艺术概论作业2.docx
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艺术概论作业2
艺术概论
作业2
请从以下题目中任选一道完成论文。
一.法国的黑白默片《艺术家》荣获第84届奥斯卡最佳影片奖，重新引发了影视界关于艺术美与技术美的大讨论，请观摩影片完成影评。
具体要求如下：
1.论文字数不少于1500字。
2.论文至少应该涵盖一下几方面的内容：
（1）影片《艺术家》的艺术特色
（2）影片《艺术家》的成功表达了一种什么样的审美需求
（3）联系中外电影史上比较成功的默片，简要谈谈你对默片和有声片在艺术创作上的得失。
二.从《疯狂的石头》到《人到囧途》，再到《失恋33天》，中国内地的小成本电影不断刷新着票房纪录，请结合具体影片案例，分析近年来中国小成本电影取得巨大成功的因素。
具体要求如下：
1.论文字数不少于1500字。
2.有理有据，条理清晰
3.注意结合具体作品进行分析。
三.近日，第三届中国民族器乐大赛即将拉开帷幕，很多人都将此举视为“民族文化自觉”的实践，请联系中外艺术史，以及近年来西方文化与中国本土文化的博弈，谈谈你对“民族文化自觉”的理解。
具体要求如下
1.论文字数不少于1500字
2.有理有据，条理清晰
（提示：
虽然这个题目比较宏观，但下笔要从小处着眼，要围绕一个有代表性的问题深刻论述，比较《花木兰》是中国传统文化中的代表作品，为什么好莱坞可以拍成卖座的大片，为什么好莱坞可以把西方文化的精神植入其中，《功夫熊猫》也是如此？
）
《艺术家》影评
《艺术家》的成功在于它独到的细节处理和故事情节中对人间纯情的赞美。
另外加上它的创新，以无声和黑白电影的形式进行，在现在一开始看起来别扭，但是影片确实是一种极大的创新，加上它的背景音乐和恰到好处的字幕，还有对画面的处理。
看完之后，满是敬佩之情。
电影讲述了一个习惯演无声电影的好莱坞巨星因为有声电影的出现对他的演艺事业产生了巨大的冲击，在他的演艺生涯中他认为，电影演员就只需要用自己的表情来表演而不需要语言，并且他认为有声电影很不严肃，并一直妄称自己是一个艺术家，不需要去顺着这样一个他看起来不正确的发展方向。
他的老板告诉他有声电影才是电影的未来，他骄傲的回答他：
你去拥抱未来吧。
然而，他的未来自然是被这个时代所淘汰，但幸运的是电影并没有把他的处境从以前的星光熠熠一下变得一塌糊涂，而是给了他一个喘气的机会，这样看起来很容易让人接受，而在中国的电影更喜欢使用天上地下的猛然间的变化来打动人。
男主人公是那个过渡时代那些接受不了有声电影的巨星的代表。
相信在当时有很多像他这样的艺术家。
后来的他，电影中的情节很自然的去讲述，故事情节顺着正常人的思维去发展，而在中国喜欢给人带来意想不到的效果。
他的没落，他的自杀，影片中每一个情节的发展都是那么自然，却时时都在牵着观众的感情。
有很多的电影我看完之后再去想电影的情节就想不出来了，但这部电影我相信再过一段时间，再让我去想的时候我还会想起很多有关这部电影的细节。
我觉得这部电影最大的成功就在于他的细节。
细节一：
芭比——这个一直狂恋瓦伦登的粉丝，一次偶然成为了瓦伦登生命中的神秘女郎。
芭比去当群众演员，瓦伦登在后台告诉她要想当演员，就一定得有自己的特点，并在她的右嘴角上点了一个痣。
细节设计的很好，自然的大家就会想到在以后的时间里，芭比都会带着这颗痣，相信很多的观众都会有去注意一下芭比是不是还带着那颗痣，影片自然也会这么安排，这让观众有了在观影时有了一点点小小的满足感。
因为电影是按照观众的想法发展的，很容易让观众去接受。
细节二：
在有声电影出现以后，瓦伦登的电影自然因为跟不上时代的潮流而受不到观众的青睐。
当他抱着那只一直陪伴着自己的那只狗去观看有声电影的时候，有个女士把他拦下来跟他聊天，并夸他的狗很可爱，瓦伦登说了一句话：
