日本电影《情书》观后感Word格式.docx
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黑与白，完全的冷色系镜头。
渡边博子独自一人身着黑衣在白色的雪地上行走，形单影只，孤独无助，整个画面看不到一丝的希望。
因为是葬礼的关系，黑色则自然而然的代表了死亡，我们在后面知道，死去的是她的未婚夫。
所以此时的博子是和孤独、死亡、绝望联系在一起的。
而下一个远景却完全不同（因为是在室内的关系，所以不可能像上一个镜头一样，那么的宽阔）。
因为玻璃炉中火光的关系，整个画面显得非常温暖，不再是上一个场景中冰冷无情的感觉。
而人物也变成了两个，渡边博子不再是一个人，还有和她的关系有些暧昧的秋叶茂。
博子已经不再孤独，而柔和的光线也仿佛带来一种希望。
这里除了镜头的色系、博子的处境这两方面有着前后对比之外，还间接存在着两个男人之间的对比。
在雪地场景中，藤井树是不存在的，令人忧伤、寒冷，而在玻璃工艺品作坊的那个场景中，秋叶茂却是活生生的站在那里，让人感到一丝暖意。
还有一个是剧情上的对比。
虽然两场戏中的人物都是坐着，但是气氛全然不同。
上一个场景中，藤井树的母亲和爷爷正在激烈的争论是该等救护车还是直接跑去医院。
而第二个场景中，则情节发展的很慢，还稍有些凝重，三个人一起陷在对阿树的思念之中。
这两段戏，在剧情上并没有关联，而且是否是同时发生也未作明确交代，所以很明显，是导演有意把他们剪辑到一起的。
用剧烈和舒缓的节奏对比，带给观众一种张弛有度之感（当然这两部分也可以看成是平行剪接的一种）。
综上所诉，人物、场景、剧情的对比在《情书》中无一缺少，由此也可以看出，本片作为日韩纯爱电影的一个巅峰代表、一个先行者，并不是徒有虚名的。
戏剧冲突
一部好的影视作品就像文学作品一样，是不能缺少戏剧冲突的，就好比茶叶之于开水。
只有在矛盾之中，剧情才能逐步深入（这与哲学中的矛盾理论倒是不谋而合）。
下面是中山美橞和豊川悦司之间的对手戏。
两人各占据着差不多一半的画面。
左边，博子因为写信的人不是她的未婚夫而沮丧；
右边，秋叶因为博子至今还陷于不切实际的幻想中而恼火。
两个人的矛盾显而易见，秋叶想让她走出阴影接受自己，但博子却执着于过去的回忆中，想方设法要找寻阿树的痕迹。
没有太多激烈的言语（当然，秋叶还是稍稍得吼了几句，不过总体来说是比较收敛的），气氛却已经剑拔弩张。
这就是“戏剧”冲突的一个最好的例子，绝非肢体冲突，也不是普通的口角，点到为止。
当然并不是说戏剧冲突就不可以有肢体接触、言语冲撞的场景，只是那样的话更多的是流于表象，而这样一种内敛的手法则更具有艺术的张力。
此外还可以看到（当然这和戏剧冲突无关），仔细看一下这个场景的光线，可以发现，博子刻意低着头，把脸埋在阴影之中（秋叶的脸上则可以清晰地看到光线的反射），这也可以作为是她不愿正视现实、还沉浸于痛苦的过去的一个佐证。
而这这两个冲突则已经发展到肢体阶段了。
特别要说一下的是这一组场景的构图。
与之前那个例子，博子和秋叶分布于屏幕的左右两边不同，这次，四个主角两个一组，集中在画面的差不多正中间的位置。
这是冲突最直观的表现，相较之余，高下立见。
前者的高明之处就在于，即使矛盾双方本身没有接触，但是两人的冲突早已凝聚在画面的中央。
就好比高手对决，身未动而剑气已直指对方。
而后者借助于肢体语言来表达，太过直白，显然逊色不少。
另外，把这两个场景作为一组，是因为他们想要表达的意思是一样的。
不论是少年还是少女藤井树，他们做出过激行为的目的都是为了掩饰自己内心的感情。
