅膀自由飞翔，其弹性之处的设计是目标中的第2条“能够在圆形中设计制作出不同个性的太阳面部形象”。
3、介绍画家莫奈的生平、艺术风格等,并举代表作品一幅作简单评述。
要点：
生平介绍：
莫奈（1840—1926）是法国印象画派的创始人之一。
出生于巴黎，他父亲在哈佛尔开杂货店，莫奈的童年便在哈佛尔度过，大自然陶冶了他自由自在的性格，那时他常在练习本封面上画装饰取乐，不知不觉从玩乐中积累了许多绘画技巧，十五岁时便以一个漫画家闻名于家乡。
1859年莫奈回到巴黎。
1862年莫奈因病父亲把他从阿尔及利亚服役军队中赎了出来。
莫奈初从布丹学画，后进古典派画家格莱尔画室学习，并受库尔贝和柯罗的影响。
在风景画的创作中，受马奈和透纳作品的启发，对光与色的变化进行长期的探索，运用色彩表现光线和空间的变幻。
1865年的沙龙上莫奈首次展出两幅描绘塞纳河口的风景画，给人留下了永远难忘的印象，被誉为“一幅最有独创性的、有力的、和谐的海景作品”。
1874年3月25日这一具有划时代意义的、以后被称为印象派的首届展览在巴黎开幕。
莫奈举世闻名的《日出·印象》参加展出，“印象派”就是当时批评家嘲讽他的作品而由此而正式诞生。
由于莫奈独创的艺术理论和坚持不渝的探求精神，对印象派的产生和发展起着主导的作用。
艺术风格：
莫奈用直接写生的方式捕捉种种生动的印象，以生动活泼的笔触描绘大自然中千变万化的光线和色彩，关注的重点在视觉感受上，致力于研究光色在瞬间变化的效果。
代表作品：
《日出·印象》是莫奈在阿尔港口所见日出的景象，一轮红日冲出薄雾，冉冉升起，莫奈用活泼、潇洒的笔触，鲜明和富有生气的色彩捕捉了日出一瞬间的印象。
橙红色朝日映红了上半部天空，它映在海面上的倒影闪闪发光。
红、橙、淡紫色在天空中互相交错和渗透着，形成了深远的天幕，水波将天空的反射分割成许多形状大小不同、千变万化的色块。
两岸若隐若现的船桅和建筑物，缕缕青烟及由近至远飘浮在波浪上的小船更加增添了日出的生命力。
莫奈创造了一种笔触灵活的技法，适合表现瞬间流逝的光和色，他采用明显的笔触着色，使轮廓含混并与周围环境互相交错衔接起来，充分表现或促成光的闪耀。
4、请结合新课程的教学理念，对下例案例设计进行评析
《变教师“独唱”为师生“合唱”》
要点：
怎么看待学生，对学生采取什么态度（即学生观），一直是教育理论和实践的重要问题。
新课程以“一切为了每一位学生的发展”为最高宗旨和核心理念，突破和超越了学科本位的观念，真正把学生作为一个大写的人确立起来！
把课改理念提到了时代发展高度，这是历次课程改革从来没有过的，它意味着新的基础教育观是“以人的发展为本”的教育，是目中有人的教育，把学生看成是有思想、有情感、有权利、有尊严，正在成长发展中的人。
这种目中有人的教育观反映在教师身上，就是学生意识的形成。
这节课，教师的角色由原来的训导者、尊贵者、管理者转向引导者、帮助者、激励者、合作者、服务者，成了学生学习的促进者。
教师在新课程的教学中，指导学生形成良好的学习习惯，掌握学习策略；创设丰富的教学环境，激发学生的学习动机，培养学生的学习兴趣；为学生提供各种便利，为学生的学习服务；建立一个接纳的、支持的、宽容的课堂气氛；作为学习参与者，与学生分享自己的情感和想法；同学们一道寻找真理。
5、对下例案例设计进行评析。
《和新课程同行与学生共成长》
要点：
课程改革使我们认识了什么是课程。
过去，我们理解的课程就是课程表上的科目，就是教科书所讲授的内容，是规定好了的内容。
他和教师、学生没有任何关系，教学就是教教材，教师只有教的权利，不容许有任何的改动。
学生只有学习和听从的权利，充斥在教学参考书中的标准答案，早已限定了学生的发展权利。
新一论的课程改革，强调了课程的生成性，这是课程历史上一个重大的发展，它把教学活动与课程的发展紧密地联系在一起，认为课程实施的基本途径是教学。
课程已变为一种具体的教学活动，通过教师和学生教和学的过程，文本课程被激活，无论是教师还是学生对它都会有新的认识和理解。
这就是使课程内容不断被赋予新的内涵，课程意义也被不断地提升。
吴老师上《我们身边的痕迹》时就经历了这样一次课程发展的过程。
学生对硬币能被印出来，表示了三种意见，经过争论，前两种意见被否定了，第三种意见本来就是教师要讲的，由学生讲了出来，教师为此很高兴。
课上到这里，应该说，大体上和教师备课时预料的情况差不多。
学生的发言，基本上是属于对文本课程的解读。
但是，自从举起“一只倔强的小手”的那个学生提出了问题之后，课程就向前发展了。
他提出的“凹凸不平的东西为什么就印得出来？
”这个问题，是教师没有思想准备的问题，已经超出了美术课的范围（教师怕上成科学课），但又和美术课的内容紧密结合。