要是会说话就好了。
这个细节有双重的意思，好像听起来瓦伦登有了一点点的觉悟，潜台词好像是如果当时他能开口说话的话，生活或许不是这样的。
细节三：
影片一直在用着一种很独到的方法来展现一个人的内心。
专业方面的术语我说不出来这是一种怎样的手法。
第一次，在芭比和瓦伦登演完第一场戏的时候，芭比用自己的手伸进瓦伦登挂在衣架的衣服上的袖子里，把自己的手当做是瓦伦登的手来拥抱自己，看到这一点我感到这个画面处理的真的非常巧妙。
第二次，瓦伦登在火里逃生身体恢复之后，来到了一家服装店的橱窗前在镜子里比量着那件衣服，一是说明他的落寞，没钱进入那一家服装店，更多的是他对过去岁月的怀念吧。
细节四：
瓦伦登发现他拍卖会上所卖的东西都是被芭比买下来的时候，他一个个的去揭开盖在那些物品上的布的时候，我在想第一个揭开的会是一件什么有代表性的东西呢，是他的画像？
还是什么？
最有可能的是他的画像，但画像却是最后一个被揭开的，而在这时瓦伦登的感情也一下到达了高潮。
细节五：
字幕的处理
多一句则多，少一句则少。
每句重要的话都用古老的无声电影的字幕的形式来展现。
在最后他们小区保安的话却没有用字幕的形式来展现出来，如果展现出来的话我想可能会很苍白吧。
处理的非常高妙，言辞的激烈都让观众去想象吧。
细节六：
影片在瓦伦登拿起手枪准备自杀的时候的字幕中出现一个”BANG“看到这里，我想每个观众的心都会揪一下，觉得事情的进程怎么没有按照自己的想象去发展呢，随后出现的画面是不会开车的芭比将车撞在树上迫使车停下来，发出了一声”BANG“又是一个巧妙的处理，画面结束之后一样的敬佩之情。
细节七：
瓦伦登要烧掉自己以前所有的影片，可见情感与一个人的行为结合的是多么的好，一个人要烧掉自己以前所有的骄傲，这是多么的令人可惜，同时烧掉的还有他一直放不下的骄傲。
在火烧起来的时候，他又竭力去保护一盘胶片，我一直在想他保护的那盘胶片是哪部电影呢，是他没落的时候自编自导自演的被人称为瓦伦登演而优则导的那部影片吗？
仔细一想自然又不是，电影没有急着去告诉我们，而是在芭比去医院看望他的时候由芭比打开的，瓦伦登从来没有用语言去表现他对芭比的爱，而是用生命去保护他们的回忆。
在感情表达方面：
如果在中国有这样一个明星没落的事情发生，应该会有一种世态炎凉的现象的出现，中国电影中的芭比可能会只顾自己的事业发展，也许早就会遗忘这样一个曾经帮助过自己的明星，看当今的影视圈和社会，每一个明星出了绯闻，或是有个人没落，人人”敬“而远之，免得惹一身骚，脱不了干系。
瓦伦登失败之后，还有一个芭比能无时无刻关注他，关注他的最后一部电影，关注他的生活，关注他的内心。
还有一条狗能在危难时刻救他的命，还有一个忠实的仆人科顿也在一直关注他的发展，而且赶都赶不走。
瓦伦登相比一些中国的明星他是幸福的。
在最后完美的二人踢踏舞表演中，震撼了所有的在场人。
他们的默契是深厚的感情积淀下来的。
在芭比说出"相信我，我觉得至少有一件事你应该去试一下"的时候，相信所有的观众在一瞬间肯定又在揣测他们会去做怎样的一个尝试呢？
最终的踢踏舞观众看完又会不禁想起以前的情节吧。
第一次合作，二人隔着幕布跳踢踏，那一次是瓦伦登在以一种玩笑的方式在努力的去带起芭比的热情，而最后，是在瓦伦登潦倒的时候，芭比以这样一种方式来赢回他的自信。
看这部电影，我们要忘记这部电影的成功与五项奥斯卡奖去感受一下内在的感情与电影高超的手法。
影片还有一个成功在于大多场景是无声的，观众不用去找翻译的版本就能看个大概，适合每个国家的观众去看。
感情和叙事也是符合各国观众的口味。
穿帮镜头:
有两个穿帮镜头，都不是特别的严重。
可以看一下！
《艺术家》：
用无声向电影致敬
在技术不断更新的现在，《艺术家》给了时下盛行的3D电影一个强有力的耳光。
电影是门严谨的艺术，当各种大片轰炸我们眼球的时候，这部法国电影却用最简单的方式带着观众穿越到了曾经光影世界中。
