油画入门基础.docx
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油画入门基础
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（一）
1．油画产生之前欧洲绘画经历了几个阶段？
本世纪30年代巴金先生与朱光潜先生曾就达·芬奇《最后的晚餐》是不是油画在报刊上进行过激烈的交锋。
朱光潜先生认为是油画，
而巴金先生说：
“那时根本就没有现代的油画颜料”。
由于欧洲绘画传入中国时已发展到近代油画阶段，因此，不少人常有一个误解
，认为西方绘画都是油画。
在西方特别是在古代欧洲，油画不是从来就有的。
真正的油画产生，至今不过500年的历史，而此前欧洲曾经历了古代胶彩画、蜡彩
画、镶嵌画、湿壁画、干壁画、坦培拉绘画以及坦培拉与油画混合技法的漫长历史变迁。
16世纪以后现代意义的油画逐步发展成熟。
自古以来欧洲绘画多采用动物胶和植物胶。
鸡蛋作为一种蛋白胶，在古希腊、古罗马时代被广泛应用。
最初的蛋彩是通过在蛋黄中掺
入糖、蜜或无花果汁增加粘性。
古代的蜡画主要是用火将蜂蜡熔化、调入颜料趁热画到墙壁或木板上的，可多层重叠，凝固后亦能刮
磨修改，最后还可以打磨抛光。
镶嵌画盛行于东罗马的拜占庭帝国，是用有色石子、陶片、珐琅片和玻璃拼装而成的，多用于装饰教
堂。
湿壁画是预先用石灰混沙准备出一块一次可以画完的墙面，趁灰层未干着色，颜料渗入石灰中，干燥后形成坚固的碳酸钙表面，
利于色彩的长久附着。
干壁画则是在干透的灰泥底上着色，公元4世纪到13世纪即中世纪，留存的壁画基本上是干壁画。
《最后的晚
餐》既非油画，也非干壁画、湿壁画。
达·芬奇使用一种加了油的乳液胶调和颜料，其技法属于13世纪始盛行于意大利的坦培拉技法
体系。
坦培拉在西方绘画史上是一个特殊而影响广泛的画种。
后来虽然出现了油画，但仍以坦培拉材料作为底层塑造，再以油画透明
法罩染。
2．油画的发明者是谁？
古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：
颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔
和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。
鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画
面的办法。
而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画
亦非油画的技法。
达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画。
达·芬奇对油性颜料进行过多次研究运用，但技术不够成熟，致
使许多作品没能留存下来。
那么，油画的发明者是谁？
单纯用油做绘画媒剂，在拜占庭时代就有人试验过。
据记载，这种画放在烈日下曝晒数月仍不会干燥。
1200年，僧侣西奥费尔·鲁济
罗斯写了有关油画的论文《多样化的艺术形式》，在这篇论文中，他介绍了亚麻仁油和阿拉伯树脂的使用方法。
13世纪末在英伦三岛
出现过类似油画的绘画。
14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟（杨·凡·爱克及其兄胡伯特·凡·爱克）找到了一种简便的用
油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。
美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上
找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。
