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何家英学术讲座文档格式.docx

1、东西方绘画本质是一致的,所以我就习惯于把这样的一些本质性的东西,找到它的契合点。如果你能找到它相通的相一致的地方之后,你说还有什么不可以融的呢?还有什么不可以借鉴的呢? 为什么要相融?能不能相融?相融是一个大趋势,对于中西方文化,我们不可避免地已经处在了一个东西文化的漩涡当中。尤其像我们这代人,生下来的教育不是私塾,不是从四书五经念起的,其实我们接受的实际上是一种西方的文化教育,生活习惯其实都很西化。包括人的思想境界、哲学等等其实都很西化的,已经不再是一种封建社会的产物。因此,必然会导致我们的审美理想、审美观念、审美习惯发生一种改变,实际上就改变了我们审美心理,发生了心理的变化。所以我们今天就

2、不会再满足于我们古人给我们提供的样式和审美标准。尽管古人的东西是如此的深奥和伟大。但是作为表现我们今天人的感情的时候,我们就会很不满足。因为这是一个过去式,一个旧的时代的表达方式。 但是我们仍然不会满足于,我们也不可能满足于跟着一个西方的样式,完全跟着西方样式去走。因为我们作为一个中国的有识之士,一个中国人,一个有良心的中国人,我们希望建树我们自己的文化体系。这是矛盾,但是我们的问题恰恰就在这个矛盾当中产生。我们的课题就是要解决这个矛盾。也就是说我们是应该去学习西方,不要很暧昧地或者很保守地搞狭隘民族主义,是应该敞开心胸地把西方优秀的东西我们拿过来。因为西方也提供给人类许许多多的非常灿烂的文化

3、,尤其是在人物画的发展上,西方的绘画给我们提供了非常丰富的参照。但是,问题在于什么呢?在于我们学习西方绘画和接受西方文化的时候,我们会有一个本质的立场问题。 到底西方好不好?西方绘画好不好?到底中国画怎么好?我别光用嘴说,尤其这些叔叔、伯伯、老爷爷、老奶奶、长辈们,很多人不一定学美术的,所以对于西方的美术、中国的美术也未必就特别了解。所以我放一点幻灯片,先放西画的东西,欣赏一下西方的油画作品。 (幻灯片播放) 这些图片不是很精心挑选的,如果精心挑选会挑选地特别地有代表性,这是让我的学生帮助我挑了一点。这是雷米尔的,很朴实很朴实,就是描写平常人的生活,很纯朴,很整体。所以它表现着一种大美,很有意

4、境。实际上美就在我们生活当中,自然当中存在着。这是19世纪画的农民,你看他劳累,劳作之后累的两眼直直的,腿伸着,这些都是现实主义作品。这就带有诗意性的,是罗马尼亚格里高莱斯库的作品。现在我们很少见到,小的时候常见的,见过原作。总之,这个西方的油画,是在人文主义的影响下不断发展的,也就说从文艺复兴之后,更加关注的是什么?是人,是人的自身,是人自身的感情和心性。这是苏联的,很奔放,画的劳动人民,这笔触是很大气的。这还是格里高莱斯库的。格里高莱斯库的作品就是特别有诗意,对我年轻时候就有影响。这是德加的,法国印象派,也是印象派的代表作人物。这油画当中你发现它的笔触是讲究趣味的,尤其你看下面这个是不是类

5、似中国画笔墨的干笔?也就是说后来西方油画发展的时候,它非常注重笔触的趣味,跟我们注重笔墨的趣味是一样的,用笔的价值,那种干的笔,这个很像笔墨趣味,包括头发那种。这张是印象派马奈的,这是在一种杂光情况下的酒吧里。过去我们画画的时候,学素描就是像今天会议室这样的灯光,左边一个灯光右边一个反光,下巴底下一定有影子。我们过去学画,画素描的时候,下巴底是阴影,好象这个阴影切出来了,这个立体感才能出来,现在想想真幼稚。你看马奈这张画,它光线比较杂,它只有一点交界线,淡淡的一走,底下没有阴影,体积什么都在,脸和脖子很整体。所以印象派对人的观察真是入微,它有很多很多的新发现。因此它在审美上,有着很多的新鲜的感

