高一美术鉴赏知识专题教案.docx
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高一美术鉴赏知识专题教案
【鉴赏基础基础知识】
1.美术作品的分类：
根据艺术门类分为绘画、雕塑、建筑、设计（工艺）、书法（篆刻）、摄影六大类。
依照美术在形式语言上的不同特征分为：
以写实性客观再现为主的“具象艺术”、以写意性主观表现为主的“意象艺术”、以艺术语言本体性表现为主的“抽象艺术”。
2.美术作品的艺术语言：
美术所使用的、具有视觉传达功能的形象和形式就是美术作品的艺术语言，特征就是具体性和形象性。
广义的说，参与美术作品表达的一切都有语言的属性，狭义的说则是指美术的基本语言元素和语言手段两方面。
美术的基本语言元素就是点、线、面、色。
为了把语言元素组织体现出来，美术又形成了自己的语言表达手段，在西方绘画中就是明暗、空间、透视、构图、肌理等；中国画中就是笔墨、章法、皴法等。
3.具象艺术：
⑴具象艺术的突出特点首先是它的视觉真实性或客观性。
按照我们所看到的客观世界来描绘对象。
⑵艺术形象的典型性。
即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念。
⑶具象艺术的情节性，又称叙事性。
即具象艺术中往往蕴含着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。
4.怎样鉴赏具象艺术？
⑴首先是要分辨出它是肖像作品还是主题性作品。
肖像就是它表现的是历史上的具体的人，而主题性作品更具广泛的代表性，是一个时代甚至一个民族的历史写照。
⑵再者就要看作品的环境表现，因为在具象美术作品中，典型形象是与典型环境相联系的，不是孤立存在的。
对于具象形象来说，主题的表达只有通过典型形象和典型环境才能做到。
5.对客观世界的主观表达—走进意象艺术
⑴意象艺术：
意象艺术不以纯客观表现为目的，重在表达艺术家主观世界，这种特点使其成为一种介于具象艺术和抽象艺术之间的综合性艺术类型。
⑵作品形象的怪异性。
意象美术更倾向于心理真实而不是眼见得真实传达，尽管它可能怪异丑陋，但它在艺术上却更集中更典型。
6.抽象艺术是一种用美术的基本语言元素和语言手段进行独立创作的美术类型。
冷抽象，用直线分割块面，形成面与面之间的构成关系。
热抽象，用色彩和有变化的线条来创作。
7.艺术为什么会走向抽象？
其艺术美又那些表现？
⑴艺术走向抽象有两方面原因：
首先，人们在工艺美术运动、象征主义、印象主义、新印象主义、后印象主义实践中发现，美术的形式可以通过表现性的处理提升为自为的抽象艺术。
其次，从音乐类比中认识到，美术也可以用纯粹的色彩和形式来组成具有审美的画面。
抽象艺术在西方的出现，现代社会的分工、西方科学理性的影响都对其产生里影响。
⑵抽象艺术的分析性特点，也就是把艺术的各种语汇分析、抽离、孤立出来并加以夸大，甚至绝对化，这就形成了抽象艺术特殊的艺术美。
其中主要有以下几方面：
a形式与色彩它们是抽象艺术美的基本表现b构图与笔触c材料与肌理d空间与透视
8.什么是艺术美？
它有哪些表现？
艺术美：
这种综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”，又根据它与现实生活的关系而称之为“第二自然”即“艺术美”美术作品中的艺术美不同于现实生活中的漂亮好看，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的“美”。
