剧情短片的拍摄步骤.docx

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剧情短片的拍摄步骤

《剧情短片的拍摄步骤》

拍DV短片前看了这篇，觉得说的蛮好的，就复制粘贴给大家分享相下：

说到拍摄的步骤，相对来讲，剧情片可能更有迹可循，因为纪录片和实验片的即兴成分终究多了一些，很难说得明晰。

当然，有些作者在“个人实验”阶段已经形成了自己的拍摄步骤和方法，那就完全不必听我的了。

所以，我仅就剧情短片的一般拍摄步骤做些简单的介绍。

之一：

准备阶段 

电影厂和商业化操作的惯例是，把简单的问题复杂化；而我们拍摄个人短片，却恰恰相反，完全不用脱裤子放屁。

产业化的剧组如果要“筹备”一部电影，那就要经过剧本创作、资金准备、制定计划、挑演员、选场景、分镜头、试片等等步骤。

可是，在拍摄个人短片作品的“准备阶段”，那些繁复而刻板的环节都可以一一省略，甚至只有“准备”这一个步骤，并且你还可以按照自己的方式去做，既省时又省力。

可以没有剧本 

就一个剧情片而言，无论它是长片还是短片，剧作都是非常重要的。

首先，要分清楚“剧本”和“剧作”——这两个不同的概念。

在创作中，可以没有剧本，但没有一个剧情片是可以没有剧作的。

作为叙事艺术的一种——剧情片（故事电影）完成叙事任务有两个途径：

剧作是其中之一，而另一个则是视听语言。

剧作的各个元素都是用来叙事的，而电影叙事必须“看得见”和“听得见”，所以，也可以说，在很多时候，电影剧作和视听方案其实就是同一回事。

于是，有人提出，故事电影的三要素：

第一是剧作，第二是剧作，第三还是剧作，剧作贯穿了故事电影的各个环节——这种说法也是有一定道理的。

剧作诞生在你的头脑里，而剧本就是最早用来记录剧作内容的“备忘录”，之后是分镜头本、工作台本，然后就是以视听形式存在的素材，再就是剪辑台上的完成片。

所以，尤其是个人的短片作品，在其准备阶段，跳过剧本这个环节，也是完全可以的。

那些很在乎剧本的“大制作”，只是为了应付制片人的监督，以及让庞大的剧组中的成员都能了解到拍摄的内容而已。

穿着裤子放屁 

你可以一边剧作，一边看场景、选演员，并把场地和演员的实际情况结合到片子中去，同时形成一场一场的“戏”，并不断地在脑子里“放小电影”。

如果，你把脑子里的“小电影”记录下来的话，那就是分镜头本或者工作台本了。

其实就是这么简单，等你脑子里的“小电影”慢慢地连贯起来，完整起来的时候，你的准备阶段也就差不多结束了。

你的案头上已经有了完整的台本或者分镜头本，甚至你已经挑好了演员和场地，甚至你在看景的时候，已经试过了一些机位，录过了一些声音…… 

如果，你觉得自己还不够全面或者有些事情一个人应付不过来的话，那就还可以再找一些专业上可以帮助自己的人，比如，摄影、录音、美工等等。

我的意见是，人越少越有利于拍摄。

有些电影学院的学生特别地愚蠢，拍个短片非要按照“大剧组”的方式来分工，仅仅一个摄影部门就要三、四口人，导演部门居然还要设立场记……一个小短片，一大帮人子人来凑，除了在现场引起围观，拍完了在饭馆里吃吃喝喝比较热闹以外，实在是没有其他的好处了！

等把一些合作者都定下来了，并且已经有了台本或者分镜头本，那么，你只需要再制定一个拍摄计划就行了。

这个计划的制定一般由几方面的因素来决定：

你的时间安排、演员或者其他工作人员的时间安排、场地使用时间的限制、剧作对拍摄时间的要求、拍摄的难度…… 

短片，不需要搞笑的场景表和场记单！

需要了解 

你在选场景的时候，最好选那些利于拍摄的、周遍没有噪音干扰的、光照条件好一些的、并且造型上有些特点的环境。

看景的时候，最好把DV机也带去，从镜头里观察场景和用肉眼看是有所区别的；如果你能把麦克风和耳机也带去，那就更好了。

在和演员接触的过程中，你最好能多了解一些他们的特长，比如谁会变魔术、谁会翻筋斗、谁会乐器等等，这些特点在片子里都是可以用的，甚至片子也可以因为这些人物的特点而做出重大的改变。

