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这边指的建筑并非具体的建筑学、而是一种抽象的形容。
设计是人类改变原有事物，使其变化，增益，更新，发展的创造性活动。
是构想和解决问题的过程。
它设计人类一切有目的的价值的创造活动。
（1）：
现代设计应该满足现代生活的实际需要，
（2）：
现代设计应体现时代精神
（3）：
现代设计应从不断发展的纯美术与春科学中吸取营养
（4）：
现代设计应灵活运用新材料，新技术，并使其得到发展
（5）：
现代设计应通过运用适当的材料和技术手段，不断丰富产品的造型，极力，色彩等效果
（6）：
现代设计应明确表达对象的意图，决不能摸棱两可，
（7）：
现代设计应体现使用材料所具备的区别于他种材料的特性及美感
（8）：
现代设计须明确表达产品的制作方法，不能使用表面可行，实际却不能适应大量生产的欺骗手段
（9）：
现代设计在使用，材料，工艺的表现手法上，应给人以视觉的满足，特别应强调整体的效果的满足
（10）：
现代设计应给人以单纯洁净的美感，避免烦琐的处理
（11）：
现代设计必须熟悉和掌握机械设备的功能
（12）：
现代设计在追求豪华情调的同时，必须顾及消费者节制的欲求及价格问题
代代相传古代的艺术设计,应当继承对造型的古朴简洁.应该抛弃象清朝那种华而不实.
比如：
古代圆明园1744年（乾隆九年）宫廷画师沈源、唐岱绘制的《圆明园四十景图咏》给我们展示了它的真实面貌。
在这些图画中，我们看到：
古代圆明园的水域有很大比例是浅水型湿地（水深高度在0.2-0.8米左右），它们通过古画中有大面积的石滩区、荷花区、稻田区和芦苇区表现出来。
中国艺术设计
从上面对中国工艺美术历程及西方近现代设计历史的简要回顾，可以看出20世纪前期中国的艺术设计，仍是19世纪后期、20世纪初期欧洲的"
工艺美术运动"
、"
新艺术运动"
的工艺思想影响下的中国式翻版，它们成为20世纪前期中国艺术设计的主要形式。
可见"
围绕着造物的艺术活动，近百年来在中国走了一条'
图案--工艺美术--设计艺术'
的路"
。
（1）因此，从理论上讲，中国设计教育的初具规模还是近20年的事情，此前的设计概念仅仅停留在工艺美术基础上的借用，从心理到方法的认知都是从被动的向西方学习和对传统手工艺国粹的膜拜。
我国本世纪初根据日译把design译为"
图案"
，而日本后来觉得这种译法欠妥，改用片假名，把design音译为デザイン即"
迪扎因"
而我国长期以来在译名上没有变更，只是从"
转换为"
工艺美术"
作为design的对应物，由于译名和原术语的语义不符，才造成了理解上的思维混乱。
那么今天，艺术设计又是一种新形式下的复合词。
将艺术与设计和而为一，是结合中国国情和中文语境下的产物，是充分理解了现代设计的产生背景和原理后，一种较好地能解释和传达西方Design的复合词，笔者以为基本上还是反映了其始祖包豪斯设计学校的思想。
"
包豪斯"
从一开始就将艺术因素纳入整个设计教育结构体系中，将艺术与设计作为一个不可分割的有机体。
艺术设计通过设计一种创造性的人为事物，美化和丰富人们的生活，影响着人们的生活方式（柳冠中语），它是集物质与精神、科学与艺术于一体的造物活动（李砚祖语）。
下面从中文字面再探讨一下"
艺术设计"
这个复合词的语义。
我们还是从艺术设计的第一个关键词"
艺术"
开始分析吧。
公元1世纪时的罗马修辞学家昆提连（Quintilian）曾把艺术分为三大类，第一类是"
理论的艺术"
，如天文学；
第二类是"
行动的艺术"
，如舞蹈；
第三类是"
产品的艺术"
，即通过某种技能制作成品的艺术。
（11）因此这第三类"
较接近于我们当今的艺术设计的含义。
古希腊文中的艺术（Texvn，）是表示某种专门化的技巧形式，如木工等。
英文的艺术（Art）和德文的艺术（Kunst）也表示一种可学的而非本能的技巧和特殊的才能。
（12）在三千多年前，中国就已经出现了"
艺"
的概念，"
被定为"
士"
的必修科目，如古人的"
六艺"
就是指礼（礼仪）、乐（音乐）、射（武术）、御（马术）、书（书法）、数（算术）等六种技艺。
因此，我国古汉语中的'
艺'
，也包含着类似英文Art的语义，含有技巧和才能的概念。
因此，概括地说，艺术这个词所包含的基本含义就是技巧、手段。
而"
设计"
（Design）的概念产生于意大利文艺复兴时期，其最初的意义是指素描、绘画，而发展到后来设计的含义变得更加宽泛了，还包含了艺术家头脑中创造性的思维，故有人将设计定义为：
