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汽油桶真能演奏交响乐吗？
钢鼓和钢鼓乐队
这好像是个奇怪的问题，简陋的汽油桶怎么能与高深、典雅的交响音乐联系在一起呢！
然而，这却是千真万确的事实。
20年前，1980年金秋的北京舞台上，就迎来了一支用汽油桶组成的钢鼓乐队，它就是来自加勒比诲“特立尼达和多巴哥”国的“全星钢鼓乐队”，他们带来了高矮不同的各种汽油桶共80个，高的汽油桶称为钢鼓，低的汽油桶称为钢盘，演奏者共40人。
在正式节目开始前，乐队指挥向观众顺序介绍了各种高矮不同、音高各异的钢盘和钢鼓。
演出的第一个节目就是歌剧《塞维利亚的理发师》序曲，从第一个音开始，观众的心就被钢鼓乐队紧紧抓住了，人们或许听过管弦乐演奏的这首名曲，但从未有过这样的体验，它那铿锵有力的音响、雷霆万钧的气势和细腻抒情的风格、引人入胜的气氛使人人为之激动不已。
人们不敢相信如此美妙动听的音乐居然是在普通的汽油桶上奏出来的。
随后钢鼓乐队还表演了加勒比海的民间音乐卡立普索《狂欢节万岁》，这是著名的特立尼达狂欢节的歌舞音乐，指挥走下了谱台，一切都是即兴式的，演奏者边奏边舞，十分兴奋，仿佛进入了忘我的状态，直到自然终止。
钢盘独奏《聪明伶俐的人》显示了高度的演奏技巧，演奏者的双手和头上的无数根小发辫在空中飞舞，悦耳的旋律、华丽的经过句、奔驰的节奏令人耳目一新。
乐队还演奏了他们刚学会的一首中国电影乐曲《边疆的泉水清又纯》，受到了听众的欢迎。
次日的北京晚报以“汽油桶声惊倒首都观众”的标题报导了这次精彩的演出。
钢鼓这种乐器是什么时候又是怎么产生的？
这也是一个很有趣的故事，钢鼓的起源、诞生、发展都在拉丁美洲加勒比海的《特立尼达和多巴哥》国，它是一个富饶、美丽的岛国，地处加勒比海东南部靠近南美大陆的地方，由主岛特立尼达、多巴哥和一些小岛组成，面积只有5000多平方公里，人口也只有100多万，但种族很复杂，以黑人和印度人后裔居多占80％，其他为混血人、欧洲人和中国人后裔，这个国家过去主要种植甘蔗，现在是一个石油之国。
特立尼达是一块拥有丰富民间艺术宝藏的土壤，正是在这人人能歌善舞的土地上，在亚、非、欧各大洲人民传统文化广泛交流、融合的基础上，开出了一朵鲜艳夺目的奇葩。
据说，早在1900年，特立尼达岛的首府西班牙港郊区就有人把竹杆当作敲击乐器来使用（当时称之为探波一板波），青年人用手或棍子敲打长短、粗细不同的竹子，能发出各种高低不同的声音。
这种击竹乐器大多在节日期间在广场上表演，或在狂欢节时为游行队伍伴奏，这种乐队有时还用民歌为它伴唱。
但由于这些竹杆客易变为棍棒来使用，出于安全原因，在二次世界大战前英国殖民政府就明令禁止使用了。
1945年夏，二次世界大战结束，特立尼达岛上的人倾城而出欢庆胜利，拥塞在西班牙港的街道上，在狂欢的极度兴奋中，青年们随手拿起了垃圾箱、白铁桶甚至玻璃瓶来敲打，以表达他们的喜悦和欢乐。
当时这些金属品的明亮、清脆的音响给他们留下了深刻的印象，受到了启发。
於是，开始了试验，最初，他们采用了一种老式的并干箱，拴上带子挂在胸前敲打，后来发现把并干箱的底面凹进去声音就变得好听。
而当一位青年马耐特将底面敲出几条浅沟把底面分为几个区域后就能发出几个不同的音高，这是一个突破。
随后，人们又以岛上炼油厂废弃的汽油桶进行试验，把油桶密闭的底面用锤敲，凹成锅形，并将锅面按各种尺寸凿成若干块面积不等、斜度、厚度不同的音区，面积大的音区发整体。
