艺术的故事 读书报告Word文档下载推荐.docx
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“艺术家设计画面、画速写之时，经常考虑的是画得合适与否，也就是追求画面的和谐，像我们搭配衣服、插花一样的。
达成合适的过程没有规则可言，因为只有艺术家本人才知道他要达到的效果。
”低手庸才试图循规蹈矩却一无所获，而艺术大师离经叛道却能获得一种前所未闻的新的和谐。
“对艺术史已经有所了解的人往往会掉入类似的陷阱。
他们但到一件艺术品，不是停步观看，而是搜索枯肠去寻找合适的标签。
”如果人们可以跳出固有的思想概念，大胆到画中去寻幽，常会有意想不到的收获。
1.奇特的起源：
史前期和原始民族；
古代美洲
过去的作品并不是仅仅被当成纯粹的艺术品，而是有明确用途的东西。
“我们上朔的年代越久远，艺术必须为之服务的目的就越明确，也越奇特”。
只有了解了他们的奇特思想，才能理解他们的艺术品，如果不了解这些，就很难理解过去的艺术。
雕塑或绘画美不美并不重要，重要的是它能不能“发挥作用”，也就是能不能实施所需要的巫术。
艺术家只是在完成一项工作，不能随意更改造型和颜色。
原始艺术并不代表着技艺的原始，不要以为他们的东西看起来不顺眼是因为手艺有限。
“整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史。
”土著艺术家用自己最喜欢和最顺手的形状构成人物或面孔，或许不太像，但却会保持一种图案的统一与和谐，有时也含有特殊的寓意。
他们只需要知道它“是”什么，而不需要它看起来“像”什么。
“现在的人们对这些神秘的起源所知有限，但是如果我们想理解美术发展史，那么有时想到书画同源自有益处。
”
2.追求永恒的艺术：
埃及，美索不达米亚，克里特
奇特的起源时期跟我们今天，没有一个直接的传统可以联系起来，但是我们今天的艺术跟大约5000年前尼罗河流域的艺术之间，却有一个直接联系的传统，“从师傅传给弟子，从弟子再传给爱好者或摹仿者”。
埃及艺术的特点表现为两点：
几何形式的规整和对自然的犀利观察。
他们的艺术无意给人观看，意在“使人生存”，因而重要的不是“好看”，而是“完整”。
“艺术家的任务是要尽可能清楚、尽可能持久地把一切事物都保留下来，所以他们并不打算把自然描绘成从偶然碰上的角度看到的样子。
”埃及绘画在角度上的奇特表现，比如人的上身正、下身侧、眼正、脸侧，便出于这一原因。
埃及风格是由一套很严格的法则构成的，每个艺术家都从小学习，只求掌握规则，不求“创新”，因此埃及艺术在三千多年里几乎没有什么变化。
美索不达米亚流传下来的早期艺术作品很少，他们跟埃及人的宗教信仰不同，不认为灵魂的永生需要保存逝者的尸体和肖像。
国王习惯于竖碑勒石以纪念辉煌战绩，这些纪念碑逐渐发展为国王征战的完整编年史画。
而从其纪念碑上可以发现，亚述人竟然已经会利用舆论的力量，那些战争中到处都是伤亡人员，其中却没有一个亚述人，这其实也与亚述人的迷信观念有关，他们认为一幅画并不仅仅是一幅画，还有某种超越图画本身的内容，这也是他们不肯描述受伤的亚述人的原因。
3.伟大的觉醒：
希腊，公元前7世纪至公元前5世纪
公元前1000年左右，欧洲部落统治了希腊。
最初几个世纪里的艺术相当粗糙和原始，不像之前的克里特风格那么快活。
他们习惯用严格的几何图案来装饰陶器，而建筑风格则是简单朴素、布局清楚，没有任何不必要的东西。
“埃及人曾经以知识作为他们的艺术基础，而希腊人则开始使用自己的眼睛了。
这场革命一旦发韧，就无法遏止。
”当时的希腊人已经不再认为只要画面上确有其物就要将其画出来。