上面三幅画面，来自本片的第一个煽情部分。
之所以引用同一场戏的三个不同角度，是因为这三个角度的发展，就像是在为“戏剧冲突”来了次最完整的解释。
先是藤井树的母亲和爷爷扭打在一起，集中在画面的中央；
之后两人分开，但是岩井俊二并没有直接转入第三个画面，而是用第二副做了个过渡，可以看到虽然两人分开了，但是还是处于画面的正中；
最后才给出第三幅，两人分布于画面的左右。
第二个镜头的用意很明显，就是矛盾双方虽然并没有接触，但是他们的“冲突”还是纠缠、碰撞在一起，并没有分开。
所以，可以说这一组镜头给全片的戏剧冲突来了次很好的总结。
重复
就像音乐，时常会有重复的乐句出现，而电影作品中一般来说重复最多的便是是场景。
更进一步说，电影中场景的重复很多时候是没法避免的，但就像音乐中所谓的主题变奏一样，好的导演也会让它看起来和上一次的有所不同。
下面是一组在秋叶的玻璃工艺品作坊的场景。
两个画面同为中景，粗略看来有点像两个不同的场景，但是仔细看一下物品摆设可以发现，其实是在同一个房间内。
抛开白天与夜晚的时间差异不说，可以很明显的感觉到，摄影机的机位是截然不同的。
上一场景中摄影机的位置在玻璃炉附近，而下一场景则到了对面。
从某种意义上来说，也可以算是一种“场景变奏”了。
另外，可以发现，白天场景的画面有种烟雾弥漫的感觉。
很显然这不是玻璃作坊的特有效果，因为同样是这所房间，在晚上的场景中就很干净，完全没有这样的雾气。
而且，在画面的上方有一道很诡异的蓝光。
所以是导演有意而为之，用来配合这一场戏的朦胧氛围——博子和秋叶在研究那封回信到底从何而来，两人的揣摩大都虚幻而不着边际，这封回信的出现就像宛如在梦中一般，又像是烟雾缭绕的仙境，让人捉摸不透。
还有一个是医院场景。
与玻璃作坊不同，医院场景在片中一共只出现过两次，而医院的内部以全貌展现、并重复出现的只有这条通向急症室的走廊。
先看下一幅画面中的现实场景，一个远镜头，很平实的把这条走廊展现出来。
没有朦胧之感，也没有过分曝光，非常的写实。
而上一幅画面则是阿树梦中的场景，同样的走廊，但为了配合梦境这样一个前提，光线、角度全然不同。
从急症室的窗口中透出并不可能存在的强烈光源，过度曝光把整个走廊照耀的一片朦胧。
再配上一个左右不停摇晃的镜头角度，把梦中的不真实和虚幻之感表达的淋漓尽致。
隐喻
其实就类似于文学里的比喻，只是在电影中更多的把其称作为隐喻。
这是女性藤井树在得知少年阿树已经去世后的一个回忆场景。
这里这只被冻死的蜻蜓很明显是在隐喻少年阿树。
即使只是一只蜻蜓，少女阿树也会对其的死而热泪盈眶（因为这令她想起了死去的父亲）。
这也为她之后因为悲伤过度而引发肺炎埋下了伏笔。
这个场景则直接剪辑在女性阿树告别中学老师之后，比之前——回忆蜻蜓——更靠近阿树得知少年的死讯这场戏。
应该说是个与之前的情节描述没有多大关系的一个插叙（当然，这个插叙有一个很重要的时间提示作用，也为之后的情节对比作了一个铺垫，见“对比”中的剧情对比部分）。
这个插叙在列车逐渐加速远去中淡出，并带出回忆蜻蜓部分。
所以，这个画面暗示着阿叔的思绪开始渐行渐远，回到过去，同时也预示着之后的剧情也会像这辆列车一样逐渐加快，直到迎来最终高潮。
人物刻画
电影和小说一样，主角自不必多说，浓墨重彩一番是理所应当，不太重要的人物则经常几笔带过。
但是把主要特点描绘出来，还是必需的。
先来看看那个女性阿树的叔叔。
这个摔跤细节的描写实在是让人忍俊不禁，这位大叔的冒失、滑稽的形象已经再清楚不过。
再配上之后，他那相当有特点的笑声，这个人物虽出场时间不多，但肯定会被观众所记住。
