第一讲歌剧的特征与歌剧的诞生.docx

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第一讲歌剧的特征与歌剧的诞生

第一讲歌剧的特征与歌剧的诞生

一、歌剧的魅力

1、歌剧的主导是音乐，

歌剧虽是一门综合艺术，但是它的的主导艺术还是音乐。

一部歌剧离开了舞蹈、舞美、等，它可以被用做音乐会的曲目来演，而歌剧中其他门类的艺术很难独立演出。

试想一个话剧，有一段没有人物，没有台词，只有长时间的空舞台，那观众肯定是不允许的，后果是不堪设想的。

一部好的歌剧的音乐一定会营造出强烈的戏剧氛围，满足我们的听觉要求，使我们在歌剧的音乐中感受戏剧的力量。

2、歌剧是戏剧、诗歌和音乐的完美结合

所谓的戏剧语言在话剧中主要是讲演员的台词，它具有歌剧语言所不可企及的具体性和直接性。

无论是回忆过去的甜蜜的约会，还是梦想明天的盛大的婚礼，都得在真实的时间中去完成，演员与观众的感受是同步的。

但歌剧中的音乐是由音乐的自身规律所决定的，音乐的音响与语言相比，它本身是一种抽象的符号，它的语言表达是靠音符表达时值，节奏，旋律、和声等。

有人讲音乐是一种心灵语言，只能意会不能言传。

当这种心灵语言要转化成有形可感的形态，它就要与其他艺术结合。

比如就象歌剧中与戏剧诗歌结合，它变得不那么抽象了，能被我们听懂。

一部好歌剧，必然是戏剧诗歌与音乐的完美结合。

3、人声是世界上最美妙的乐器

人声比乐器优越的；首先它更直接来自心灵；其次它没有雷同，就像指纹一样每个人声音都与他人不同；再次它的音色更千变万化。

这就是为什么在听人声歌唱时人们更容易被打动。

在歌剧演出中你会发现在庞大的乐队交响中，竟没有一样乐器可以和人声的表现力相抗衡，当一个人或多个人唱出一种情绪时，它有一种原始的力量，这种力量直接被掷进我们的心理，时你无法不接受。

所以对于一个刚开始看歌剧的人来讲，歌剧的情节发展不如话剧发展的快，特别是在情节发展的紧张时候，主角往往会唱上一大段抒发情感的唱段，使初次接触歌剧的人不理解，但这正是歌剧的魅力所在。

4、歌剧是诸多艺术的结合

在歌剧中不光有唱有器乐还有有舞蹈和舞美。

像舞美中含概了绘画、雕塑与建筑的艺术，例如在《阿依达》把狮身人面像作为背景，图兰多特把中国的宫殿作为背景。

舞蹈用人体的形态展示人物的性格，像《卡门》中的几段舞蹈。

二、歌剧的诞生及其早期的发展

我们中国的歌剧——戏曲早在13世纪就有了，但西欧的歌剧却出现的比较晚，直到17世纪，即1600年前后才出现在意大利的佛罗伦萨。

因此，这种高度综合的音乐戏剧体裁的诞生在音乐史中常常被认为是巴洛克初期的第一件大事。

由于巴洛克与文艺复兴时期的交叠，以及歌剧的诞生与文艺复兴以来的人文主义思潮之间的密切联系，在有些教科书中，也常把歌剧的诞生放在文艺复兴的晚期加以论述。

西方歌剧的诞生可以追溯到古希腊时代的悲剧，其中除了演员，还有十多人组成的歌队。

根据16世纪的意大利文献学家和古文物研究家梅伊（GirolamoMei，1519~1594）对古希腊戏剧的研究，这个歌队除了唱，还需要有舞蹈动作穿插其间。

他相信，古希腊的戏剧实际上是从头唱到尾的。

中世纪的教仪剧在教堂里表演，它与神秘剧的区别就在于它是一种歌唱的戏剧。

例如著名的复活节教仪剧，表现三个玛利亚在耶稣墓前与天使之间的对话。

它是从弥撒仪式中的进台经附加段发展而采的，也被称为神迹剧。

此外，在12世纪希德加的道德剧中，除了魔鬼，所有的角色也是都要歌唱的。

13世纪法国北部游吟诗人的某些作品，例如阿莱的田园歌《罗班和玛丽昂的戏剧》实际上是可表演的。

这种体裁后来形成一种用音乐、诗歌和戏剧的手段表现乡村生活场景的田园剧的传统。

这种传统一直延续到16世纪，成为歌剧的前身之一。

在文艺复兴时期，带音乐的戏剧更充分地发展起来。

当时，有作曲家用牧歌的形式谱写一些诗歌中的戏剧性场景，或者用一组牧歌来描绘一些简单的情节，后者被称为牧歌剧（madrigaleomedy），意大利作曲家韦基（OrazioVecehi，1550~1605）和班契埃利等人都写过这种作品。

