浅析中国当代动画创作.docx

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浅析中国当代动画创作

浅析中国当代动画创作

　　[论文关键词]中国动画民族原创性动画创作

　　[论文摘要]中国动画，已经从世界动画诞生之初时的辉煌，走入了一个尴尬的境地，而提高民族原创性是我们的动画创作发展的关键，我们必须清醒地回顾我们在动画艺术创作上的得失，对中国动画创作的误区及如何走出误区进行清晰的研究和分析，来探询当代中国动画创作的振兴之路。

　　前言

　　作为文化产业的一个独立门类，动画业已在全球娱乐经济中呼风唤雨。

它集影视、音像、印刷、旅游、广告、教育、服装、玩具、文具、网络、电子娱乐等众多产业于一体，在当代经济格局中堪称举足轻重。

加之动画的受众层面广泛，既是儿童的挚爱，也是青少年的朋友，既是很多上班族的消遣内容、也是父母高度关注的荧屏“家教”，在各个年龄层都有与之难以割舍的忠实观众，其影响非同小可。

因而，动画产业的现状在我国也越来越受到政府和全社会的关注。

　　我国民族动画市场和产业形势至今不容乐观：

走俏全球的日本片、美国片在国内市场畅行无阻——占据了我们的市场份额，带动了日美动画衍生产品营销，并已经连续培养了几代“进口片”的忠实观众，且这种状况仍在继续。

长期遭受夹击的民族动画业，在种种因素综合困扰之下，处境相当尴尬。

　　1、中国动画产业的现状

　　中国动画曾有过不凡的表现：

在迪斯尼拍出第一部动画长片《白雪公主》不久，1941年9月万氏兄弟就在上海成功推出了当时亚洲第一长动画片《铁扇公主》。

该片不仅受到国人的欢迎，而且还轰动了南洋和日本。

虽然在造型风格和动作表演等方面不无迪斯尼的痕迹，但取材于中国神话故事的《铁扇公主》打破了美国卡通在中国影院的垄断局面，开创了中国自己摄制动画长片的历史。

20世纪60年代和80年代是国产动画片两个闪光的时代。

在1985年以前，国产动画在国际上已经赢得了不可低估的声誉——包括《大闹天宫》、《牧笛》、《哪吒闹海》、《三个和尚》、《鹿铃》和《鹬蚌相争》在内的29部动画片曾44次获得伦敦电影节、戛纳电影节、西柏林电影节、莫斯科电影节以及萨格勒布国际动画电影节等多项奖项。

究其原因主要在于这些动画片都坚持不懈地追求中国自己的民族特色，使作品充满了鲜明的中国气派和独特的民族风格。

　　然而，改革开放以来，众多的国外动画片乘虚而入，日本动画更是铺天盖地席卷中国，对国内动画片造成了巨大的冲击，处在国门开放和社会、文化转型中的国产动画片逐渐失去了与美、日动画抗衡的能力。

放眼望去，几乎叫得响的当代动画片中没有一部是中国内地创作的。

有关人士统计前国内动画市场的90％以上被国外动画占据，而超过80％的青少年最为推崇的是日本动画。

尽管很多三四十岁的成年人也承认，诸如《大闹天宫》、《哪吒闹海》、《舒克和贝塔》、《九色鹿》等国产动画片不管从技术还是传达的理念上有甚多可取之处，但总的说来，国产动画还是不敌国外动画，国外动画片以绝对的优势高居收视率和影响力的榜首，以至于有人戏言，目前中国的儿童是“头戴克赛帽，金刚怀里抱，晚间看老鼠，一休陪睡觉”。

这话虽然不免有自嘲和夸张之处，却揭示出中国动画产业现状的冰山一角。

　　自20世纪80年代中期开始，面对全球化和文化工业时代的到来，国产动画片没来得及作任何准备广阔的市场就被美日强势文化所占领。

90年代末以来，美、日充足的资金和成熟的制作更使得中国动画领地成为了他们的加工和消费大市场。

　　2、民族原创性是中国动画发展的关键

　　看我们自己的动画产业，很多人都会有一个相同的观点，我们缺少的是自己的原创产品与品牌形象。

　　回顾中国动画的发展历程不难发现，在青少年文化生活中产生重要影响的动画形象基本上都出自于国外，并已经成为青年人眼中新时代的视觉偶像，这是值得每一位文化工作者和艺术工作者重视的现象。

动画片作为一种文化传播媒介和艺术符号，势必承担着文化传播的功能，而我们每一代人身上又都肩负着传承本民族优秀传统文化的责任。

　　现如今，你要是在马路边随便问一个小朋友，他最喜欢的动画片形象是什么?