这样，简单的曲调就可以用棍子敲出来，油桶也不再是粗糙的节奏响器了，这是一个激动人心的全新的创造、发明。
接着，人们又制造出包括各种不同音域的乐器，高音的乐器比较矮，桶身也切得短，像一个盘，就称作钢盘，中、低音的乐器桶身比较高，就称作钢鼓。
最后，全套的、包括各个声部的钢鼓乐队也诞生了。
新创造出的钢鼓吸引了特立尼达全国人民的注意力，在过去的几十年中，钢鼓乐队的兴起己成为这个国家的—种社会运动，青年人以无比的热情投身其中，整个社会都以赞许的目光注视着它的迅速崛起。
特别是在1962年特立尼达多巴哥独立以后，新政府对钢鼓音乐这一新的事物极为重视，并给予大力支持。
历史学家、前政府总理威廉斯在《特立尼达和多巴哥人民史》一书中对此作出了高度评价：
“特立尼达和多巴哥民族形式的文化发出了光彩…民谣卡立普索和敲击乐钢鼓乐队都是这个社会中没有享受正当权利的成员的创作，他们为特立尼达和多巴哥在世界民间艺术中嬴得了完全应得的荣誉，在特立尼达狂欢节中表现出来的那种无比的热情，即兴演奏的能力以及生活的风趣，越来越引起世界各地的注意”。
1973年1月，威廉斯总理亲自主持了“钢鼓乐队全国协商会议”探讨发展钢鼓音乐的问题。
会后规定每年11月在岛上举行为期1个月的“钢鼓音乐节”，进行钢鼓比赛。
政府并将钢鼓音乐作为—种民族艺术形式在全国加以提倡、推广，现在连演奏国歌也都采用钢鼓乐队了。
目前，在这个100多万人的国家大约有200多个经常活动的钢鼓乐队，其中绝大部分是业余团体，最著名的专业乐队有7个，1980年来我国演出的全星钢鼓乐队就是其中的皎皎者。
钢鼓乐队现在己能演奏各种不同风格的音乐。
它经常演奏卡立普索和加勒比海的各种民间音乐。
特立尼达的狂欢节音乐更是钢鼓乐队的擅长。
钢鼓乐队以其强烈的节奏、激奋的情绪和强大的音响与狂欢节欢乐炽热的气氛、自由奔放的舞蹈、鲜艳夺目的色彩相呼应，十分精彩。
如今狂欢节音乐己经成为钢鼓音乐中最有特色、不可缺少的一部分了。
近年来，由于人们对乐器不断进行改良，钢鼓的音质越来越好，乐队的组织也曰趋完善，一些有才能的音乐家为钢鼓乐队编曲、指挥，大大提高了钢鼓乐队的水平，一些最好的乐队己经能够演奏比较复杂的欧洲古典、浪漫主义的作品了。
如用钢鼓乐队演奏的巴赫管风琴曲《b小调托卡塔与赋格》是相当成功的，它充分地表现了这首乐曲悲壮慷慨的情绪和雄伟宏大的气魄，给人以一种全新的感觉。
钢鼓乐队演奏的德里勃斯的《花的圆舞曲》则表达了原作温柔细致的情感，音乐抒情动人。
钢鼓乐队演奏的罗西尼的歌剧《威廉·泰尔》序曲展示了这种乐队的巨大潜力，由于钢演奏技巧的发展，表现力更加丰富，使之在表现更深刻的社会内容、戏剧性冲突方面也具有广阔的前景。
今天，一个完整的钢鼓乐队大致可分为8个交响声部：
即男高音、倍男高音钢盘、女低音、倍女低音、吉他、大提琴、混合低音钢鼓以及包括康加鼓、铃鼓、牛铃、和刮器在内的节奏组。
每种钢鼓所发出的音高、音色都不相同，如一个男高音钢盘可以奏出包括两个八度全部半音在内的25—28个音，—个倍女低音钢鼓可以奏出14个音，左右两个倍女低音钢鼓组成一套，可以奏出包括全部半音在内的28个音。
—个吉他钢鼓可奏出8个音，左右两个吉他钢鼓组成一套可奏出包括全部半音在的16个音。
高音钢盘音色明亮，中音钢鼓音色柔和，低音钢鼓音色宽厚深沉，均以12平均律定音。