更重要的是，15世纪末，在意大利的一些宫廷里出现了幕间剧。

这是穿插在喜剧幕间表演的寓言剧、神话剧或田园剧。

到了16世纪，幕间剧在主题上逐渐与它所穿插的戏剧发生关联，或几个幕间剧可以连成另外一套情节。

所有的幕间剧都是带音乐的，特别是那些为贵族婚礼或其他重大场合而表演的作品。

这些音乐大部分是由装饰性的旋律和简单的和声伴奏构成。

歌剧的最直接的来源是16世纪末意大利北部的宫廷娱乐活动和在这种活动中产生的幕间剧。

应该提到的是在16世纪的佛罗伦萨，有一个热心音乐艺术的贵族他叫乔凡尼-巴尔第伯爵（GiovannideBardi，1534~1612），他在自己的府邸邀请文人艺术家聚会，形成了一个名叫“卡梅拉塔”（Camerata）的社团。

这个社团有很多当时重要的成员，如：

作曲家卡契尼、作曲家佩里（JacopoPeri，1562~1633）、文森佐·伽里莱（VincenzoGalilei，1520~1591，科学家伽里略的父亲）和诗人利努契尼（OttavioRinuccini，1562~1621）等人，从70年代开始，在巴尔第伯爵家中的聚会经常就人文主义和音乐方面的问题展开讨论。