这一古老的规则一旦被打破，一旦艺术家开始信赖自己看到的状况，一场真正的山崩巨变就爆发了。
画家们有一项压倒一切的伟大发现，即短缩法。
它意味着艺术家的目标已经不是把所有的物体都用最一目了然的方式画入途中，而是着眼于他看物体时的角度。
他们开始尝试表现出事物在他们眼中的真实形象，但也并未完全摒弃古老的观念，依然十分注重表现人体结构，注重关于形式的知识。
“正是严格地循规蹈矩和寓变化于规矩之中二者所达到的平衡，使得希腊艺术在后来各世纪里博得了那么巨大的赞美。
就是那个时代，人们开始怀疑神祗和遗教的传说，科学的精神第一次在人们中间觉醒，成为了人类历史上无与伦比、处处震撼人心的一个时代。
4.美的王国：
希腊和希腊化世界，公元前4世纪至公元1世纪
人们逐渐转向爱好纤美和精致。
在动态表现和短缩法方面，艺术家已经毫不为难并且有所意识了。
优雅、轻松的性质是那个时期雕刻和绘画的特征。
没有一个活着的人体能像希腊雕塑那样对称、匀整和美丽，艺术家是通过知识达到这一美的境界的。
“在那几百年里，艺术家都想给那些古老的程式化的人体外壳注入越来越多的生命。
在波拉克西特列斯的时代，他们的方法终于开花结果，完全成熟”，类型化的形象和具体的形象之间取得了一种新的巧妙的平衡。
希腊艺术家们提倡往雕像中注入更多的生命，但他们却是用人体及其动作来表现“内心世界”，一直避免让头像具有特殊的表情，认为面部的变化会歪曲和破坏头部的简单的规则性。
直到公元前4世纪末，希腊才出现“肖像”的观念。
艺术家发现了既能赋予面目生气又不破坏其美的两全之策，并且懂得了怎样捕捉个别人的心灵活动和某个面孔的特殊之处。
随着亚历山大帝国的奠基，希腊艺术得以发展成为几乎半个世界的图画语言。
这种发展必然影响希腊艺术的性质。
这一时期的艺术不再叫“希腊艺术”，而是被称为“希腊化艺术”了。
希腊化艺术不再如早期希腊艺术那般和谐与精致，而是喜欢狂暴强烈的作品，“它想动人，而它也确实动人。
这个时代的艺术已经开始逐渐摆脱与巫术、宗教的联系，艺术变得更加纯粹。
希腊人冲破了早期东方艺术的禁律，走上了发现之路，通过观察给传统世界的形象增添了越来越多的特点，并且在其中永远带着标志着创作者那种睿智的印记。
5.天下的征服者：
罗马人，佛教徒，犹太人和基督教徒，1至4世纪
罗马人最突出的成就大概是土木工程，罗马建筑最重要的特点是拱的使用。
“用一块块楔形石头拼成拱形是一种颇为困难的工程技术。
一旦掌握了这项技艺，建筑者就能用它组成越来越大胆的设计。
罗马人的典型作法是从希腊艺术中取其所好，然后按照自己的需要加以运用。
其中的一项主要需要就是惟妙惟肖的优秀肖像，另一项就是罗马人也想宣扬自己的胜利，报道战事的经过。
罗马人也用艺术的手段叙述史实和显耀英雄，他们着眼于准确地表现全部细节和清楚地叙事，以使后方的人对战役的神奇感同身受，“这就使艺术的性质颇有改变。
艺术的主要目标已经不再是和谐、优美和戏剧性的表现。
在希腊化影响到来之前，印度已盛行雕刻艺术，但却是在边境地区犍陀罗首先出现了佛陀的浮雕像，应该亦是受到希腊化的影响，以后佛教艺术就以此为样板了。
犹太教徒和基督教徒也用绘画和雕塑表现他们的神祇或者宗教故事，这些作品已不再是由于自身的美好而存在，它的目的在于让信徒想起神的存在与恩典。
“力求简单清楚的思想又一次开始压倒要忠实描摹的思想。
不过艺术家力图把故事叙述得尽可能地简明，这种劲头也还是令人感动的。
6.十字路口：
罗马和拜占庭，5至13世纪
基督教在国家中占领了统治地位，“巴西利卡式”教堂开始出现（长方形大殿，两边各一排装饰华丽的柱子）。
在装饰教堂方面，雕像是不被接受的，但绘画还是获得了一定的空间，以向信徒宣传教义。