从小新、奥特曼、变形金刚、米老鼠和唐老鸭，到史努比、加菲猫、流川枫等等一大串，就是不喊我们的“名字”。

再看看这些新生代的动画从业人员（包括即将从业的学生），他们笔下的动画形象绝大多数都是来自美、日人物的翻版：

大大的眼睛、小小的嘴巴、飘逸修长直至遮住眼睛的秀发（多半再加一点有别于黑色的颜色），男生强健有力、女生娇小玲珑……

　　在我们生活的时段出现了动画民族艺术形象的空白，它伴随着动画形象向各种生活领域的层层渗透，将在意识形态领域引发的一系列不良后果，应该引起我们深入的思考。

目前，我国越来越多的有识之士开始清醒地认识到，随着科技经济全球一体化的发展，以及科学技术现代化进程的加快，我们更应该重新估价本土文化艺术的价值，挖掘和弘扬本民族优秀的传统文化，重新塑造新时代的民族形象。

所以在动画领域，我们呼唤从本土文化中诞生出来的真正意义的中华民族的动画形象。

在这里，它已经不仅仅是涉及到一个动画产业的问题了，而是已经具备了一种文化上的战略意义。

具有中国本土化特征的动画形象必然产生于自身丰厚的文化土壤，传统艺术形象在造型语言的背后深深地传递出传统中国人所特有的审美尺度。

本土文化确立了一种和谐相生的文化生态关系，这恰是现代动画艺术语言所要借鉴的资源和植根生存的土壤。

　　于是，有一部分人就大胆地宣称：

取材于中国古代的神话故事或经典名着，才是国产动画突围的捷径。

我们看了《花木兰》在全球的气势之后，或许真的会赞成这一点。

　　3、走出动画创作的误区

　　3．1　只有电脑动画才叫动画

　　纵观近百年来动画的发展过程，其每一次艺术上的飞跃，在某种程度上都有赖于科技发展的成就。

特别是随着计算机技术在动画中的运用，更使动画获得了空前的普及和发展，使过去认为十分困难的表现形式变得容易，更是拓展了动画的表现形式和表现领域，使动画工作者轻易地进入了三维空间的世界。

在应用高科技方面，好莱坞的梦工厂走在了前列，创造了电影史上多个奇迹《怪物史莱克》获得了奥斯卡金像奖最佳动画电影大奖；续集《怪物史莱克2》在2004年高居北美票房排行榜榜首，创造了又一个票房神话。

一系列命名为总动员的动画影片（《玩具总动员》、《海底总动员》、《超人总动员》、《公仔总动员》等）在全球掀起了一场CG（computergraphic）总动员。

如今，似乎只有电脑动画才叫动画，无论是市面上卖的教材还是各种媒体、论坛都能看见两个字——CG。

CG动画成了这个时代最时髦的词语，三维电脑动画大当其道，传统二维动画所占比重逐渐减小，甚至很多动画学院开设的二维课程也都被缩减到很小的比例，各种电脑动画培训班也层出不穷，似乎离开电脑我们就不会做动画了。

其实，这种观点具有片面性。

电脑动画技术并不是“捷径”与“速成”的代名词。

《玩具总动员》历时4年完成，而且制作成本高达1亿美元，一点也不比传统手绘动画片节约时间和成本。

这种观点的形成与现在中国动画人的浮躁心理有很大关系，在外国动画的强大压力下，我们的创作心态显得极为焦躁。

虽然我们有再创国产动画辉煌的雄心壮志，但是技术上的差距尤其是国外现代动画制作手段的迅猛发展，让中国动画人感到了沉重的压力。

　　不可否认，CG技术给动画带来的改变，为动画制作插上了有力的翅膀。

虽然技术对于动画是如此的重要，但技术永远是为提高动画艺术服务的。

一旦技术的运用超过动画艺术本身，那只会丧失动画作为艺术的内涵。

电脑技术就像少林寺72绝技，是一种外在的形式，而动画制作者的个人修养正是那些高深莫测的“佛经”，越是高明的外在武功就越需要深厚功力作为基础。

如果我们以为沉迷于外在武功招式而忽略了内功的修炼，最终结果就会走火入魔。

《最终幻想》就是最好的例子。

纯粹的高科技展示，观众也会厌烦的。

当2005年7月底美国迪士尼决定停止生产手绘动画，选择走纯电脑技术这条路的时候，好莱坞着名导演、迪士尼的忠实追随者史蒂文·斯皮尔伯格意味深长地说：

“如果动画故事本身成了电子革命时代的副产品，那么动画片产业将会彻底崩溃。

”