6、觉。我认为印象派作品,使得西方的油画推向了顶峰。在去欧洲的时候,我们会感觉到,很清晰地感觉到,当我们到蓬皮杜那样一个现代艺术中心,没有几个人去看,就像有人要讲现代派的绘画,也不会有这么多人来,道理是一样的,那真是给少数几个人欣赏、服务的地方。但是,有一次我去法国,正展出印象派大展,我们排2个小时才进去,才能看到画展,人山人海,如此的魅力,你光看着那些画就心醉了。它不仅仅是一种内容的问题,印象派很少有重大题材,都是人们的日常生活甚至就是他们的资产阶级生活方式,但是这种美好生活是人们共同向往的,是和谐的,因此人们喜欢看。它的笔触、表达、感觉,那种感性的至真、至美感染着全世界的人。 印象派之后,逐渐

7、地绘画越来越有一种变化。当然还有一些新的流派也是很好的,我不能去否认,包括梵高、高更他们都很好,他们都是印象派大师。再以后的也很好,总之一直到抽象,包括到了现代,我都认为西方的油画,都使西方的古典油画它的品质大大提升,绘画品质大大提升了。其实他们很多的成分是吸收了东方文化,包括中国绘画的一些因素。比如说,印象派的笔触,排列的笔触,其实你看很像中国画,中国山水画那种韵味,那种排列的东西。这是德加的,你看他画人的时候发现的人、发现的角度。刚才那张是劳特雷特的,酒吧的舞女,很奔放。你看她的脸,跟这个脸一样,都使这样,不是我们常规的学生画素描那样。他那个明暗用的是很自由的,所以他们这些绘画的品质大大提

8、升了。你要是到了欧洲,看很多博物馆之后,你会对它的,尤其是文艺复兴之前的油画,你会看腻的。就跟我们看四王的画一样,日本的南画大成,一张张的全是四王类的样式,近景、远景、类似的山包,没有个性,其实是没有知性,没有人真的对自然的发现。老的这种古典画也有它的概念性,但是后来人性的揭示、表现到印象派里面最自由。你看它的形式感,一条条竖道,整个画面的形式非常漂亮,这个脸也是淡淡的。我上大学的时候,一会我给你们看一张我上美院一年级时候画的工笔,那个时候的工笔下巴还有阴影。你看看印象派这种色彩,笔触奔放,真的是一个自由的人,真是美,所以我特别喜欢印象派。开研讨会的时候,理论家虽然给我很高的评价,但是有一点,

9、他们只说我吸收古典油画,其实不尽然,我实在是对西方的各种绘画吸收得太多了,包括抽象绘画,我都会辩证地来吸收,来正确对待。 这个是美国的,这个是古典的油画。这是马奈的,很接近水墨,形式感很强。关键一个在什么?这个画里面关键一个在“浑”,你分得出来这些先生们的腿吗?他的高明之处就在这里,这么大一片画,只有那个小姐可以集中表现出有形的,上面的帽子也是都连在一起,像音乐的音符一样跳动,所以大量的东西浑在一起,画面特别整,关系处理的特别好。这种思路跟我们水墨画的思路是一样的,都是画理啊!都是道理啊!这是素描,这个素描是一张德加的,因为谈到绘画语言借鉴的时候,一定逃不开素描的。还有素描的概念,我待会讲一下

10、。这是我念大学一年级的时候画的,你们看一下,下巴有阴影,它就不是纯粹的工笔画。但是有一点,我画这张的时候,跟文革时期的工笔画有一个区别了。因为那个时期人们把工笔画,画得好象年画,用水彩的办法画脸,是画高光的,留高光的,连老师都留高光。然而那个时候我看古画和西洋的一些好的画,很整,不去注意这些高光,所以这个时候我抛弃了高光,后来就再也没有见过有高光的工笔画了,人们也都改了。刚才看了一些西洋画,西洋画本身是一个专题,时间太短,我们只能浏览一下。还有很多的西洋的绘画,那些代表作都非常地了不起,所以它给我们留下了灿烂的文化,给人类留下了灿烂的文化。但是我们中国工笔画也有过辉煌的历史。我们不妨看几张,跟

