芭蕾起源于哪个国家.docx
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芭蕾起源于哪个国家
芭蕾起源于哪个国家?
导语：
芭蕾，一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。
芭蕾是时间和空间的艺术。
它既像时间艺术——音乐那样受时间的制约，又像空间艺术——雕塑那样占有一定的空间。
同时它又是一种视觉艺术，有很强的观赏性。
因此可以毫不夸张地说芭蕾是一门对美要求最高的艺术，也是人类迄今所创造的最美的艺术。
芭蕾起源于哪个国家：
芭蕾舞
芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，十九世纪末期在俄罗斯进入繁荣时期。
芭蕾在四百年的发展过程中，对世界的影响很大，流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种典雅艺术形式。
芭蕾起源于意大利，成型于法国，然后鼎盛于俄国，从俄国走向世界各地。
一
芭蕾舞发源于文艺复兴时期的意大利芭蕾的历史，最早可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，及法国南部的贝根弟宫廷。
芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧《皇后喜剧芭蕾》，上演于1581年洛蕾娜的玛格丽特小姐和凡尔赛的姚幼斯公爵结婚之时。
这部芭蕾舞的乐谱至今仍保存着，可算是最古老的芭蕾音乐。
二
形成并完善于法国宫廷芭蕾艺术在路易十四王朝时代（1643～1715）而臻完善。
路易十四本人就是一位卓越的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。
1661年，他创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院（现属于巴黎歌剧院），沿用至今的芭蕾演员手脚的五个位置和一些优美舞姿，就是1700年在这里得到固定的。
三
《仙女》标志着“浪漫主义芭蕾”的到来十九世纪初，在巴黎先后出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作。
尤其是在《仙女》这部舞剧中，女主角塔里奥妮在芭蕾史上第一次穿上特制的舞蹈鞋，使用脚尖翩翩起舞，从而被后世尊为“脚尖鞋”和“脚尖功”的发明人。
因而，“浪漫主义芭蕾”被认为是整部芭蕾发展史上的核心阶段。
四
以俄罗斯为中心的“古典芭蕾”“古典芭蕾”是以俄罗斯学派的崛起为背景，并在这鼎盛时期留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为代表的一大批经典剧目，促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。
五
20世纪的“现代芭蕾”和“当代芭蕾”20世纪的芭蕾受现代舞的冲击和启发，并融合现代舞的某些技术与理念，诞生了“现代芭蕾”和“当代芭蕾”。
在这一时期，舞蹈开始竭力回归动作本体。
六
世所公认的一流古典芭蕾舞团则有七个，其中包括前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国的巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦的皇家芭蕾舞团。
当代芭蕾则呈现出空前的普及和繁荣。
其中代表性的人物和团体，有捷克人伊日·基里安（1947—）和他的荷兰舞蹈剧院，以及美国人威廉·福赛特（1949—）和他的德国法兰克福芭蕾舞团。
“芭蕾[1]”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译
芭蕾舞，意为“跳”或“跳舞”。
ballet一词，源于古拉丁语ballo。
最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。
芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。
每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。
芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。
兴盛芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）时代而臻极盛，路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。
1661年，路易十四创立了历史上第一所舞蹈黉舍——法国皇家舞蹈学院，专门教授舞艺。
这所黉舍此刻属于巴黎歌剧院。
而沿用至今的四肢行为的五个位置和一些美妙的芭蕾舞姿则是1700年在这里确立的。
芭蕾舞音乐之父柴科夫斯基在皇家舞艺巨匠博尚（Beauchamp）和音乐家贝弗（Cambefort）及吕利（Lully）的鼎力倡导下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的主要性年夜增。
于是芭蕾酿成了良多新的宫廷舞的来历;诸如:
加沃特舞曲（Gavotte）、巴斯皮耶舞曲（Passepied）、布雷舞曲（Boree）、里戈东舞曲（Rigaudon）等。
在这些舞曲之中，最主要的要算小步舞曲（Minuet），吕利于1653年，起头加入法国宫廷的芭蕾勾当，而达到高涨。
他那时正与莫利哀（Moliere）合力建造戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（ComedieBallet）。
1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。
1760年揭晓的《小绅士》（LeBourgeoisGentilhomme），可算是这类舞剧最闻名的代表作。
吕利又把芭蕾应用于他所作的歌角逐，他的两位后继者康普拉（Campra）和拉莫（Rameau）也如法炮制。
尤其是拉莫的作品，因同化有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富滑稽。
这当然和他的个性与布景有关。
英国方面又缔造一种非凡的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。
到了17世纪后半期，维也纳已成为芭蕾表演的中心。
然而那时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“刷新”的争论，“严酷”与“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”与“问题舞艺”的争论，以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。
这些不美观念在20世纪的今天，多多少少还有它的余波，时而争论不休。
年夜1789年起头，呈现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时
芭蕾代）芭蕾舞剧的代表作。
而到了19世纪，先后在巴黎呈现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时代，留下了以《睡佳丽》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三年夜舞剧”为首的一多量经典剧目，年夜催促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的不美观念。
17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。
演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。
专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。
芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。
这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。
这种状况一直持续到18世纪中叶。
18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。
他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。
诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。
绘画《天鹅湖边的芭蕾舞者》吴玉阳作在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。
一种观点认为，芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。
这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。
18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。
另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。
他认为在一部芭蕾作品中，上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。
20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。
芭蕾舞创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本（或一个故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。