这不只是一次艺术的完胜，还是迈克尔·哈扎纳维希乌斯向电影最高的致敬。
电影的“国籍”虽然是法国，但它却讲述了好莱坞的故事。
故事开始于1927年，正是有声电影的起步，默片时代慢慢消亡的过度阶段。
众所周知美国是主导全球转向有声电影的三大国家之一，但是对于那些钟爱默片的演员来说，只有在无声的世界中才能体现自己的价值，于是风光一时的乔治也在电影变革和经济大萧条的双重打击下，一蹶不振，幸运的是，他在曾经迷恋她的影迷，现在已经是大明星的有声演员佩佩的帮助下，走出了低谷，重新回到了大银幕。
电影在完美的格调下总是有些许让人穿越的错觉。
《艺术家》实在是太真实了，即便它后期制作而成的黑白电影，但是迈克尔却极力的在各个方面让它还原上世纪20年代末，30年代初好莱坞的第一个黄金时代。
形式上，他采用了大量的灰色调，让电影看上去毫无瑕疵；故事上，简单的人物设置和情节铺排，综合当时各种主流电影的类型，甚至在服装、道具等细节上都还原了当时的风貌，这也让《艺术家》在艺术诉求和商业诉求上完美的结合在一起。
当然，《艺术家》并不是我们想像的那么艺术，它的形式或许大过于它的情感。
但是复古却是势不可挡的一种趋势，它好看不再于它拥有多么让人情绪起伏极大的故事，也不在于故事有多么的高深莫测，对于那些曲高和寡，喜欢研究《生命之树》的人来说，它显得太小儿科了。
问题就在于，《艺术家》并不是所有人都能拍出来的，能够在潜移默化中勾起一种怀旧的思绪，《艺术家》的艺术并不是集中在那些拿捏精准的摄影上，它抛给了我们一个十分值得思考的问题：
“电影，是不是必须很花哨？
”技术革新是好事，但是一味的追求技术，忘却艺术则是对电影最大的不敬，如果再深入研究一下这个问题，你才终究会发现这部电影是多么的高明，极简主义的《艺术家》狠狠的为当代的电影打了一剂强行针，在打破了时间的隔阂之后，《艺术家》用最古旧的手法还原了电影作为一门艺术在这个世界上存在的意义，这才是它最让人欣喜和动容的地方。
不得不提让·杜雅尔丹。
没有台词，单靠动作和表情，却十分精准的拿捏了默片的表演精髓，幽默、深层……在这个到处都是演技派的世界，他的表演让这部充满了怀旧气氛的电影锦上添花，你更是能发现一些吉恩·凯利、吉尔伯特·罗兰的影子，而能够在这个时代下奉献一出完美的默片秀，并在外表、神态、气质等各个方面上接近黄金年代的男星，或许也只有他才能做到了。
所以，这还不光是一次表演，还是杜雅尔丹用自己的方式向电影人们致敬，更用这种方式还原了表演的本质含义。
《艺术家》在简单的故事背后，隐藏着复杂的情感，它不是黑白默片那么简单，它所展现的电影工业的发展对世界，对个人带来的影响，导演把自己对电影情感转化成一种怀旧的形式，它就像是一封情书一样，充满了浪漫的香气，还具有高雅的格调，在欢笑和泪水背后，你会默默的起立为它鼓掌，因为它确实太出色了
无论作为影迷还是普通观众，我们必须接受的一个既定现实就是：
电影艺术发展至今朝，似乎没有什么可以阻挡“技术改变形式”的日新月异了。
尽管如此，大批资深“怀旧党”的存在，余留了让老式电影技术和形式“回光返照”的潜在市场，也使得像《艺术家》、《雨果》这样的致敬之作有了重返短期时潮的可能。
严格来说，《艺术家》不是真正意义上的黑白默片，它的模仿只能勉强算是流于形式：
默片的几大“显性要素”（黑白、无声、字幕注释，或许还有16帧的降格摄影技术）点到即止，让大体框架确是沾上了那么点时代沉淀的调调。
然而导演的新意与诚意却难抑现代电影拍摄手法的固有惯性：
影像中不断穿插着频繁的人物反打、精巧的机位移动、夸张的倾斜构图，甚至是诡谲的主观镜头，种种迹象无非彰示着一个令诸多默片忠实拥趸倍感失望的本质：
《艺术家》，不过是一部以默片躯壳哗众取宠的“达人秀”耳！
“魂”之不存，“形”将焉附？