教师倡导学生们对这个问题的解答过程，就是一个实际操作的过程。
结果，他们通过操作，总结出了印出来的原因。
必须看到，这时的课程已经是体验的课程了，不再是文本的课程了，这都是教师和学生实实在在感受到的课程，文本中没有涉及的东西出现了。
师生在解决了这个问题之后，就把课程向前大大地发展了一步，这也给她今后的备课提供了新的内容。
在这节课上，吴老师没有刻板地按照自己的教案上课，而是根据学生在课堂上的情况随时调整自己的教学。
只有在这种宽松的环境中，学生的疑惑、才智、创新精神才能被激发出来，课程才能不断地生成、发展。
她说的“教学相长”，其实就是我们说的课程在师生互动中向前发展。
一个年轻教师在新课程的实践之初，能有这样的认识实属不易。
从吴老师的这节课后半段来看，她认识到学生的作业虽没有完成，单仍然是值得的，这种认识当然是对的。
不过，我也在想，她在后面是不是应当让学生明白：
我们的前人，正是懂得了凹凸不平的东西可以印出好看的艺术品，所以，才巧妙地利用了凹凸不平造成的黑白效果，拓印出许多精美的拓片，让敦煌的飞天、古代书法家的作品能流传至今，走进千家万户，也才能让学生体验到平日生活中所蕴藏的美。
这也是对课程的发展，而且是一种更重要的发展。
6、对下例案例设计进行评析。
《会滚的玩具》
评析（参考）：
教育的重要目的就是要发挥学生身上蕴藏着的创造潜能，设法激发学生去寻找、去发现、去创造的热情。
这一节《会滚动的玩具》美术课最成功的一点，是这位老师在整个教学过程中，能始终注意激发、调动学生各自的创造潜能。
在教学一开始，老师就紧紧围绕着“滚“字来启发学生。
由于教学的对象是小学一年级的学生，对物理学的原理不了解。
因此，老师通过用可乐瓶、纸杯、盘子当场滚动演示，让学生直观地感受到：
圆形的物体能够滚动，但是如果失去平衡，就难以滚动起来的道理，以此来培养学生发现问题、勇于探索的欲望。
接着，老师又要求学生根据自己所带来的材料，开动脑筋，设计一个与别人不一样的滚动玩具。
由于，学生的材料是由学生自己选择所带来的，而不是老师统一发给的材料，这样可以鼓励学生发挥各自的想象力和创造力，去尽情地释放生命中的创造能量，拓宽学生自由创作的空间。
当学生完成了各自的作品后，老师又要求一些同学来谈谈自己玩具的特点，并展示一下，以此培养学生的交流能力。
对于学生中那些有独创性和富有个性的作品，哪怕是只有一丁点儿的智慧火花，老师像母亲呵护孩子一样精心地保护，给他们以成功的鼓励。
因此，从整个班级学生所创作的作品来看，每个学生的作品都互不相同，真正挖掘了学生的创造潜能。
最后，老师又拿出一个他自己做的玩具，让学生们仔细观察，去发现其中的奥秘，并要求学生们留着课后去探索、研究。
使学生带着问题来，又带着新的问题走，并通过美术可课的学习，培养学生发现问题、提出问题、分析问题、解决问题的能力；培养学生乐于动手、勤于实践的意识和习惯。
切实提高学生的动手实践能力，激发学生的创新精神，这也正是本次国家课改所提倡的。
美术】
通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。
十七世纪欧洲开始使用这一名称时，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。
我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。
例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：
“美术为词……译自英之爱忒。
爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。
随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。
【造型表现手段】
造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。
如绘画借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视；雕塑借助于体积和结构等。
这些手法和手段，通过长期的艺术实践，形成了这些造型艺术各自独具的特殊的艺术语言，并决定了这些艺术各不相同的表现法则，关系到塑艺术形象的成败，以及艺术作品的感染力。
艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索，精益求精，是使艺术创作能够表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。
【黄金分割】
亦称黄金律、黄金比例。