编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇）--芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么;而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。
芭蕾结构形式有：
独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞（舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈）、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾（分场或不分场，如《天鹅湖》）、独幕芭蕾（如《仙女们》）、芭蕾小品（如《天鹅之死》）等。
芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。
在20世纪编导创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。
芭蕾舞世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个：
前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科年夜剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。
今世芭蕾呈现出空前的普及和繁荣，代表性人物和集体为捷克人伊日·基里安（1947—）和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?
福赛特（1949—）和他的德功令国法公法兰克福芭蕾舞团。
[3]
角色编辑古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。
如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。
芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：
1、主角：
主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。
古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲（coda）双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者：
具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者：
群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
标志编辑用脚尖站立的芭蕾舞女演员。
在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。
女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。
但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。
《芭蕾艺术》陈玉先那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。
如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。
芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。
鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。
即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。
俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从非洲到墨西哥，在三十多个国家受到欢迎。
芭蕾舞鞋鞋尖用生产紧身胸衣的面料，例如缎子缝制而成。
“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。
芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。
“鞋盒”藏在鞋尖里。
“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。
“鞋盒”不用木头、塑料、软木等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。
“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。
鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。
之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄平顺。
当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持
平衡。
最后，让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干，存放在室温下。
一双芭蕾舞鞋准备好了!
一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：
上场演出2-3次。
“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《堂吉诃德》里跳了9场。
为了适应不同高度的脚面，芭蕾舞鞋总共有3种型号：
“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。
每种型号又分17种尺寸。
此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。
任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。
尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：
一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没
天鹅湖有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。
还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。
通向舞台的道路打通了!
至于男演员，穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。
其生产工艺跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。
软鞋分两种：
整鞋底和分鞋底。
分鞋底由两部分组成：
鞋前部和脚后跟。
正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。
舞鞋的绑法也很有讲究：
通常是把丝带先在腿上绑两圈再系蝴蝶结。
由于表演时不可以绑丝带，所以演员们在上台之前，都要把鞋带绑得很紧。
[1]
肢体语言编辑所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。
这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。
它包括：
脚的5种基本位置、3种基本舞姿：
如阿拉贝斯（arabesque）、阿提秋（attitude）和伊卡特（ecarte）;腿部技巧：
各种巴特芒（battements）--包括腿的伸展、打开以及ronddejambo（腿的划圆圈）等;各种幅度和舞姿的跳跃;各种旋转;击腿技巧;各种舞步和连接动作;女子的脚尖舞技巧;双人舞的扶持和托举等技巧;以及泼德布拉（portdebras）等。
古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
脚部的五个基本位置：
第一位：
两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度;第二位：
两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上;第三位：
两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开;第四位：
两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转;第五位：
两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转;手部基本位置：
1.瓦卡诺娃派（俄国派）第一位：
双手在正面的腹前成自然圆;第二位：
双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内;第三位：
双手上举在头上方的视线内;2.却革底派（意大利派）第一位：
双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置;第二位：
双手在旁侧伸;第三位：
一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸;第四位：
一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方。
（在做这些动作时，臀部不得扭动，不然会被认为失礼，不优雅）
舞蹈术语编辑
