我国秦陵兵马俑的主要艺术特色有哪些.docx
《我国秦陵兵马俑的主要艺术特色有哪些.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《我国秦陵兵马俑的主要艺术特色有哪些.docx（9页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
我国秦陵兵马俑的主要艺术特色有哪些
我国秦陵兵马俑的主要艺术特色
1974年3月，陕西省临潼秦始皇陵东侧的西杨村村民在挖井时偶然发现了一个令世界震惊的奇迹，经过考古工作人员的精心发掘，一个重大的历史遗存横空出世，随即也引起了全世界的关注，它被誉为“世界第八大奇迹”，“二十世纪考古史的最为壮观的发现”，这便是闻名遐迩的秦始皇兵马俑。
秦始皇兵马俑坑共发现三个，加上一个未建成的，依次编为一至四号坑，共发掘出战车百余乘、陶马600余匹、陶俑近8000件，还有其他的青铜兵器。
秦始皇兵马俑的出土为世人展示了秦始皇的一支阵容庞大、组织严整的禁卫军，象征了秦朝威武的军队。
尽管在咸阳、徐州、武威也先后有汉代兵马俑群的出土，但是无论是规模还是制作工艺上，是无法与秦始皇兵马俑相提并论的。
《孙子兵法》开宗明义：
“兵者，国之大事，死生之地，存亡之道，不可不察也。
”从中可见，古代的军队在国家中占有的重要地位，也可窥见秦始皇一统天下的奥秘。
暂且不论它规模的宏大、编排的精细，就从艺术角度看，它体现出了较高的艺术水准，堪称艺术精品。
秦始皇兵马俑的艺术特点：
首先是它的高度写实性。
秦始皇兵马俑坑所展现的军队阵容是完全按照当时秦军的实况设计的，所以其中的秦俑、陶马、车也是按实物大小制成。
秦以前的雕塑以装饰性为主，而秦俑采用了写实的刻画方式，带有明显的肖像性和写生性的特征。
陶俑一般身高1.8米左右，最高者可达2米，均为彪形大汉。
陶马一般身长2米，通高1.7米，与真马大小相等，形体比例准确，形象栩栩如生，如此大规模的陶马群在中国雕塑史上也是一个突破。
其次是它的传神。
秦兵马俑的写实并不只是简单地按照现实摹刻下来，而是经过了艺术的处理。
不同的人物外形，不同的官阶，不同的性格特征，不同的精神面貌，如此这些都体现在了秦俑的身上，可见它的造型刻画不仅实现“形似”而且还达到“神似”。
秦俑以头部的刻画最为精致，有的眉宇凝聚，端庄肃穆；有的面庞清秀，微微含笑；有的带有皱纹，一脸老成……通过对面部的精心刻画将秦军的各种人物表现得生动万分。
秦俑的传神特征还通过艺术的夸张和提炼表现，它的刻画不是追求细枝末节，而是抓住了关键的部位进行艺术处理。
比如说，将眉毛加粗加厚使脸部更有体积感，胡子处理成飞动或翻卷状，虽然与现实不符，但是却更突出了人物的性格。
对陶马的塑造也是如此，用洗炼概括的塑造手法便将一匹匹战马刻画得形象和生动。
除了马头的塑造较为细腻多变化以外，四肢与胸部都用大写意的夸张手法，棱角分明，肌腱隆凸，臀部浑圆，腰部微凹，显得强健有力。
没有过多复杂的线条，流畅并富有韵律感，让人感觉到如真马一般，但却似无法在现实中找到的神马。
灵活多样的艺术技巧也是秦始皇兵马俑的艺术特点之一。
秦俑的刻画并不是单一的，而是运用了多种多样的艺术技巧。
对比就是其中之一，如刻画细微的铠甲和简洁的下身衣纹，精致的武官、发式和简单的躯体。
这些对比处理出于整体效果的统一，使形象既简洁又丰富，在朴拙中见精致，局部精细但不失整体的气势。