高音钢盘1人敲1个，中音、低音钢鼓1人敲2个或2个以上，最多的为1人敲6个。
钢鼓音阶的排列也很特殊，与一般的敲击乐器、键盘乐器的排列都不相同，相邻间的音高可以是八度、四度、五度、三度、六度，但不能有二度或七度。
钢鼓乐队的人数各不相同，少则几人、10几人，多则几十人甚至超过100人。
在1975年举行的钢鼓比赛中，—个名为《海特》的乐队曾用了347个钢上台演出，这大概是规模最大的一次。
钢鼓乐队和它的音乐现在己广泛流行於加勒比海地区和南美洲大陆北部的委内瑞拉和圭亚那—带，而且在美国、加拿大和英国的很多大、中学里都成立了钢鼓乐队，学生们都可以在校中学习演奏钢鼓。
美国海军还有一支自己的钢鼓乐队。
特立尼达的著名的钢鼓乐队足迹遍及美、欧、非、亚各大洲。
国际音乐界对钢鼓及其音乐极为重视，有的音乐家将钢鼓乐的出现是“对廿世纪音乐领域的最大贡献”。
有的国家成立了专门研究钢鼓音乐的机构，特立尼达和美国都己出版了关于钢鼓发展史的著作，1976年英国出版的《世界乐器》一书中已收入了钢鼓这一新创的乐器。
近年来，钢鼓乐还用来为莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》中的咏叹调伴奏，与小号、钢琴、管钟等协奏。
最近，某些钢鼓乐队巳开始应用电声设备和电子乐器，这也给钢鼓乐的未来发展增添了新的因素。
钢鼓及钢鼓乐队的出现使世界民间艺术的百花园中增添了一朵光彩夺目的奇花，也在世界音乐史的篇章中写上了动人的一页。
对於钢鼓这种新创造的乐器，80年代以前中国人很少有人知道。
直到1975年，中国的一张报纸报导了中国艺术团在特立尼达和多巴哥、圭亚那用钢鼓演出受到欢迎的情况，但谁也不清楚钢鼓是什么乐器，经过著名的琵琶演奏家刘德海的介绍，听了钢鼓音乐的唱片，并见到了由中国艺术团带回来的几个钢鼓，中国的音乐家才对这种奇特的乐器有了初步的了解。
1976年在《乐器》杂志上第一次刊登了介绍钢鼓的文章。
1980年中央音乐学院和北京电影乐团的音乐家组成了一个小型的钢鼓乐队，在经过短暂的排练后，5月1日在中央电视台的“文化生活”专栏中，播放了名为《来自汽油桶的美妙音乐》的节目，介绍了这种新发明的乐器，并用钢鼓演奏了《芒果》《鸽子》等三首乐曲。
随后成立了“钢鼓研究小组”（属北京乐器学会）以探索钢鼓的制作和演奏。
当年10月特立尼达全星钢鼓乐队的演出大大鼓舞了中国的音乐家。
北京新影乐团的宋庆忠刻苦钻研，制造了全套钢鼓，并由新影乐团的民乐队进行演出。
1985年新影花园开发公司开办了“钢鼓培训班”，招收了30名学员，由中央音乐学院等校的老师担任艺术指导，经过三年培训后成立了《北京青年钢鼓乐团》，进行了多次公开演出，1988年成立了《北京钢鼓学会》。
但遗憾的是，由於主、客观方面的各种原因，主要是经济上的困难，几年以后，这个乐团终於解体了。
希望在新的廿一世纪中，钢鼓这朵异国的奇葩，会在中国的大地上发芽，开花，结出丰硕的果实。
弗拉门戈西班牙的艺术瑰宝
弗拉门戈是西班牙的一种综合性艺术，它融舞蹈、歌唱、器乐于一体，过去流行在西班牙南部，现在已扩展到西班牙的广大地区，并正在成为整个西班牙的代表性艺术之一。
西班牙南部的安达卢西亚长期以来是各种音乐文化的大溶炉，早年希腊、迦太基、罗马、拜占廷的居民带来了地中海边远地区的音乐，后来西哥特人，又带来了他们的文化。
从公元八世纪起，阿拉伯人在此建立了西哈里发帝国，统治延续了700多年。