9.什么是形式美？
如何理解和把握形式美？
美术作品形式所传达出的美即形式美，它不仅包含子艺术美之中，其本身也具有独立的审美价值。
美术作品的形式美主要由三个方面组成：
（1）语言元素（点、线、面、色）及其所构成的形态变化。
（2）语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意向；（3）语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律）及其所构成的审美关系。
【美术基础常识】
一、中西美术的差异：
（一）表现性意象和再现性具象。
东方艺术是重表现的；西方艺术是重再现的。
然而近世纪东方艺术由古典的、表现的转向现代的、再现的。
西方艺术则由古典的、再现的转向现代的、表现的。
如同肖像性绘画作品：
梁楷（南宋）的《泼墨仙人》与17世纪荷兰画派维米尔的《倒牛奶的女仆》，前者是通过夸张、变形和狂放的笔意来表现的，后者是通过精确的写实手法，如达·芬奇所说的“绘画要像
镜子般映照自然”。
中国绘画是尚意，西方绘画是尚形，中国绘画重表现，重情感，西方绘画重再现，重理性。
（二）“天人合一”与“神人合一”不同的惯用词代表着不同的文化倾向，中国美学与西方美学的巨大差异就是“天人合一”和“神人合一”的差异。
前者由审美走向人际，回到生活，后者由审美走向宗教，皈依上帝。
在美术史中，几乎同一时期的中国西汉霍去病墓雕与古希腊的米洛斯阿芙罗蒂特雕像不同的审美取向，在于前者表现的是人生成于自然，回归于自然，这一巨型纪念碑式的雕刻，以卧虎、跃马、石象、怪兽等天然浑成的造型，拓展出广阔山野、丘陵和无极宇宙。
（三）焦点透视与散点透视。
焦点、散点透视是中西画家绘画时对空间的不同理解。
焦点透视，就像照相机，焦距对准的地方清楚，集中之外的模糊，从而表现出距离。
从物理学的原理出发，用固定的视点表现同一个空间。
而散点透视是指中国画的构成是不受时间和空间的限制，把时间和空间相结的一种表现方法。
宋代郭熙在《林泉高致》里提出了山水画的“三远论”：
“自山下而仰山颠谓之高远，自山前而窥山后谓之深远，自近山而望远山谓之平远。
散点透视给画面带来了整体上的音乐节奏感与和谐感。
如中国东晋时代顾恺之的《洛神赋图》，突破时间和空间的局子，使静止的画面，随生活与情势而流动，富有时间感。
在构图上中国画利用散点透视表现物象内在联系上脉通气贯；在位置经营上环环相扣，节节相连，从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节。
如宋张择端的《清明上河图》，在结构上有序曲、高潮（虹桥部分）、尾声，形成鲜明的情感节奏，突破时空的局限，同一时间里展现不同环境。
（四）线的节奏、笔情墨趣和光影韵律、丰富色彩。
中国画基本上用线条、墨团、细碎墨点组成，而墨团和墨点只不过是线的扩大和缩小，它们同样要讲究骨力。
西方油画主要是由光影明暗色调组成，所以中国画也可以说是线的艺术。
中国历代画家们十分重视“用笔”早在南齐谢赫时期他所提出的“六法”中，把“骨法用笔”列为首要之法。
中国画的笔尖、笔肚、笔根都会产生不同味道的线条。
运笔时候还具有中锋、侧锋、卧锋、逆锋、拖锋、藏锋等笔势变化。
粗狂豪放的秦汉画像砖，柔匀典雅的魏晋画风，“曹衣出水”，唐代的“吴带当风”，宋代的丰富皴法使线的风格驱向严谨、精细、典丽、方正。
元代则更注意线的内涵，飘逸、潇洒、凝练、浑重。