不少专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。
杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》（现藏于比利时根特城的圣·巴冯教堂，由23幅画组成
。
）被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。
凡·爱克兄弟发明的调油技术，据说是用一种“白布鲁日光油”和亚麻仁油混合在一起
作画，用它们调和他在坦培拉绘画中使用过的颜料，发现效果很好。
（一些研究者认为，“白布鲁日光油”是精馏松节油，现在我们
仍使用松节油稀释油画颜料。
）意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛·达·梅西纳（AntonueuoDeMessina1430-1479）
据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲
大陆流行开来。
几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。
3．架上油画是如何产生的以及它的优越性是什么？
在欧洲，架上绘画是应宗教活动及商业需求而兴起的。
中世纪的羊皮纸画和木板上的圣龛画可谓早期的架上绘画。
15世纪油画颜料在
架上绘画中得以广泛使用，从而产生了架上油画。
当时尼德兰（指现在的荷兰、比利时、卢森堡以及法国的东北部）画在羊皮纸上的
细密画和独幅木板画已相当盛行。
在木框上绷装画布进行绘画是16世纪威尼斯画派兴起后被大量采用的。
早期使用的画布是帆布，之
后才有了亚麻布。
在意大利等国，圣徒们就是抬着紧绷在木框上的宗教题材的亚麻布油画从事宗教活动的。
布面油画在表现能力、色层弹性、永久保存等方面均超过了水彩画、蛋胶画、湿壁画以及色粉笔画。
就技术而言，油画的优越性表现为：
具有可塑性的膏状油画颜料为画家带来了灵活多变、广泛自由的绘画空间。
而且除画笔之外，画家可用刮刀等多种工具作画。
画家能
够在同一画面的全部范围内使透明与不透明的效果并存。
油性颜料干燥慢，画家可反复涂改画面，并能在画面上直接调色、运色。
油画色彩光亮，利于物象质感的刻画，能够充分表达物象复杂的色调层次，具有透明、浑厚而丰富的优越效果。
可用不同的调色剂控制颜色干燥时间，可运用色层的厚薄对比、笔触的变化产生丰富的画面肌理，或在有肌理的表面上作画，或在颜
料中加颗粒状物质表现特质物体。
油画颜料有较强的遮盖力和可塑性。
可以一次性完成，也可以多层覆盖，色层不会脱落。
油层干后坚实耐久、色彩光亮，颜料在干燥
过程中没有任何变化。
可绘制大型布面油画，易运输、易装饰、易收藏、易保存、易清洁。
4．油画的局限性表现在哪些方面？
油画虽然在欧洲绘画中占主导地位，但不足之处显而易见。
比如：
时间过长，保存不善会变暗、变黄、龟裂、脆化、粉化等。
发黄变暗的原因在于颜料中油的成分以及调色油、上光油的使用。
无论使用的油质如何精制，都不能改变油层在空气氧化过程中发黄
变暗的可能性。
使用上光油来阻隔空气与色层油膜的接触，待光油变黄后将其洗掉重新上光是目前较为实用的改善油画发黄变暗的方
法。
为防止油画过早变黄，采用优质的颜料、调和剂、上光油是很有必要的；同时要在油画干燥期间，把作品放于明亮干燥的地方；
切忌在日光下曝晒和放置在黑暗、潮湿的地方；否则，也会使画面变黄。
表面龟裂的原因也是多方面的。
比如底子缺乏韧性；底层含油量大大超过表层；吸油量高的颜料（如煤黑）与含油量低的颜料（如锌
白）调在一起画得遍数过多；硬树脂等易龟裂材料的使用；干燥剂使用过多；气候的剧烈变化；挤压等外因。
反光也是透明、有光泽的油画的相应不足。
在一定光线角度下，流动的光影给欣赏者带来诸多不便，同时画家作画时不得不为避开反
光而调整画面角度。
亚光颜料和亚光油的使用又会使得画面缺少“湿润感”，而且易使色层变脆、粉化。
