电影的常识.docx
《电影的常识.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《电影的常识.docx（64页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
电影的常识
电影读解基础知识
绪论
影视艺术：
人类历史上最年轻的艺术，人类现实中最生机勃勃的艺术，人类生活中最富创造力的艺术。
以现代科学技术为依托，融合各种艺术形式的长处，以镜头画面叙述和描写、易声画结合、镜头组接为基本特征的前所未有的艺术类型。
继雕塑、绘画、建筑、舞蹈、诗歌、音乐之后“第七艺术”。
1895年12月28日，巴黎卡普辛路14号咖啡馆地下室，正式公映了世界电影史上有记录的第一场电影。
《工厂大门》、《火车进站》、《水浇园丁》逼真性
电影发展史上发生的两次重大的技术革命，使电影艺术跨入了成熟的阶段。
本世纪20年代末30年代初发生的由无声电影发展到有声电影的技术革命，是电影发展史上第1次重大的技术革命。
“伟大的哑巴”。
1927年10月，世界第一部有声片《爵士歌王》。
1930年，“明星公司”在法国百代唱片公司协助下拍摄了中国第一部有声片《歌女红牡丹》。
电影史上第2次重大的技术革命，是30年代中期彩色电影的问世。
1935年由于生产具有特殊感光性能的彩色胶片的工艺得到满意的解决，美国导演马摩里安摄制的世界第一部大型彩色影片《浮华世界》（根据英国作家萨克雷的著名长篇小说《名利场》改编）在美国诞生了。
1896年8月11日，上海徐园游乐场“西洋影戏”。
电影在中国公众娱乐场所的第一次公开放映。
每一门艺术都有它自己独特的艺术语言，或者说是表现元素。
如：
绘画：
色彩，线条，构图等…… 戏剧：
台词、唱腔、表演等…… 文学：
文字。
二十世纪伴随着科学技术的发展，诞生了艺术的奇迹：
──电影、电视。
它第一次、也是终于实现了艺术家千百年的梦想：
使艺术走进了人类的每一个家庭。
“文化学”学者曾这样概括：
二十世纪以前的人类是“文字的一代”，二十世纪的人类是“影像的一代”。
电影艺术的影像
影像结构的基本单位是镜头。
电影镜头是电影摄影机在一次开机到停机之间所拍摄的连续画面片断，是电影构成的基本单位。
简称镜头。
镜头由以下几个因素构成：
①画面，包括一个或数个不同的画面。
②景别，包括远景、全景、中景、近景和特写。
③拍摄角度，包括平、仰、俯、正、反、侧几种。
④镜头的运动，即摄影机的运动，包括摇、推、拉、移、跟、升、降和变焦，有时几种方式可结合使用。
⑤镜头的长度。
⑥镜头的声音，包括画面内的和画面外的。
影像是通过一系列镜头展现的。
一部故事片一般由400—800个镜头组成。
电影影像的构图
影像结构的基本组织单位是“镜头”。
而镜头实际上还可以再分，即“画格”。
一个镜头是由无数的画格组成的。
（电影每秒24格）。
构图其实就是画格的构图。
处理好一部影片中的“构图”元素，起码应考虑以下三点，或称三原则，即：
①美学原则；②主题服务原则；③变化原则。
其中，“美学原则”、“主题服务原则”是就单个画格的构图而言。
而“变化原则”则是就整个一部影片的构图而言。
美学原则：
电影是一门艺术，所以它的构图首先要美，要“艺术”。
换句话说，就是要具有视觉上的美感，使人看起来舒服，看起来好看。
使一个画格的构图具有形式上的美感，影响的因素很多，诸如：