西方绘画以光影韵律为其形式美特征，西方绘画追求真实感、立体感、节奏感、明暗光影感。
西方文艺复兴时期绘画确立了科学的素描造型体系，把明暗、透视、解剖等知识科学地运用到造型艺术之中，印象派绘画则完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画中，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。
在这里须补充的是中国画并不是一点也不讲色彩、讲光感，西方油画就没有线的表现。
此处的比较中指西洋绘画中的线不处于表现手段的主导地位，中国画的色彩同样是抽象性的，它不模仿具体物象的色彩，着意构造色彩的调子。
中国画的“墨分五色”就是说墨的韵味可以造成丰富的色彩错觉，产生闪烁的色彩。
（五）诗书画印、画中有诗和“诗画分界”、以戏入画。
19世纪法国浪漫主义大师席里坷的《梅杜萨之筏》与中国现代绘画大师石鲁的中国画《转战陕北》都是主题性绘画，文学性很强。
《梅杜萨之筏》的文学
性主要是戏剧性的情节、戏剧性的冲突和戏剧性的对比；而《转战陕北》的文学性主要是“胸中自有雄兵百万”的诗情，它通过以景写情和情景交融的手法，用千山万壑的雄伟气象，暗喑性传达人物伟大的精神气度。
在古希腊罗马至文艺复兴时期，画中有戏，以戏剧性的情节、动作作为画面内在的构架，是艺术上的普遍现象。
西方画家把故事性、叙事性的绘画抬到很高的地位上，像古典主义、浪漫主义、巡回画派等等深受文学戏剧性影响把故事性和情节性发展到了极致。
二、色彩基础
1.颜色的产生：
颜色是因为光的折射而产生的。
在三棱镜下，可以看到太阳光有红橙黄绿青蓝紫七种颜色。
2.色彩的属性：
颜色分为非彩色和彩色两大类。
非彩色：
指黑色、白色和各种深浅不一的灰色。
其它属于彩色。
任何一种色彩具有三个属性：
色相、饱和度、明度。
色相：
也叫色泽，是颜色的基本特征。
饱和度：
也叫纯度，是色彩的鲜浊，某一种光谱色如掺入白光饱和度就减低，同样颜料加入白色饱和度也就降低了。
明度：
也叫亮度，体现颜色的明暗度，光量越多，明度越高，反之明度越低。
色料的颜色的明度则取决于混色中白色和黑色含量的多少。
3.色彩的三原色和色环
原色：
是指光线中或颜料中的色彩，无法再分解出其他的色彩，或无法以其他的色光或色料，混合出来的。
光的三原色：
红、绿、蓝，三原色混合成白光。
颜料的三原色：
红、黄、蓝，三色混合成黑灰色。
在色环中，颜色按冷暖，分为暖色、中性色、冷色。
在色环中，根据位置的不同，颜色间构成四种关系：
颜色关系
相隔度数
效果
同类色
45度
较弱对比效果，极为协调、单纯的色调
邻近色
90度
色彩倾向近似，色调统一和谐
对比色
135度
属中强对比效果
互补色
180度
是对比最强的色组，有极强的视觉冲击力和热烈感
三对互补色：
红-绿黄-紫蓝-橙（它们也是最强烈的对比色）
4.
（1）色彩的冷、暖感。
色彩本身并无冷暖的温度差别，是视觉色彩引起人们对冷暖感觉的心理联想。
暖色：
让人感觉温暖的色彩是暖色。
红、橙、黄色系都属于暖色系。
冷色：
见到蓝、蓝紫、蓝绿等色后，则很易联想到太空、冰雪、海洋等物像，产生寒冷、理智、平静，同时这些颜色还能让人心绪稳定下来。
冷色系会带给我们沉稳、冷峻、寒冷、凉爽、整齐的印象。
中性色：
绿色和紫色没有明显的暖寒感觉的色彩称为中间色。
（2）色彩的轻、重感。
这主要与色彩的明度有关。
明度高的色彩使人联想到蓝天、白云、彩霞及许多花卉还
有棉花、羊毛等，产生轻柔、飘浮、上升、敏捷、灵活等感觉。