11、西洋画还是有所区别的。这是唐代张萱的捣练图,我们的构图方式都与他们不一样,过去唐代的时候,讲收藏,讲玩味,讲把玩,所以都是画这样的长卷,是一种收藏性的把玩的艺术,一点点看,画得很美很朴素。但是你要知道,这个作品的产生,绝不会是抄袭他的古人的作品,他有着强烈的现实性,我们不好说它是现实主义,不用这个词,别什么画现实都叫现实主义。他特别注意他的感受和观众的感受,也就是说我们的好东西创造是来源于我们主张的东西,什么呢?就是中国文化的一种本质的东西,中国绘画一个特别本质的传统:“外师造化,中得心源。”讲究师法自然,已自然为师,特别强调这个。但是当我们一说继承传统的时候,常常继承了一点笔墨,甚至只停留在

12、文人画的笔墨上,停留笔墨上也不是错误,问题在于我们只停留在一种僵死的形式上。人家画什么样式,这个点那个点,这个皴那个皴,你也画这样的,以至于今天画完了还是人家古人的东西。前些年当我们意识到我们对传统的掌握是不足的,靠写生笔墨不行,我们得回归传统,当一回归传统,就直接抄袭传统。你们会看到有些展览会上的有些作品,直接是古人的样式,那叫继承吗?那不叫继承。所以我谈中国的传统当中包括两个传统,一个是以关注自然为核心的一种创造性传统,这是我们的优良传统,本质的。一种是以抄袭古人为能事的惰性传统。这种惰性传统导致了我们好多的绘画走向衰亡,比如中国的人物画。在唐宋以前,那是多么辉煌?创造出多么多的样式?其实

13、它都是因为关注自然、关注对象的结果。后来因为我们丧失了这个传统,或者说由于前人完成了工笔画的一种建构之后,后人就只有抄袭了。所以后来的人物画,你不关注自然的话,就没有新鲜发现,没有新鲜发现就不会有新鲜的样式和创造,逐渐地就走向了衰亡。 山水画也是这样,当元人创立了完整的文人画山水体系之后,基本上山水画是延续着他们的样式。在这个之前,宋代的山水画是活跃的,特别是北宋的山水画非常活跃,可惜战乱,都丢失了,基本上损坏掉了,没有留下更多的作品,很可惜。那个时候特别强调关注自然,大山大水,尤其是北方的山水。很可惜见不到那时更多的作品了。所以,直接关注自然,这个是需要我们解决的对待传统的态度。这是李公麟五

14、马图其中的一张,是有一定代表性的。尽管你感觉它是没有明暗的,一种平面的绘画,但是它的线条里,充满了绘画的绘画性,所谓绘画的绘画性就是充满了感觉,是因为它里面具有空间感。我们一提空间的时候,马上想到就是明暗,可是中国画不塑造空间吗?中国绘画与西方绘画一样都是要塑造空间的,都是要表达空间的,而正是在表达空间的这个过程当中才显出了高低之分,显出了本事大小。所以它的线条,虚实主次分明,很有韵味。 牵马人穿的是棉衣,它穿的肯定是皮衣,里面肯定是皮毛的,一个胡人的形象。中国画表现质感的时候,跟西洋画是有区别的。西洋画在表现的时候它的结构本质是要表现的,同时还要表现表象,表面的效果。比如说,画一个丝绸,就能

15、把丝绸表面那种亮晶晶的反光折光什么都要画出来,你一看,就是我们看到的真的丝绸。但是中国画是表意的,是意向的,所以它对真实的表达是要把那个意思表达出来,就到此为止,就不过分。因此它始终保留着我们书卷气的文雅,这是我们中国绘画的品质。所以仅仅是一个白描,就能用线条表现出皮的感觉来,这是靠线条的粗细还有线条的虚实来体现的。这个皮衣肯定很沉很重,你看这条线,这里这么粗这里那么细,它就会有一种往下低垂的感觉,那就是沉甸甸的。这个领子,这个空间,这领子翻过来,它是在前这是在后,所以这个在前的东西用重的,拽过来让过去空间就出来了。皮帽子也是这样,实的然后虚进来,再虚过去,让过去。脸,这个实的东西在前,它在后