事先在心中酝酿，在想象中已描绘出结果，并能通过实践使之成为现实的可视物。
（12）在《高级汉语大辞典》上是这样解释"
的：
按照任务的目的和要求,预先定出工作方案和计划,绘出图样为解决这个问题而专门设计的图案。
故张道一先生说：
如果从字面训诂，设计就是'
设想'
和'
计划'
（13）柳冠中先生认为"
设计是一种创造行为，是创造一种更为合理的生存（使用）方式"
西方艺术设计从古至今的发展是否具有必然性
历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律
艺术发展过程中继承和革新是辨证的统一，它表现在两个方面
⑴革新是继承的目的，离开革新的继承是复古主义，只有以革新为目的的继承才是科学的批判继承
⑵继承是革新的基础，离开继承的革新是虚无主义，只有在继承的基础上的革新才是成功的革新。
任何时代，任何民族的艺术都是继承和革新的辨证统一中向前发展，这是艺术自身运动的一个普遍的规律。
信息社会的基本特征可以概括为：
第一，信息化；
第二，智能化；
第三，国际化；
第四，未来化。
浪漫主义画派
十九世纪初叶，资产阶级民主革命时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。
这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。
代表作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由领导人民》。
画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义美术
“浪漫主义”一词来源于中世纪的“浪漫传奇”一字，意思是中古欧洲所盛行的英雄史诗和骑士传奇、
抒情诗等。
我们这里所指的浪漫主义，一般是指18—19世纪欧洲一些国家所产生的思想和艺术的运动，它反映在艺术的各个领域：
德国是诗和音乐；
英国是诗、小说和风景画；
法国是绘画和雕刻。
浪漫主义产生的哲学基础，是这一时期流行的德国古典哲学和深受启蒙思想影响的空想社会主义。
它强调主观、天才和灵感；
强调人性的自由和解放。
在艺术创作中，浪漫主义强调艺术家的主观创造性，表现出对于历史的兴趣和对社会现实中重大事件的关注，另外在对历史怀念的同时又表现出对东方异国情调的向往。
在艺术表现上，浪漫主义与古典主义学院派是完全对立的，它反对纯理性和抽象表现，强调具体的、具有特征的描绘和情感的传达；
反对类型化和一般化，主张表现个性化，描绘人物的性格特征和精神状态；
反对用古代艺术法则来束缚艺术创作，主张自由奔放热情的主观描绘，使艺术家的感情在创作中得到充分的传达；
反对刻板的雕刻般造型和过分强调素描为主要表现手段，竭力强调光和色彩的强烈对比上的饱和色调，以动荡的构图、奔放而流畅的笔触，有时以比喻或象征的手法塑造艺术形象，借以抒发画家的社会理想和美学理想。
艺术和设计的关系
一、古代艺术与设计之间的关系
我们从历史的发展过程来看，人类早期的设计与艺术活动是融为一体的、是同源的，都是造物文化的分合离散所致，因此它们之间的关系是亲密而不可置疑的，设计最初的意义是指素描、绘画，“设计”这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的，犹如西方美术史之父瓦萨里在全面讨论设计这一概念时所说：
设计是三项艺术如建筑、绘画、雕塑的父亲，它是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化来求美法则的艺术创造过程，而这种实用化的求美不是“化妆”，而是以专用的设计语言来进行创造的；
而艺术也包括雕刻、绘画等，又如在古代，“艺术”一词中就有“设计”的含义在其中；
不论是在落后的中国，还是在发达的西方国家对“艺术”一词的界定也是含糊不清的，而对“设计”一词的含义也是模棱两可的，但从艺术的辞源上来看，“艺术”与“设计”也都有相似的指令和界定，都是有一个从“术”到“艺”的过程，也就是说它们是同一含义的词语，再从艺术和设计的定义上来说它们也是相同的，艺术是人类创造的一种审美的、创造性的意识形态和生产形态；