还有位人物也是很有特点。
没错，就是及川早苗同学，这个出场表情，为这人物定下的一个基调就是神经质，不过不仅如此，下面这个表情，也是这个人物的另一个特质：
邪恶的本质一览无遗。
下一位其实在片中很早就已经登场：
既然有书信往来，邮递员当然必不可少，而女性阿树的名字，观众也是从他的口中首次得知。
因为他一见到中山美橞便用一副憨态可掬的样子不止一次的喊道：
“阿树~”。
之后为阿树捡信的细节则把这个人物的忠厚、不拘小节完全刻画出来了。
电影不是一场独角戏，在主角之外再塑造几个有血有肉的人物，毋庸置疑的可以为电影增色不少。
拾遗
片中有个不得不提的承启段落。
从走廊的一端开始，阿树在梦中看到了已故的父亲，躺在病榻之上，被十万火急的送往急症室。
一开始阿树只是目送着父亲被逐渐推远，之后在母亲和爷爷的呼唤下，开始朝着急症室的方向飞奔而去。
但是推开门后，她看到的却是少年阿树的身影，之后有关少年阿树的场景开始飞快地闪现……这条走廊和那扇急症室的门便起到了承上启下的关键作用。
之前少女阿树在走廊上看到的是垂危的父亲，这象征着影片前半段一直在表达的一个主题——死亡，然而当那扇门开启之后，一连串的快速剪辑，把影片带向了另一个主题——回忆。
所以，走廊的作用在于承上，而门则在于启下。
还有一个现在经常见到的手法。
上一个场景中除了藤井树外，空无一人，而下一个场景中，群众演员突然之间从四面八方涌到镜头中。
而这样一种手法的运用现在来看已经非常普遍了，而且还发展出另一种类似的镜头语言，就是先用一个非常近的距离跟住主角，给人造成一种整个场景只有主角一人的错觉，之后镜头逐渐拉远，却发现整个场景中早已密密麻麻地布满群众演员。
另外，可以发现有些场景，画面有些轻微的摇晃，这是岩井使用手提摄影机拍摄的缘故。
这种拍摄手法会使影片显得更加生活化，从而给人一种亲切感（顺便一提，去年的一部《科洛弗档案》把手提摄影机的拍摄手法带到了一个全新的高度）。
后记
普多夫金曾经把电影的叙述手法，也就是蒙太奇分为了五类：
对比蒙太奇；
平行蒙太奇；
比拟或象征蒙太奇（也就是隐喻）；
交*性蒙太奇；
“主题反复出现”的蒙太奇。
上面的回顾由于本人的才疏学浅、观察力的缺乏只提到了对比和隐喻两个部分（而且不乏牵强）。
而其他几个大类的安排在普多夫金的总结面前也多有不伦之感。
这一点不能不说是莫大的遗憾。
好在蒙太奇的划分归类至今尚无公认的定论，故不禁暗自窃喜，因为总也算是找到了一个为本文结构不够严谨而自我开脱的借口。
另外要提一下的是，全文是基于十周年纪念版的影片写成的，从国语配音的缺失情况来看，比国内播映的版本要长一些，所以有些画面截图对于只看过国语版的观众来说会有些陌生。
应该说，这十多年间日本的纯爱电影不胜枚举，近年的话在04年前后还出现了一个以《在世界中心呼唤爱》为代表的纯爱电影小高潮，而韩国在这断时期也出现了很多此类影片，其中就包括有03年的《假如爱有天意》和98年的《八月照相馆》。
由此来反观95年的《情书》，作为一个先驱者，其中就已经包含了很多之后不断被运用到的经典元素：
比如书信、红色的邮箱、疾病、死亡以及那种若即若离的感觉等等。
不须多说，《情书》在这类电影中的地位是无可取代的。
岩井俊二自称是“影像作家”，从上面的回顾也可以看出，严谨的镜头语言使得他绝对配得上这个称谓。
闲暇之余，让过去的思绪静静的流淌，也不失为一种惬意。
《情书》影评.txt
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可遇与可求之间，只在太过年少的时地看来，才仿佛隔着沧海桑田。