油画要求画家必须按照一定的规则和程序作画，否则会出现画面吸油的问题，这会在一定程度上限制画家的作画激情。
此外，油画的保存与运输都需要适当的条件和设备。
与中国画相比，油画在这方面有明显的弊端。
5．油画是怎样分类的？
一般意义上的油画分为三类：
人物画、风景画和静物画。
（1）人物画是把生活中具体的人作为表现对象，揭示具体人物的性格特征和社会生活风貌。
欧洲的宗教题材作品都是以人物为描绘
对象。
圣母、基督等形象都来源于生活中的人物形象。
15世纪，油性颜料的兴起，使画家能够更准确，更生动地表现人物皮肤和服饰
的特质与光线和环境气氛的细微差别。
贝里尼、达·芬奇、拉斐尔、提香等绘画大师的人物画作品，其真实感如见其人。
17世纪的人
物画，其形象更为自然、逼真、富有魅力。
18世纪人物画技法更为娴熟。
19世纪到20世纪，人物画的风格出现多样化。
人物画又可分为肖像画、风俗画、历史画和军事画。
①肖像画包括头像、胸像、半身像、单人像、双人像和群体像等。
就性质而言，肖像画又分为纪念性人物肖像、盛装人物肖像、生活
人物肖像、自画像等。
自画像是众多画家惯用的题材。
荷兰肖像画巨匠伦勃朗一生以肖像画作为自己艺术活动的主要目标，并且作了
大约七十余幅自画像。
③风俗画是以表现社会生活、风土人情为题材的绘画作品。
风俗画多取材于现实生活，最容易引起大众的共鸣。
如法国米勒的《拾穗
》、《晚钟》等。
③历史画主要表现人类社会发展中有意义的事件，其中包括神话传说、历史故事以及现代生活中有意义的事件。
如董希文的《开国大
典》、达维特的《马拉之死》。
④军事画是以表现战争为主题的作品。
如西班牙画家委拉斯开兹的《布列达之降》。
（2）风景画作为一种独立体裁是17世纪荷兰画家始创的。
在此之前，景物的描写多以人物画的背景出现。
油画风景的发展大体经历
了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征性风景等几个阶段。
法国画家柯罗、库尔贝，俄国画家列维坦均是优秀
的风景画家。
（3）静物画多取材于日常用具、花卉、水果、食品以及猎获物等。
画家以物写情，通过对静物的描绘反映生活气息和时代特点。
最
早可以归入静物画范畴的绘画出现于罗马的庞贝时期，而作为独立画种始于17世纪的荷兰画派。
艺术史上，对静画的发展产生过重大
影响的画家有：
卡拉瓦乔、柯尔内斯、夏尔丹、马奈、塞尚等。
6．油画的材质美感体现在哪些方面？
油画是一种其它艺术形式无法替代的特殊艺术语言。
特殊的品性和纯粹的意味，使它为人类视觉艺术的发展作出了不可磨灭的贡献。
油画的独特魅力首先体现在它的材质上。
它冲出了湿壁画、坦培拉、蛋胶画等材料与制作上的局限性，在调色媒介的辅助下，通过优
越材质的多层重叠及罩染产生出丰富的明暗层次和细微色彩变化，达到再现自然的目的。
油画的材质美主要表现在色层和肌理两大方
面。
（1）色层之美
色层美是指多次画法的油画中所具有的透明与不透明特性相互作用产生的综合层次美感，是油画色层固有的秩序与准则。
它不像摄影
作品靠明暗和色点颗粒记录自然的层次变化，而是靠丰富的色阶和透明的反复罩染产生千差万别的层次效果和画面美感。
它是一种技
法的结果。
通过丰富的色层变化，对象的质感、体积、量感魔幻般地呈现出来。
同时，在再现物象和技法制作上充满了美的韵律。
早期的油画依靠底层的单色表现形体结构和明暗层次，表层以透明色揭示物象的固有色倾向。
后来，油画发展为有序的塑造与有序的
透明罩染相结合产生色层上透明、形色上和谐的美感效果，使油画的材质美发挥出永久的魅力。
（2）肌理之美
肌理美是指由油画特殊材质呈现的突出于画面的立体纹理产生的美感，表现为运笔过程中产生的颜料厚薄堆积。
有什么样的制作和塑
造，便有什么样的肌理。
因此，肌理在油画中是不可回避的。
肌理在油画发展的各个阶段有不同的表现。