明度低的色彩易使人联想钢铁，大理石等物品，产生沉重、稳定、降落等感觉。
（3）色彩的软、硬感。
其感觉主要也来自色彩的明度，但与纯度亦有一定的关系。
明度越高感觉越软，明度越低则感觉越硬。
（4）色彩的前、后感。
由各种不同波长的色彩在人眼视网膜上的成像有前后，红、橙等光波长的色在后面成像，感觉比较迫近，蓝、紫等光波短的色则在外侧成像，在同样距离内感觉就比较后退。
（5）色彩
的大、小感。
由于色彩有前后的感觉，因而暖色、高明度色等有扩大、膨胀感，冷色、低明度色等有显小、收缩感。
（6）色彩的华丽、质朴感。
色彩的三要素对华丽及质朴感都有影响，其中纯度关系最大。
明度高、纯度高的色彩，丰富、强对比的色彩感觉华丽、辉煌。
明度低、纯度低的色彩，单纯、弱对比的色彩感觉质朴、古雅。
但无化何种色彩，如果带上光泽，都能获得华丽的效果。
（7）色彩的活泼、庄重感。
暖色、高纯度色、丰富多彩色、强对比色感觉跳跃、活泼有朝气，冷色、低纯度色、低明度色感觉庄重、严肃。
（8）色彩的兴奋与沉静感。
其影响最明显的是色相，红、橙、黄等鲜艳而明亮的色彩给人以兴奋感，蓝、蓝绿、蓝紫等色使人感到沉着、平静。
绿和紫为中性色，没有这种感觉。
5.色彩的心理联想
色彩的联想带有情绪性的表现，受到观察者年龄、性别、性格、文化、教养、职业、民族、宗教、生活环境、时代背景、生活经历等各方面因素的影响。
各种色彩都其独特的性格，简称色性。
它们与人类的色彩生理、心理体验相联系，从而使客观存在的色彩仿佛有了复杂的性格。
（1）红色。
红色的波长最长，穿透力强，感知度高。
它易使人联想起太阳、火焰、热血、花卉等，感觉温暖、兴奋、活泼、热情、积极、希望、忠诚、健康、充实、饱满、幸福等向上的倾向，但有时也被认为是幼稚、原始、暴力、危险、卑俗的象征。
红色历来是我国传统的喜庆色彩。
深红及带紫味的红给人感觉是庄严、稳重、而又热情的色彩、常见于欢迎贵宾的场合。
（2）橙色。
橙与红同属暖色，具有红与黄之间的色性，它使人联想起火焰、灯光、霞光、水果等物象，是最温暖、响亮的色彩。
感觉活泼、华丽、辉煌、跃动、炽热、温情、甜蜜、愉快、幸福竺，但也有疑惑、嫉妒、伪诈等消极倾向性表情。
（3）黄色。
黄色是所有色相中明度紧高的色彩，具有轻快、光辉、透明、活泼、光明、辉煌、希望、功名、健康等印象。
但黄色过于明亮而显得刺眼，并且与其他色相混即易失去其原貌，故也有轻薄、不稳定、变化无常、冷淡等不良含义。
黄色还被用作安全色，因为这极易被人发现，如室外作业的工作服。
（4）绿色。
在大自然中，除了天空和江河、海洋，绿色所占的面积最大，草、叶植物几乎到处可见，它象征生命、青春、和平、安详、新鲜等。
绿色最适应人眼的注视，有消除疲劳、调节功能。
（5）蓝色。
与红、橙色相反，是典型的寒色，表示沉静、冷淡、理智、高深、透明等含义，随着人类对太空事业的不断开发，它又有了象征高科技的强烈现代感。
（6）紫色。
具有神秘、高贵、优美、庄重、奢华的气质，有时也感孤寂、消极。
（7）黑色。
黑色为无色相无纯度之色，往往给人感觉沉静、神秘、严肃、庄重、含蓄。
另外，黑也易让人产生悲哀、恐怖、不祥、沉默、消亡、罪恶等消极印象。
（8）白色。
白色给人印象中洁净、光明、纯真、清白、朴素、卫生、恬静等。
在它的衬托下，其他色彩会显得更鲜丽、更明朗，但多用白色还可能产生平淡无味的单调、空虚之感。
三、绘画透视知识
四、黄金比例