偏偏又是年少，才会为一束日光、一盏窗台、一级台阶的微凉而哽咽。
谁又能想到，这哽咽竟能这样顽强地蹒跚过岁月，恍恍惚惚，清浊相间，一点一点凿穿世间最顽冥的时间之石。
直至透亮透亮，凝成哀而不伤的渍。
生命正因此不轻不重、却独一无二的痕，在阳光下闪耀着生生不息又遥不可及的希冀。
许多人看《情书》，许多人写《情书》，一遍又一遍不厌其烦地梳理着年少，回味着爱的博大与徒劳。
也许只有到了可以追忆的时候，爱才称其为爱。
它永恒、它不朽，因为它深植记忆。
它可以分享、可以遗忘，却无法互相替代。
无法争抢，无法偷窃，无法模拟，因而具有天然的神圣性。
《情书》日本式的优雅与委婉常常给人一种震慑的美，日本电影人精微的创作力和感受性，使得他们的作品在模仿之外，更具有独立的诗性追求。
“寻找世界上的另一个我”是世界电影中一个经典的主题，新锐导演们总是能够敏感地捕捉这种镜像中的自识，从而通过胶片——这一特殊的情感载体，细密地、委婉地传达对于生命的诗意追问。
无常、宿命、极端美学常常是日本电影中最为鲜明的基调，然而《情书》的特别之处在于，它并没有过多地展现这种淋漓的残酷之美，而是将“悲哀即美”的日本式美学观念诠释得精准到位。
渡边博子因为强烈的思念而去寻找死去恋人青年时代的记忆，导演给予她的镜头色调总是暗暗的，与女藤井树的温暖色调对比，悲悯之心跃然显现。
从影片一开始的雪中祭奠，到渡边博子压抑、内敛的脸部特写，整个故事都笼罩着死亡的阴影。
死亡不是遗忘，而是未知，是无助，是伤痛。
渡边博子静静地躺在浩瀚的雪地中凝住呼吸，她试图通过这种亲近死亡的方式缓解两年以来的强大孤独感，试图走出这段无果的爱情企盼。
深情的女子，像沉默的雪，绵延浩瀚。
在她的眼神中，投影的不仅仅是她无措的命运感，更有她企盼能够互通情感的对话世界。
情书，是最为古典的传情方式。
它不需要直面，不需要声音。
它承载着等待、承载着希望。
它是自我叙述，也是自我认识。
“你好么？
”“我很好”
这似乎远远超越的问话本身，而成为了追问生命的直接表达。
日本文化素来有着“死亡崇拜”的特殊传统，在最美的时刻凋零也成为了咏叹青春的经典手段。
但是岩井并没有选择传统日式对于樱花般刹那芳华的迷恋表达，而是选择了对于生者的鼓励和关怀。
在这里，男性藤井树的遇难，少女藤井树父亲的去逝都被淡化为一种哀思和怀念。
渡边博子在对爱人的怀念和追思中终于下决心把握秋叶的爱情，走出曾经的阴影；
对女藤井树的病危、抢救情节的描写，更是肯定了生命的延续。
似乎与青春有关的所有感情都会无疾而终，在这部电影中，这种无疾而终的方式通过“死亡”来展现，频添了一种清冷的韵味。
女藤井树的生命历程交织着对于生死的认知，她在医院产生的对于父亲死前的恍惚幻觉正是深埋于心底对于死亡的恐惧，护士的呼唤又让她不经觉想起了年少时同名同姓的男孩。
当得知男孩过世，她最先想到的便是父亲离开时的记忆。
此时叙事的节奏顿时被悲哀笼罩，在这种悲哀中，融会着日本式的安慰和解脱——即雪景铺陈。
那是埋葬父亲的地方，也是男孩离开的地方。
生命终结于自然，就仿佛终结于永恒，而此时将悲哀视为美，无疑是最好的安慰。
探讨生存与死亡也许并不是这部影片的主旋律，但青春并不是仅仅以单线铺成的成长经历，它更多承载着我们对于生命最朴质的感知，也即是对于永恒之爱的渴望。
年少时的爱，清澈得不沾染丝毫欲望，纯洁如雪，深远若天际。
如果不去深究，或许我们永远不会如此清晰的知道，自己在别人心中，究竟曾是怎样的位置。
能够记忆的，或许只有窗前那恍惚的身影，静默的脸颊，或许只有那些点点滴滴的荒唐片断，以及百折千回的细密情怀。