另外秦俑也是圆雕、浮雕、线雕的统一体，运用塑、堆、捏、贴、刻、画等民间常用的传统技法，成功地塑造出生动的勇士形象。
每一个陶俑和陶马都是完整的统一体，可谓多种的刻画手段集于一身。
另外，兵马俑的本来面目其实是彩绘的。
很难想象坑中灰头土脸的秦俑其实是彩色的，由于经过火烧和自然的破坏，今天我们已经看不到它色彩绚丽的样子，但是所幸仍有一部分陶俑和陶马身上有残存颜色的痕迹，这些颜色的种类有红、绿、蓝、白、黑、黄等多种，可以想象俑坑初建成时，绚丽多彩的陶俑整齐的站立军姿，那个场面是何等灿烂和壮观。
更令人称道的是秦兵马俑身上所绘的颜色并不是简单的千篇一律，而是经过严格的色彩配置，体现出整体的色彩效果。
一般来说，兵俑大多是红色上衣配绿色或蓝色下衣，手和脸多用粉红，衣袖衣领多用绿色或赭石色，铠甲的甲钉多用黑色，连接甲片的线多用红色，这些都是有一定规律和样式。
这种绘塑结合的艺术技巧，成为雕塑技法的补充手段，是秦俑丰富的艺术表现力中不可或缺的重要一笔。
秦俑艺术在中国古代雕塑史上的地位是重要的，它是前代艺术传统的继承和发展，又深刻影响着后世雕塑艺术的产生和发展。
首先，它将我国写实主义的艺术传统发扬光大，为后代的雕塑艺术起到了奠基的作用。
其次，秦俑的洗炼概括为后世汉唐所继承和发扬，成为中国造型艺术中重要的艺术特点。
再者，绘塑结合的技法为中国古代雕塑注入了新鲜的活力，拓宽了中国雕塑艺术的发展道路。
秦俑艺术是中国古代雕塑艺术史上的一个典范，它的艺术风格和艺术技巧为后世所继承和发展，使其艺术传统源远流长。
今天，来自全世界的人民怀着无比惊奇和称赞之情来观赏这一世界奇迹。
秦始皇兵马俑是我们民族的骄傲，也是世界文化的宝贵遗产。
黄公望《富春山居图》的艺术特点
元代山水画家黄公望（1269—1354），本姓陆，名坚，常熟（今属江苏）人。
父母早亡，被永嘉（今浙江温州）黄氏收养，故改姓黄，名公望，字子久，号一峰，大痴道人等。
《富春山居图》是他的代表作，是画家晚年居住在浙西富春江，为友人谢无用道士（画上题字称“无用禅师”）而作。
这幅画大约在元至正七年（1347），画家七十九岁高龄开始创作，他在题记中说“三、四载未得完备”，究竟何时完成，已不可考。
这幅《富春山居图》在明清时代受到画家极高的赞誉，许多画家（如沈周、王翠等）都有临仿之作。
明代后期鉴赏家、画家董其昌对它更是佩服得五体投地，在跋文中连称“吾师乎，吾师乎!
”。
其艺术特点概括如下。
1、得之于心，而形于画
《富春山居图》作者以清秀淡雅的笔墨，描绘初秋时节浙江富春江一带的山川景色，同时抒发出画家宁静淡泊的情怀。
黄公望作是“得之于心，而形于画”。
而且他的创作思想已超越北宋山水画家对“真趣”的追求，主张“作画只是个理字最要紧”（见《写山水诀》）。
所以《富春山居图》是否是富春山水的实景描绘已不重要，重要的是作者心中对山水之理的把握。
因此，这幅画虽然作者以其熟悉的富春江景色为母题，但采用一种即兴、自由的方式流露出感情，显然画上山水不是实景的再现，而是画家心灵和自然合一的形态，意在表达出一种超然脱俗的精神。
2、韵律和谐，疏密得体
现存《富春山居图》开卷表现江边景色，接着描绘起伏连绵的山峦，然后是广阔的江水，最后高峰突起，在江水茫茫中结束全图。
整个画面景物安排得非常和谐自然，而且富有一定的节奏。
在构图上画家吸取南、北宋山水画的构图经验，重视大片空白，同时注意近、中、远景的处理（如开头一段树木、坡石、远山，远近疏?