而设计也是人类创造，审美的一种创造性活动，例如古代的艺术家为了满足人们的审美需要和精神享受，而把自己在生活所看到的、想象到的一些事物，通过自己的主观创造活动而制造出来的精神产品，而这些精神产品是当时社会生活的反映，是艺术家们为了揭露社会而凭借自己的绘画功底、审美观念，加以自己的情感对社会的一种主观臆断，而设计师们也是为了满足人们的审美需要、物质享受以及精神需要，通过对时代的观察再加以自己的主观想象力和创造力，通过自己的创造活动而制造出来的产品，而这些产品也是社会时代的反映，是设计师们满足当代人们精神享受的需要，总之，古代的艺术与设计是同一含义，不同叫法的词语，它们是相同意思，不同说法的两个名词。
一、什么是设计？
设计（Design）主要指设想、规划、计划、构思等，设计的含义是非常宽泛的，而且设计的定义也是众说纷纭，莫衷一是。
在《朗文英汉双解词典》中，对Design有这样的解释：
作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思；
作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。
《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义；
作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。
设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。
从这个意义上来说，自人类有意识地制造使用原始工具和装饰品开始，人类的设计文明便开始萌芽了。
在磨制石器时代，经过磨制的精制石器显示了卓越的美感和制作者对于形的控制能力。
原始社会时期制出的精致的片状石器，并不仅仅是因为悦目而生产出来的，而是本身在使用中被证明是有效的。
将使用与美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。
总之，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。
关于设计的定义，其含义非常宽泛，定义是多种多样，国内学者杨砾、徐立新著的《人类理性与设计科学》一书中，列举了关于艺术设计的11条定义，其中，有一条认为：
设计是“使人造物产生变化的活动”。
这个最终定义，不仅适用于工程师、建筑师及其他专业设计人员的工作，而且适用于经济计划者、立法者、管理者、社会活动家、应用研究者、抗议者和政治家的活动，适用于形式上和内容上从事改变产品、市场、城市、服务机构、公众舆论、法律等等，而经受压力的集团的活动。
二、艺术是什么？
关于艺术，希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。
在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。
中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。
在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。
绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科（LiberalArts）之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。
由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术（FineArts）的概念，以别于应用艺术。
人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。
三、艺术与设计的关系
康德认为美有两种，即自由美和依存美，后者含有对象的合乎目的性。
对康德而言，合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。
设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。
这种实用化求美不是“化妆”，而是以专用的设计和语言进行创造。
如工业设计常称为工业艺术（IndustrialArt），广告设计被称为广告艺术（AdvertisingArt）,等等。
设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。
设计的草图或模型，本身就可能具备独立的审美价值。
不可否认，很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。