寂静而坦然地走向离别，就好像藤井树骑着单车消失在小樽的街道，没有背负丝毫的哀痛。
时间深处的心意也只有经过时间的荡涤，才能够如此隽永悠长。
博子的爱浓烈深沉，藤井树却如此内敛羞涩。
然而爱，却偏偏相差不起一毫厘。
曾经因羞涩而错失，如今的热烈又留不住。
爱的无措、命运的无可言喻，或许是这段故事永远无法抹去的悲伤特质。
当藤井树打开《追忆似水年华》的扉页，看到了那张书签的背面，相信所有的观者都会被她含着泪水又不知所措的笑容所打动。
仿佛一瞬间，渡边博子的全部酸涩与思念都转移到了她的心上，莞然间已隔沧海桑田。
遗憾的是，藤井树到死都没有忘怀初恋的女孩，女孩却毫不知情；
遗憾的是，藤井树爱的并不是渡边博子，渡边博子却深爱他；
遗憾的是，藤井树未曾爱过的男孩竟然成为她永远无法忘记的回忆。
“徒劳”的爱成为了影片中最感人至深又让人唏嘘不已的因缘。
日本似乎偏好这种“徒劳”的渲染，不在乎自己的爱是否能有回报，不在乎这种无望的爱将能带来什么……“徒劳”凭借的是一种精神，一种无怨无悔的信仰，可以超越生死而永恒存在的力量。
想起雪地中渡边博子的呼喊，想起病榻上藤井树的呢喃，想起那束日光，那盏窗台……也许，她们都背负着徒劳之爱而孤独行走，面带微笑、隐忍坚强。
自然地体现出幻觉式的纤细哀愁和象征意象是电影中最为成功之处，玄虚的哀感迁移和清冷的风韵将影片定位于青春却又不止行于青春。
初看这部影片的时候并没有体会到这番意蕴，只是为曾经年少的浪漫哀愁所感动，只是猜想倘若女藤井树与男藤井树曾经相爱，结局又会如何。
于是想着，这“情书”究竟指的是什么呢？
是渡边博子寄往天堂的信？
还是少年藤井树细心描画喜欢女孩的书签？
也许每个人心中都有这样情感诉求的对象，这似乎与成长无关，而是隐秘于心的古典情怀。
年轻时，我们总有许多话想对暗恋的人说，即使与他根本不相识。
长大以后，孤独站立在十字街头，看人影穿梭却没有一个人会为自己停留。
冥冥间是否会有一个人和我一样面貌、一样寂寞、一样站在黑暗的舞台上，等待照亮彼此的光线？
是女藤井树的回忆让博子终于走出了自我情感的深渊，也是博子让藤井树了解到从未深究过的记忆中的自己。
彼此照亮却从未相逢，似乎没有人为她们遗憾。
她们已然融为了一体，成为爱与记忆的象征。
他们各自徒劳之爱，在这一刻平添了动人的韵味。
若是没有办法遗忘，不妨就铭记着哀伤吧。
就如我们无法回避死亡，却仍然要勇敢地生活、相爱，至死不渝。
”
“我很好”
我只愿在心里，再为你投递一封情书，最后一次忘记你。
这部由日本新生代最受瞩目的导演岩井俊二所执导的爱情电影，由当红偶像中山美穗，丰川悦司主演。
内容讲述一位少女渡边博子（中山美穗饰）在男友攀山意外丧生后，无意中得知他中学时代在故乡的地址，於是寄了一封明知不会有回音的情书到那裏，但意外地却收到回信，原来是一位与她已故男友同名同姓的女孩～藤井树（中山美穗分饰）收到，并回了信。
之后两人开始通信，博子因而进一步了解少年时代的男藤井树（柏原崇饰）及女藤井树（酒井美纪饰）的故事。
而后博子决定到北海道，与现任男友秋叶茂（丰川悦司饰）寻找此同名同姓的藤井树。
两人错过了相遇的机会，但博子却偶然发现藤井树与自己的样貌原来十分相似。
回去后，博子渐了解她已故的男友对她一见钟情的原因是因为她和他的中学同学藤井树样子酷似，於是便放开怀抱，往已故男友遇难的山前大声舒发心中郁结，并接受了秋叶茂的一段新恋情。
另一方面，藤井树也渐回忆起以往与其同名同姓的同学一起的点点滴滴，最后因机缘巧合得到了一个埋藏多年的答案...