密安排得错落有致），但构图比南宋山水朴实自然，不像南宋山水画家那样突出近最，舍去中景，直接画出远景的结构灵巧，然而比北宋画家那种庄重严谨的全景式构图，显得轻松随意。
画上表现最精彩的是中段起伏的连山：
首先是一座高山，好像近在眼前，连山间的村舍都历历在目；接着一座座山峦渐渐向远处推去，最后看到坡脚一层层地向上、向左方延伸，构成了孤线的律动仿佛众山由近至远在转动，而茫茫的江水始终是那么平静。
山水相连，巧妙结合，显示出大自然的节奏与和谐。
3、笔法灵逸，墨韵生动
《富春山居图》艺术特色的另一个重要方面是笔墨技巧。
元代画家赵孟頫以干笔替代宋人的湿笔皴法，但从他现存的作品看，描绘山峰技法还不太生动。
如果说《鹊华秋色图》中的山峰还受到实景的限制，那么从他的《水村图》等画来看笔法虽然简洁概括，但不如《富春山居图》抒写自由，笔墨精妙。
《富春山居图》以单纯朴素的笔墨，表现出丰富的艺术内涵。
正如清代画家恽南田所说：
“凡数十峰，一峰一状、数百树，一树一态，雄秀苍茫，变化极矣”（《瓯香馆画跋》）。
从画法上具体说，这幅画山石用干笔披麻皴，并在山的脉络上加上墨点，描绘出山峦的层次和质感。
近树用干笔勾皴点画，姿态极其优美，尤其松树，松针不用传统的放射形细线表示，而以干笔浓墨点绘，既概括又生动。
远树丛林多用横笔“大混点”为之。
在浓重的树叶、苔点和淡墨远山的对比之下，山峦显得非常明洁，给人以秋高气爽之感。
画家用笔如写行草，中锋、侧锋、尖笔、秃笔夹杂混用，笔法轻松洒脱，洋溢着一种豪迈飘逸的气质，笔墨线条呈现出浓厚的抒情意趣，因此《富春山居图》成为元代写意画风的典范之作。
清明上河图》的艺术风格特点及其历史文献价值
《清明上河图》的艺术风格特点及其历史文献价值。
北宋著名画家张择端的长卷风俗画《清明上河图》，是我国绘画史上的稀世奇珍，画之瑰宝。
它用现实主义手法，全景式构图，生动细致地描绘了北宋王都开封汴京时的舟船往复，飞虹卧波，店铺林立，人烟稠密的繁华景象和丰富的社会生活习俗风情。
全图规模宏大，结构严密，构图起伏有序，其笔墨技巧，兼工带写，活泼简练，人物生动传神，牲畜形态，房舍、舟车、城郭、桥梁，树木、河流、无一不至臻至妙，称得上妙笔神工。
综数我国古代绘画，多有那种士大夫的孤芳自赏，实难找到类似“清明上河图”这样不惜以大量的笔墨，描绘数以百计的民众市俗生活与商业经济活动，将民众置于主人翁地位，并加以正确地艺术概括，这在中国古代绘画中是不多见的，就是在现代绘画中也是罕见的。
此画的第一位收藏人是宋徽宗，是他用瘦金体亲笔在画上题写了“清明上河图”五个字。
《清明上河图》卷为绢本，水墨淡设色，纵24.8厘米、横528.7厘米。
现北京故宫博物院藏本的画卷本幅上，并无画家本人的款印，确认其作者为张择端，是根据金代人张著一段题跋，张著的题记寥寥数语：
"翰林张择端，字正道，东武（今山东诸城）人也。
幼读书，游学于京师，后习绘事，本工其界画，尤嗜于舟车市桥郭径，别成家数也。
"从跋文知道，作者张择瑞原籍山东诸城，早年游学汴京，后来在画院任职，自成一家。
他的艺术成就，历来不被士大夫评论家所重视，因而有关他的史料极为稀少。
所幸的是他的不朽名作《清明上河图》完整地保存至今，才确立了他在中国绘画史上应有的地位。
为什么叫“清明上河图”，有不同说法，有人认为《清明上河图》中的“清明”两字，并非指“清明时节”，而是描绘了当时汴京的清明坊到虹桥这一段上河的秋季景色。
而大多数人认为该画描绘了当年汴京近郊汴河上下清明时节的生活景象，所以叫《清明上河图》。
《清明上河图》时代背景是北宋时期的开封市，开封位于河南省中部，古称汴梁，汴京，为我国七大古都之一，从战国至金代，先后有7个封建王朝在此定都，素有“自古帝王都”、“七朝古都”之称、其中以北宋年间最为繁荣，人口多达150余万，是当时世界上最繁华的城市之一。