从15世纪中起，吉卜赛人又大量移居此地。
因此，在安达卢西亚既有阿拉伯文化的巨大影响，又有吉卜赛歌舞艺术的强大魅力，使这个地区变成了欧洲最具有异国风味，东方色彩的地方。
正是在这样的背景下产生了弗拉门戈艺术。
关于弗拉门戈的来源说法很多，有人认为它是吉卜赛人从北印度带来的，有人则认为它来自阿拉伯，但它与吉卜赛人有密切关系则是可以肯定的。
在弗拉门戈的演出中，我们常常看见歌手紧皱眉头，面部表情忧郁、愤懑、歌声嘶哑，这是其他演出中很少见到的，人们感到奇怪，但如果了解了弗拉门戈产生的背景，也就不难理解了。
弗拉门戈艺术反映了吉卜赛人贫穷、悲惨的命运和处境，并通过诗歌、音乐和舞蹈来表现它。
15世纪西班牙统一后，君主及天主教会强迫犹太人、阿拉伯人改宗，强迫吉卜赛人改变生活方式，他们为了逃避迫害，被迫离家出走，流离失所，逃往偏僻的山区，他们过着同样的苦难生活，是吉卜赛人用他们的歌喉、舞步、乐器诉说了这一切。
到18世纪中叶，弗拉门戈已经在安达卢西亚风行一时，但上流社会仍然拒绝它，后来有一位为当时流行的独幕剧《托纳蒂亚》作曲的音乐家采用了吉卜赛的诗句和旋律，情况才有了改变。
这个时期出现了不少专业的演唱家，1920年还演出了第一部弗拉门戈歌剧，1922年在格拉纳达举行了有名的弗拉门戈比赛，但随后这门艺术就趋于衰微。
直到1956年在科尔多瓦举行弗拉门戈比赛，1957年在海雷兹建立了弗拉门戈学，这种艺术才得到复兴和发展。
在表演时，一群歌手、舞蹈家和吉他手组成的弗拉门戈，团体围成半园形，坐在舞台的椅子上。
演出开始于歌手的喊叫声，感叹声，这是为了在观众的心中点燃热情之火，吉他手则奏出引子或前奏，为歌舞营造一种特殊的气氛，歌手在开始演唱前也要调节自己的声音，暗哑并带有鼻音色彩的音色至今仍是弗拉门戈歌声的特点，装饰音多用在重音上，类似倚音的婉转曲折的音很常见，而且常常是微分音。
这是在其他西欧国家是很少见的一种唱法。
歌词内容大多与上帝、爱情、女人、死亡有关，但很少有关于金钱，发财的内容，这可能与吉卜赛人的某些观念有关。
吉他既用来独奏也用于伴奏，但主要当作节奏乐器来用，它有三种基本音乐手法，一是用手指扫弦，二是旋律经过句，三是在歌唱中间作即兴式的间奏。
吉他演奏者的力度较大，音色也比较明亮。
在整个表演过程中，演员和观众都在追求一种“杜恩德”--即心灵的相通，把它作为最高的境界。
弗拉门戈的节奏既有自由的散板，也有有规则的循环拍，常用的12拍就有3、6、8、10、12五个重音，有点类似印度的塔拉节拍。
音乐进行中增二度音程很多。
从音乐风格来看，佛拉门弋音乐是一种忧郁哀伤与狂热奔放的混合体，弗拉门戈舞蹈中的男子非常注重脚的动作，用脚跟敲击地板时发出的节奏十分清脆，女子的舞蹈则更注重手、腕、臂、腰、臀的动作，舞蹈者常常情不自禁地一面踏地，一面捻手指发声，再加上歌声、拍手声、喊叫声、舞步踢踏声、舞蹈者手中的响板声，互相交错应和，表演者与观众心心相应，气氛十分热烈。
弗拉门戈的古典歌曲和舞蹈节目约有60多种，有单人表演的，也有集体表演的，有些是有伴奏的，有些是无伴奏的。
按其内容大致可分为三类，即深沉的歌，又称大歌，这是最早的弗拉门戈音乐，也是最难唱的一种，歌唱时节奏自由，音色暗哑，有时近于喊叫，微分音、装饰音很多，东方色彩最浓。
另一类是轻快的歌，它的情绪欢乐愉快，曲调流畅，节奏鲜明，比较轻快，并吸收了一些拉丁美洲音乐的因素，还有一类是中庸的歌，它介于这两种歌曲之间。