黄金比例，是一个数字的比例关系，即把一条线a分为两部分b、c，此时长段b与短段c之比恰恰等于整条线a与长段b之比，其数值比为1.618：
1或1：
0.618，也就是说长段的平方等于全长与短段的乘积。
早在公元前六世纪古希腊数学家毕达哥拉斯就发现了在这种分割状态下存在一种和谐的美，后来古希腊美学家柏拉图正式将此称为黄金分割，并一直被认为是最佳比例。
达维特的《萨平妇女》和米勒的《拾穗》的构图，都是按照黄金分割严格安排的，希腊雅典的帕特农神庙就是一个很好的例子，以及古希腊雕塑《米洛斯的阿芙洛蒂特》（维纳斯）米开朗基罗的雕塑《大卫》，他们的下肢与身高之比也都近乎1:
1.6（按照最完美的人体比例，即下肢与身高之比为0.618）。
达·芬奇的《维特鲁威人》符合黄金矩形。
《蒙娜丽莎》的脸也符合黄金矩形，《最后的晚餐》同样也应用了该比例布局。
五、作品赏析
素描:
广义上的素描，泛指一切单色的绘画。
宣传画也叫“招贴画”。
一种以宣传鼓动为目的、结合简短号召文字的绘画，通常指政治宣传画。
广义包括文化活动的海报和商品广告等。
具有造型简洁突出、色彩鲜明等特点。
大都经过复制，张贴于街头或公共场所。
水彩画顾名思义，就是以水为媒介调和颜料完成的绘画作品。
就其本身而言具有两个基本特征：
一是画面大多具有通透的视觉感觉；二是绘画过程中水的流动性。
由此造成了水彩画不同于其他画种的外表风貌和创作技法的区别。
颜料的透明性使水彩画产生一种明澈的表面效果，而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。
版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕
刻或蚀刻后印刷出来的图画。
中国
的创作版画自20世纪30年代经鲁迅提倡，在短短50多年间取得了巨大的发展。
种类与技法从类型上分,版画有4种：
凸版、凹版、平版和孔版版画。
【标志设计】
（１）广义标志:
包括所有通过视觉,触觉,听觉所识别的各种识别符号.
根据标志所代表内容的性质,以及标志的使用功能,可将标志分为五种类别.A:
地域,国家,党派,团体,组织,机构,行业,专业,个人类标志.B:
庆典,节日,会议,展览,活动类标志.C:
公益场所,公共交通,社会服务,公众安全等方面的说明,指令类标志.D:
公司,产商,商店,宾馆,餐饮等企业类标志.E:
产品,商品类标志.A,B,C为非商业类标志,D,E由于涉及商品的生产和流通活动,属于商业类标志.
“国家节水标志”:
由水滴、人手和地球变形而成。
绿色的圆形代表地球，象征节约用水是保护地球生态的重要措施。
标志留白部分像一只手托起一滴水，手是拼音字母JS的变形，寓意节水，表示节水需要公众参与，鼓励人们从我做起，人人动手节约每一滴水；手又象一条蜿蜒的河流，象征滴水汇成江河。
中国探月标志以中国书法的笔触，抽象地勾勒出一轮圆月，一双脚印踏在其上，象征着月球探测的终极梦想，圆弧的起笔处自然形成龙头，象征中国航天如巨龙腾空而起，落笔的是一群自由飞翔的和平鸽构成，表达了中国和平利用空间的美好愿望。
可回收标志
【雕塑艺术】
一、基础概念
雕塑：
中国现代雕塑成就主要是在新中国成立后取得的。
人民英雄纪念碑浮雕的创作揭开了新中国雕塑史的序幕。
城市雕塑：
相对架上雕塑而言，实际指公共环境空间的雕塑作品。
出现于20世纪80年代。
架上雕塑：
指雕塑家个人探索性强、创作风格较明显、受公共环境因素制约少的一类体量小的雕塑。
一般放于室内。
按雕塑的样式可分为：
圆雕、浮雕、透雕。
雕塑的创作手法：