《清明上河图》全卷内容，可分为郊野、汴河、街市三大段。
中段又以“虹桥”为中心，展现汴河漕运的紧张气氛，达到全卷的高潮。
全图观赏是从右往左，从城外到城内，让观者看得有滋有味。
开卷处首先映入眼帘的是郊外氛围，春寒料峭，嫩绿新发，疏林薄雾，农舍酒家，阡陌纵横。
起首为两人执鞭赶着一队驮炭毛驴趟来，逾小桥，疏林茅舍，匆匆向城内进发。
沿曲径而来的一骑数仆护卫着，顶插杨柳细枝、四垂遮映的轿子，从郊外踏青归来，其前导一骑受惊狂奔，驭者慌忙追赶，附近人畜，均作出各自不同的反应，此系全图的引子。
《清明上河图》中段汴河漕船部分
中段描写汴河上下，这条汴河就是当时为汴梁提供漕运，供应城市生活必需品的河道，河上舟来船往，运输繁忙，靠岸的船只，搭着跳板，正在卸货。
一艘巨大的漕船落帆降桅，将从桥下穿过，船夫们紧张忙乱，呼唤叫喊，牵动人心，桥上还有些热心者不顾自己的安危，跨越到拱形桥的栏杆外，一手拉住栏杆探出身子，大声喊叫，挥舞另一只手，指挥着船只顺利通过。
看热闹的人群，翘首争睹这惊险场面。
《清明上河图》中段全景
《清明上河图》并非一般的风俗画，专为表现某一风俗的某一细节，而是以清明点题，舍弃了清明的无关紧要的细节，其本意并不在于渲染清明佳节，扫拜新坟、田野如市、遍满园亭等风俗和游乐，更无意歌颂“太平日久，人物繁阜”的升平景象，而旨在揭示远离故土，既不能返乡扫墓，也不能参与汴京清明游乐的船工与纤夫，仍在汴河上像往日一样要逆水行舟、冒险抢渡的真实情景。
其实，就是这些被视为卑贱的劳动者为汴京庶众运来了赖以生存的食粮给用，他们正是维系京师繁荣的基本动力。
《清明上河图》中段虹桥部分
画面上一座大型的木拱桥横跨河上，将两岸街市相连，其桥无柱，桥身由上下两层拱骨相贯，互为承托，遂伸展成大跨度的飞桥，宛如一道飞虹。
虹桥上的车水马龙，南来北往。
推独轮车和骑马的、驮着米袋骡子，正要上桥，挑担的、拉客的、摊贩的，使本来很宽阔的桥面，变得狭窄起来。
画家利用河岸桥梁的高低曲折，引导欣赏者不断转移视点，或仰或俯，成为流动转折的视觉引导。
画中最精彩处莫过于对舟船过虹桥的描绘，画面的节奏至此突然骤急，人、畜、舟、车聚集，犹如乐曲呈节奏韵律性，桥上人群的熙攘，桥下急流行舟的紧张，构成了画卷的高潮。
画家围绕这座桥，充分施展了自己的绘画本领。
画中的人物大小仅寸许，但是神态毕现，极为生动，就好象身临其境一样。
《清明上河图》下半段城楼部分
过了虹桥，汴河转向上方蜿蜒流去，出现熙熙攘攘、车水马龙之街景。
汴京作为当时政治、经济、文化的中心，城中官府衙门、民居宅院、作坊店铺、屋宇错落，林林总总。
百业兴隆，酒楼店铺百肆杂陈，招牌幡幔目不暇接，饮食百货应有尽有。
各类商店经营着罗锦布匹、沉檀香料、香烛纸马等，此外医药门诊、大车修理、看相算命、修面整容，九流三教，各行各业应有尽有。
街市喧嚣，车水马龙，行人摩肩接踵，络绎不绝，热闹非凡。
鼓楼下的驼队远道而来，行色匆匆，茶楼酒馆中的人则轻松悠闲……。
《清明上河图》下半段街市部分
《清明上河图》既是一件伟大的现实主义绘画艺术珍品，同时，它还具有历史文献的价值。
为我们提供了北宋大都市的商业、手工业、民俗、建筑，交通工具等丰富的形象资料，百科全书。
展开这幅的长卷，尤如步入12世纪我国繁华都市生活，其反映社会生活和物质文明的广阔性与多样性，有着文字难以替代的文献史料价值。
《清明上河图》把北宋末期工商业发达的面貌，表现得淋漓尽致，是对北宋社会经济繁荣的赞歌，也是一曲凄凉的挽歌，图成不久，北宋沦亡。
从《清明上河图》中可以看到几个非常鲜明的艺术特色：
第一、内容丰富。
《清明上河图》在表现手法上，以不断移动视点的办法，即"散点透视法"来摄取所需的景象。