演唱弗拉门戈的歌唱家很多，在1920年左右的黄金时代最著名的是吉卜赛男歌手马诺洛加拉科尔和女歌手帕斯托拉·帕冯。
当代最杰出的男歌手是加马隆·伊斯拉，他既有明亮的高音，又有粗犷的音色，他表达的情感深深触动了每位观众的心弦。
最著名的女歌手为加尔曼·里纳雷斯，早期最著名的弗拉门戈吉他演奏家为拉蒙·蒙多亚，他吸收了古典吉他的演奏技巧，发展了弗拉门戈吉他的演奏艺术。
当代最有名的演奏家是帕科·卢西亚，他受到了拉丁美洲音乐的影响，有所创新。
近年来在年青一代中，已有人将弗拉门戈艺术与爵士乐，巴西的博萨诺瓦，加勒比海的沙尔萨和布鲁斯摇滚乐相结合，形成了一种新的流派。
从阿尔卑斯山飞来的云雀
3月18日下午，在中央音乐学院演奏厅举行了一场颇具特色的音乐会。
这是来自瑞士阿尔卑斯山谷的约德尔歌唱家--克里斯蒂尼·劳特尔贝格女士的独唱音乐会。
同台演出的还有中国的琵琶演奏家杨静女士和佐尔特马尔费先生。
约德尔是源自瑞士阿尔卑斯山区的一种特殊唱法、歌曲。
在山里牧人们常常用号角和叫喊声来呼唤他们的羊群，牛群，也用歌声向对面山上或山谷中的朋友，情人来传达各种信息。
久而久之，他们竟发展出一种十分有趣而又令人惊叹的约德尔唱法。
这种唱法的特点是在演唱开始时在中、低音区用真声唱，然后突然用假声进入高音区，并且用这两种方法迅速地交替演唱，形成奇特的效果。
它基本上是无歌词的，但却采用一些无意义的字音来演唱。
如“依”和“哦”是最常用的。
此外，在约德尔的旋律进行中，音程间的大跳也是常见的。
约德尔歌唱家用这种发声方法和即兴式的装饰手段，在朴素的曲调中自由，淋漓尽致地表达欢乐、渴望、怀乡，爱情等发自内心的情感。
约德尔歌曲既有独唱的，也有多声部的，或由一人独唱，多人应和的。
形式多样但唱法是统一的。
传统的约德尔演唱时一般不用乐器伴奏或只用牛铃伴奏。
由于地区的差异，传统约德尔的演唱风格也不尽相同。
每个地区甚至互座山谷中都有差别（其中最重要的差别是在速度和节奏方面），形成了所谓的约德尔方言。
约德尔唱法及其歌曲最早产生于阿尔卑斯山北麓的瑞士德语区，后来传播到全瑞士和奥地利及德国南部。
是欧洲民间音乐中的一朵奇葩，是这一地区的重要文化传统。
1912年瑞士正式成立了约德尔协会。
到1975年已建立了六百多个分会，会员已超过了15000人。
在新西兰的瑞士人后裔也保留了约德尔传统。
近年来，约德尔唱法和歌曲的影响不断扩大，电影《音乐之声》中“孤独的牧羊人”一曲的风格就源自约德尔。
还有不少流行音乐中也加进了约德尔的因素。
克里斯蒂尼女士的音乐会分为三个部分。
第一部分是传统的约德尔歌曲，共演唱了7首。
其中有向对面山上的小伙子表达爱情的歌曲，唱得情真意切。
也有长期劳累，得不到休息的穷人在星期天用约德尔自娱、自唱、哀叹自己命运不济的歌曲。
还有高山牧民在傍晚呼唤牛、羊回家的歌曲，其中夹杂着粗犷，带着山野情味的呼叫声，十分动人。
歌唱家在演唱这些歌曲时充分运用了约德尔唱法的高超技巧，真假声、高低音、胸声和头声不断迅速地交替，起承转合，各种衬字，音节如“呼依洛依咯”“来依来依哦”的廻旋出现，加上节奏和速度的变化，造成了奇妙的效果。
歌唱家还用一种小型的手风琴为自己伴奏，自拉自唱，边舞边唱，气氛更为活跃。
第二部分从杨静的即兴琵琶演奏开始，在琵琶的轮指声中，克里斯蒂尼即兴唱出了瑞士的约德尔曲调。