包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。
康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。
荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响，反之亦然。
如果我们接受这一事实，艺术与设计截然区别便不复存在了。
现代建筑是一种艺术形式，工业制成品也是艺术，至少部分是艺术。
在近现代，设计与艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念，而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机。
从古至今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来，半坡彩陶文化的人面鱼纹湓，彩陶中的小口尖底彩陶瓶，所以为尖底，是为了便于在土坑中固定使用，瓶的两耳位置适当，可用绳系住，口部也结一根绳，以利于提起时掌握重心，便于汲水和倒水，瓶上是红底黑色的螺旋纹，瓶底上绘以各种图案，使使用与美观统一于一体。
1968年艾伦·
琼斯设计了一张茶几，波普风格，在下面起支撑作用的是一个极为逼真的跪着的半裸女雕像，用她的脊椎托着玻璃台面，这样的造型与设计观念令正统设计师们非常吃惊，裸女是雕像，彩塑的极为逼真，极富调侃和戏谑的趣味。
各种造型，既有各自的功能，又有各自的美感。
不同的设计门类体现着各自的不同的艺术特点，不同的美感。
1950年代，丹麦的建筑及设计师雅各布森设计的“蚁”椅、“天鹅”椅和“蛋”椅这三大名椅，体现出来的是一种由刻板的功能主义转变成细节的精练和经推敲的整体性和雕塑感。
这种设计就孕育着现代有机雕塑艺术。
考察现代设计发生和发展的历史背景，艺术的变革以一种激进的方式影响了许多设计领域，艺术的发展与设计的发展并行不悖，二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式。
本世纪初，艺术的抽象形式，尤其是几何形式直接影响了设计的现代化，而设计的探索又同时影响了艺术形式，二者的合力诞生了机器美学，包豪斯典型地代表了艺术推动设计，艺术与设计结合的成就。
艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。
“现代主义之父”威廉·
莫里斯是个典型例子。
设计师关注艺术，投入艺术研究，也推动设计进步。
以包豪斯的学生和老师的布鲁尔为例，1920年他进入魏玛包豪斯学习，师从艺术家伊顿和康定斯基，学习色彩和形体理论，接受了相关的训练，为他后来的家具设计奠定了良好的基础。
设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。
艺术家包括导演、演员、编剧、音乐家、舞蹈家、制片和舞台美术家通力合作，能够制作出许多优秀的电影、电视剧和广告等，这是艺术与设计合作的结果。
四、设计与艺术的关系应避免的问题
设计与艺术的关系需要避免为艺术而设计的倾向，否认设计的科学技术和经济特征，把设计只作为纯艺术的一个品种，这样，设计就成了纸上谈兵，科学、技术、生产、流通、消费、材料等均成了无关的概念。
同时还需要避免为技术和设计，否认物质产品的精神功能，否认设计的艺术特征，把设计作为纯科学技术的一个行业，这样非常明显地导致设计的纯技术观点，素描、色彩、图案、构成等都成了摆设，艺术思想、艺术技巧、艺术风格和艺术传统，都变成了无聊的言词。
最后，艺术与设计的关系，是一种联系，两者不是孤立的、静止的。
设计只被当作民族民间工艺美术传统图案，艺术仍是苏联式的素描和水彩，尤其是设计在学习和发扬光大的时候，不可能只注重传统或只专注国外的文化，还需要注重设计的本土化和现代化的发展。
后现代主义设计的概念首先出现在于建筑领域。
美国建筑家、理论家罗伯特·
文丘里（Robert
Venturi）最早明确提出了反现代主义的设计思想。
1966年，他在《建筑的复杂性与矛盾性》一书中，首先肯定了现代主义是对人类文明进程的伟大贡献，同时他又提出现代主义已经完成了它在特定时期的历史使命，国际主义丑陋、平庸。
千篇一律的风格，已经限制了设计师的才能的发挥，并导致了欣赏趣味的单调乏味。
他相信，现代主义已经过时了，现代主义大师们所创造的辉煌变革已经成为新的桎梏。
文丘里的这本书堪称是一本反对国际主义风格和现代主义最早的思想的宣言。