人们从对古希腊和罗马的音乐思想（当时还没有发现实际的音乐例子）的研究中，看到了他们自己时代的音乐中的缺陷。

他们想仿照想象中的古希腊的音乐，创造出一种新的音乐形式。

在这些人中有一位希腊悲剧的研究者吉罗拉莫=梅，他对古希腊文献的研究和解释影响并启发了“卡梅拉塔”的成员。

他的主要思想是，古希腊的音乐是模仿语言音调或节奏的，它寻求声音在不同情感状态下的表现。

旋律是表现诗歌内容的载体，古希腊悲剧不仅只有一些诗歌与合唱，而是用歌唱贯穿始终的。

这些观点也反映在伽利莱的著作《古代音乐和现代音乐的对话》中。

他告诉巴尔第公爵，希腊悲剧的台词都应该是可唱的（声音穿透），而不是只有合唱才是音乐的。

而这种唱台词的音乐是单旋律，单旋律使歌词听起来很清楚，比起复调合唱的技巧性，单旋律歌很感人。

所以16世纪的音乐家和诗人门聚在一起，想象着悲剧演出的情景，渴望着也创作这种音乐戏剧。

他们尝试着写音乐戏剧，最早的一部音乐戏剧就这样诞生了1597年，名字叫[达夫尼]。

《达夫尼》是描写太阳神阿波罗初恋的故事，阿波罗杀死了巨蟒皮同后，向丘比特夸耀，丘为了报复，他借达夫尼的爱情来折磨阿波罗，达最后变成了月桂树使阿沉浸在深的悲痛中。

它的脚本来源于利努契尼写的一部田园剧，它的曲作家叫佳可波-佩里，是巴尔第很崇拜的作家，被现代人称为歌剧之夫。

佩里花了三年时间才完成了这第一部歌剧。

1598年的狂欢节，这部剧在科尔西家上演，后来又作过修改并上演多次。

它由一个序幕和六个场景组成，在第一场中，利努契尼利用了他在1589年所作的描写阿波罗杀死巨蟒的幕间剧中的材料。

虽然这部歌剧的脚本保存下来，但音乐却只残存了少许旋律和一首宣叙调的片断。

尽管如此，《达夫尼》中所确立的一些结构上的特点，被后来很多早期歌剧的作曲家效仿和采用。

例如，歌剧开始时总有一个序幕，由一位处于故事情节以外的角色向观众点出歌剧的主题思想。

戏剧情节总是基于古希腊和罗马的神话。

在紧要关头，总是由神的帮助来解决困境。

音乐上以独唱为主，但最后总以合唱结束。

巴尔第伯爵在1592年移居罗马之后，佛罗伦萨的另一位贵族、艺术保护人和作曲家科尔西（Ja-opoCorsi，1561~1602）成为佛罗伦萨文化团体的主要领导。

在16世纪90年代经常在科尔西家聚会的也包括佩里和利努契尼等人。

他们仍在继续探索如何用新的戏剧性音乐风格来创造一部新型的音乐戏剧作品。

1600年这个小集团有与作曲家卡奇尼合作创作了另一部音乐戏剧[尤丽狄茜]（这是一个很有名的歌剧，还有格鲁克和蒙特威尔第），这是西方音乐史上至今保存最早的歌剧。

它是为法国国王亨利四世的婚礼而作。

这部歌剧是由佩里和卡契尼作曲，脚本还是利努契尼作的。

它于1600年10月6日上演。

负责这次上演的人是科尔西。

这是他为佛罗伦萨的大公爵梅迪奇家族的婚礼而赠送的礼物。

这桩婚礼的新娘是公爵的侄女玛丽亚·梅迪奇，新郎是法国国王亨利四世。

歌剧的乐谱在1601年出版时，佩里把它题献给了玛丽亚·梅迪奇。

演出地点是在皮蒂宫内的一座私人公寓的小厅里，观众是经过挑选的，只有200名。

舞台布景很简单，伴奏乐器也很少。

主角奥菲欧由佩里担任，他是一个很好的男高音。

科尔西则担任了羽管键琴的伴奏。

卡契尼起初参与的创作并不多，出于嫉妒，他不想让他的宫廷歌手演唱佩里的音乐，并重写了其中的一些段（包括一些合唱和咏叹调）。

在出版的《尤丽迪茜》乐谱的前言中，佩里对卡契尼的创作也表示了认可。

这部歌剧包括一个序幕和五个场景，演出大约一个半小时，在结构上遵循了《达夫尼》的先例，只是把原来神话中的悲剧结局改成了大团圆，以适应皇家婚礼的气氛。

歌剧的情节大致是：

尤丽迪茜是奥菲欧所心爱的妻子，她和精灵们与牧童们在草地上采花跳舞，不慎被毒蛇咬伤致死。

精灵达夫尼把噩耗告知奥菲欧。

悲痛中的奥菲欧求教于维纳斯，在维纳斯的帮助下，奥菲欧到达冥府，乞求冥王，获准让尤丽迪茜起死回生，并带她返回人间。

《尤丽迪茜》的序幕音乐与《达夫尼》是相似的。

它们不仅使用了同样的调性，而且都使用于一些标准的旋律音型。

佩里也认为古希腊悲剧所运用的是介乎于说白和旋律之间的一种歌唱，他在创作中显然在努力“按照情感去模仿语言”。

他完全掌握了单声歌曲这种处于说和唱之间的宣叙调风格，自如地控制着情感表现的程度。

他在一些需要强调的音节上，通常使用较长的音符，并在低音强拍上配以协和和弦。

而在其他音节上，他则用较短的音符，更接近、说白，并使用弱拍上经过的不协和音。

不过，在某些需要突出情感表现的地方，也会有强拍上的不协和音。

在奥菲欧感情深厚的独唱中，佩里运用了许多无准备的不协和音、意外的和声进行、延留音和频繁的休止。

宣叙调一般音域不宽，但在一些表达失望的感叹词上，如奥菲欧唱到“你到哪里去了？

”时，佩里用了较高的音，而在唱段结尾想到死亡时，则转到了一个低音上。

《尤丽迪茜》首演，歌剧开始成为上层社会的一种高级娱乐，演出大多在贵族的宫廷里，随着1640年第一个剧院威尼斯剧院建成，歌剧很快在整个欧洲传播起来。

歌剧院成为各地名流聚会的地方，包厢象征着地位，华丽的衣服，名贵的装饰，尽显贵族的身份，所以今天在西方的国家，人们去剧院还是要穿者盛装，这已成为了一种常规。

（歌剧最早称为音乐表演的戏剧，作品“Opus”戏剧音乐“DramaperMusic

音乐剧作“OperainMusic”歌剧“Opera”。

在这一时期，西方还诞生了清唱剧

和康塔塔，歌剧与清唱剧不能混淆，清唱剧没有布、没有化装、没有戏剧表演

等。

而歌剧有台词、舞美、服装、化装有动作表演，有虚拟的空间。

）

三、歌剧的主要音乐形式

序曲（overture）在歌剧一开始由管弦乐队演奏的器乐曲。

作曲家常常在这里采用歌剧中重要咏叹调的旋律素材，并给以观众剧情暗示（如喜剧或悲剧性质、情节发展脉络等）。

有些较长的、独立完整的序曲经常在音乐会上演奏，但有的序曲则很短，实际上只是一个前奏。

最早是1607年[奥菲欧]的开场曲，用一首快速的音乐，目的是为了安定观众。

有些像中国戏剧中的开场锣鼓，与剧情没有联系，17世纪后期，开场乐曲成为较为固定的格式，一种三段结构的乐曲。

但作曲家们没有意识到音乐与歌剧内容要有联系。

直到18世纪下半格鲁克、莫扎特的歌剧序曲才与歌剧内容有联系。

那么序曲在歌剧中主要有那些作用呢？

由于歌剧中序曲的发展，使它成为独立的器乐演出，意大利的序曲是：

快慢快，法国是；慢快慢。

而一般交响乐的4个乐章是；快板、慢板、舞曲或回旋曲、很快的快板。

咏叹调（aria）歌剧中的独唱段落，用来抒发人物情感、表现演唱技巧。

是歌剧中最为重要的歌唱形式。

宣叙调（recitative）又译作朗诵调，是歌剧中用来对话和叙述剧情的、介于歌唱和朗诵之间的独唱段落。

在17、18世纪歌剧中，宣叙调和咏叹调是有明确区别的，通常是在宣叙调之后，才出现大段的咏叹调，但后来这两者的界限逐渐被打破了，宣叙调