雕刻（减法的过程）、塑造（加法的过程）。
按雕塑的风格分为：
写实雕塑、装饰雕塑、抽象雕塑。
秦代在雕塑方面有重大发展，最引人注目的就是大型陶兵马俑和铜车马。
秦代的雕塑题材更加贴近生活。
秦代承袭了春秋战国的朴实，作品趋于写实。
秦汉时期的总体雕塑风格比较恢宏,强调力度和气势。
俗话说“秦砖汉瓦”，是指秦代的空心陶砖，多是以龙、凤或狩猎、农耕的图案。
这种风格特点，在秦代的铜镜纹饰中也可以欣赏得到，这种始于春秋、战国时期的艺术品种，自秦代开始愈加精美。
其浮雕装饰纹样，无一已不是飞动活跃的，这种艺术特征对后来的魏晋六朝时期有很大影响。
汉代，汉风气势，我们可以从现存的雕塑清楚的看到。
如西汉霍去病墓，至今还存有一批杰出的石雕艺术作品，它们是为纪念西汉名将霍去病而创作制造的。
“马踏匈奴”高190厘米，作者用隐喻的手法，借战马的形象来体现霍去病的威猛和战功卓著，充分体现出纪念性雕塑的概括性。
整个雕塑浑然一体，四肢之间没留空间，增强了体、量的沉重感。
石雕采用巨大整体石块，就其自然外型加以艺术处理，灵活使用圆雕、浮雕、线刻的表现手法，使之完全服从于雕塑的整体造型。
比如“伏虎”，在虎形上运用了寥寥几条简单的阴刻线，
就表达了它的内在精神。
我们还可以从当时的建筑装饰构件上看到雕塑艺术的成就。
史籍中所记载的建筑实物已荡然无存，“秦砖汉瓦”为我们提供了推想空间。
西汉瓦当场以“延年益寿”、“长生无极”等吉祥语作为装饰内容、动物纹样多采用“四神”（青龙、白虎、朱雀、玄武）。
在日常生活中，人们不再满足与仅仅实用，而是趋向于把生活用品制作得更艺术化。
最为著名的是出土于河北满城的“长信宫灯”,以一个神态安详的少女形象为灯体,双手托起灯罩；结构很巧妙，整体为空腔以免烛烟四处散漫。
东汉时期，厚葬习俗成风，所以留至后代的墓室有很多保存完好。
其中最为优秀的有山东嘉祥县武梁祠的一组画像石浮雕，反映墓主人的身份、地位，以及车马出行、宴乐游乐等场面，还有些是神话传说、鬼怪迷信一类。
所使用的雕刻技术多为阳刻，将人物形象以外的部分铲平剔下，使物象凸现于石面。
在出土的墓俑方面，在四川成都附近出土的一件说唱俑，表情极为生动，刻画出说书艺人的情感瞬间和他的典型特征，并配合以夸张地肢体动作，加强了人物的神态动势。
在其他地区也有优秀的东汉时期雕塑被发现，如甘肃出土的“马踏飞燕”使全世界为之轰动。
这匹奔马三足腾空，以足落在支撑点上，雕塑家巧妙地将底座设计成一只飞燕，象征“天马行空”的潇洒。
三国、两晋、南北朝时期，佛教的盛行促使佛像艺术蓬勃发展，改变了中国雕塑史的面貌，人物雕塑更加成熟。
印度佛像属“犍陀罗式”，有希腊末期艺术和波斯艺术的影子，其特点是造型比较纤美，衣纹皱褶紧贴身体。
传入我国以后，即被中国雕塑家所融汇贯通，形成独特的中国佛像风格，使这种泊来艺术逐步具备了民族化特征。
甘肃敦煌当地土质疏松，不宜于雕刻造像，只能以泥塑代之。
这也是中国佛像艺术的特点之一。
敦煌莫高窟的建设规模巨大，从十六国到北朝这一时期的塑像来看，匠师们已把人物形象渐渐中国化，并在造型审美尺度上趋向于当时的流行形式，与同一时期绘画作品中“秀骨清像”之特点基本保持一致。
它的后期作品开始出现唐代的风格迹象。
再是色彩上，重彩浓抹，表现技法日渐成熟。
麦积山石窟位于甘肃天水。
同样，由于石质的问题，麦积山也不宜于雕刻佛像，属北齐时期的作品较多。
相对而言，麦积山石窟雕塑更加生动和世俗化，这些泥塑的制造工艺十分精湛，选材讲究，虽未经焙烧但历经千余年仍未损坏。