在这本书里，他鼓吹一种杂乱的、复杂的、含混的、折衷的、象征主义和立时主义的建筑设计观。
1972年，文丘里在《向拉斯维加斯学习》这本书中，对含混的风格表达表现出更为明晰的偏好，文丘里提出的传统和混乱的审美趣味是后现代主义设计风格形成的雏形。
1977年，美国建筑评论家詹克斯（Charles
Jencks）出版了一本书，书名是《后现代主义建筑语言》。
在这本书中，詹克斯为了使后现代派有更加明确的概念，归纳出六方面表现形式：
１．历史主义与新折衷主义。
例如，霍拉因设计的维也纳奥地利旅馆。
（上图）
２．复古式变形装饰。
例如希古拉斯所建的市政厅则是用的变形的哥特式建筑风格。
３．新乡土。
例如迪克逊设计的伦敦圣马克路住宅区。
４．个性化+都市化＝文脉主义。
如罗西在1979年建造的威尼斯水上剧院。
（下图）
５．隐喻和玄学。
如泰格曼设计的伊利诺州海兰公园内的兽舍就有象征之意。
６．复杂与含混的空间。
例如加州圣克鲁斯城的克里斯基学院。
另一为后现代主义的发言人斯特恩（Robert
Stern）把后现代主义主要特征归结为三点：
即文脉主义、隐喻主义和装饰主义。
他强调建筑历史的文化内涵、建筑与环境的关系建筑的象征性，并把装饰作为建筑不可分割的部分。
总之，后现代主义的手法是把建筑只是看作面的组合。
是片断构建的编织、而不是追求某种抽象形体。
在他们的作品中往往可以看到建筑造型表现各部件或平面片断的拼凑、有意夸张结合的裂缝。
总的认为，它以双重译码为其设计标准，既要反映传统文化特色，又要具有时代性；
既要使建筑师表现个性，又要为群众喜闻乐见。
从后现代本身来看，各种表现可以归结为一点，即詹克斯所认为的“激进的折衷主义”它使艺术逐渐地回潮到90年前的某些意趣，或对手法主义重感兴趣，是重形式的浪漫主义思潮的一种反映。
当我被上帝造出来时，上帝问我想在人间当一个怎样的人，我不假思索的说，我要做一个伟大的世人皆知的人。
于是，我降临在了人间。
我出生在一个官僚知识分子之家，父亲在朝中做官，精读诗书，母亲知书答礼，温柔体贴，父母给我去了一个好听的名字：
李清照。
小时侯，受父母影响的我饱读诗书，聪明伶俐，在朝中享有“神童”的称号。
小时候的我天真活泼，才思敏捷，小河畔，花丛边撒满了我的诗我的笑，无可置疑，小时侯的我快乐无虑。
“兴尽晚回舟，误入藕花深处。
争渡，争渡，惊起一滩鸥鹭。
”青春的我如同一只小鸟，自由自在，没有约束，少女纯净的心灵常在朝阳小，流水也被自然洗礼，纤细的手指拈一束花，轻抛入水，随波荡漾，发髻上沾着晶莹的露水，双脚任水流轻抚。
身影轻飘而过，留下一阵清风。
可是晚年的我却生活在一片黑暗之中，家庭的衰败，社会的改变，消磨着我那柔弱的心。
我几乎对生活绝望，每天在痛苦中消磨时光，一切都好象是灰暗的。
“寻寻觅觅冷冷清清凄凄惨惨戚戚”这千古叠词句就是我当时心情的写照。
最后，香消玉殒，我在痛苦和哀怨中凄凉的死去。
在天堂里，我又见到了上帝。
上帝问我过的怎么样，我摇摇头又点点头，我的一生有欢乐也有坎坷，有笑声也有泪水，有鼎盛也有衰落。
我始终无法客观的评价我的一生。
我原以为做一个着名的人，一生应该是被欢乐荣誉所包围，可我发现我错了。
于是在下一轮回中，我选择做一个平凡的人。
我来到人间，我是一个平凡的人，我既不着名也不出众，但我拥有一切的幸福：
我有温馨的家，我有可亲可爱的同学和老师，我每天平凡而快乐的活着，这就够了。
天儿蓝蓝风儿轻轻，暖和的春风带着春的气息吹进明亮的教室，我坐在教室的窗前，望着我拥有的一切，我甜甜的笑了。
我拿起手中的笔，不禁想起曾经作诗的李清照，我虽然没有横溢的才华，但我还是拿起手中的笔，用最朴实的语言，写下了一时的感受：
人生并不总是完美的，每个人都会有不如意的地方。
这就需要我们静下心来阅读自己的人生，体会其中无尽的快乐和与众不同。
“富不读书富不久，穷不读书终究穷。
”为什么从古到今都那么看重有学识之人？
那是因为有学识之人可以为社会做出更大的贡献。
那时因为读书能给人带来快乐。
自从看了《丑小鸭》这篇童话之后，我变了，变得开朗起来，变得乐意同别人交往，变得自信了……因为我知道：
即使现在我是只“丑小鸭”，但只要有自信，总有一天我会变成“白天鹅”的，而且会是一只世界上最美丽的“白天鹅”……
我读完了这篇美丽的童话故事，深深被丑小鸭的自信和乐观所折服，并把故事讲给了外婆听，外婆也对童话带给我们的深刻道理而惊讶不已。
还吵着闹着多看几本名着。
于是我给外婆又买了几本名着故事，她起先自己读
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