但我不得不承认的是，就算《艺术家》的第一眼充满了“伪默片”之装13表像，然而作为一部产于2011年的电影，我依旧为它所展现出来的精巧特质而深深着迷，即谓“通俗而不庸碌、幽默而不鄙趣”。
《艺术家》的故事其实并不复杂，如果仅从剧情角度而言，它的黑白片前辈《一个明星的诞生》远比其要丰满不少。
然而《艺术家》的立陶宛裔法籍导演哈扎纳维休斯用他独特的智慧将这个老套故事编排得意趣横生，重点在于他把叙事的中心转向了人物塑造、而非事件本身。
在这样一部具有半传记性质的影片中，主人公George作为默片时代的大师级人物、具有与生俱来的肢体语言及表情功力，这也在很多方面反衬出了其日常生活中对于人际交流（以口头语言作为直接方式）的困难与不适。
女主角Peppy尽管出生卑微，但热情洋溢的个性及超乎常人的表现欲却助其顺应潮流而步步攀高。
这样的人物安排显然蕴含了十足的张力。
故事将叙述背景定位在默片至有声片的转型时期，而两位主人公正是这个背景下两股交接力量的缩影：
George代表着大势已去然气息尚存的默片之老朽年代，Peppy则是横空出世而蓬勃向上的有声片之新纪元。
人物间的邂逅、误解乃至摩擦，正如影史上任何技术大变革所必然经历的那段“阵痛期”、即便是当下3D电影的崛起也不例外。
而令主角纠结不已的个性根源——即其不善言辞的交际障碍，也在一定程度上以古鉴今、不失为对于如今后Web2.0时代社交病态普象的启示。
诚意与新意并重，让这部主打“复古系”的现代影片、同样焕发着内涵的时代意义，可谓既讨巧而又高明。
在《艺术家》这样一部“伪默片”中，人物形象的造化无法通过直接对白来呈现，这样独特的叙事环境也强调了以下两种电影元素的表现作用：
其一便是镜头语言。
虽然影片所运用的各种现代拍摄手段是对复古系的完全“越位”，然而丰富的镜语技法所营造的最终效果、无疑是使得这部形式上的黑白默片更容易被大部分现代观众所接受，正如故事中所表现的主旨一样、是“顺应时代的创新”。
倾斜构图视角的洒水镜面、人来人往的阶梯全景、放映机下的人影对峙、超现实主义特征的心理蒙太奇...不胜其数的场景创意，隐约中闪现着卓别林、希区柯克、奥逊·威尔斯、茂瑙、威廉·惠勒等等老一辈大师的经典印迹。
用丰富多姿而妙趣横生的镜头语言来覆盖黑白画面表现力的天生短板，这是《艺术家》作为一部“现代默片”的独特掌控方式。
其二在于演员的表演功力。
早在二十世纪二十年代默片盛行之黄金时期，演员可以说是大部分好莱坞电影中当之无愧的核心，其对于影片的主导作用远非导演、编剧之流所及。
由于缺乏直观的语言信息，演员的演技无疑是默片中最具感染力的一环，一个演员表演的精湛与否可以直接影响到电影内涵信息的传递、甚者决定其成败。
而又鉴于默片与现代电影的巨大形式差异，对于现代演员肢体语言及表情功力的超高要求实可谓最大挑战。
在《艺术家》这部影片中，饰演男主角的法国演员让·杜雅尔丹凭借自身丰富的舞台剧表演经验、几乎完美地适应了默片演绎特点，其灵活的挑眉、慈目的微笑、再加上一副充满幽默感的小胡子，潇洒韵动的舞步与优雅绅士的造型，仿佛令人恍见卓别林、金·凯利甚至是弗雷德·阿斯泰尔的英姿。
而女主角贝热尼丝·贝乔尽管在表情上略显夸张，但作为片中“后默片时代”的“新兴偶像”，其扎实的电影演艺功底还是助她发挥了情感拿捏精准的优点：
片中Peppy在化妆间单手穿进George表演装自我抚摸的桥段更是令人拍案叫绝。
另外不得不提的一个角色是，影片中男主角的那条宠物狗绝对是全作最大的亮点。
作为男主角George最为忠实的拥趸，这只杰克·拉塞尔梗不仅对主人体贴备至、其精湛的演技同样萌态可掬。
而在故事的高潮阶段，这条小宠物狗更是利用独特的智慧救主一命，勇猛与迅速的“英雄形象”，不禁让人联想起《丁丁历险记》中同为明星犬的“白雪”。
实际上，扮演宠物狗的“明星”Uggie早已经是饱经镁光灯的“老戏骨”了，如果不是因为世俗原因，个人以为Uggie的天才表现完全值得奥斯卡奖给他一座“终身成就”的小金人。