还有一点你要注意的是，不管是谁，你都要和他们多交流，多讨论，让别人能多了解你的想法，你也能多了解别人的想法。

最好逢人就把你的故事复述一遍，这样既锻炼了你的叙述表达能力，而且容易找到剧作的缺陷。

短片和“短的长片” 

一般来讲，剧情短片对内容的要求就是，能够在越短的时间内，把事情说明白、说精彩，那就越好。

故事可以非常简单，但创意要与众不同、要新鲜。

对于短片，我个人比较主张的方式是，人物不用很多，人物关系不必太复杂，时间跨度不要太大，场景变化不必刻意地多，故事只要有一个或者两个转折点就可以了。

如果，能把人物刻画好，故事讲明白、讲精彩，能够把你讲故事的目的向观众表露彻底，那就很好了。

我觉得，最不好的短片，就是那种“短的长片”，不着力于创意、叙事和人物，而一味地“求大”，把一个100分钟长片的容量，压缩到30分钟以下的短片里来“说”，这样做，无论对长片或者短片，都是一种损害，因为你使用了错误的方式，浪费了题材。

之二：

拍摄阶段 

“大”的摄制组，最热衷的就是这个阶段了。

因为在这个阶段里，参与的人员最多，拍摄的乐子最多，片商花的钱最多，人们挣到的钱也最多，围观的“目击者”也最多，消耗的时间也最多…… 

居然能够拥有这么多的“最”和拥有这么多的“多”，自然，这个阶段肯定是最荒唐的，毛病肯定是最要命的喽！

1、2、3、4、5、6、7…… 

有一次，一个电视剧组在一幢商用楼的走廊里拍戏，内容很简单，就是拍女演员奔逃的 

过程，实在是没有什么难度的。

可是，在那条宽不过两米的走廊里，竟然人头攒动，状如赶集，就让我们来数一数，在走廊里，究竟出现了那些人员吧？

其中有，一个导演、一个副导演、一个场记、一个摄像师、两个摄像助理（一个是跟焦员兼机械员，另一个负责跟线）、两个灯光助理（灯光师傅睡觉去了）、一个录音师、一个话筒员、一个化妆师、一个化妆助理（随身带了几张吸汗纸）、一个服装助理（帮女演员翻翻衣领子而已）、一个现场制片（催场的“干活”，使用频率最高的一个字是：