“由于基督教强调清楚显明，于是埃及人表现一切物体都以清楚为重的思想又强有力地抬头了。
”但是艺术家所使用的并不是原始艺术所用的简单形状，而是从希腊绘画艺术中发展出来的形状。
“中世纪的基督教艺术就变成原始手法和精细手法稀奇古怪的混合。
”公元前500年左右在希腊觉醒的观察自然地能力在公元后500年又再次沉睡。
艺术对于宗教的作用是一直争议不断的。
当东方教会的某一派别掌权之后，教堂里的绘画就不再只是文盲的图解了，它们被看作是超自然的另一世界的神秘的反映。
于是艺术家不再能够依照个人想象随意创作，能获得承认的仅是根据古老传统尊之为神圣的那些样板而已。
7.向东瞻望：
伊斯兰教国家，中国，2至13世纪
在公元7世纪和8世纪时，伊斯兰教禁止制作人像，但是艺术本身不会这么容易被压制下去。
艺术家的心灵只能离开现实世界的事物，进入线条和色彩的世界。
他们制作出最精细的花边装饰，人称“阿拉伯式图案”。
后来一些教派允许与宗教无关的人像，但是早期对线条和色彩的探索，使得他们的图画始终带有色彩丰富的图案感。
宗教对艺术的冲击在中国更为强烈，其中的主要推动力来自佛教。
当时，典型的中国艺术已经获得很大发展。
中国艺术家不像埃及人那么喜欢有棱角的生硬形状，而是比较喜欢弯曲的弧线。
他们把艺术看成一种工具，可以提醒人们回忆过去黄金盛世的美德典范。
中国人学习艺术并不从研究自然开始，而是从研究名家的作品开始，只是在全面掌握技巧之后，才去游历和凝视自然之美，体会山水意境。
其画作之精髓不在细节，他们是要在其中找到流露出艺术家激情的痕迹。
在网上看到很多人对贡氏对中国艺术的过少描写颇有异议，但其实贡氏对中国艺术一直有很大的兴趣，只是其一直没有机会详细了解，即使是仅有的了解也是极尽详细的介绍，我想那些网友如果了解了个中缘由就不会对贡氏这样吹毛求疵了。
8.西方美术的融合：
欧洲，6至11世纪
在早期基督教时代后面接踵而来的就是“黑暗时期”。
这段时间内，战乱、迁徙频繁，人民深陷黑暗之中。
“在那些年月里看不到任何一种明确而统一的风格出现，而是许许多多不同的风格相互抵触，只是在那个时期行将结束时，各种风格才开始融合。
条顿人和维京人被那些尊重希腊和罗马文学艺术成就的人看作野蛮人，但这并不代表他们没有美感，没有自己的艺术。
他们有擅长制作精细金属品和木刻品的技术工匠，喜欢复杂的图案。
凯尔特人和萨克逊人试图把北方工匠的传统技术运用于基督教艺术所从事的工作之中。
我们现在对于艺术的观念就是艺术家必须不停地“创新”，但这种观念在当时明显不被接受。
“埃及人大画他们知道确实存在的东西，希腊人大画他们看见的东西；
而在中世纪，艺术家还懂得在画中表现他感觉到的东西。
”他们不是要一心一意创作自然地真视写照，而是要忠实地表述宗教故事的内容和要旨，不牢记这个创作意图，就不能公正地对待任何中世纪艺术作品。
9.战斗的基督教：
12世纪
既然是艺术的历史，那么日期是不可或缺的挂钩，1066年以前的教堂迄今仍然屹立在欧洲的极其少见。
而在诺曼底人在英国登陆以后，那一代人在诺曼底等地发展形成了一种新的建筑风格，即诺曼底式或罗马式。
“在最早的巴西利卡式教堂中，用古典的柱子承载着平直的‘檐部’。
在罗马式和诺曼底式教堂中，我们一般看到的是圆拱形结构坐落在厚实的窗间壁上。
那些教堂内外给人的整个印象是坚实有力。
12世纪是十字军东征的世纪，跟拜占庭艺术的接触频繁，而且12世纪许多艺术家都在力图模仿和赶超东方教会庄严的圣像。
“既然艺术家可以不用任何空间错觉，也不用任何戏剧性的动作，他就能使用纯粹装饰性的方法来安排人物和形状。
绘画的确倾向于变成一种使用图画的书写形式；
然而这种简化手法的恢复，却给了中世纪艺术家一种新的自由，去放手实验更复杂的构图形式。