接着他们两人又以云南民歌“小河淌水”为基调，你弹我唱即兴发挥，珠联璧合，表演了“东方音乐与西方音乐”相遇中难能可贵的一幕，尤其是中国琵琶与瑞士约德尔的合作，这恐怕在世界上也是首次。
第三部分是由克里斯蒂尼和她的丈夫佐尔特共同演出的。
这是一组将传统的约德尔唱法与当代的流行音乐节奏相结合的歌曲，共有四首。
大部分是娱乐性的，带有舞蹈节奏的特点，但中心仍是约德尔唱法，既有独唱，也有重唱。
佐尔特弹电贝司，歌唱家拉电小提琴，有时边舞边唱，十分活跃。
其中还有一首歌曲是佐尔特为这次访华创作的一首歌曲，采用的是五声音阶。
颇有中国韵味。
中央音乐学院的演奏厅中座无虚席，阿尔卑斯山飞来的云雀唱出的美妙歌声感染了每一位听众。
人们在欣赏之余也不禁发出这样的感叹；为什么我们对世界民族音乐知道得那么少？
即使对欧洲的民间音乐也缺乏了解。
在新的世纪中我们是不是应该扩大眼界，审视全球的音乐文化，共享全世界的音乐资源。
而不能将自己封闭在一、二种音乐文化中自满自足。
要将全世界的民族音乐作为我们的创作源泉，作为我们研究的对象，作为音乐教育的内容。
这是新世纪对我们提出的要求，也是全世界的音乐潮流。
这也是这次音乐会对我们的启发。
葡萄牙的国宝—“法多”
葡萄牙是欧洲的一个小国，它位於欧洲大陆最西端，濒临大西洋，曾经是一个海上强国。
葡萄牙又称软木王国，因为世界上90%以上的软木都产在这里。
但是，近几十年来，又有一件葡萄牙的国宝传遍了欧美及世界各国，那就是“法多”。
法多又称为悲歌，实际上它是由歌曲和器乐两部分组成的，歌声充满悲切、哀怨之情。
高音的葡萄牙吉他和中音的西班牙吉他在一起合奏，创造出独特的抒情气氛，使人感受到一种甜蜜的忧伤，这可能就是法多的魅力所在。
关于法多的起源有各种不同的说法，一种认为它起源於葡萄牙当年的殖民地巴西黑人的兰杜（landu）舞蹈，一种认为它起源於葡萄牙的民间叙事歌曲，另一种认为它起源於葡萄牙海员唱的歌曲。
看来这些说法都有一定的道理，法多可能是由多种文化因素混合而形成的。
最早为公众演唱法多的是一位年青的葡萄牙女郎玛丽亚·塞薇拉（MariaSevera），她生於1820年，演唱时她只有20岁，据说她唱得非常好，以致於一位贵族出身的斗牛士对她一见钟情，但由於双方社会地位的悬殊，最终形成了悲剧，塞薇拉因精神失常、饮酒过度而死去。
但这件事情引起了社会和传媒的注意，在社会上广为传播，人们十分同情塞薇拉，甚至后来专门拍了一部电影来纪念她，直到现在，演唱法多的女歌手仍然沿袭塞薇拉用黑色围巾来装束自己。
人们也因为这一悲剧故事而开始对法多有所了解。
到19世纪下半叶，很多关於法多的图画、肖像、卡通都己在社会上广泛流传，1880年左右出版了法多的歌曲集。
但法多大都在街道上的酒吧中表演，还有一些盲人音乐家也演唱法多，观众以下层民众居多。
直到1907年，法多才受到作家和知识分子的青睐，这一年他们聚在一起纪念塞薇拉和法多。
1910年葡萄牙成立共和国，有一位诗人办起了一份名为《法多》的周刊，在上面发表各种诗歌。
同时，法多也进入了里斯本的剧院上演的传统时事讽刺剧中，成为中产阶级欣赏的一种艺术形式了，在剧院中演唱的法多歌手名声大震，并通过歌谱和唱片传播到葡萄牙的各个角落，据说第一首法多歌曲录制於1920年。
阿黛利娜·费尔南德斯（AdelinaFernandes）是在剧院演出中成名的法多女歌手，她演唱的一些法多歌曲如“法多、萨乌达德”（FadoSaudade）在民众中广泛流传，葡萄牙、西班牙和巴西的唱片公司都为她隶制了唱片，她的歌声已开始传出国门，她对里斯本的法多很有影响，而且形成了一种法多常由女歌手演唱的传统。
