中国传统艺术赏析传统水墨画的艺术赏析论文Word文件下载.docx
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是以描写山川自然景色为主题的绘画。
在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；
至隋唐，已有不少独立的山水画制作；
五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科。
主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。
在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。
花鸟画，我国传统绘画画科之一。
以描绘花卉、竹石、鸟兽、虫鱼等为画面主体。
四五千年以前的陶器上出现的简单鱼鸟图案，可以看作最早的花鸟画。
据唐代张彦远《历代名画记》中的记载，东音和南朝时，画在绢帛上的花画已经逐步形成独立的画科，并且出现一些专门的画家。
五代、两宋间，这一画科更趋成熟。
界画，也是中国画画科之一。
明陶宗仪《辍耕录》一书中，提出将绘画分为十三科：
佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉、风云龙虎、宿世人物、全境山水、花竹翎毛、野赢走兽、人间动物、界画楼台、一切旁生、耕种机织、雕青嵌绿。
中有界画楼台一科。
指以宫室、楼台、屋宇等建筑物为题材，而用界笔直尺画线的绘画也叫“宫室”或“屋木”。
（二）水墨画的发展
水墨画的发展历史已经一千多年了，据史书记载，中国最早的水墨画产生于东晋时期，戴逵的《吴中溪山邑居图》、顾恺之的《雪霁堂五老峰图》是最早出现的水墨画。
顾、戴之后，水墨画进一步发展，并且出现了专门评论水墨画的论著。
可见，水墨画在当时已经比较流行。
唐代是水墨画发展的鼎盛时期，出现了许多有名的大画家，如吴道子、李思训父子、王维等人。
吴道子被后世称为画圣，他的水墨画一改前人细巧之积习，行笔纵放，如雷电交作，很有气势。
李思训善画着色山水，他的儿子李昭道也是有名的水墨画家，师其父而有自己的风格，后世称他们父子的水墨画为大小李将军山水。
王维襟怀高旷，迥超尘俗，首创渲淡画法。
以水墨皴染之法而作破墨山水，以清淡闲逸为归。
水墨画发展到唐代，出现了水墨画的南北两个画派。
吴道子、李思训为北宗之祖，王维则为南宗之祖。
五代时期，水墨画进一步发展创新，徐熙代表南宗，黄筌代表北宗。
宋代水墨画家最有代表性的要数李成、范宽、董源、巨然四人。
元代水墨画家主要有黄公望、王蒙、吴镇和倪瓒四大家。
明代水墨画分浙派、吴派和院派。
清代水墨画家以四王为最著名。
他们是王时敏、王原祁、王鉴和王荤。
另外，佛门画家道济和八大山人也在水墨画坛享有很高的声誉。
近代，也就是20世纪初至50年代期间，这时候的水墨画主韵律是改革：
这时期以徐悲鸿为代表，西方传统绘画中的素描、光影、透视等技术和方法来对中国画进行改造，这在当时形成了很大的气势，影响也很深远。
但在西方洪流涌入期间，古风水墨画也在发展，以齐白石为代表，借助中国自己的传统来进行变革，借助近代海派绘画资源，加上一些明清之际文人画的因素，来对当时的中国画进行改革。
他的艺术语言简洁明快，齐白石先生出生在社会底层，早年生活贫寒，他的诗和画明白易懂，不像以前的文人画以晦涩为深奥。
齐派艺术在20世纪的中国是成功的。
自1949年新中国建立至2009年，中国水墨画走过了曲折的六十年。
从建国初期的转型、起步，到后来的意识形态统帅;
从新题材的发掘、表现，到严重的政治干预;