被称为中国最大的“彩塑艺术博物馆”
云岗石窟群位于山西大同。
云岗石窟的开凿年代主要是北魏时期，其中“昙曜五窟”充分利用了当地石材的特点；体魄巨大、形象庄严，具有摄人魂魄的体量感和空间感。
主佛高达１３.７米，立于石窟中主要位置，为云岗石窟群的第一作品；第二期造像的尺寸明显比第一期要小，但更加注重形象刻画，人物动态也更加活泼；第三期已近尾声，时间拖至六世纪初。
这一时期的人物形象及衣饰装扮已完全中国化，“褒衣博带”式的中原服装形式已经普及。
河南洛阳城南的龙门石窟，力经东魏、北齐、隋、唐多个朝代之开凿。
隋代的雕塑艺术的主要成就，集中在石窟造像上，其中最有代表性的是敦煌莫高窟、麦积山石窟、济南玉函山石窟等处。
这是一个过渡性发展时期，国家统一以后，各种文化相互融合，社会发展急剧变化，是南北朝末期经隋向盛唐的转折阶段，可以说，我国的雕塑艺术由隋代拉开了更加灿烂的序幕。
唐代的雕塑艺术，与前代的形式几乎相同，主要体现于宗教造像、陵墓随葬。
其中规模最大、艺术特点最明显者，首推敦煌。
唐代时期所开凿的窟龛，占全部敦煌石窟的半数。
所塑造的菩萨造像，从形象上和装扮上，基本上依据当时美人的典型形象，我们可以把同时代著名人物画家张萱、周昉等人的作品与之相比，在体态比例上、仪表外形上更加具有活力。
比之于前代宗教雕塑艺术的肃穆，唐代的佛教造像很好的把理想与现实相结合。
比如佛主与弟子迦叶的塑造，就有多种形象变化，两个人物一老一少，一个汉族人形象，一个是印度人形象，尽管都表露出虔诚的神态，但仍可以看出他们的心情之不同。
龙门石窟唐代雕刻，占其多数。
它的优点在于基本上保持了唐代原作的原貌，而敦煌的作品有很多是经后代艺人整修过的。
这一时期的雕像普遍宏伟庞大，体型饱满。
以盛唐时完成的奉先寺为代表，中央大佛（卢舍那大佛）高17.14米，与之并列的另外8尊雕像也都在10米以上。
四川自秦汉以来被称为“天府之国”，佛教在此地特别兴盛，全省有大小摩崖石刻群二十余处。
最为世人瞩目的要数乐山大佛摩崖雕像，它比阿富汗的巴米扬大佛（高53米，现已被毁）还高出18米。
乐山大佛是借用整个山体开凿的，脚下就是奔腾的三江汇合激流，它是世界上最大的佛像。
唐代走向衰亡以后，从十世纪至十三世纪，中国经历了宋、辽、金的历史阶段。
雕塑艺术出现了不同于前代的风格现象，也产生了一些较有影响的作品，进一步生活化、世俗化，创作手法上趋于写实，材料使用也更加广泛，制作工艺也有所提高。
但从总体上看，不如汉唐时期，在整个中国雕塑艺术史上不占重要地位。
二、外国古代雕塑（见潍坊资料白皮书《2013年高考，复习·备考·训练》P193）
1.古希腊雕塑：
古希腊雕塑是很出名的，雕刻家以生活中的人为原型，将心目中理想美的形象和比例赋予雕像，使雕刻的神像具有人的生动与神的完美。
希腊雕像是写实美与理想美完美结合的典范。
主要雕塑作品：
米隆代表作品《掷铁饼者》被认为是“空间中凝固的永恒”。
《米洛斯的阿芙洛蒂特》是古希腊雕塑的不朽之作，被誉为卢浮宫镇馆三宝之一。
《萨莫色雷斯的胜利女神》被誉为卢浮宫镇馆三宝之一。
2.文艺复兴时期欧洲雕塑：
米开朗基罗的雕塑代表了西方文艺复兴时期雕塑的最高水平，《大卫》、《摩西》、《被缚的奴隶》、《垂死的奴隶》《哀悼基督》等均是西方雕塑史上的经典之作。
3.17—19世纪欧洲雕塑：
（1）17世纪意大利最杰出的雕刻家贝尼尼，擅长通过静态的人物雕像表现戏剧性
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