光线、色彩、影调层次、虚实对比、远近对比、大小对比，高低对比等等。
主题服务原则：
在一部影片当中，画格的构图无疑也是影片诸形式中的一种形式。
而影片的主题或者说故事，才是影片中起决定作用的“内容”。
形式必须为内容服务，构图也必须为主题服务。
变化原则：
以上两点“美学原则”、“主题服务原则”是就一部影片中的单个具体的画格的构图而言的。
那么，对于由千万个单个画格所组成的整部影片的画格的构图而言，所要遵循的原则就是“变化原则”。
电影影像的景别
一、景别的划分
景别是指摄影机与被摄物体距离的远近而形成的视野大小的区别，分为远景、全景、中景、近景、特写五种类别.通常的作法是以画格中截取成年人身体部分的多少为划分的标准。
远景：
广阔的场面，画面中如果有人，那么，每个人在画面中所占的比例很小。
全景：
成年人的全身。
中景：
成年人膝盖以上。
近景：
成年人胸部以上。
特写：
成年人肩以上的头，或被摄主体的细部。
电影影像的角度
镜头角度指的是摄影机拍摄电影画面时所选取的视角。
它可以划分为两大类：
垂直变化和水平变化。
1、垂直变化：
平角；②仰角；③俯角。
平角：
电影中绝大部分镜头的角度是平角。
注意：
电影中的平角是指成年人视力水平线的平角。
有些影片为了达到特殊的艺术效果，便采取压低平角，即变成儿童的视力水平线的平角，甚至是动物的视力水平线的平角：
儿童：
《城南旧事》、《锡鼓》；动物：
《库车》、《白比姆黑耳朵》。
2、水平变化：
正面（0度），侧面（90度），背面（180度）。
正面角度：
显得庄重、正规，如拍领袖作报告。
另外，正面角度易于较准确、较客观、较全面地表现人或物的本来面貌。
侧面角度：
显得活泼、自然。
它是一部影片中用得最多的角度。
背面角度：
显得含蓄、丰富。
电影影像的运动
一、电影运动的构成：
电影的运动主要由两方面组成：
被摄对象运动；摄影机运动。
电影的运动又具体表现为以下三种情况：
1、主体的运动即画面中的人或物处于运动状态。
2、摄像机的运动即摄像机运动造成的画面运动感。
3、镜头连接产生的运动这种运动效果是由镜头连接方式，尤其是镜头转换频率来决定的，比如，这样三个镜头：
镜头1郁郁葱葱的森林（远景）、镜头2森林局部（小全景）、镜头3森林中的小木屋（全景），这三个镜头基本处于完全静态，但是，连接在一起，使观众产生逐步接近森林的感觉，也就是向森林深处的方向运动。
二、摄影机运动的主要方式
1、推镜头（推）：
推镜头的作用：
①、把观众带入故事环境；②、把被摄主体（人或者
物）从众多的被摄对象中突出出来；③、突出人物身体某一部分的表演的表现力，如脸、手、眼睛等。
④、强调、夸张某一被摄物体的局部。
⑤、代表剧中人物的主观视线。
（⑥、表现人物的内心感受。
2、拉镜头（拉）：
①、表现被摄主体与它所处环境的关系；②、结束一个段落或者为全片结尾。
3、摇镜头（摇）：
在拍摄一个镜头时，摄影机的机位不动，只有机身作上下、左右的旋转等运动。
摇镜头的作用主要是：
①、介绍环境。
②、从一个被摄主体转向另一个被摄主体。
③、表现人物的运动。
④、代表剧中人物的主观视线。
⑤、表现剧中人物的内心感受。
4、移动镜头（移）：
摄影机沿水平方向作各方面的移动。
（“升”、“降”是垂直方向）。
两种情况：
A、人不动，摄影机动；B、人和摄影机都动。
5、跟镜头（跟）：
摄影机跟随被摄主体一起运动。
“跟”与“移”的区别：