在一条线段上，按照最佳长短比例，将此线段分割为长段与短段，或按此最佳长短线段的比例构成一个矩形的最佳的长边与短边的比例，即构成黄金分割。
【二度空间】
绘画术语。
指由长度（左右）和高度（上下）两个因素组成的平面空间。
在绘画中为了真实的再现物象，往往借助透视、明暗等造型手段，在二度空间的平面上造成纵深的感觉和物象的立体效果，即以二度空间造成自然对象那种三度空间的幻觉。
有些绘画，如装饰性绘画、图案画等，不要求表现强烈的纵深效果，而是有意在二度空间中追求扁平的意味，来获得艺术表现力。
【三度空间】
绘画术语。
指由长度（左右）、高度（上下）、深度（纵深）三个因素构成的立体空间。
绘画中，为真实地再现物象，必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。
【质感】
绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法，在作品中表现出各种物体所具有的特质，如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各各不同的质的特征，给予人们以真实感和美感。
【量感】
借助明暗、色彩、线条等造型因素，表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。
如山石的凝重，风烟的轻逸等。
绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。
运用量的对比关系，可产生多样统一的效果。
【空间感】
在绘画中，依照几何透视和空气透视的原理，描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系，使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。
【体积感】
绘画术语。
指在绘画平面上所表现的可视物体能够给人以一种占有三度空间的立体感觉。
在绘画上，任何可视物体都是由物体本身的结构所决定和由不同方向、角度的块面所组成的。
因此，在绘画上把握被画物的结构特征和分析其体面关系，是达到体积感的必要步骤。
【透视】绘画法理论术语。
“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。
最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。
后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。
【明暗】
绘画术语。
指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。
物体在光线照射下出现三种明暗状态，称三大面，即：
亮面、中间面、暗面。
三大面光色明暗一般间面、暗面。
三大面光色明暗一般又显现为五个基本层次，即五调子:
①亮面一直接受光部分；②灰面一中间面，半明半暗；③明单间交界线一亮部与暗部转折交界的地方；④暗面一背光部分；⑤反光一单间面受周围反光的影响而产生的暗中透亮部分。
依照明暗层次来描绘物象，一直是四方绘画的基本方法。
文艺复兴时期瓦萨里在其《美术家列传》中就曾论述：
“作画时，画好轮廓后，打上阴影，大略分出明暗，然后在单间部又仔细作出明暗的表现，亮部亦然。
”欧洲画家中伦勃朗是擅长明暗法技巧的大师。
【轮廓】
造型艺术术语。
指界定表现对象形体范围的边缘线。
在绘画和雕塑中，轮廓的正确与否，被视为对作品的成败至关重要。
【构图】
造型艺术术语。
指作品中艺术形象的结构配置方法。
它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
【色彩】
绘画的重要因素之一。
是各种物体不同程度地吸收和反射光量，作用于人的礼堂所显现出的一种复杂现象。
由于物体质地不同，和对各种色光的吸收和反射的程度不同，使世间万物形成千变万化的色彩。
【色相】
色彩可呈现出来的质的面貌。
自然界中各各不同的色相是无限丰富的，如紫红、银灰、橙黄等。
【色度】
指颜色本身固有的明度。
如七种基本色相中，紫色色度最深暗，黄色色度最明亮。
【色调】
亦称调子。
在一定的色相和明度的光源色的照射下，物体表面笼罩在一种统一的色彩倾向和色彩氛围之中，这种统一的氛围就是色调。
【色性】
色彩的没属性。
色彩基本分为暖色（也称热色）和冷色（也称寒色）两类。
红、橙、黄为暖色，给从以热烈、温暖、外张的感觉；绿、青、蓝、紫为冷色，给人以寒冷、沉静、内缩的感觉。
【笔触】
指作画过程中画笔接触画面时所留下的痕迹。