16、,绕过去。如果都一样粗细的东西,即使把形画得很准,也死板,一点意思都没有,一点意义都没有表达,所以中国工笔画是表意的,是写意的。写意可不是说我们拿起笔来纵横一抹就叫写意,而是有内在的意义。而且我们看这张脸,一会你们看看,没有画什么,似乎没有什么,但那种空间体积那种感觉全出来了,中国有着那么伟大的写实的作品。当初给学生放幻灯片的时候,其实这个画才这么大这么宽(大约40厘米见方),当放大了之后,你发现这个线条,干干的虚虚的线条,一会实一会虚,就把马的皮肤一折一折表现地非常充分,那个味道就使我们感觉工笔画能够有那么震撼的感觉。画放大了之后,笔触变得有趣味,平常我们说的工笔画匀净的线条,匀匀的已经变得

17、很写意了,非常写意,它里面有趣味。这张画是给大家重点介绍的一幅。 这是虢国夫人游春图,这些表现马的虚实什么的,是具有空间感的,表现结构表现得非常好。而且它的构图也是排列地很有韵味,这是中国特色。这是一张敦煌壁画里的画面(维摩诘像),你感觉它没有画完,但是它画得很自由。画壁画的时候跟我们画绢上的工笔画有所不同,它比较随意,而且这些师傅他们画这个太熟练了,几乎是先用淡墨勾一勾,然后再重新找找准就可以了,它里面是有复线的,特别生动特别自然,而且那个眼睛的那种传神的感觉是无法用语言描述的。这个是千手千眼观音,是敦煌的3号窟,元代的壁画。可惜这个壁画现在损坏的特别严重,我1981年去看的时候效果还很好,

18、现在都不让看了,墙皮都鼓出来了,一条一条的,损坏非常厉害。手臂就是两条线,它是如此具有立体感,没有染颜色,为什么那么有立体感?这线是有结构透视的,再加上它的那些辅饰。这里有透视的东西的诱导,我用了一个诱导,实际上中国画好多东西都是在诱导你,知道这是进去的这是出来的,这是空间的,这样的东西,所以它是表意的。有机会再找到更好的图片好好欣赏。这个也是敦煌壁画,由于时间久远剥落的关系使得它更加丰富灿烂。这也是一张,淡淡的,这个是西域的,在当初印度的绘画传入中国,就是在这个过程,在丝绸之路上,我们看到的那个壁画,一种中西结合的东西。这是永乐宫壁画,跟千手千眼同一个时代的,中国绘画尤其是壁画,到了元代,才

19、实现了完全的写实。它从过去的有些装饰一直到写实,到了元代完成了写实过程,再以后逐渐地衰弱下去。元代就是一些工匠,把唐朝优良的东西传承下来,当然也有一些天才性的人物有创造性。这个是克孜尔,这个是新疆龟兹克孜尔壁画,到新疆色彩就跟我们内地不一样,它就有西方人对色彩的理解,他中性的颜色多。这个是永泰公主墓的壁画,这个壁画画出来随意,从这里可以看出来它的线条、复线画的特别随意。这个是李贤墓壁画,它具有晋朝的味道,都是铁线描。然而我要说的是,这种铁线描是变化不多,但是它单纯,它非常单纯,所以它很大气。后来吴道子创造的莼菜条变化很多,吴道子的传人是最多的,那就是画圣。吴道子是好,但是传来传去传到宋代的时候

20、,你就发现很多的画由于变化过多变得庸俗了。这是北朝的壁画。这是晋代顾恺之的高古游丝描。这是赵雍的,一张肖像。这是李公麟的,李公麟真是一个了不起的画家。我们无从去看吴道子,没有办法看吴道子的作品,因为任何痕迹都没有留下来。但是我们看李公麟的画能够揣摩到一点吴道子的画,因为他是吴道子传人中最棒的一个,不过气质上与吴道子是有区别的。他不像吴道子这么纵横,吴道子具有李白的气质,画圣挥洒自如,李公麟具有文人的内敛气质。他的线条粗一点细一点,画完之后那么吻合,那么不跳,一点都不跳,特别协调,实际上线条很粗的,你不觉得它很粗笨,非常了不起,这个给我们提供了一个非常好的样板,而且人物很写实。谁说中国画都是变形