　　中国动画要以现代技术为依托，转化观念，突破思维定势，充分拓展想象创造能力，做真出有民族内核的高品质动画。

　　3．2　对日美动画的过度模仿

　　动画片制作可以借鉴国外优秀的东西，从动画的制作到发行以及产业模式，虽然日美动画都为我们提供了很多可以借鉴的经验，但是亦步亦趋的模仿，始终带着别人的影子，是没有出路的。

在《宝莲灯》中，小猴子、噶妹的造型都是美国化的。

小猴子带有明显的好莱坞印迹，虽然活泼可爱但是毕竟还是别人的。

《我为歌狂》也带有浓重的日本动画风格。

但毕竟这也是一种进步，一种尝试，是值得表扬的。

做得比较成功的例子也有：

蔡智忠的漫画人物造型是模仿日本人的：

几米的漫画受法国漫画家桑贝的影响很大，风格相似，但内容是本土化的，反映了现代社会城市里小人物的心理变化和需求，引起广大读者的共鸣，加上成功的商业宣传，在国内风靡开。

这就涉及到“民族化”中如何“化”的问题，学的是方法，用在自己身上。

当然在“民族化”的过程中肯定会存在模仿的问题，这是任何学习借鉴都会出现的一个问题是正常的。

认识到这一点，就会更宽容的对待“影子问题”，更清楚地知道自己前进的方向，尽快形成自己的动画风格。

走出一条适合中国国情的道路。

　　中国动画还要从传统艺术中寻找灵感，发展民族风格，这也是中国动画从一开始就十分重视并致力在做的。

1957年，上海美术电影厂就提出了“探民族风格之路”的口号。

一批经典动画片如木偶片《神笔马良》、动画片《骄傲的将军》、剪纸片《猪八戒吃西瓜》、折纸片《聪明的鸭子》、水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》、《哪吒闹海》、《天书奇谭》、《阿凡提的故事》、这些经典动画片对中国动画甚至世界动画的发展都产生了深远的影响，形成了被世界公认的中国动画学派。

新的时代，中国动画要继续挖掘传统民族艺术与动画结合的发展潜力，在民族艺术风格动画的创作上再创辉煌。

不仅如此，动画艺术还要不断开辟发展空间，与市场需求紧密结合，加强它在影视中的应用。

中央电视台推出的“轻松十分”栏目就本土风格动画结合电视形式推出的一个成功尝试：

用动画形式来展现经典的相声和小品，不但突破了舞台艺术的局限性，还拓展了动画的样式，甚至吸引了一些年轻观众对传统相声的关注。

这样的动画不论从内容、形式还是表现手法都是“中国式”的，受到观众的认可和喜爱。

　　另外中国动画要注重走商业化道路，动画和电影一样要取得蓬勃发展，商业化不可避免。

商业化和个性化的艺术探索都要重视，不能舍弃任何一个。

　　3．3　动画生产一厢情愿

　　从一项对动画受众观看动画的目的的最新调查中发现，大多数观众收看动画片的目的是为了寻开心，占到总数的％；％的观众是为了愉悦情感、放松心情：

％的观众是为了寻求新奇：

仅％的观众是为了受到教育。

调查结果与我国动画片普遍存在的“寓教于乐，却有教不乐”的实际情况截然相反。

从传播学的角度来看，如果传者内容与受众需求脱节，必然导致受众的逃避和放弃的心理。

　　动画片是大众文化、大众艺术，对动画片的接受与认同的惟一参照系就是观众。

在文化产品（尤其是动画片）放任自流，日、美产品大举入侵的情况下，观众作为动画这个文化商品的“上帝”，自然也会根据自己的爱好和需求进行选择。

国产片也好，外国片也好，不管内容、形式如何，最终必然是“顺我者昌，逆我者亡”。

因此，对动画企业与创作者来说，除技术、艺术与内容等动画片本体研究以外，动画片受众的客体研究也应该进入企业生存与发展的相关日程。

而且，动画片不仅仅是仿给儿童看的，他的受众包括各个年龄层，由于不同年龄层受众的不同需求，喜欢的动画片会有很大差异。

因此，在研究不同年龄层受众心理需求的基础上，才能做出他们想看的动画片。

对于儿童来说，寓教于乐是有教育意义的，但是痕迹不能太重，量好能不留痕迹。

毕竟，说教味太浓了就会显得做作。

在迎合观众口味的同时，还要作适当的引导，中国动画才能健康地成长。

　　4、关于中国动画创作发展走向

　　一方面必须正视我国整个动画产业的不成熟，无论在数量和质量方面都与动画强