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素描理论知识
素描理论知识
透视原理
透视的基本术语
1，视平线：
就是与画者眼睛平行的水平线。
2，心点：
就是画者眼睛正对着视平线上的一点。
3，视点：
就是画者眼睛的位置。
4，视中线：
就是视点与心点相连，与视平线成直角的线。
5，消失点：
就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。
6，天点：
就是近高远低的倾斜物体（房子房盖的前面），消失在视平线以上的点。
7，地点：
就是近高远低的倾斜物休（房子房盖的后面），消失在视平线以下的点。
8，平行透视：
就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。
这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉。
9，成角透视：
就是任何一面都不与平行的正方形成长方形的物体透视。
这种透视能使构图较有变化。
透视的画法
在素描中最基本的形体是立方体。
素描时，大多是以对三个面所进行的观察方法来决定立方体的表现。
另外，利用面与面的分界线所造成的角度，也能暗示出物体的深度，这就涉及到透视规律。
透视分一点透视（又称平行透视），两点透视（又称成角透视）及三点透视三类。
一点透视就是说立方体放在一个水平面上，前方的面（正面）的四边分别与画纸四边平行时，上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致，消失成为一点，而正面则为正方形（如图1）。
两点透视就是把立方体画到画面上，立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时，往纵深平行的直线产生了两个消失点。
在这种情况下，与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小，但是不带有消失点（如图2）
三点透视就是立方体相对于画面，其面及棱线都不平行时，面的边线可以延伸为三个消失点，用俯视或仰视等去看立方体就会形成三点透视（如图3）。
透视图中凡是变动了的线称变线，不变的线称原线，要记住近大远小，近实远虚的规律。
前面所讲的立方体透视图法适用全部物体，本节就说明一下圆及圆柱体透视，分解如下：
圆柱体透视：
和前面的圆相比较，里面的圆当然是被缩小了，但仍然是完全的相似形。
两个椭圆是平行的面，但里面的那个被缩小了，此时，椭圆的长轴（未绘）与长方体的边不平行。
两个椭圆的面失掉了平行性，也不是相似形。
素描理论
一.何谓素描：
1.素描（DRAWING）、速写（SKETCH）、。
2.由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。
素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。
（艺术家杂志，论素描--萧如松）
3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。
（艺术视觉百科全书）
4.轮廓和线条是素描的一般称谓。
素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。
不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。
5.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。
它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。
（大不列颠百科全书）
6.在西洋美术辞典（雄狮图书公司出版）这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。
一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。
二.素描的地位：
1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。
2.素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕），另外对平面设计，也是画草图的必要基础。
素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。
3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。
虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。
在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。
因此，素描只是一种技术准备。
到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。
它有着广泛的表现范畴：
能表现体积、空间、深度、实质和动作。
文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。
三.素描的技法和种类：
1.线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。
直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。
2.素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。
例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。
弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。
人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。
因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。
3.在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。
我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。
线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。