21、的,其实历史上主流还是顺着一条写实的道路发展的。因为真实地表达对象是人类共同的愿望,只不过我们在表达起来的方式、感受不同,表现形式上就有不同。 这是刘贯道的,他也是这样的有变化的线条,折笔比较多。这是唐代的阎立本的,它那个以红色为主,造成一条条线条排成韵律形式,非常好看。这是八十七神仙卷,八十七神仙卷是徐悲鸿从国外买回来的,非常了不起,元代的,这些线条韵律无穷。如果博物馆展出,大家仔细看,好好欣赏欣赏,非常好。这是李唐的,这张画跟我刚才说的工笔画不一样,它的笔道按下来提起来,很尖,但他画的人的神采特别好,采薇图就是说伯夷、叔齐他们耻食周粟的故事,它表现的是文人的气节。我之所以放这张画,并不是说

22、画一个人物后面是空白的,它景补得很实,很充实,而且每一个叶子如此粗的线条,非常棒,画粗了很容易傻的,但是他画的很充实很饱满。这是一个在韩国的,过去高丽的,也就是说是我们明代时期的他们国家的一个肖像画,这个很有可能本身就是我们中国的画家画的画,只不过在韩国那画的,画的他们的人。这张画充分地表现出来那个时候的肖像画的高峰,就连我们南京的那几个名人肖像也没有这个好,你看那神态,那个胡须,这个空间那个质地表现得非常棒。 这是我们的明代肖像画,这时候这些肖像画得很深入。下面我再放一点日本的画,看完中国画再看日本画会有不同的感受。一方面看完中国画再看日本画会觉得看得很清楚,没有我们的文化那么深沉,另一方面

23、又看到了它鲜活的一面,它很注重对生活的感受。它运用的也是我们工笔画的手法,是因为那个时候他们明治维新,使得很多人到欧洲去,它画的戏剧舞台后面的演员生活,很有形式感,画得很好看。这个也是日本画,几个女孩子的生活,这个就是红裳,几个不同的红围成一圈,其实这是很传统的中国画构图方式,但是它拉出来了,从上头往下,这个视觉很有构成的味道,就特别有形式感。这个也是画得特别有诗意。这个画野外,画的很真实,这个画很有意境,当时我们年轻时候,这幅画对我们都有影响,画的背部,很单纯,看上去有一种厚度,不是一览无遗,很有意境。这个是七巧图,很有生活气息。风俗画很有生活气息,利用月光,七巧节的时候,要认针,期盼自己心

24、灵手巧。 在我们的历史上,无论是西方的还是中国的,都有着很灿烂的东西。对于这些非常优秀的作品、这种文化,如果我们今天把它割裂掉,我们丧失掉,是不是人类的悲哀?像西方进行美术运动性的进程,一个潮流接一个潮流地演变,最后演变成了脱离架上绘画,搞装置,最后搞行为艺术,就剩一个空的概念,好无聊。今天又所谓的当代艺术,从波普那过来之后,对我们中国的艺术家产生了非常严重的影响。今天的人表现人的时候,表现地赤裸裸的、丑陋、邪恶,这也是悲哀。作为一个世界的人民,能够和谐地生活、发展,这样的艺术带来的是不和谐。表面看来当代艺术关键的本质上的东西,我今天一定要谈,并不是说什么西方的东西都要接受。其实,它是跟以往的

25、我们过去所说的,刚才我们谈到的这些好东西不同的就是,我们是属于一种理性的东西,到了现代他们发展了一个核心的问题,就是发现非理性,也就是说要发现人的潜意识、下意识。非理性的潜意识的东西,有些东西是不能拿到桌面上来的,它不符合道德。虽然我们每个人都有一种潜意识,都有这些非理性的甚至会有邪恶的念头,但是,今天的当代艺术却把这种东西开始作为批判,揭示丑陋,可是艺术家在揭示丑陋的同时又欣赏丑陋的现状,甚至欣赏着邪恶,以至自我心灵的歪曲,看着世界哪都不顺眼。这必然会导致人类向着死亡、灭亡的路上迈进。所以我们现在应该回来觉醒、反思、考虑人类到底需要什么?因此我们有必要还是要回归看到一些好的传统。 其实,我刚