古典时期是一种没有起伏的肌理，笔触的厚薄差异极小，肌理美在一种微妙、含蓄的变化
中体现出来。
随着油画技法的变革，肌理美开始成为绘画中的生命自觉。
狂放洒脱的笔触、凝重有力的色彩起伏形成一种震撼人心的
力量，肌理美逐渐成为人们抒发内心情感最恰当的视觉形式。
7．油画的审美价值体现在哪些方面？
油画是人类历史留给我们的一份珍贵遗产，它以独具的魅力使得人类的视觉和精神世界大大丰富，也使人们的艺术审美与思想境界获
得巨大的启迪。
油画在再现自然美以及理想美、形式美的探索上达到了前所未有的审美境界。
（1）再现自然美
人类是在对自然的不断认识和交流中进步和发展的，作为人的意识形态的艺术更是与自然有着千丝万缕的联系。
绘画再现自然的能力
是伴随着人类文明和科技的发展逐渐完善的。
油画的出现将整个绘画史在再现自然的深度上推进了一大步。
油画创造三维空间幻觉的
能力和表现自然对象的真实程度以及丰富、深入程度都大大超越了其它画种，画家们利用高超的油画技巧有力地创造出自然之美以及
人的精神之美。
（2）理想之美、形式之美
艺术中的理想美是对自然美提炼、规范后建立的一种符合人们主观愿望的美。
理想美的规范化表现形式即是形式美。
在油画中再现自
然和追寻理想美是同时并进的。
古典油画注重现实与理想的分寸把握，是人类唯美情怀的标准化反映，它讲究匀称的比例、流畅的线
条、圆润的形状、和谐的色彩、典雅的情调。
同时，理想美也是随着时代的变迁和艺术家个性的差异而变化的。
除了程式化的美，还
有巴洛克风格豪放艳丽的理想美，亦有简朴、厚重的自然之美。
理想美的追求带来了形式美的开掘。
油画发展后期主要以形式美的探
索为目的，油画技法的改进使形式的变革多姿多彩，从而使油画作品面貌纷呈。
8．油画有哪些基本要素？
油画属于视觉艺术，构成油画作品最基本的视觉要素有形体、线条、明暗、质感、空间与色彩。
一幅成功的油画依赖于画家对构成油
画最基本的视觉要素的全面掌握和熟练运用。
独具匠心的油画作品则是对基本要素中某些要素突出的运用，从而形成了许多油画家独
特的个人风格。
形体是油画最基本的要素，它包含形状和体积两个方面。
形状是指物象外部的空间特征，体积是指物体的三度空间形态。
在描绘客观
物象时，形体具有很强的表现性，要求画家善于把握物象的形态与特征，对物体具有敏锐的视觉反应能力以及深刻的表现能力，能发
现并挖掘隐藏在形体深处的表现价值和审美意味。
线条是油画造型的主要手段，人类最早描绘自然物象就是从线条开始的。
它是绘画艺术中不可取代的视觉要素，变化莫测的线条体现
着画家对生命的情感体验。
垂直挺拔的线条庄严、崇高，有永恒之感；水平线带给人平静、安宁、距离乃至死亡的情感；斜线富有张
力、运动、不安和危险感；曲线则表达飘逸、柔情、浪漫的情绪；十字线静穆而庄重；不规则线条苦涩忧伤、躁动不安。
明暗分黑、白、灰三大调子，它也是绘画最基本的表现手段。
丰富的明暗色调能够把物体的形状、空间和质感生动鲜明地表现出来。
从细致刻划到强烈对比，明暗色调创造出了丰富的视觉画面。
明亮的色调平和而爽朗，灰暗的色调沉重而神秘。
黑白交织体现着画家
的主观情感世界。
质感在写实油画中，是一个非常重要的表现要素，它能在感官上给人以满足和愉悦，能使人产生抚摸的欲求。
正因为质感能对视觉产
生强烈的刺激，从而引起人的兴奋和冲动，所以写实油画一直受到世人的偏爱。
在现代绘画艺术中，质感的观念发生了很大的变化，
不仅是对物象的逼真描绘，同时又是所用材料本身质地的不同表现。
画面的对视性和趣味性丰富了视觉语言，增强了画面本身的精神
性。
空间是绘画艺术在二维画面上产生的视觉纵深度。
画面空间并非现实空间，是对现实空间的摹仿，是画家运用线条、明暗、色彩创造
出来的虚幻空间，是人的视觉情感中产生的距离空间。
大小、高低、虚实、冷暖都能让人产生空间感。
在现代绘画中，画家更多地运
用色彩创造画面空间。
色彩与明暗是不可分割的，明暗关系就是通过色彩明度体现的。