形象以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。
具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
表情根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。
除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。
塑形以芭蕾为形体塑形的教材有什么好处：
训练孩子三长一小（三长：
手长、腿长、脖子长;一小：
脸小）可以最大程度的塑造和改变孩子的形体，帮助孩子拉长腿型挺拔身姿，并通过长期训练使孩子拥有优美的体态，增加自信。
展现出与众不同的高贵气质。
北京舞乐坊少儿舞蹈培训开设舞种多样，根据孩子不同成长时期设置不通过舞种，并通过不同的孩子与形体来培养孩子的综合素质与艺术气质。
动作舞蹈艺术的基本表现手段。
源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。
主要包括：
1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作;2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作;3、动作组合。
一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。
装备编辑舞蹈者穿的都是专门设计的服装，对于他们而言，练功服绝不仅仅是为了漂亮，它们中每一件都非常实用。
最基本的要求，是要具有保护，塑身的作用。
紧身裙衣和紧身白色裤袜是舞蹈者在练功室最常用的基本练习服，而穿紧身的舞蹈服是为了保护体型，一般的芭蕾舞练习服是连体的。
棉和莱卡的结合会同时保有穿着的舒适和足够的弹力。
发式也是舞蹈服饰的一部分。
跳芭蕾的女士们喜欢把头发在脑后挽成一个髻原因是马尾及其它发型会影响到练习和演出，而且不盘起来会变成一种负担。
芭蕾舞鞋是最重要的。
在练足尖前，用柔软的薄皮革或帆布制成的芭蕾软鞋是练功时的必备。
女孩子一般爱穿粉色,男孩子穿黑色或白色。
鞋子须以较紧地包住脚为宜。
带硬头的足尖鞋,须非常合脚才行。
据了解，芭蕾舞鞋能够承受的巨大荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。
鞋尖硬，利于进行完成各种直立的动作，但是在穿芭蕾鞋前要带上脚套;这样加大了相当大的安全系数还能够减轻疼痛。
[4]舞衣一、古典式芭蕾舞衣1、由路易十四时期的芭蕾裙衍化的涂突（tutu,意大利语）裙，裙子的长度不超过膝盖，是短式的，有多层丝布，晃动时大腿露出不到四分之三，不过袖子有无袖的，长袖的，灯笼袖等;2、纯白色古典芭蕾舞衣，例如《天鹅湖》中的白天鹅;3、全黑或鲜红，前者例如《天鹅湖》中的黑天鹅;4、灯笼袖配背心，例如《柯贝莉亚》第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚;5、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之;6、上下色彩不同的芭蕾舞衣，二、浪漫派芭蕾舞衣它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。
1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣，例如《四人舞》《玫瑰花精》;2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰例如《吉赛尔》第二幕，《仙女》舞剧3、村姑式舞衣，背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如《吉赛尔》第一幕，《柯贝莉亚》第一幕，《风流女儿》舞剧。
舞种编辑
民间舞泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。
不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。
民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。
社交舞亦称舞会舞（ballroomdance）泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。
名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。
布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。
法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。
舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐，社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。
芭蕾法语音译。
特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式;或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。
前者有时译作“舞剧”。
ballet一词源于古代拉丁语ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。
芭蕾作为舞台艺术形式，始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。
后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年，法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。
芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。
18世纪中叶，“情节舞”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。
19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。
脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。
受浪漫主义文化思潮影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。
20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。
而在欧美各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。
情节舞芭蕾术语。
原意指结构形势相对稳定，并与剧情发展有直接联系的舞蹈。
浪漫主义时期，情节舞的基本结构形势是：
“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。
《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。
20世纪以来，情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念，泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。
舞剧（dance-drama）以舞蹈为主要表现手段，并综合音乐、美术、戏剧、文学等艺术形式，表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为，以及推动情节发展的舞台表演艺术。
因剧情需要或时代风貌、人物形象不同，舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式，并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。
中国舞剧历史悠久，发源于奴隶社会的宫廷乐舞。
欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。
群舞（groupdance）舞蹈样式之一。
泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。
群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力。
（1）有独立的内容和主题，情节完整的舞蹈作品。
中国舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄罗斯《小白桦树》，朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。
（2）在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》、《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。
（3）舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”，俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。
杂技芭蕾编辑
在很多人的脑海中，芭蕾就是王子与公主的凄美爱情，是柴科夫斯基的不朽音乐，更是足尖跳跃出的高贵舞步。
看了那么多个版本的《天鹅湖》，中国人开始用自己的智慧重新诠释这一芭蕾经典，于是诞生了杂技芭蕾舞剧《天鹅湖》。
摆脱舞台地面的束缚似乎是杂技芭蕾最大的突破，演员们可以解放双腿，表演更多更复杂的动作。
比如钢丝芭蕾
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