从西方艺术思潮的冲击、全球化语境的影响，到民族文化身份的认同等。
体上看，伴随着共和国一起成长的新中国水墨画，虽几经波折，还是在发展中显示其强大的生命力。
特别是改革开放以来，经历了现、当代艺术思潮的洗礼，在全球化语境中，国人对中国文化的重新认识与认同，中国画又迎来了教学、创作、交流等全面的繁荣。
对于水墨画未来的发展，我认为面临的主要是传统继承绘画艺术与吸收外来绘画艺术之间的平衡问题。
毋庸置疑，传统的技艺自然是要继承的，但是由于中国画长期以来适应着修养全面的文人雅士的余兴和趣味，不注重对画面视觉形式的发掘，在“水墨为上”的风气下放弃对绘画色彩语言的探求，忽视对各种新颖题材的开拓，津津乐道于微观笔墨技巧和小区为而不注意宏观的整体视觉效应和视觉冲击力，从而失去了应有的视觉新鲜感。
水墨画发展了一千多年，已经走到了一个很高的程度，要想再次急促上获得很大的发展的确面临很大困难。
面对如此局面，我们要善于吸收优秀的外来文化艺术，西方绘画就是一个很好的例子，他们通过吸收不同的外来文化，产生了很多风格的流派，是优化的表现力获得了新生。
中国画的推陈出新，走向世界的可能性是完全存在的。
由此看来，中国化的发展如能以民族精神为主导，个画种、流派之间相互交流、互补，在总结、继承中国传统水墨画艺术传统的同时，大胆吸收西方绘画的特点，勇于开拓创新，必然生机无限，中国画已“穷途末路”的说法必将不攻自破。
但其优秀成分最终会融入本土文化的洪流中，成为传统文化的一个组成部分，中国水墨画的发展也不例外，作为民族的优秀文化遗产，它将在新的时代精神相结合中获得新生。
（三）水墨画之美
1）形象之美
中国画历来讲究“以形写神”“形神兼备”，表现任何物象，形似仅仅是手段，神似才是目的，古代为人画像，称作“传神”，齐白石笔下的青蛙、虾、小鸡等小动物，使人看了感到生动活泼，有稚拙的童趣，“妙在似与不似之间”，潘天寿作品中元气淋淳的泼墨荷叶，用大面积墨汁挥泼而成，酣畅而凝重、效果整体而又有小的变化，给人以雄润、沉重、稳定的感觉。
2）笔墨之美
中国画充分运用毛笔的性能，驾驶墨与色在宣纸上的渗化效果，表现不同物体的形状、质感、量感、塑造出生动完美的艺术形象，这种综合性的技巧在中国画中统称为笔墨。
笔墨二字不但代表绘画和书法的工具，而且代表了一种艺术境界。
笔是“因”墨是“果”，当笔法与书法相结合时，就产生了丰富的、有表现力的结果—笔墨。
3）韵味之美
利用水在宣纸上的冲化，融渗产生的浓浓变化，通过墨与彩的泼洒、点染、堆积能形成墨、色、水相互辉映的效果。
运用浓破淡、淡破浓、色破墨、墨破色等方法，可以出现斑斓绚丽、变化莫测的画面。
这迷蒙浑然的韵味，给人变化朦胧、轻松自然的视觉效果。
水墨画无论是它的表现方法还是独特的画面效果，都体现出中国人特有的情怀，可以说是中国千年文化传统的浓缩。
中国画表现出的空灵飘逸，虚实相生，妙在似与不似之间的韵味，令人回味无穷。
（张大千泼墨荷花）
4）意境之美
中国画在画面的空间处理上、在空白、虚实关系以及色彩等方面运用独特的艺术手法，创造出情景交融的意境。
中国画的意境是中国传统美学思想的重要范畴，在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘，在情与景高度融会后所体现出来的艺术境界，追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一，如山水画中高山大川的雄浑厚重，小桥流水的清秀恬淡，山间云雾僚绕，小路曲折蜿蜓；
楼台耸立、船帆点点……使我们感受到了画家对故土、对大自然的那份眷恋，那份痴情，带给我们一种充满情趣的、有独特意境的美的享受。
意境是山水画的灵魂，对意境的创造是画家毕生追求的艺术境界。