①、摄影机的运动速度与被摄主体的运动速度一致；②、被摄主体在画面构图中的位置基本不变；③、画面构图的景别不变。
6、静止镜头:
要树立大的运动观念。
在这种观念下，“静止镜头”也是一种电影运动的一种。
电影影像的照明
一、照明的种类：
1、按光源划分：
①、自然光：
阳光、天空光的照明；②、人工光：
灯光的照明。
2、按光线的性质划分：
①、散射光（软光）；②、直射光（硬光）；
3、按造型的性质划分：
①、主光：
A、照明被摄物的主要光线，它决定着该场景中的总的照明的格局；B、多用硬光，并且它使被摄物有明显的阴影；②、副光：
A、它是辅助主光的光线，它主要用来对主光照明被摄物所产生的明显的阴影提供适当的照明，（注意不应把阴影全部消除，还应使被摄物的阴影部分有一定的造型效果）。
B、多用软光（散射光）。
4、按光位划分：
①、顺光（正面光）优点：
易于较完整地交待一个平面形象或者细节。
②、侧光：
电影中最常用的照明方法，使被摄物富有层次感。
③、逆光：
从背面打光。
强烈的逆光，会使被摄对象突出、可怕；柔弱的逆光，会使被摄对象神秘动人。
④、顶光：
头顶上垂直照下来的光线。
往往会使被摄对象丑化。
⑤、脚光：
从人的脚下垂直照上来的光线。
往往会使被摄对象显得残暴。
二、照明在电影中的作用
①、描写、表现环境。
②、表现人物的心境：
③、塑造、刻划人物：
④、表现主题：
电影影像的色彩
色彩是一种极富表现力的艺术语言。
科学分析表明，不同的色彩会给人们的心理及情绪带来不同的反应。
红色，象征着生命、血、朝气蓬勃、爱情、暴力、革命……。
黄色，象征着阳光、欢乐、温暖、享乐……。
绿色：
象征着生长、生命、青春……。
紫色：
象征着高贵、牺牲……。
蓝色：
象征着冷静、平和、纯洁、高雅、忧郁、浪漫……。
如果说，彩色电影之前的黑白电影是象劳逊所说的“摄影实际上是一个用光线进行绘画的过程。
”那么，黑白电影之后的彩色电影准确地说应该是“它不仅是用光线，而且是用色彩进行绘画的过程。
”色彩出现在电影中的几种情况及作用
色调：
彩色电影画面总的色彩组织和配置。
它往往以一种颜色为主导，使画面呈现出一定的色彩倾向。
色调在电影中的作用：
①、喧染环境，营造氛围，表现人物的心境。
②、表达作者的思想情感和作品的主题。
③、表现作者的诗意和浪漫、抒情的色彩。
④、形成影片特殊的风格和韵味。
电影艺术的声音
“电影思维是用影像和声音进行的艺术思维。
”早期电影没有声音，人称“不会说话的美女。
”
1927年第一部有声片诞生（《爵士歌王》），可谓电影艺术发展史上的一大里程碑。
电影声音主要包括三个部分：
语言、音响、音乐。
语
电影声音的语言
语言：
电影中人嘴说出的声音。
一、语言的分类：
１、对白（对话）：
电影中人物之间进行交流的语言。
它是电影中使用最多，因此也是最为重要的语言内容。
２、独白：
剧中人物在画面中对内心活动所进行的自我表述。
３、旁白：
以画外音的形式出现的人物语言。
二、语言的录制：
电影声音的录制主要采取以下三种方式：
①、先期录音（前期录音）：
拍摄影像之前，先进行录音。
。
②、后期录音（后期配音、配音）：
影像拍完之后，根据影像的内容，进行配音。
后期配音是电影创作中最为常用的录音方法。
它往往能使电影的声音鲜明、突出，具有较强的表现力。
③、同期录音：
摄影机拍摄影像的时候，录音机同步运行，录下影像内容所发出的声音。
由于它具有真实地再现影像内容所发出的声音的能力，能增强影片的真实感。