形状如此，色彩也是如此。
既然艺术家不再感到非研究和模仿自然界的实际色调层次，那么他们就可以随意选择自己喜欢的颜色去图解了。
正是由于摆脱了模仿自然的束缚，获得了自由，他们才能表达出那种超自然的观念。
10．胜利的基督教：
13世纪
12世纪后半叶，哥特式教堂。
“在这里，什么地方也没有无门无窗的墙壁，没有粗大的立柱。
整个内部看起来是由细长的柱身和拱肋编织起来组成的；
它们的网状结构覆盖着拱顶，又沿着中殿的墙壁下来，由一束束石柱组成的立柱收敛在一起。
连窗户上也布满了这种交织的线条，称为花饰窗格。
”艺术家想要越来越减少结构所需要的材料，却不危机整体的坚固性，力求使我们感到而且欣赏他们的设计所表现的胆量。
哥特式雕刻家重新开始重视“怎样表现”的技术问题，又一次开始观察自然，但与其说这是对自然的模仿，还不如说是从自然中学习怎样使形象显得更加真实可信。
在哥特式艺术家看来，那些方法和诀窍都不过是一种手段，他要达到的目的是把宗教故事叙述得更令人感动、令人信服。
13世纪，艺术家有时会抛开他们的范本，去表现自己感兴趣的东西，有时候，这也只是因为没有程式化的图样可供依赖而已。
当时的意大利艺术结合了拜占庭艺术和北方巴黎的哥特式艺术的特点，当时最伟大的意大利艺术家为乔托，他以湿壁画著名。
从乔托的时代开始，从意大利开始，艺术史就成了伟大艺术家的历史。
11.朝臣和市民：
14世纪
城镇发展成富饶的贸易中心，市民逐渐摆脱了以修道院和贵族城堡为中心的权力约束。
“14世纪的趣味是倾向于风雅而不是宏伟。
哥特式风格发展至此，开始喜欢装饰和花饰窗格，但是仍然能够达到独特的壮丽效果。
14世纪最有特色的是用贵重金属或象牙制成的小型雕刻，是摆在宫廷中的礼拜堂中供个人祈祷的。
14世纪的画家喜爱优雅、精巧的细节。
艺术中的两个要素，即优雅的叙述和真实的观察，逐渐融合在一起。
肖像艺术也在这一时期发展起来。
在意大利，特别是佛罗伦萨，乔托的艺术已经改变了绘画的整个观念，他的观点在阿尔卑斯山以北的国家里赢得了影响，而北方的哥特式画家也开始对南方艺术名家产生了作用。
艺术家的兴趣从中世纪以最佳方式尽可能清楚、动人地叙述宗教故事转移到了以最忠实的方法去表现自然的一角。
“中世纪的艺术实际上已告结束，我们也就来到通常所说的文艺复兴时期。
12.征服真实：
15世纪初期
文艺复兴一次的原意是再生或复生，这种再生的观念自乔托的时代开始就在意大利发展起来。
乔托就这样被称颂为一起一次真正艺术复兴的大师。
在意大利人心里，复兴的观念跟“宏伟即罗马”的观念的再生息息相关。
作为但丁和乔托所在的城市，佛罗伦萨在15实际头十年里，有一批艺术家深思熟虑地着手创造新的艺术，跟过去的观念决裂。
其中受影响最大的领域是建筑方面，其中的领袖是一位建筑家，布鲁内莱斯基。
他的目标是创造新的建筑方式，以便自由地运用古典建筑的式样，去创造和谐、美丽的新样式，而且他也确实做到了。
他作为文艺复兴式建筑的创始人，在艺术领域内还有一项重大发现就是“透视法”。
透视法的画作使我们觉得几乎能够触及他们，这就是他们和他们的寓意跟我们更为接近。
在文艺复兴时期的大市看来，“艺术中那些新方法和新发现从来不是最终目标，他们总是使用那些方法和发现，使题材的涵义进一步贴近我们的心灵。
13.传统和创新
（一）：
意大利，15世纪后期
意大利和佛兰德斯艺术家在15实际开始时的新发现已经震动了整个欧洲：
“艺术不仅可以用来动人地叙述宗教故事，还可以用来反映出现实世界的一个侧面”。
这使得大多数人第一次觉得艺术从遥不可及的神坛来到触手可及的身边，而大批的艺术家也在这场艺术革命的影响下开始追求新颖、惊人的效果。