26、才放这些东西的时候,也讲了一点绘画当中有共通的地方,也讲了一些东西方绘画之间的区别。但是还不够,很多东西是近似的,如果我泛泛地讲也很难讲清楚。我想我们先从素描讲起,为什么呢?因为我在学画的过程当中,或者说我们今天的美术教育,一开始学的就是素描,这是谁都无法逃脱的一个现实。但是也有很多人,提出了这样的问题,美术学院学习绘画应不应该学习素描?提出这样的问题:徐悲鸿那种教育体系,是不是存在一些问题?等等。对于提出的这些些疑问,我按我的思路来看待这些问题。其实问题不在于学不学素描,不在于这个,而关键是你怎么看待素描的问题。我们常常把素描给理解错了,常常一提到素描我们就马上想到了一个用明暗表达的方式,带

27、明暗的并且是长期作业,比如这张习作,大家肯定认为这是素描。这张习作是我大学一年级时候的素描课进行的一张长期作业,所谓长期作业是一个星期画完它,大家一定认为这是素描。可是有些作品就不被认为是素描,甚至我有的作品,小了一点,基本上是线,我参加素描展览,人家就跟我说:你这个不是素描,是画的速写。这个是我大一的时候画的,我是学过很严格的体面素描的,从中学学素描的时候,就是画这种体块的俄罗斯式的素描,所以开始素描是教这个东西。大家一定认为这是素描,但实际上这种思想狭隘了。我们现在看一些西方的素描,这是米开朗基罗的素描,你看看他画的,有明暗,但主要是结构,画的全是结构。而且这些东西都是什么?都是他创作的素

28、材,再看,这是草图一样的东西,这还是他的。这是荷尔拜因的。这是德加的。素材,或者说当时捕捉的动态,他是用线表达。门采尔画的,我挑这张给你看两个,一个是有明暗一个没有明暗,你不能说上面素描下面是速写,我们常常习惯于素描速写这样分,我不多说这个了。 素描到底是什么?素描是绘画基础性手段,它是在黑白意义说的绘画基础性手段。也就是说不是用明暗区分的,画明暗也是素描部分,不画明暗也是素描的部分。它是基础分两个意思,一个是学画的基础,一个是说我们创作时候的基础手段。所以我们大量的看到的西方素描,不是学画的作品,而是创作的素材。这次展出的时候,我展出了我的底稿,展出了大家认为是速写的东西,这些东西统统都是素

29、描。在我新出版的画册里面,也有一些草图性的东西,我统统归类为素描。这是达芬奇的作品。看看那几笔,你看那素描,它是用来解决最基本的对物象空间结构表达的一种手段,同时它要解决一个事物的本质的联系和它所存在的关系,从黑白意义上的一种黑白关系。素描里常常提到黑白灰,就是这个,它要解决一个关系问题。比方说我们上来拿颜色画画真不知道该怎么画,你掌握不了,所以从单色画入手,去掌握从黑白的角度看它的部分,你就能很好地认识。在学习西画的素描的时候,我们会开发什么?会开发人的感觉。如果我们学人物画,上来我们就临摹白描,前人的那些好作品,然后临摹白描勾线,你想你能找到感觉吗?你找不着一种绘画感的,没有的。所以通过这

30、样的学习,其实是让我们焕发出一种绘画的灵性和感觉,这种感觉是基于表达空间的过程当中所产生的。能够典型地看到它的空间感,这两笔过来就具有空间,一条弧线下来之后既是形也是体,所以这个东西都具有空间感,下来之后都有一种空间感,素描也是空间感。刚才你们看到门采尔那张就明显看出来,有明暗没有明暗都是有空间的,它空间的根本就在于它的结构透视,在结构透视的问题上中西方是一样的,其实是一致的。结构的透视是空间的本质,这个不就很自然地能够说通了吗?说通了你学西方素描有什么不好?这样,我们会很近便地掌握对人的把握,怎么去发现人、描绘人,但是你按古画那样,师傅带徒弟的办法,上来之后老师给你一个稿子,你去临摹吧,你只学会一招一式,你学不到本质,可是我们通过对人物描写、人物写生了以后,什么东西都可以描绘。有人问我:你会画牡丹花吗?我说:我不会。反正问我哪个我都说不会,因为我没有学过。但是我告诉他我懂,什么都能画,道理通了关于具体的东西,有了形,用你的道理一演变一把握,什么都能

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