所以，纪实风格的影片多用此方法。
电影声音中的音响
音响：
除语言、音乐之外，电影中一切声音的统称。
音响的种类：
动作音响：
人和动物行动所产生的声音。
如人的走路声，打斗声，动物的奔跑声。
自然音响：
自然界中非人的行为动作所发出的声音。
如风声、雨声、鸟语虫鸣。
背景音响：
通称群众杂音。
机械音响：
因机械设备的运行所发出的声音。
汽车、火车、轮船、飞机声，电话声、钟表声。
特殊音响：
经过变形处理的非自然界的音响。
神话、科幻片中多用。
音响在电影中的作用:
①、增加银幕的真实感。
②、喧染画面的氛围。
③、打破画面的框子，扩展空间，增强银幕的信息量。
④、声画组接：
用音响将几个不同内容的镜头连接起来，产生一种整体感。
⑤、表现人物的心境：
如：
小偷第一次偷东西的心跳声。
⑥、塑造人物：
⑦、隐喻、象征，表现作品的主题和作者的思想。
根据影片的风格，确定音响的风格。
Ａ、纪实风格：
采用同期录音，努力使音响与画面中的被摄物所发出的音响一致。
Ｂ、浪漫夸张风格。
电影声音的音乐
音乐是经过加工处理的声音，它必须通过演奏、演唱才能形成。
电影音乐则是专门为电影创作、编配的音乐。
一、电影音乐的出现方式：
１、有声源音乐（画内音乐）：
画面中出现发出音乐的人（唱歌）或物（收音机、录音机、电视等）。
２、无声源音乐（画外音乐）：
画面中没有发出音乐的人或物。
二、音乐与画面的关系：
１、音画同步：
音乐与画面情绪一致，节奏一致，主题一致。
音乐在这里是为了更好地烘托和喧染画面的内容，它附属于画面，与画面是一种“合一”的关系。
２、音画对位：
音乐与画面是一种“对位”的关系。
音画对立：
音乐所表现的情绪、节奏、主题等与画面中的影像内容所呈现出的情绪、节奏、主题等截然相反。
音画并行：
音乐并不仅仅是具体地、简单地、机械地解释画面的内容，它与画面不是那种“合一”的关系），它与画面犹如两条平行线，与画面是一种“并行”的关系。
四、音乐在电影中的作用
１、喧染画面中所呈现的环境的氛围。
２、表现时代感和地方特色。
３、抒发作者的感情。
４、表现作品的主题和作者的思想。
５、表现剧中人物的心境。
６、刻划人物，将某个具体人物音乐化。
７、为影片的风格定调。
如幽默片中的幽默音乐。
８、声画组接。
用一段音乐将几个不同的镜头连接起来，形成一种整体感。
电影片种
按照电影创作的不同形态及其主要功能，电影作品一般可分为故事片、纪录片、科教片和美术片四大类。
故事片是最受观众欢迎的一种艺术形式。
故事片必须由演员来扮演其中的角色，塑造出生动丰满的人物形象，这是区别于其他片中的主要特征，也是故事片创作的主要任务；其次要有动人的故事情节，并尽可能真实地反映社会生活和时代风貌，传达出一种思想感情。
纪录片：
以真人真事为表现对象，直接纪录反映生活的影片。
拍摄时不能虚构，不能表演，更不能变更事件发生的时间、地点和过程。
依照题材和表现方法的不同，纪录片一般又分为时事报道片、历史纪录片、传记纪录片、政论纪录片、专题系列纪录片等。
科教片：
用电影手段传播科技知识，即进行科学教育，是这一片中种主要特征。
科教片又分为科学普及片、技术推广片、科学实验片等。
美术片：
这是中国对动画片、木偶片、剪纸片、折纸片等的总称谓，是以美术制作人物、景物为影像内容的影片，是除了故事片外，拥有最大观众群的片种。
电影叙述方法
电影有叙事的特性，在这点上与小说很相似。