演唱法多歌曲时不可缺少的乐器是葡萄牙吉他和西班牙吉他，葡萄牙吉他的琴体为梨形，其音域较高，共有12根琴弦、两根琴弦为1组，共发６个音，而且第1第2根琴弦与第4第5根琴弦音高相同，所以葡萄牙吉他的共鸣效果非常好，发音既洪亮又清纯，常用来奏旋律，西班牙吉他多用於中、低声部的和声进行。
现在，从过去的间奏曲的发展出来的法多器乐己经成为独立的器乐曲。
最著名的葡萄牙吉他演奏家是阿尔曼地诺（Armandinho1891一1946），他奠定了现代吉他的演奏技巧和程式，在法多歌手演唱前，他首先奏出4一16小节的前奏，以确立乐曲的速度和旋律的框架，当演唱开始后，吉他就成为紧随歌声之后的第二声部，形成对位并为旋律加花，还在歌手演唱的各段歌词中的间隙进行间奏。
但是，法多的传统表演场所毕竟不是剧院，所以，到1920年时，在里斯本的街道上又如雨后春笋似地开设了大量的“法多之家”，它们既是餐馆或咖啡厅，又是欣赏法多的地方，职业或半职业的法多音乐家大多在这里表演。
葡萄牙吉他演奏家阿尔曼地诺同时也是一家著名的“卢索”法多之家的经理。
爱西丽娅·科斯达（ErciliaCosta1902一1986）是第一位在“法多之家”取得成功的法多艺术家，她来自里斯本附近的一个小镇，是渔民的女儿。
她开始演唱法多时还不到20岁，到1930年她出版了第一张唱片，1936年她在巴黎、1939年到纽约、好莱坞等地演唱法多，并成为美国低音歌王平克劳斯贝（BingCrosby）的好友。
第二次大战后她又到巴西演出了一年多，可以说她是第一位享有国际声誉的法多艺术家。
还有一位名为阿尔弗雷多·杜阿德（AlfredoDuarte）的法多艺术家是必须提到的，虽然他录制的唱片很少，但他是“法多之家”圈子里最主要的角色之一，他在里斯本表演法多的时间超过了40年。
他还是一位歌曲作家，其作品嬴得了人们的赞赏。
然而，真正将法多推上国际舞台的是葡萄牙的阿马莉亚·罗德里格斯（AmaliaRodriguez），她於1920年生於里斯本，母亲是卖菜的摊贩，近20岁时，她一举成名。
在1940年３月ｌ日出版的《南方歌曲》中，封面的大幅照片就是阿马莉亚，一年以后，在同一杂志上，称她是人们最喜爱的法多艺术家，并称赞她具有“神奇而又自然”的声音。
后来，阿马莉亚又在里斯本的剧院参加了时事讽剌剧的多次演出，获得了成功，1943年她去马德里、1944年去巴西里约热内卢旅行演出，也很受欢迎。
1945年当她第二次去巴西时，在当地录制了唱片，并出口到葡萄牙全国各地。
人们对阿马莉亚演唱的评价是她既具有传统的风格又加上了新鲜的风味（其中包括某些特殊的装饰音、滑音），音乐表现情感的深度、广度和水晶般纯净的声音是无与伦比的，她的歌声很快就迷住了听众。
随着阿马莉亚的名声与日俱增，电影界也对她感兴趣，从1947年到1951年，她拍了好几部电影，她的出色演技使她嬴得了电影明星的美名，并在1951年获得葡萄牙电影公司颁发的最佳女演员奖。
世界上著名的欧美各大唱片公司都为她录制了大量的唱片，她的歌声传遍了全世界，她也不断出现在国际舞台上，墨西哥、纽约、好莱坞、巴黎、圣保罗、加拉加斯、伦敦和东京。
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