这种勇于探索的精神支配着15实际的艺术，标志着跟中世纪艺术的真正决裂。
艺术源自创新第一次真正成为艺术发展史上的主旋律。
当艺术家和其他一些人在运用佛罗伦萨那一代艺术大师们的发明创造时，佛罗伦萨的艺术家却越来越感到那些发明创造带来的新问题。
艺术家的手短技巧固然能够发展，但艺术自身却很难说是以科学发展的方式前进。
莫一方面的任何发现，都会在其他地方造成新困难。
在艺术家享受创造新事物的同时，他的新能力会把他最珍贵的天赋毁掉，使他无法创造可爱而惬意的统一体。
传统与现代在这时产生了尖锐的矛盾，艺术增加生活的美丽和可爱的作用一直没有被完全遗忘，到了我们所谓的意大利文艺复兴的时期，这种作用就日益占据主导地位了。
14.传统和创新
（二）：
北方各国，15世纪
15世纪的艺术史由于布鲁内莱斯基这一代人的发现和创新而产生了重大的变化。
15世纪的北方艺术家跟他们的意大利艺术同道之间，在目标方面的差异大概不想在手段和方法方面的差异那么大。
意大利当时已经终止了哥特式风格，但在意大利以外的地区，在整个15世纪期间，他们还是继续发展前一世纪的哥特式风格，爱好复杂花饰窗格和奇特装饰的风气更有进一步发展。
虽然文艺复兴在意大利已经获得了胜利，但是在15世纪，北方仍然忠实于哥特式传统。
艺术设计仍然是关于习俗和程式的事情，而不是关乎科学的事情。
北方的艺术不想意大利艺术那样一心一意地想达到理想的和谐与美丽，而是喜爱这种日益盛行的再现生活的艺术类型。
15世纪中叶，德国发明了印刷术，对艺术的进一步发展有巨大的作用。
我们知道印刷术的发明加速了思想的交流，否则可能就不会发生宗教改革运动；
与之相仿，印制图像的技术保证了意大利文艺复兴时期的艺术在欧洲其他地方胜利地传播开来。
北方的中世纪艺术之所以走向终结，其推动力有一部分就来自版画。
15.和谐的获得：
托斯卡纳和罗马，16世纪初期
16世纪是整个历史上最伟大的时期之一，这是属于众多著名艺术家的时代。
达芬奇和米开朗琪罗，拉斐尔和提香，科雷乔和乔尔乔内，丢勒和霍尔拜因……虽然我们不可能对盛期文艺复兴这个伟大时代做全面剖析，但我们却可以尝试搞清，是天才之花得以突然怒放的是什么环境。
艺术家们的社会地位在当时并不高，这让那群拥有雄心大志的大艺术家们感到愤愤不平，这样的挑战和鞭策驱使他们继续前进，做出更伟大的成就，使得社会承认他们是具有宝贵卓绝天赋的能人。
这样的情况虽然不能很肯定地说造福于艺术，但无论怎样，最初还是起到了解放作用，释放出大量被压抑的创作才能，艺术家此时终于获得自由。
在1500年前后，产生了一大批世界上最伟大的艺术家。
在那些伟大艺术家的心目中，似乎没有办不到的事情；
而他们之所以有时的确做出了看来毫无可能性的事情，其原因可能就在这里。
达芬奇在这些著名艺术家中年纪最大，他认为艺术家的职业就是要像他的前辈那样去探索可见世界的奥妙，只是要更全面、更彻底，而且要更专心、更精确。
每当他遇到问题，他不依赖权威，而是通过实验予以解决。
他认为给艺术奠定科学的基础能使自己心爱的绘画艺术从微不足道的手艺变成高贵、体面的职业。
《最后的晚餐》因为达芬奇的细腻手法，使面对它的人仿佛面对现实生活的一角。
画家经常挑剔自己已经画出的部分然后才画出下一笔，而他留给我们的是他深思的结果，即使现在已经严重破损，《最后的晚餐》仍然是人类天才创造的伟大奇迹。
《蒙娜丽莎》中渐隐法以及背景的不对称应用，使得画面格外神秘。
我们一直不大明确蒙娜丽莎到底以一种什么心情看着我们，她的表情似乎总是叫我们捉摸不定。
往昔，人们曾经带着敬畏的心情去看肖像，因为他们认为艺术家在保留形似的同时，也能够以某种方式保留下他所描绘的人的灵魂。