但电影的叙述手段是画面与声音，以情节发展的连续性为特点，并在叙述过程中注意符合人们观察或感受事物的方式和心理要求。
在叙述角度上，可以是主观式叙述，即以电影中某个人物的口吻或视角来描述事件和情节；也可以是客观式叙述，即以作者的口吻或视角来描述事件和情节；还可采用主客观交替叙述以及由剧本中几个人共同说明同一事件或同一人物的多角度叙述。
在叙述方法上主要有顺序、倒叙、分述、插述、复述以及夹述夹议等。
顺述：
是按照一定的时间顺序展示事件、叙述情节的方法。
倒述：
是先交代故事的结局或某些关键性的情节，在倒回去具体故事始末的方法。
分述：
是几个故事或几条线索分开叙述的方法。
既可以交替描述，也可以依次表现。
插述：
是在叙述中心事件时，插入有关联的其他情节内容。
插入的情节，往往是一些片断，用以说明背景、交代情节、介绍人物。
电影摄影
以条状感光胶片为载体，摄取景物的活动影像的过程。
摄影机借助透镜组（物镜）的光学成像，并根据视觉的生理与心理特性，以24幅/秒（有声电影的标准画幅频率。
早期无声电影为16幅/秒）摄取被摄对象的一系列姿态渐次变化而活动连贯的静止画面。
除一般摄影方法外，还有变速摄影（区别于２４幅／秒的正常速率的快速、高速、低速摄影）、逐格摄影、延时摄影（区别于正常的即时连续摄影）、特技摄影（即具有各种特技效果的合成摄影）等。
蒙太奇
法国电影理论家马尔丹说，电影成为艺术，是从导演们想到挪动摄影机那一天开始的。
卢法国的电影先驱者梅里爱，把戏剧引入电影，并创造了停机再拍、叠印、多次曝光等拍摄手段，使电影获得生机和振兴。
但梅里爱的全景内容是舞台上的科幻、神话、魔术等不同表演，形式仍然是复制的戏剧节目，因此它们还不是真正的电影艺术。
被誉为美国电影之父的电影艺术家大卫·格里菲斯，对电影的发展作出了不可磨灭的历史贡献。
他的伟大功绩在于改变了卢米埃尔复制现实和梅里爱复制舞台、以场景为构成影片的基本单位的作法，而采用不同距离、不同角度和不同方位来拍摄所要表现的拍摄对象，以镜头构成影片的基本单位。
他摄制的影片《一个国家的诞生》（1915）和《党同伐异》（1916），不仅标志着当时美国电影的最高水平，同时也是世界电影史上的经典名作。
蒙太奇：
法语的音译，原来是指建筑学中的构成、装配。
借用到影视艺术中有组接、构成的意思，也就成了影视片中分切、组合的代名词。
前苏联著名导演库里肖夫曾做了一个实验来说明蒙太奇的效果。
他从一部由当时苏联最有名望的演员莫兹尤辛主演的旧片中，选出一张毫无表情的特写镜头；另外，又从别的影片中选出表现一只饭桌上的汤碗、一口棺材和一个孩子在玩耍的镜头，分别把莫兹尤辛的特写镜头与这3个镜头随意结起来放映，果然出现了奇迹。
莫兹尤辛的脸不再是无表情了，而是呈现出饥饿、悲伤和慈爱的表情。
一般来说，电影蒙太奇的基本内涵就是镜头的分切与组合。
一部影片通常一般由数百个或千余个镜头组成。
电影艺术家根据既定的思想艺术意图，对人物、事件、动作、环境等被摄物分别拍下许多不同景别，不同角度和方位的画面镜头；然后再按原定的构思方案，把这些不同镜头有机地艺术地剪辑组合在一起，使这些镜头相互间产生连贯、对比、隐喻、象征、烘托、悬念、节奏等有机联系并构成整体，组成一部表达一定思想艺术内涵并为观众所理解的影片。
所以，说到底，蒙太奇就是电影艺术家用以叙述故事的一种方法，是电影语言中的重要组成部分——电影语法。
蒙太奇类型
蒙太奇划分为两种最基本的类型:
叙事蒙太奇,表现蒙太奇,。