4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。
平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。
而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。
素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。
四.素描工具：
1.素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。
工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。
2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。
一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。
炭笔是两者都可兼用的。
3.以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。
至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。
五.素描题材：
1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。
其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了１９世纪又出现以日常生活为题材的素描。
其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。
2.至于２０世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。
其中一些以表现线条豪放为特色。
还有一些画家试图把生活纳入几何图形中（立体派）。
3.在２０世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。
表现主义画家追求『表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表』，超现实主义者则着重表现潜意识心理。
4.除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。
实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。
实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。
很多艺术家作过科学说明的素描。
5.文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。
与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。
并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。
六.素描线条的演变：
1.线条的解放：
（安格尔对绘画线条的革新）
（1）.在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。
（2）.安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。
（3）.对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。
这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。
（4）.讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。
2.强调线条本身意义与表达的特质。
3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：
（1）.一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。
（2）.德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。
七.东方的素描：
1.西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。
在波斯--瑞札，阿巴西（RIZAABBASI，1565年）也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。
2.我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。
虽然寥寥几笔，可是这里面也含着与油画同样的条件。
也要有气韵，有强弱，有力量。
3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。
八.艺术家对素描的态度：
不少艺术家曾临摹其它艺术家的素描，如鲁本斯（RUBENS；公元1577~1640年）、林布兰特（REM．BRANDT；公元1609~1669年）及梵谷（VANGOGH；公元1853~1890年）。
临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。
这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。
以下是艺术家对素描的态度：
1.一种特殊风格：
窦加（DEGAS），罗特列克（LAUTREC），梵谷（VANGOGH）
2.兴趣：
林布兰（REM．BRANDT），哥雅（GOYA）
3.复制用：
杜米埃（DAUMIER），季斯（GUYS）
4.为鉴赏家而作：
卡拉齐（CARACCI）兄弟，保罗.布利尔（PAULBRIL），拉法吉（LAFAGE）
5.用素描作馈赠：
米开朗基罗（附录一）
九.常用的素描用语：
1.明度：
色相明亮或沈暗的程度。
2.比例：
一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。
3.构图：
各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重
复的体系去安排。
4.轮廓线：
描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。
5.平衡：
在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。
6.线影：