调颜色不能只考虑色彩的明暗，缤纷的世界是由色彩构成的，色彩就
是生命。
然而视觉对色彩的感知因人而异。
一方面有色弱色盲者，另一方面人的主观情感能直接影响视觉对色相、冷暖的敏感度，以
及人对不同色彩的好恶。
主观色彩形成了画家各自不同的色彩面貌。
9．油画需要哪些常备工具？
油画作画方法多样，其工具也有异同。
几百年来油画艺术的历史演变，使绘画工具不断改进。
总体而言，常使用的工具如下：
（1）画箱。
用来装颜料、画笔、调色板及调和剂等绘画材料的一种工具箱。
多为木质，有三条可伸缩开合的腿，用作室内绘画和外
出写生。
（2）画架。
用来固定画幅。
根据画家需要，室内画架可以使画幅上下前后移动；折叠式画架用于野外写生。
画架又可以和画箱或画
桌结合在一起——画箱式画架。
（3）画桌。
室内作画时用来摆放调色板、颜料及其它用具、物品等。
专业画桌具备多种功能，能自由移动和调整高度的为最好。
（4）画凳。
室内画凳可调整高度，外出写生用画凳可折叠。
还有一种能上能下的梯形画凳，用于绘制大型油画。
（5）画伞。
外出写生时专用，可以避雨，也可以阻挡阳光直射。
专用画伞通常带有固定设置。
（6）画笔。
有不同的笔型和大小型号，分动物毛和人造毛两类，用于调色和画面着色。
（7）画刀。
有多种造型。
主要用来调色、作画、刮色、清理画板等。
（8）调色板。
有长方形和椭圆形两种，用于调色及摆置颜料。
（9）油壶。
用来装调色油、松节油等调和剂。
底部装有弹簧片的小油壶可夹在调色板上。
（10）洗笔器。
用于洗刷或搁置带颜色的画笔。
（11）画杖。
又称支腕杖。
作画时用于支撑手臂。
（12）绷布钳。
钳口较宽，绷装画布时专用。
（13）订枪。
用来固定画布，类似订书机。
有大小两种钉型，比普通订书钉略长且坚硬。
（14）小锤和钉子。
用于传统的绷装画布的方法。
有的小锤一端带有磁性，可以吸钉子。
（15）砂纸或浮石。
作底子时用来打磨画布。
（16）木炭、铅笔和橡皮。
用来起画稿。
（17）画板。
用于素描写生或创作。
（18）报纸或布头。
用来擦笔或擦画刀。
布头还有擦拭画面的特殊用途。
（19）电动搅拌器。
用来制作底料或胶液。
（20）板刷和刮板。
用来作画布底子。
（21）加热器。
制作胶液或调和剂时用来加热。
（22）大理石板和研磨杵。
用于研磨油画颜料。
（23）镜子。
从镜子中反观画面，可以发现造型上的错误。
缩小镜便于观察整体效果，黑片镜用于观察黑白关系。
此外，烧杯、瓶子、金属盒、金属罐等各种容器，以及尺子、剪刀、钳子、胶带、夹子、天平、铜臼、电吹风、喷枪等都能派上用场
。
10．欧洲绘画大师的工作室是怎样的？
欧洲绘画大师的工作室是个什么样子呢？
当然，我们可以从他们的作品中获取一些印象。
他们的工作室都比较大。
委拉斯开兹的工作
室约六米高、五米宽、十米长。
他的门徒戴尔、梅佐创作的《委拉斯开兹的家庭》是以这位大师的画室为背景的。
委拉斯开兹的《纺
织女》《宫娥》也同样是把自己的画室稍作结构上的改变之后描绘在作品中。
他的大画室里有一个很小的旁门，里面有水、火炉和用
来研磨颜料的桌子或长凳，各种工具包括装色粉的袋子，盛油、树脂和溶剂的瓶子、容器等，都放在搁板上和橱子里。
作为绘画的创
作场地，委拉斯开兹的工作室是无与伦比的。
19世纪末，画家的画室都类似小型博物馆和沙龙，内部装配着古老的家具、铜质器皿、东方风格的窗帘与纺织品。
在这种“博物馆”
式的工作室里，画家们常常举办招待会，同时出售自己的作品。
无论是写实主义画家还是印象派画家皆利用这种方式来展示并出售自
己的作品。
库尔贝在《画室》这幅画里所展示的就是他工作室内类似招待会的场面如图1；《巴齐耶的工作室》描绘的是19世纪末典
型的画家画室，里面有钢琴、火炉等，宽敞的窗子挂有黑色的窗帘，用来控制光线，还有休息用的顶楼。
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