快！

）、一个现场道具（他的工作就是，一遍遍地帮女演员捡回高跟鞋）、两个场工（一个提饮水机，一个搬折叠椅和监视器）。

1、2、3、4、5、6、7……天啊！

现场居然有十七名工作人员，再加上那位女演员，正好凑齐一支足球队的18人大名单。

而由他们搬来的各种设备，更是多不胜数，就是这样的一群人，呼呼呼地来，又呼呼呼地去，真比搬家还热闹十倍。

难怪副导演要在开机前，大叫：

安静…… 

假如你来拍这场戏 

我想，你应该比他们聪明无数倍，“专业”无数倍。

“大”剧组那种又蠢又笨的工作方式，在你这里，终于可以寿终正寝了！

一台DV机、一些大功率的家用灯泡、一支麦克风、一个录音师、一个演员和一个你，最多再有一到两个帮手就完全足够了！

在拍摄之前，你已经把镜头分好了，拍摄顺序也计划好了，所以，你根本没必要临场慌乱。

而DV机是那么地小，现场的工作人员又那么地少，拍摄内容又是那么地简单，你和你朋友们完全可以做到：

轻轻地前来，悄悄地离去。

商用楼可能是你的朋友无偿借用给你的，那你就更应该懂得“夹起尾巴”拍片的道理，尽量不去影响别人的正常工作，更不要在现场“作秀”。

你必须明白，对别人来讲，你们的拍摄行为是非正常的，具有侵犯性的。

我曾经看到过，某个电影学院的学生“剧组”借用别人的四合院拍作业，又吵又闹不说，做制片的同学竟然还和住户们大谈什么剧组是“人间三大害”之类的奇怪话题！

我想，这样的情况，绝对不应该在你的拍摄中出现，因为，你要的是拍摄结果，绝不是“风风光光”的过程。

副导演可以不要 

首先，你完全不需要副导演来处理表演问题。

拍摄前，你已经和演员有了充分的沟通，大家都很清楚，这场戏要干什么。

而在拍摄的过程中，如果表演有什么问题，你也能够敏锐地发觉，并且提出来。

况且，其他工作人员和演员也会向你提出更多更好的建议和要求来。

你也不需要副导演来问：

“各部门都准备好了吗？

”因为，所有的人员都在你的面前，而且他们和你都全神贯注于拍摄本身，如果再这样问，不是显得很滑稽吗？

“5、4、3……”——这是副导演的另一句口头禅，现在也让它见鬼去吧。

因为，你只需要在拍摄前，和大家打个招呼，然后轻轻摁下录制钮，让带子走上几秒钟，演员就可以开始表演了。

——瞧，这样有多轻松，还节省了时间和你的口水。

在现场，你比较需要的是类似于制片的帮手，他可以帮你处理拍摄以外的一切事情，减少干扰，让大家都能够集中精力于工作本身。

场记也可以去见鬼了 

场记的存在，只有一个目的：

让后期制作变得更有效率。

但是，如果仅仅是拍摄一部个人的短片作品，那就不再需要场记来填场记单，打场板，记台词，并且由他专门来负责管理录象带了。

为了确保后期的效率，你只需要保证摄象机上的时码不乱，并且在拍摄的同时，随手记录一下内容和时码就可以了（也可以让别人帮忙记，但，绝对不需要专设场记）。

场记单、场记板，都可以不要，仅仅因为制作它们，就要花太多的冤枉钱！

台词，也不需要去傻记了，因为我们用的是同期声！

最后就是保管录象带的事情，那些录象带，尤其是刚拍完的素材带，都是你用一腔热 

血换来的，怎么会随便乱扔呢？

你一定会象保护自己的眼睛一样，去尽力保护它们的！

所以，也不需要别人来帮你保管！

你就是摄影师 

在“大”剧组里，很多所谓的摄影师已经退化到只会开机和关机的地步了。

“好一些”的，最多也只会象照相馆的师傅一样，给演员修修光，再观察一下演员的哪个角度拍起来好看一点，仅此而已。

灯位是由灯光老师傅（“灯爷”）来设计的，摄象机以及一切配件是由机械员来负责的，控制焦点还有跟焦员，摄像带由场记“看管”，移动摄影有专门的Steadicam摄影师或者由摄助推轨道车来实现。

而在一般的电视剧里，除了正反拍以外，最多就是“头上”和“尾巴”上的两个大景别，可能“中间”再插上那么几个，以此来调节所谓“节奏”，这就是所谓的视觉语言，就这么简单了！

于是，摄影师的工作变成了最简易的劳动，只剩下了开机和关机，以及照相馆里的人像摄影了。

在这个时候，DV出现了，它把创作的权利又重新交还给了持摄象机的你，它就是你用来谱写视觉语言的笔。

景别的大小、光调的确定、运动还是固定、焦距的长短、色彩的设计、拍摄的角度……都由你说了算，你是“影片”的负责人。

作为一名独立制作者，我希望，你在一开始就掌握所有视觉语言的内容，不要只会开关机，或者总是去依赖别人。

“灯爷”可以下岗了 

“灯爷”是电影技术革命以后，莫名其妙残留下来的老古董。

50年代，苏联电影专家给梅兰芳大师拍摄记录片的时候，要用几盏10K以上的聚光灯，才能让胶片正常感光，拍得梅大师和现场的工作人员热汗直流。

可是，刚到70年代末，《天堂的岁月》里，就已经能用高感胶片记录下被篝火照亮的人脸影像了！

随着电子影像技术越来越普及化，灯光技术变得越来越容易掌握，如果仅仅只满足感光的要求，那是非常轻易就能做到的。

在今天，拍摄数字影像，就完全没有必要用几盏1.2K以上的聚光灯，把走廊或者房间打得“满堂亮”了！

一方面，是因为数字影像对低照度拍摄的要求不是很高，另一方面，是因为“满堂亮”违背了起码的生活经验——无论是走廊还是房间，一般都是一个有明有暗的空间，有受光面，也会有光线的死角，最好不要用高功率的电影灯把空间的质感破坏掉。

为了保证起码的照度，可以用几个大功率的灯泡来提高景物亮度，如果嫌光质过硬，那用几个纸灯罩就能够解决柔光的问题了。

另外，将现场的现有光源替换成大功率的灯泡，这也是一种保证基本照度的方法