（林风眠秋鹜）
5）章法之美
中国画是诗、书、画、印相结合的一门综合艺术，在不同的形式中合理安排表现的物象叫做章法，每幅画面上有主次、疏密、节奏、变化，并加以留白，有笔墨处为实，无笔墨处为虚，可以是天、地、云、水、烟、气、雪等，给观者以丰富想象的余地，中国画上的题款与印章是画面构图不可缺少的组成部分，“款”是指作者的署名，而“题”是指与绘画相关的文字、诗词等，大段题字的款识叫“长款”，仅题作者名姓的叫“穷款”，仅题姓名和年代、地点称之为“单款”或“下款”，另题馈赠者名姓、原因的叫“上款”，上下两款合称为“双款”，两款以上者称之为“多款”。
在缘刻艺术上，作者将感悟到的自然美以内的形式规律施之于印章中，将汉字书法的美与刀法表现的美、章法的美以及金石印材的质地特性和谐地融为一体，形成为篆刻的美。
好的书法题款与篆刻印章可以为画面增添许多秀色。
6）形制之美
中国画的形制有多种，总体上分有手卷、条幅、中堂、条屏、横披、圆扇、折扇、册页、斗方、框裱等，基于古人生活方式的特点，最早供的欣赏的可移动的绘画作品是像简册和书卷一样的长条，平时卷起来存放，观看时打开，从古往左逐段欣赏，称为“卷”或“手卷”，它适合一两个席地而坐的人在案头欣赏。
随着垂足坐取代席地坐，人们的视点升高了，挂在墙上的较大的作品形制——“轴”或“立轴”适应了新的生活方式，装饰美化着变高变大了的室内空间。
唐代以前的活动绘画绝大部分采用卷的形制，两宋和元代是卷、轴并重的时期，明清两代主是轴多于卷了，四幅或六幅成组的屏条是轴的变化体。
立轴条屏适合远看，横幅、长卷适于近视，立轴先看整体后看局部之美，长卷先看局部美而后再引伸到全貌；
有着悠久历史的扇面艺术是我国民族传统艺术品之一，有折扇和团扇之分，从宋元起历代都有扇面精品流传于世。
宋元时期多为圆形团扇，从明代起才有折扇。
扇面上是名家书画，扇骨多是竹或骨制品，雕刻着山水、人物，构成一件极具精美完整的艺术品、美不胜收；
册页的美是把小幅画页装裱成册，是今天书藉装帧的变体，欣赏、赏玩方便随意，妙不可言；
装裱艺术体现了中国古人智慧与审美，保护卷、轴作品的最好方法是装裱，中国画的装裱格外讲究，使其形制的外在结构形式上更加完善。
7）黑白的视觉心理美
中国水墨画是以黑白二色为基础的绘画艺术，强调心灵与物象的感应，它受道家”淡薄“、”无相“等思想的影响，由哲学色彩论发展而来。
水墨画的墨色已不是色彩学的单一色概念，他具有哲学的色彩，墨既不是色彩又是色彩所谓”用墨而无色俱“。
中国水墨画一黑白为其主要的构成因素，白，代表形象之外的无象之处，虽眼见为空，
而心灵可以感应到它的存在，他既是无形，也是有形。
把无形当有形，是中国画艺术的大胆创造，它使中国画内蕴丰富充实，使艺术空间更进一步拓展，使艺术的表现力更强，效果更好。
在中国水墨画的黑白世界里，黑白互相依存，相互消长，含有极其深厚的名族哲理和审美情趣。
从黑白中可以幻化出神秘、无限、幽远、深奥、飘渺的意境。
一张黑白的照片摆在我们面前，我们会认为那是真实的世界，而且比真实的现实世界更具有象征而美丽的诗情画意。
（四）水墨画的鉴赏
齐白石1864年1月1日（清同治三年癸亥冬月廿二）出生于湘潭县白石铺杏子坞，1957年9月16日（丁酉年八月廿三）病逝于北京，终年93岁。
他宗族派名纯芝，小名阿芝，名璜，字渭清，号兰亭、濒生，别号白石山人，遂以齐白石名行世；
并有齐大、木人、木居士、红豆生、星塘老屋后人、借山翁、借山吟馆主者、寄园、萍翁、寄萍堂主人、龙山社长、三百石印富翁、百树梨花主人等大量笔名与
自号。
齐白石出身贫寒，做过农活，曾居住于湖南省涟源市杨市镇。
1877年，跟随叔祖父学过木匠，次年改学雕花木工，从民间画工入手，曾