尽管黑白默片从字面上显然是属于“无声的艺术”，但是电影音乐其实早已作为一种辅助表现形式介入电影的放映之中，这点在《艺术家》中也有非常直观的描述：
银幕上是精彩绝伦的无声影片，但舞台下则有小型交响乐队的同时演奏。
而作为一部形式上的致敬之作，《艺术家》所运用的电影配乐充满复古情调，悠扬之中不乏戏谑、严谨之下不失活泼。
虽然借用了希区柯克《惊魂记》的经典主题配曲、一度令老牌默片明星金·诺瓦克打抱不平地惊呼被“墙尖”，但是从现代电影配乐的惯式来看，《艺术家》所原创以及引用的音乐与情节变化之间还是非常搭配的；尽管在节奏上还难以达到“精准”的地步，然而其丰富的曲风与典雅的格调还是会令大部分观众一饱耳福、留恋其中。
《艺术家》从剧情上来说是一部人物传记，主线在于默片明星George因顽固旧式而逐渐被时代抛弃、在其间不断自我挣扎、自我否定与自我蜕变的过程。
在这个故事的处理上，《艺术家》再一次讨巧了学院派，极力强化了人物一步步战胜自我的内容，这不得不说是一招保守的妙棋。
要知道，“自我纠结”似乎是近年来学院派比较青睐的剧情主题，一来稳保舆论话题与关注，二来为主角的演技发挥余留了极为可观的空间。
本片对于“自我斗争”主题的处理仍然属于老套路，频繁出现的镜面场景设计、心理幻像交叉剪辑、与男主角各种纠结和抓狂的表现，无不令人联想起上届奥斯卡的一部大热影片——《黑天鹅》。
心理分析元素在场景戏中的频繁穿插，使这部喜剧的不少片段也沾染上了些许惊悚片风格。
表面上看这些换汤不换药的惊悚渲染似乎已经在当今主流影片中司空见惯，然而对于《艺术家》这部形式上的默片来说，背后所影射的“交际障碍”之社会意义还是颇令人有所反思的。
关于《艺术家》中主角George“自我蜕变”的心理分析，这显然又是一个可以扯到天荒地坠的大论题，想及当年《黑天鹅》红透半边天时早已被各路豪杰评头论足到种种学术高界，对于这部异曲同工的《艺术家》，本人便不愿再多枉费唾沫。
言归正传，《艺术家》毕竟是一部喜剧、一部具有浓厚致敬色彩的黑白无声喜剧电影，剧情结尾的“大团圆”局面也完全印证了这一点：
顽固的George终于在自己曾经的对手Peppy的真诚相助下、重新回到了那个往日给他带来无限荣耀的电影舞台上。
尽管，与之前的作品相比，新片的内容仍是歌舞为主、并无语言上的突破；尽管，身边的舞伴、与眼前的制片人，依然是那些熟悉的面孔，但实际早已物是人非；尽管，对于昔日功成名就的George，他那强烈而执拗的自尊心仍会不时无理地反抗着；尽管，还有更多说不清道不明的障碍...但至少，George迈出了这属于新时代的第一步、迈出了进军有声电影的第一步。
好歹，让这位才华横溢又自恃甚高的“艺术家”，还不至于沦落为一个只供老人们凭吊的名词。
我非常欣赏电影对于这个结局的处理方式：
固定机位为主、剪辑为辅的歌舞片段呈现，充满了老一代黑白歌舞片的舞台感与平面感；最后一分钟彻底恢复有声电影拍摄，依次出现了喘息声、手势声、实体对白、走路声与人群喧嚣，在一个半小时的无声“压抑”过后显得弥足亲切而释然。
影片最后一个长镜头也颇具意蕴：
不断向后上方缓拉的大全景、渐觉升降机的实在感；宏观俯视的拍摄现场里，每一座模架、每一台仪器、每一束灯光、每一职员工、每一位演员...都实实在在地为着电影——这伟大的艺术形式——而各司其职、全力以赴着。
我相信，此情此景，会令每一位热爱电影的观众们有所触动。
想是，无论电影的形式如何日新月异，它那如虚若实的艺术本质、那魔术似杂耍般的光影魅力，始终会吸引着我们在这电影世界中无限沉醉。
毕竟对于我们观众，能够享受着银幕上奇幻的一切，即是最大的幸福了吧。
向电影工作者们致敬！
向为电影艺术发展作出卓越贡献的表演艺术家们致敬！
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