叙事蒙太奇这种蒙太奇由美国电影大师格里菲斯等人首创,是影视片中最常用的一种叙事方法,它的特征是以交代情节、展示事件为主旨,按照情节发展的时间流程、因果关系来分切组合镜头、场面和段落,从而引导观众理解剧情。
这种蒙太奇组接脉络清楚,逻辑连贯,明白易懂。
叙事蒙太奇又包含下述几种具体技巧：
1.平行蒙太奇这种蒙太奇常以不同时空（或同时异地）发生的两条或两条以上的情节线并列表现,分头叙述而统一在一个完整的结构之中。
2.交叉蒙太奇：
又称交替蒙太奇,它将同一时间不同地域发生的两条或数条情节线迅速而频繁地交替剪接在一起,其中一条线索的发展往往影响另外线索,各条线索相互依存,最后汇合在一起。
3.重复蒙太奇：
它相当于文学中的复叙方式或重复手法,在这种蒙太奇结构中,具有一定寓意的镜头在关键时刻反复出现,以达到刻划人物,深化主题的目的。
表现蒙太奇：
表现蒙太奇是以镜头对列为基础,通过相连镜头在形式或内容上相互对照、冲击,从而产生单个镜头本身所不具有的丰富涵义,以表达某种情绪或思想。
其目的在于激发现众的联想,启迪观众的思考。
长镜头
长镜头理论源自于安德烈·巴赞。
他认为，电影的最大优点是真实地反映客观世界，而传统的蒙太奇手段却是人为地把影片按照编导自己的观点和想法进行剪接，实际上是强迫观众接受编导者的思想，因此，电影就失去了它的意义。
他主张，不要把时空随意割裂，从而限制观众的知觉过程。
因此，他强调要把事件的全部真实过程拍下来，让观众自己欣赏、品评，这样就造成了长镜头的出现。
因此，巴赞的理论也就常常被人们称为长镜头理论。
其实，它还有个名称，叫做场面调度理论。
长镜头是“短镜头”的对称。
指在一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头。
能包容较多所需内容或成为一个蒙太奇句子（而不同于由若干短镜头切换组接而成的蒙太奇句子）。
其长度并无明确的、统一的规定。
一般分为固定长镜头、变焦长镜头、景深长镜头、运动长镜头四种。
其中运动长镜头包括摄影机的推拉摇移升降等运动。
由于长镜头能把镜头中的各种内部运动方式统一起来，因此显得自然流畅，又富有变化，为画面造成多种角度和景别，既能表现环境、突出人物，同时也能给演员的表演带来充分的自由，有助于人物情绪的连贯，使重要的戏剧动作能完整而富有层次地表现出来。
定格：
定格是电影剪辑技巧手法之一，常被用来强调合渲染某一细节、某一动作、某一人物的特异效果。
渲染气氛，造成一种紧张、强烈效果的定格例子很多。
影片结束时的定格，常常给人以无限的遐思。
空镜头：
画面中并无人物存在，这种镜头叫“景物镜头”，俗称“空镜头”。
它是导演阐明思想，叙述故事，抒发感情，创造意境，揭示人物心理，推动剧情发展的重要手段之一。
电影院线：
简称“院线”。
电影放映行业一种具有垄断性的经营体制。
经营者为发展和保护其经营利益，在某些城市或地区，掌握相当数量的电影院，建立放映网络，借以垄断某国或某一电影制片公司新版影片的公映。
闪回：
影片中表现人物内心活动的一种手法。
即突然以短暂的画面插入某一场景，用以表现人物此时此刻的心理状态和感情起伏。
与一般回忆及倒叙不同，闪回不需要中断原来场景中的动作和节奏，而撷取最富于特征、最具有鲜明形象性的动作或细节，用极其简洁明快的手法加以强调和表现，给观众以清晰而深刻的印象。
类型电影：
按照不同类型（或称样式）的规定要求制作出来的影片。
类型电影作为一种影片制作方式具有如下特点：