大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐地组织成统一整体，在画中有仕、农、商、医、卜、僧、道、胥吏、妇女、儿童、篙师、缆夫等人物及驴、马，牛、骆驼等牲畜。
有赶集、买卖、闲逛、饮酒、聚谈、推舟、拉车、乘轿、骑马等情节。
画中大街小巷店铺林立，酒店、茶馆、点心铺等百肆杂陈，还有城楼、河港、桥梁、货船，官府宅第和茅棚村舍密集。
《清明上河图》中画有八百一十五人，各种牲畜六十多匹，木船二十多只，房屋楼阁三十多栋，推车乘轿也有二十多件。
如此丰富多彩的内容，为历代古画中所罕见。
各色人物从事的各种活动，不惟衣着不同，神情气质也各异而且穿插安排着各种活动，其间充满着戏剧性的情节冲突，令观者看业，饶有无穷回味。
第二、结构严谨繁而不乱，长而不冗，段落分明。
可贵的是，如此丰富多彩的内容，主体突出，首尾呼应，全卷浑然一体。
画中每个人物、景象、细节，都安排得合情合理，疏密、繁简、动静、聚散等画面关系，处理得恰到好处，达到繁而不杂，多而不乱。
充分表现了画家对社会生活的深刻洞察力和高度的画面组织和控制能力。
第三、在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。
十分细致入微的生活观察，刻划每一位人物、道具。
每个人各有身份，各有神态，各有情节。
房屋、桥梁等建筑结构严谨，描绘一笔不苟。
车马船只面面俱到，谨毛而不失全貌，不失其势。
比如船只上的物件、钉铆方式，甚至结绳系扣都交待得一清二楚，令人叹为观止。
《清明上河图》在问世以后900多年里，它曾辗转收藏，几经战火，历尽劫难，多次幸免于难。
据元代杨准跋云：
“卷前有徽庙标题”，李东阳题云：
“卷首有佑陵瘦筋五字签及双龙小印。
”可证画题由宋徽宗赵佶钦定并亲书，此画亦应作于徽宗政、宣间（公元1111——1125年间）。
《清明上河图》画幅上有金代人张著等金、元、明十三家题记，印记共90方，又半印6方。
说明此图曾经被北宋、金、元、明、清内府和许多私人收藏过，流传有绪。
此画最初收藏应是宣和御府，北宋亡后，流到北方，入元进入皇家内府，被内府一个装裱匠用摹本偷换出来，到了明朝又落到奸相严嵩手里。
传说，明朝文学家王世桢，他的父亲是当朝的尚书。
王老太爷珍藏着宋代张择端的名画《清明上河图》。
他对这幅画珍爱备至，轻易不肯示人。
但当朝权贵严嵩却对此画垂涎三尺，他依仗权势向王尚书索要该画，王尚书无法回绝，但又舍不得这幅画，于是连夜请来高明的画师，临摹这幅《清明上河图》。
第二天，王尚书将这幅赝品交给了严嵩。
本来这幅高明的赝品已将严嵩瞒了过去，但严府有一个极有经验的装裱匠，他向严嵩献谀求荣，指出这幅画的左下角，有一只麻雀脚踩着两片瓦，由此可知是赝品。
严嵩于是大怒，找了个缘由便将王尚书打入大牢。
王世桢为救父亲，不得不拿着《清明上河图》的真迹登严府求情。
明代李日华《味水轩日记》沈德符所著《野获编补遗》都记载，明代大奸臣严嵩与其子严世蕃依仗权势，巧取豪夺《清明上河图》的故事。
后人曾据此写过《一捧雪传奇》一戏，只是将《清明上河图》改成了“一捧雪”白玉杯。
隆庆时，严嵩父子被御史邹应龙弹劾，终于官场失势，严世蕃被斩，严府被抄，《清明上河图》再度收入皇宫。
《清明上河图》到清朝后先由陆费墀收藏。
陆费墀是乾隆时进士，他得图后也在上面矜印题跋。
后被毕沅购得。
毕沅，乾隆二十五年（1760）中进士。
毕沅生平喜爱金石书画，家中收藏颇为丰富。
他得《清明上河图》以后，与其弟毕泷（清代收藏鉴赏家）同赏，现今画上有二人印记。
毕沅在关中任职时，对地方上的文物尽心修缮保护，不料这些却成了他的“罪行”。
毕沅死后不久，湖广人民反清，清廷认为毕沅任湖广总督期间，“教匪初起失察贻误，滥用军费”，不但将毕家世职夺去，而且将其全家百口全部杀掉，家产连同《清明上河图》也被抄没入宫。