平行或靠近得足以形成一个面的断续线。
7.立体表现法：
控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体
有三度空间的特质。
十.认识素描中的明暗
1.何谓明暗：
（任学生自由联想发挥，唤起旧经验）
2.明暗产生的原因：
有光源（不论是自然光源、人工光源）照射，才会产生明暗；没有光，我们的眼睛将看不到任何东西。
3.明暗的基本法则：
（1）.光源直射处（向光）是明亮部。
（2）.光源照射不到之处（背光）是黑暗部。
（3）.反射光所形成的是中间灰色部分。
4.利用铅笔表现明暗的方法：
（1）.铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实；铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。
（2）.笔触的方向要整理才不致混乱。
5.铅笔画使用橡皮擦注意事项：
（1）.初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。
一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。
（2）.当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。
（3）.其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了,我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。
同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害于画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。
6.画面宾主表现:
（1）.前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确；后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。
（2）.主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。
一、什么是素描
素描，就是用单一的颜色（包括一切固体材料——铅笔、木炭、炭精捧、垩笔等和液体材料——水墨、水彩、水粉等）来表现对象，是一种单色画，它是与彩绘相对而言的一个名词概念。
从造型能力的训练来说，素描就是用单色去写生，通过形体结构、轮廓、比例、构图、运动、线条及明暗调子等造型因素的运用来表现客观物象，借以训练我们的造型能力，进而从中去发现认识客观世界中的“美”。
因此，素描的实践应包含造型能力的训练与审美力的培养。
对于一个画家来说，仅靠造型能力是不能取得专业的成功的，他还必须具备健康的审美观。
艺术是一种精神创造，艺术家的修养、品格、感情、意识等诸因素往往对前者起着决定性的作用。
正所谓“画如其人”。
这虽不是本书讨论的问题，但顺带三言两语，对读者相信会有所启迪。
二、为什么要学习素描
《孟子·离娄上》：
“不以规矩，不能成方员（圆）。
”规矩也就是法则，知识必须循规蹈矩，循序渐进，苦练勤学，才能获得。
素描是一切美术的造型基础，是油画、中国画、版画、雕塑和工艺美术等一切造型艺术的基础训练课程；是一门造型艺术的基础科学。
既是科学，就来不得半点虚假与取巧。
初学美术的人，要获得较好的造型能力，必须具有重视规矩和尊重科学的精神，在启蒙阶段，首先应该扎扎实实地努力学好素描，舍此而绝无捷径可行。
所以，素描练习是学习各种美术专业的一项必不可少的重要基本功，是技术性很强的基本练习，是初学美术者的一门必修课，需要坚持不懈地学习。
三、素描的任务
作为基础训练的素描其学习任务有两项：
一是研究客观物象的形体结构；二是表现客观物象的形体结构。
说得再具体些，要画好素描就要彻底地分析物体的结构原理，研究对象的每一个物体的构造，要立体地观察所描绘的对象，只有这样才能找到对象最强烈的特征所在，才能掌握作画的整体性，做到整体地、立体地去表现对象。
这就是作为基础素描的基本要求。
四、关于素描术语的一些基本概念
1．形体结构
“形”是指物象的形状，如方形、圆形、三角形等。
“体”、则指的是物象的体积，即物象的高度、宽度和深度。
形与体两者是联在一起不可分割的，任何物象有体才有形，见形必有体。
结构指的是物象结合构成的各自规律。
客观物象的结构决定了它的形体特征。
例如苹果
的结构决定了它基本是圆形的球状体，等等。
2．线条与明暗调子
线条与明暗调子是素描造型的两种基本手段，在艺术表现上各有特点，两者亦可兼揉互济、相辅相成。
用线条造型重于结构，它概括性强，生动有力；用明暗调子表现物象则重于体积、光感、质感，有较强的直觉效果，具有真实感。
而二者结合作为表现手段亦同样获得很好的艺术效果，在我国传统绘画中用线条旁加渲染凹凸技法的也不乏典范。
至于采用哪种表现手段，这取决于作者本人的风格及作品的要求。
但是，作为素描基础训练，特别是初学入门阶段，还是以全面学习不同的表现手法为宜，这对增长见识、提高欣赏力是大有益处的。
3．体积感与空间感
物体所占据的高度、宽度和深度的三度空间，就是它本身的体积范围。
素描中的体积感是我们表现物体三度空间范围的效果。
空间感是画幅中物象与物象、人物与人物、人物与物象之间的空间距离感觉；此外，还应包括作者与画中景物的空间距离效果。
表现空间感除了近大远小的形体透视原理之外，还要运用近实远虚，以及近鲜明、远灰暗的色彩透视对比手法。
4．质量感
客观物象都属于一定的物质，石膏、布料、玻璃、金属均分属于不同的质。
量即物象的体积及重量。
不同质的物象具有不同的体积与重量，前者必须通过后者的存在而显现，质与量是不可分割的统一体。
不同的物象还具有不同的组织结构、不同的质地、不同的固有色和不同的光泽等，我们描绘不同的物象时，可以因物制宜，用不同的表现手法，也可充分利用工具材料的原有条件，这包括线条、笔触、水分、纸张、布纹等等不同的肌理效果。
量感在作画的过程中的表现是很重要的，要画好物体的量感，这与作者的气质、修养等很有关系。
忽略了物体体积与质感的表现，就不能使画出来的东西有分量，这与初学者简单概念地理解对象有关。
5．整体感与完整性
素描的整体感是指作画过程中画面的整体效果而言。
素描的完整性则是根据作品的目的要求，画面达到既定的完整的艺术效果。
完整性并非巨细不漏的繁琐描写，面面俱到的磨纫工不仅会破坏画面的整体关系，而且使画面失去了完整性。
有时，画面看似寥寥几笔，但已达到作画的目的，亦不失为一幅佳作。
虽然整体感不能代替完整性，但整体感却是完整性的基础，一幅完整性好的作品，画面的整体感一定是比较强的。