习古人真迹，摹《芥子园画传》并据以作雕花新样。
他学诗文书法，游山川名胜，作幕僚寓客，终于成了诗、书、印、画全人神品的千古伟人；
他将中国画的精神与时代的精神统一得完美无瑕，使中国画得到国际的重视；
他朴实谦虚、自信自强的精神，使他的作品刚柔兼济，工书俱佳，不愧为人民的艺术家。
在他的笔下，大凡花鸟虫鱼、山水、人物无一不精，无一不新，为现代中国绘画史创造了一个质朴清新的艺术世界。
他成功的以经典的笔墨意趣传达了中国画的现代艺术精神，深深得益于经典样式而又善于出新，故而他的画能够直接的感动人心，向天下众生传达生命的智慧和生活的哲理。
他的山水画表达他对自己艺术创新的自信与深刻体悟，他的人物画长于传神达情，他的书法简约大方、雄健浑厚的笔意融入人物画中，完善了人物内在的神情的表达。
齐白石主张艺术“妙在似与不似之间”衰年变法，绘画师法徐渭、朱耷、石涛、吴昌硕等，形成独特的大写意国画风格，开红花墨叶一派，尤以瓜果菜蔬花鸟虫鱼为工绝，兼及人物、山水，名重一时，与吴昌硕共享“南吴北齐”之誉。
他的绘画，以其纯朴的民间艺术风格与传统的文人画风相融合，达到了中国现代花鸟画最高峰。
他专长画鸟，寥寥几笔，笔酣墨饱，力健有锋；
但画虫则一丝不苟，极为精细；
虽然简单，但也不失自然界生气勃勃的气息，两幅画“以形写神”“形神兼备”，形似仅仅是手段，神似才是目的。
他的画，反对不切实际的空想，所有的素材都来自生活，他在生活中经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，观察他们的习性，揣摩它们的精神。
他曾说：
为万虫写照，为百鸟张神，要自己画出自己的面目。
齐白石主张诗不求工，无意唐宋，师法自然，书写性灵，别具一格。
他尤工虾、蟹、蝉、蝶、鱼、鸟、水墨淋漓，洋溢着自然界生气勃勃的气息，能给人一个无限遐想的空间，就好像这幅画的背后还有更多的东西，甚至是大自然。
他的山水画构图奇异不落旧蹊，极富创造精神。
不同于其他任何人的山水画，极富虚幻，又极有真实，好似近在眼前，又似远在天边，
几笔酣畅淋漓。
最有名也最值得提的莫过于齐白石的虾，没有用水草作背景，这是齐白石所独创的。
虾的胡须有力而轻盈，让人能感觉在水中随水波摇曳。
虾的头部一笔带过，但能清晰的看到虾的眼睛和胡须，眼睛生动，胡须根根分明，给人一种活灵活现的感觉。
两只螯细而长，曲折分明，从这个小的细节中就能看出齐白石在画虾上下的大工夫。
虾的头部与身子的连接没有直接连在一起，这样更显现出虾的灵活。
他甚至把虾的腿部进行了省略，这是在绘画史上独具一格的。
而尾部就给人一种通透的感觉。
整个虾的身体颜色由深到浅形成一种渐变。
（五）结语
中国画在未来时代里，宜坚持多元并进的方针，无论写实写意与抽象，都顺其自然，随其缘份去发展，这才合乎中国文化精神。
无论中国画如何演变,它有以下三个特色最好明智地保待：
一个是精神性，它是区分中西绘画的重要标志之—。
另一个是水墨为尚。
-有一个特色是笔墨，这里不是指工具材料而是中国画语言。
笔墨的价值在于它是根据中国画材料特性创造的语言，渊源久远，包融着中国文化中的一套审美观念，很容易和西洋画及其他国家民族的绘画语言判别。
总之，唯独精神性、水墨为尚和笔墨最好不要变，它们是使中国画保持东方特色，在世界艺术之林中永具独立地位与特殊价值的染色体。
参考资料：
《新中国美术史》邹跃-进湖南美术出版社2002年出版。
《中国画研究》栗宪庭，北京，人民美术出版社，1986
《走向未来的中国画》洪惠镇《文艺研究》第3期文艺研究杂志社1998年
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