清廷将《清明上河图》收入宫以后，便将它收在了紫禁城的迎春阁内。
嘉庆帝对其珍爱有加，命人将它收录在《石渠宝笈三编》一书内。
此后，《清明上河图》一直在清宫珍藏，虽然经历1860年英法联军以及1900年八国联军两度入侵北京，洗劫宫室，但居然逃过了劫难，均未受损。
1911年以后，《清明上河图》连同其他珍贵书画一起，被清末代皇帝溥仪以赏溥杰为名盗出宫外，先存在天津租界内的张园内。
1932年，溥仪在日本人扶植下，建立伪满洲国，于是这幅名画又被带到长春，存在伪皇宫东院图书楼中。
1945年8月，第二次世界大战接近尾声，溥仪见大事不好，便乘飞机逃往大栗子沟，伪满皇宫因失火而一片狼藉。
混乱之中，《清明上河图》等大批珍贵之物便在这场动乱中流散到了民间，1946年，中国人民解放军解放了长春。
解放军干部张克威同志，通过当地干部收集到伪满皇宫流散出去的珍贵字画十余卷，其中就有《清明上河图》。
1947年，张克威同志调到东北行政委员会工作，临行前他将这十余幅卷轴交给了当时东北革命主要负责人之一林枫同志。
《清明上河图》经林枫之手进了东北博物馆，后来又调到北京故宫博物院珍藏。
如今依然珍藏在故宫博物院中
分析顾恺之《洛神赋图》的艺术特点
顾恺之是东晋一代绘画宗师，他以“迁想妙得”之笔，绘“传神写照”之像，在当时和后世影响极大。
他的一生画迹颇多，其中以《洛神赋图》、《女史箴图》等最著名。
《洛神赋图》是顾恺之以文学作品曹植的《洛神赋》为脚本加以描绘的。
以洛神为主导，把似去似来，飘忽不定，在水面上凌波微步的洛神描绘得非常娴雅传情。
充分反应出了当时曹植在封建礼教束缚之下，自己喜欢的女人却被曹丕所夺，而又不能有所反抗，把情感压抑有心中的主题。
表现出人物“进止难期，若往若还，含辞未吐”的复杂心情。
可看出处一于惊疑、恍惚中的曹植，在洛水之滨与恋人遥遥相对，留恋徘徊可望而不可及的样子，则又传达出无限惆怅的情意和哀伤的情调。
顾恺之反不同的情节在一幅画卷中展示出来，以装饰性手法处理山水树石，一方面使画面连成一体，同时使主体人物更加突出，而且表现出似真似幻、神人交融的幻境，充满了浪漫主义色彩和诗意气氛。
《洛神赋图》的最大艺术特点在于画中人物秀骨清相，似觉生动，令人懔懔，若对神明。
顾恺之把“传神”作为评画的第一标准，以描绘对象客观所具有的或应该具有的思想情感、生活情调、论传神的得失来衡量画的成败。
《洛神赋图》中以形为基础，通过形来传神。
人的生理特征、人与社会环境、人与自然环境之间的关系在画中都有相当的表现。
其中人物的头部描绘得最为细致，而头部中的眼睛刻画更是传神。
从而反应出人物的内心情感和性格神气。
从中也反应出当时以顾恺之为祖的绘画风格。
顾恺之通过“迁想妙得”的方法来描绘对象的内在精神裨实质。
“迁想”是“妙得”的前提，“妙得”是“迁想”的结果。
就是说画家在艺术创作的过程中，要反主观的情思投注到客观的对象中去，使客体之神与主体之神融合为“传神”的、完美的艺术形象。
离开了“迁想”，离开了艺术家的主体意识，事物就成了死物，是不可能获得传神的艺术形象的。
“迁想妙得”的理论，是对包括了人物、山水、动物在内的绘画审美活动和艺术构思特点的最早的概括，它对后世产生了巨大的影响，并得到更深刻的发挥，成为中国绘画的一个重要的美学原则。
“遍观众画，唯顾生画古贤，得其妙理。
对之令人终日不倦，凝神遐想，妙悟自然，物我两忘，离形去智。
身固可使如槁木，心固可使如死灰，不亦臻于妙理哉！
所谓画之道也。
”张彦远所谈的正是鉴赏顾画时的心理感受，一方面是“终日不倦，凝神遐想”，另一方面是在鉴赏过程中“物我两忘、离形去智”。
Welcome!
!
!
欢迎您的下载，
资料仅供参考！
升级会员 