「情书」在日本上映时，极为轰动，中山美穗更凭此片荣获日本蓝丝带奖最佳女主角，而片中的小主角柏原崇及酒井美纪亦因此片而人气急升，为近年难得一见之风格清新的典雅小品，配乐更是细腻动人，实为96年最出色的爱情电影。
一封寄往天国的信竟然收到了逝者的回信；
是不舍的亡魂,还是同名同姓的巧合？
渡边博子的未婚夫藤井树在一次山难中不幸亡故，在经过了三年之后，博子却依然无法释怀，就在亡夫的三年忌的典礼后，她顺道至藤井家拜访，一时兴起地抄下了同学录上的藤井家的旧址，不死心的博子回家后便写了一封信寄给在天国的藤井树（一些观众看到这裏，可能会认为剧中的博子小姐实在是傻得可以，但是对於那些曾经历过一段刻骨铭心之思念的观众群们当然能够充份地体会到博子小姐完全是因为不愿割舍这段感情，才有了这种傻念头！
）
几天后博子居然在收到了回信，博子小姐的内心执著地想要相信这封信真的是未婚夫从天国寄来的回信，但另一方面，博子的追求者秋叶茂却认为这件事是荒诞不经的，坚持要证明给博子看清只是同名同姓的巧合罢了。
於是两人为了彻底发掘事情的真象，他们便出发到藤井的旧宅一探究竟，终於了解原来竟是博子的未婚夫在国中时代便有一位同名同姓的同班同学，这封信正是因为抄错了住址而误寄到女藤井树的手裏。
虽然真相已被揭露，可是因为博子渴望从女藤井树那儿获知一些故人的点滴，两人便开始了往后的鱼雁往返，博子虽然从中获得极大的抚慰，另一方面却也逐渐地怀疑女藤井树原来就是未婚夫的初恋情人；
但同样的，原来这方面的女藤井树也是一直对男藤井树当初暗恋之事毫无所悉的；
就这样随著追忆起当初的种种点滴，最后双方终於都了解了关於男藤井树当初埋藏在心底的一段未完成的心愿。
整个电影内容，谈的不是山盟海誓的约束，也不是惊天地,泣鬼神的琼瑶式苦恋，只是单纯的两段逝去的纯纯感情；
一段是埋藏在男藤井树心底的旧爱-对於同班同学从未表白的暗恋；
另一段是渡边博子对逝者表达的无尽的追念。
最后博子终於知道未婚夫爱上她的原因只是因为女藤井树与自己长得神似之后，虽然悲伤依旧，却终於走出了这段感情的阴影，寻得自己心灵上最终的解脱。
导演以回忆的手法来带领观众逐渐进入男藤井树的内心世界，像片中安排柏原崇刻意到酒井美纪家还书的一段，原想表白的他，因为时机的不对，终归欲言又止，当悠悠的配乐响起时，柏原崇不舍地看了看美纪，随后将围巾甩到肩上，一语未发地骑上单车离去，清楚地描绘出树心中的那种暗恋，这时旁白说明了这是两人最后的见面之时，的确令人感触良多.....整篇故事之所以成功吸引人之处，就彷佛呼应了片中那本男藤井树借的书"
似水年华的回忆"
，诉说著大家心中都曾经可能有过的似水年华的回忆。
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今年暑假，日片《情书》一上档，立即引起广大的回响。
首先，导演启用日本当今人气颇旺的两大偶像明星——中山美穗和丰川悦司，亲炙日剧的台湾观众对这两位演员应是耳熟能详的。
不过，本片最大的特点在於编剧能够别具巧思，透过信件的书写行为，呈现两位女主角的情路历程。
ㄧ封寄往天国的信
人的成长难免扯上恋情，即使是无法实现的单恋或偶像崇拜。
一旦陷入爱情的漩涡，人往往会浮现异於日常生活的狂气，从而散发出强迫性的反覆动作。
显然，这可以从女主角渡边博子的种种行径得到印证。
故事始於博子的未婚夫藤井树因山难而离开人间。
在葬礼结束后，她对藤井的爱意仍然余波荡漾。
博子翻阅藤井的初中毕业纪念册，查出她故乡小樽市的地址，并透过写情书的方式，企图重演往日恋情。
她寄出第
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