笔触虽为一种技术因素，但也传达出画者的艺术个性和修养，因而，也是画家艺术风格的一个组成部分。
【中国画】
简称“国画”。
指在中国民族的土壤上长期形成和发展起来的、在世界美术领域中自成独特体系的中国民族绘画。
它是用毛笔、墨以及中国画颜料，在特制的宣纸或绢素上作画。
按表现题材，可分为人物、山水、花竹、禽鸟、畜兽、虫鱼、宫室等画料。
按表现手段和技法，可分为工笔、写意、钩勒、没骨、设色、水墨等画法。
按幅面样式，可以分为立轴、横卷、册页、扇面等款式。
中国画十分重视笔墨，运用线条、墨色和轻重彩色，通过钩皴点染，干湿浓淡并用，来表现客观物象的形体结构，阴阳向背；并运用虚实疏密结合和“留白”等手法来取得巧妙的构图效果。
中国画的空间处理也比较自由灵活，即可以用“以大观小”法，画重山叠嶂；也可以用“走马看山”法，画长江万里。
中国画物别讲示“形神兼备”、“气韵生动”，不但主张要“外师造化”，而且还要“中得心源”，中国画在画面上还题写诗文，加盖印章，将诗文、书法、篆刻融为一体。
【西洋画】
指区别于中国传统绘画体系的西方绘画，简称西画。
包括油画、水彩、水粉、版画、铅笔画、铅笔画等许多画种。
传统的西洋画注重写实，以透视和明暗方法表现物象的体积、质感和空间感，并要求表现物体在一定光源照射下所呈现的色彩效果。
【油画】
以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。
作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。
画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。
油画是西洋画的主要画种。
【雕塑】
“造型艺术”的一种。
是雕、、塑三种方法的总称。
以各种可塑的粘土等或可雕可刻的木、石等材料、制作出各种具有实在体积的形象。
雕塑一般分为圆雕、浮雕两种。
由于用途的不同，也分为架上雕塑、纪念性雕塑、装饰性雕塑、建筑性雕塑等。
【工艺美术】
美术种类之一。
指具有一定美术意味的工艺品制作，既满足人们的物质生活需要，又满足人们精神生活的需要，是实用和审美的结合，技术和艺术的统一。
工艺美术分为两类：
①日用工艺。
②陈设工艺。
【书法】
①中国传统艺术的一种。
②写汉字的方法。
中国书法根据汉字的造型规则，运用点画构成各种形态以表情达意。
有正（楷）、草、行、隶、篆（大篆、小篆）等各种书体。
书法美的基本因素是点画，其次才是由点画组成的结体。
故书法用笔至关重要，是对提按、藏露、转折、轻重、缓急、方圆等矛盾关系的掌握和运用，须讲究指忌浮滑轻薄。
就能篇而论，书法美在于字里行间气势、节奏、韵律及其所传达的意兴情绪。
各种书体均讲究结构横直安排有致，顾盼呼应；布局疏密得宜，首尾连贯。
【素描】
一种主要以单色线条和块面来表现物象的绘画形式。
通常所为锻炼绘画基本功的手段，以训练观察和表现客观物象的形体、结构、明暗、质感、量感和空间感的能力。
素描亦可作为一种独立的艺术形式运用于创作。
如画家王式廓的作品《血衣》，即其一例。
【水粉画】
用水调合粉质颜料描绘出来的图画。
水粉颜色一般不透明，有较强的覆盖能力，可进行深细致的刻画。
运用得当，能兼具油画的浑厚和水彩画的明快这二者的艺术效果。
【壁画】
绘在建筑物的墙壁或天花板上的图画。
分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等。
壁画是最古老的绘画形式之一，埃及、印度、巴比伦保存了不少古代壁画，意大利文艺复兴时期，壁画创作十分繁荣，产生了许多著名的作品。
我国自周代以来，历代宫室乃至墓室都有饰以壁画的制度；随着宗教信仰的兴盛，又广泛应用于寺观、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永乐宫，至今大量保存着著名的佛教壁画和道教壁画遗迹。
）
【漫画】
绘画种类之一，又称讽刺画。
高速画一词来源于意大利文Caricare，义为夸张，后来演变为专指具有讽刺和滑稽意味的图画，即Caricature一词。
通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。
【写生】
中国画传统的术语。
将描写花、木、鸟、兽等生物的绘画称为写生。
如五代黄筌《写生珍禽图》。
在现代通常的绘画用语中，凡是直接以实物、实景为对象进行描写，统称为写生。
【速写】
以迅速而准确的观察力，运用简练的线条，扼要地描画出对象的神态、形体、动作等特征的一种画法。
它是培养作画者敏锐的观察力和迅速把握对象特征的概括力的重要绘画手段，也是记录生活，积累创作素材的重要手段。
升级会员 