现在伟大的科学家达芬奇已经使那些最初制像者的某些梦想和恐惧变成了现实，他会行施符咒，用他那神奇的画笔使色彩具有生命。
16.光线和色彩：
威尼斯和意大利北部，16世纪初期
威尼斯，它的重要性仅次于佛罗伦萨，在采取布鲁内莱斯基使用古典建筑形式的做法方面，比其他意大利城市的步伐要慢，但是一旦被它加以采用，文艺复兴风格就在那里产生了一种欢乐、辉煌而热情的新面貌。
而其中的第一要素就是当地的天赋特征，即威尼斯的明亮光线，那种光线是由环礁湖反射出来光辉，它使物体的鲜明轮廓变得朦胧不清，调和了它们的色彩。
这种环境使得威尼斯的画家们运用色彩比其他艺术家更加精细入微。
他们喜欢使用他们能找到的最纯净、最珍贵的色彩——光辉闪闪的金色和完美无瑕的群青蓝是最受喜爱的配合。
但是威尼斯的画家们很少有人把色彩当作主要手段之一，用它把画面上的各种人物和形状结合成一个统一图案。
他们喜欢用透视法和构图法作为手段去组织画面。
17.新知识的传播：
德国和尼德兰，16世纪初期
文艺复兴时期意大利艺术家的伟大成就对阿尔卑斯山以北的民族产生了深刻的影响，那是人们已经接触到南方的杰作，认为自己的艺术一下子显得陈旧、粗糙了。
而在这样的文化冲击之下，艺术家的反应就成为了判断一个艺术家境界的标准。
“任何一个真正的艺术家必然会感到迫切需要全面理解新的艺术原理，并且要对他们的实用性做出自己的判断。
”在丢勒的作品中，我们就可以见证这一戏剧性的过程。
在丢勒的习作中，我们可以看到丢勒虽然努力掌握描摹自然的熟练技能，但语气说那本身是他要达到的目的，还不如说那是作为一条较好的途径，以便呈现出他要用绘画等去图示的宗教故事中的真实可信的景象。
18.艺术的危机：
欧洲，16世纪后期
大约在1520年前后，意大利的艺术爱好者似乎一致认为绘画已经达到完美的巅峰。
那些伟大的艺术家实际已经解决了前人力图解决的所有问题。
而这样的社会环境使得当时的艺术家们开始迷茫：
已经挖掘出艺术的全部潜力了吗？
没有什么未竟之业了吗？
他们下意识地觉得前人已经难以超越，但是自己却难以接受这样的事实，因此进行了许多大胆的尝试。
米开朗琪罗就曾经偶尔表现出大胆的蔑视一切程式，用那些“随想曲”和“创意曲”树立了一个精进不已的天才榜样。
青年艺术家理所当然地把这个事实最为许可证，用创新的构思去轰动公众。
其实在自己的领域内有特别耀眼的前人，是不幸也是万幸。
不幸在你也许永远超越不了他而生活在其阴影之下，不论你的成就多么突出却终究被前人的耀眼光芒所掩盖，就像儿子会受到父亲影响，弟弟会受到哥哥影响一样；
万幸在你始终有一个目标，就是成为比前人更伟大的人，这样的愿望越强烈，动力就越大，即使最后依然难以超越，却已经无愧于自己。
19.视觉和视像：
欧洲的天主教地区，17世纪前半叶
艺术史常常被描述为一系列不同风格更迭变幻的故事。
但事实是从文艺复兴以后，几乎直到今天，建筑家们一直使用同样的基本形式——圆柱、壁柱、檐口和线脚。
在这样唱的一段时期中，建筑中的各个趣味和各种式样自然要发生相当可观的变化。
在摆脱了手法主义驻足不前的做法以后，绘画走向了一种比以前大师们的风格具有更丰富前景的风格，这种发展在某些方面跟巴洛克建筑的发展相似。
那些观念在17世纪的一书中越来越重要，即强调光线和色彩，漠视单纯的平衡，偏爱比较复杂的构图。
按照古典雕像书里的标准经过理想化、美化自然的方案称为新古典派，以区别于根本不依靠任何方案的古典艺术。
虽然关于它的论争不大可能很快停止，但是没有人否认在新古典派的提倡者中出现了一些大师，通过他们的作品，我
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