影片创作者必须严格遵守制片人为他指定的影片类型的基本规定，即：
1．公式化的情节。
2．定型化的人物。
3．图解式的视觉形象。
类型电影作为一种拍片方法，实质上是一种艺术产品标准化的规范。
它的规定性和对影片创作者的强制力，只有在以制片人专权为特点的大制片厂制度下才有可能发生作用。
制片人：
-H/l/J*I+L1n（E一般指电影公司的老板或资方代理人。
负责统筹指挥影片的筹备和投产，有权改动剧本情节，决定导演和主要演员的人选等。
制片人大多懂得电影艺术创作，了解观众心理和市场信息，善于筹集资金，熟悉经营管理。
世界著名电影奖项
奥斯卡金像奖：
奥斯卡金像奖是美国电影艺术与科学学院奖的别称。
金像奖共有12个类别。
评选分两个步骤。
每年年初，院方召集全体会员，评审前一年发行的影片。
会员们以投票方式选出自己认为最好的５部影片及最好的５位演员，但每人只能选两大类别，即最佳电影奖和自己所属的专业奖（例如演员会员选演员，编剧选编剧等等）。
在投票结果统计出来之后，院方把被提名的名单发给会员，再进行第二次选举，得出最后结果。
奥斯卡奖评选慎重，计票公平（特请一家国际统计公司负责），尤其是参加评选的都是各方面的专业人才，因此评选质量较高，受到各界重视。
柏林国际电影节：
柏林国际电影节在每年的2月底举行，原名西柏林国际电影节，联邦德国与民主德国统一后改名为柏林国际电影节。
电影节的宗旨也是通过放映各国的电影来促进世界各国电影工作者的交流和往来；促进电影商业性放映。
电影节的主要奖项是金熊奖和银熊奖。
金熊奖是大奖，授予最佳故事片和最佳短片；银熊奖包括：
最佳导演、最佳男女
演员、最佳编剧、最佳音乐等奖、评委会特别奖等等。
评委是从全世界著名影人中选定，每年更换，近年来陆续有华人或华裔被聘为评委，其中有张艺谋、张艾嘉、徐枫、斯琴高娃和蔡明亮等人。
戛纳国际电影节：
国际上最有影响的电影节，被誉为“世界电影之窗”。
它的历史仅次于威尼斯国际电影节，也是个综合性的电影节，其宗旨是评价世界各国有艺术价值的优秀影片；鼓励各国电影工作者的合作与交往；促进商业性的发行放映。
戛纳国际电影节于每年的5月份在法国南部地中海边的小城市戛纳举行。
戛纳的选片委员会选片特别严格，每年要收到各国的影片600多部，而选出的入围影片只有20余部，所以戛纳实际上已成为世界各地电影导演寻求国际知名度的最佳捷径，更是影坛新秀们角逐之地。
同时，该电影节还一向以"作家电影大本营"自称，所谓"作家电影"就是注重导演个人意图和兴趣，注重文学和哲学的探索，这样的影片往往没有故事情节，枯燥沉闷。
因此评奖活动轰轰烈烈，实际放映时观众稀少。
戛纳电影节设立的奖项名目繁多，最高奖是“金棕榈奖”，分别授予最佳故事片和最佳短片，此外还有银狮奖、评委会特别奖、最佳导演奖、最佳男女演员奖、技术奖、青年奖、国际评论奖、基督教评委会奖、观众奖，等等。
威尼斯国际电影节：
威尼斯国际电影设在意大利水城威尼斯，是世界上最早的国际电影节，它始办于1932年，被誉为"国际电影节之父"，参加该电影节第一届活动的只有几个国家，二十几部影片参赛。
意大利政府拨款资助，还专门为电影节建造了电影宫，所以规模逐渐扩大。
第二次世界大战开始，意大利政府走上法西斯道路，使其评奖活动附上法西斯色彩，让德国和意大利的影片频频得奖，引起英、美、法等国家电影界的强烈不满。
反法西斯国家的电影工作者纷纷拒绝参赛。
电影节不得不停办。
直到1946年才恢复。
升级会员 