慨说终究是概说，以上谈到的问题只是一个粗略的介绍，很多问题在以后的章节里将作具体详细的论述，在此不赘述。
石膏像静物
1素描被看作是进入美术大门的必经之路,因为这一训练所涉及的范围几乎囊括了艺术的全部基础领域.
2写生即是直接对照实物画画,要有明确的规范性和准确性.
3素描正常的教学往往从几何石膏形体人手,因为几何体的构成万物复杂形体的基本元素.
4写生的内容包括空间,比例,透视等视觉造型因素的要求.
5石膏像的写生训练是重多艺术院校的必修课,因为它所具有的色调单一,静止不动的特点便于学生更好地从观察研究形体.
6素描训练的第一步往往是从静物写生人手,通过这一训练可以使我们对周围现实中一切形体的多样性有所了解.
7素描画表现物体有空间,形体,体积,结构,光影等内容.
8石膏像的写生使学生有可能因他们在画人物模特时所不能达到的那种精确性来研究形体.
9石膏几何体的写生的掌握是对其它复杂形体规律表现的前提条件。
10石膏像不仅在研究比例，关系上帮助学生更好地容易地处理活的模特而且由于石膏像中体现出的是概括的形体。
11石膏像是经过艺术家的提炼之后的艺术形象，使学生在完成作业的同时也自觉地呼吸到艺术气息是对学生审美意识的潜移默化的提高。
12完成了石膏像的练习自然地就进入到人像练习，人像相对石膏像更为的丰富，因为人是有生命的。
13从视觉上，当我们在某一角度观察形体时该形体的外缘由于透视的原因，缩减而成为较细的边缘线这是轮廓线。
14两个面之间转折的交界处我们可以看到明显的隐晦线这是结构线。
15在作画过程中把形体各部分在空间位置上相关的各点联系起来，用假定性的线条引导各部分的结构关系,强化空间感的表现这叫辅助线。
16从对形象的主观感受和表现意图出发，在作画中采用意象的强调的或表现性的线条，这是主观用线。
静物写生的构图
面对一组静物，如何将其转置于画面的空间结构之中，我们称之为构图。
一种独具匠心的画面构图会使你的作品增添无穷的魅力。
而构图能力的培养是有其艺术的形式规则可循的，具体来说，一幅静物写生的构图安排，主要根据物象的组合与你的感受确定是竖幅画面还是横幅画面，然后在这个空间中运用对比、节奏、平衡等因素，充分体现自己的感受和意图，表现出对象的特定气氛。
对于考生来说，构图能力应有两个方面的培养和训练：
一是摆静物、组织物体的能力训练。
因为在日常的静物写生训练中，大量的时间是需要考生独立完成写生练习的，所以对静物写生的构图安排，不仅体现在画面中，而且还直接反映在对写生对象的摆设和组织上。
二是如何在画面中取景，即以何种视角来确立画面。
特别需要指出的是考生应培养自己的应变组织能力，因为在色彩静物写生考试中，经常出现的是已确定的静物内容，而考生的考位是随机和偶然的，这就要求考生能在静物的任何角度熟练、合理地组织画面的构图，使它符合构图原则，使作品产生美感。
上述两个方面能力的培养和训练，需要我们了解和掌握构图的原理和规则。
无论是竖画幅还是横画幅，构图的美学原则主要是既要有对比和变化，又要能和谐统一，最忌呆板、平均、完全对称及无对比关系的画面，因为这将令人感到非常乏味和沉闷。
画面如果有聚散疏密和主次对比，有内在的接合及非等量的面积和形状的左右平衡，就会产生生动、多变、和谐统一的画面效果。
懂得这一规则，会使我们的构图千变万化，并展现其特有的魅力。
构图的摆布应首先考虑主要物体与次要物体及陪衬物体的定位，即何者为主，何者为次，画面的中心在哪部分。
主体物可以是一件较大的物体，也可以是几个组合物；次要物体一般在面积上应小于主体物；而陪衬和点缀物的单体面积则应更小一些；衬布的选择与摆设应考虑画面的色调联系。
静物的组织与安排，有了主次、大小变化就能使我们较容易地制造丰富的对比和变化。
在物体的摆设安排上，每个人的艺术趣味不同，对比、节奏、平衡的表现也会因人而异。
一般来讲，主体物旁边应有次要物体重叠组合，陪衬物应不规则地摆放在四周。
如一个陶罐与一个酒瓶靠得较近，四周是一些小的水果和几个鸡蛋，这样就会因大小、高低、聚散等对比因素而产生美感。
如果在选定静物时没有注意大小、主次对比因素，都以相近的距离分散地出现在画面中，例如用三个同样大小的陶罐均等距离地摆放，那将会造成没有主体中心，画面平均、呆板的现象。
有些静物写生全是苹果，形状大小都很近似，那又如何来理解主灰、大小的对比因素呢？
其实这并不矛盾。
你细心地去观察这一类优秀的静物写生作品，就会发现它一般都是用几个苹果重叠地组合在一起而形成一个“整体面积”相对较大的“中心”，周围的苹果则以自然松散、错落有致的摆放与主体物形成陪衬关系。
这其间的聚散、疏密是经过精心考虑和安排的，只是因不露痕迹而显得自然罢了。
作为画面的构图安排与静物的摆放原则是一致的，如果说有些不同的话，那就是考生在面对特定角度的静物进行写生时，可根据需要对画面中出现的个别物体作适当的移位处理，以符合整体画面的构图形式的美感规则。
此外，主体物忌放在画面的正中心位置，因为这样会给人呆板、僵死的感觉，向中心线以外略偏移一些才会让人感觉舒服。
画面中的静物应尽量避免出现在同一条线上或等距离位置上，而应错落有致、聚散有法。
“疏可跑马，密不通风”，说的就是这个道理。
画面的构图一般有三角形构图、复合三角形构图、椭圆形构图、S形构图、V形构图等。
素描头像的基本要求
素描头像的训练，除了要有目的性以外，还必须具有正确的观察方法和表现方法，只有在学习中自觉地按照这些原理去做，抓住基本法则，才能较快地掌握造型的规律和方法。
观察方法
当我们开始写生时，面对着模特还只是一个初步的感觉，尽管这种感受比较深刻，但如果只停留在初步的印象上来作画，就会被模特表面的细节所迷惑，促使你无法深入下去，有时甚至会产生一些视觉中的错觉而导致画面的种种错误，因此这种初步的视觉感受必须深化，即从感性的初级阶段上升到理性分析的阶段，树立正确的观察方法，其原因就是“感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才能更深刻地感觉它”。
在头像写生时，始终把新鲜的视觉感受与分析研究对象结合起来，通过这样长期反复的实践，端正观察方法，才能不断提高观察能力。
整体观念
在作画时始终坚持整体地观察对象，这是头像写生训练中一个十分突出的问题。
因为在素描写生中没有任何孤立的东西，它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。
培养整体观察的能力，做到写生时纵观全局，这必须经过长期严格的训练。
在作画的时候，如果我们看到什么画什么，不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关系，而且会导致顾此失被，因小失大，造成形体比例上的错误
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