巴洛克时期音乐的审美思考.docx
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巴洛克时期音乐的审美思考
巴洛克时期音乐的审美思考
开题报告
一，研究目的与意义
巴洛克时期的音乐是现代演奏会的先河。
节奏思想也在这个时代萌芽,也就是在音乐曲谱中加入小节线。
巴洛克时期的音乐，在现代起到广泛应用，巴洛克音乐的旋律富有表现力，追求的是宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果，主要表现形式为“通奏低音”。
巴洛克时期的音乐在同一个乐章之内的感情色彩都较少出现变化，而其具有对比的感情色彩的音乐情绪通常会出现在不同的乐章之中。
而其音乐作品中的力度多以层次分明的“阶梯式力度”为主。
由于巴洛克时期的音乐，其和声体系已羽翼渐丰，形成了以主、属、下属为中心的完整的大小调功能和声体系，因此，巴洛克时期的音乐多以大小调调式取代曾经风靡一时的“教会调式”，表现出旋律华丽、复杂、乐句长度不规整、乐曲中夹杂大量的装饰音和模进等音型、其旋律中体现出鲜明的和声属性的色彩等特点。
该时期的音乐曲调承袭了文艺复兴时期的音乐特征，即在音乐中塑造了或影射出一定的音乐形象，具有典型的象征性意义。
巴洛克时期完成了由调式体系向调性体系的过渡。
早在16世纪30年代前后，教会的调式体系逐渐解体。
在一首分段的乐曲当中，曲调回到一个主要的中心音高的手法，取代了过去调式前后统一的做法，向近关系调的离调取代了调式多声部一般的终止式。
巴洛克时期是音乐史上由早期音乐向近代音乐的一个过渡阶段，它在继承中世纪传统音乐的基础上，大胆地顺应社会现实的发展与变化，创造出一种新颖的、艺术感染力更强的音乐体系。
巴洛克的音乐虽然在不同国家的创作中呈现出千差万别的局面，但在总体上仍然显示出某些共同特性和社会功用。
研究整个巴洛克音乐的时代和文化背景，对于我们深入了解巴洛克音乐的美学价值具有十分重要的理论意义和现实意义。
巴洛克时期音乐形态诸要素的发展变化相互作用、协调统一。
总的来说，巴洛克时期的音乐形态的具有如下特征：
它的节奏特别强烈、活跃，短促而律动；旋律精致、跳跃且持续不断；作曲家普遍强调作品的情感起伏，以至于在创作时对音乐的速度、力度变化极为推崇；复调音乐风格逐渐向主调音乐风格转移；完成了由调式音乐向调性音乐的过渡。
音乐的时代特征在音乐美学理论上的反映，主要体现在音乐的审美观和价值观上。
音乐创作活动本身仅是一种寻求和不断发掘生命意义的过程，又是一种人的价值自我实现、自我生成、自我超越的过程。
“研究目的和意义”是巴洛克时期的音乐审美在当时以及对后世音乐的影响，因为这些才具有研究的价值和意义。
你文中所谈都是巴洛克时期音乐的特点，要和审美结合起来。
二，国内外现状和发展趋势
随着人类物质文明和精神文明水平的不断提升，人类在继承前人的音乐硕果的同时，也不断以新的方式、新的模式和新的途径传播、学习、理解和演绎着不同时期的经典的音乐篇章，这其中不断反映出现代人的思维模式、世界观、审美标准，也不断运用到现代化背景下所产生的先进的科技设备。
由现代人所演绎的巴洛克音乐也不例外。
首先，现代化发展背景下的巴洛克音乐的特点体现在音乐演奏乐器具有创新性。
科技进步使人类驾驭电子技术的能力不断提升，以电子途径制作声音由梦想转化为现实。
功能齐备、操作简单、使用方便、设计精巧的双排键替代了巴洛克时期的最重要的乐器———体积庞大、功能单一、制作程序繁琐的管风琴。
越来越多的现代音乐表演者使用电子乐器来演奏巴洛克时期的乐曲。
其次，现代化背景下的人基于当前的社会生活、社会文明特征的影响，对整个音乐领域的发展潮流所产生的具有时代气息的的音乐创作和演奏形式也在很大程度上影响着人们对巴洛克音乐的二度创作过程。
巴洛克时期的部分的音乐作品被现代人加以体现着现代音乐风格的节奏、旋律、和声，而出现了具有现代化特征的巴洛克音乐。
其节奏表现更为自由，和声色彩更为丰富，力度一改往昔的稳定，而频频出现显著的强弱对比，同一乐章中的音乐情绪也屡屡出现鲜明的变化。
巴洛克时期的音乐的华丽性在现代化背景下得以延续，甚至有的作品的炫技性特点被进一步放大，装饰音的使用频率在原来的基础上还进而演变为更为精彩、华丽的多连音形式。
第三，现代化的经济和社会形态也直接影响着巴洛克音乐的再度登场。
在世界工业化时代所产生的的录音录像设备，将人们欣赏音乐的场所从音乐厅、教堂转入了录音带、CD和DVD。
一成不变的，受人为预定影响的，既定电子环境之内。
这一环境的转变在一定程度上削弱了巴洛克音乐的临场即兴性效果。
第四，由于现代音乐十分注重表现形式，追求个性化的音响范围，和毫无约束的音响组合形式，是一种科学化的结构学与物理声学技术的综合体，表现出的是一种音响的艺术。
其中所透出的个性化色彩和理性思维直接左右着音乐作品的情绪、发展方向和表现模式。
这一音乐特性影响了注重感性和形象思维的巴洛克音乐，注重抽象表达的音乐本体，其中浓厚的感情的色彩与现代化音乐的音响艺术特征逐步交融贯通于一体，充分体现出了现代化背景下的巴洛克音乐特征。
在外国音乐史的教学与研究中，巴洛克时期音乐由于时间和空间都离我们太远，同时文艺复兴时期音乐内容介绍相对较少，因此,针对这一问题，从音乐特征、音乐代表性体裁、音乐风格、代表性音乐家等几个方面，对这个时期的音乐进行概括论证与讨论，这个时期的音乐对世界音乐发展起到了举足轻重的作用。
三，主要内容
（一）巴洛克时期
人类文化史将自1600年至1750年的150年称为“巴洛克时期”。
巴洛克一词的本义是一种奇形异状的珍珠。
由于巴洛克时期的音乐打破了对刻板、严肃的宗教式音乐的盲目崇拜，对文艺复兴晚期统治者所制定的繁复的清规戒律产生了强烈的冲击力，冲破了贵族式音乐的藩篱，逐步接近民众生活，反映出了一定的世俗思想的特点。
因此，在那个宗教高于一切的社会中这无疑会被视作排斥、打击的异类。
因此，以“巴洛克”所代表的作品受到了从17世纪到19世纪期间的深受宗教思想影响的社会各阶层人们的抵触和贬斥，由此引发的争议和讨论不绝于耳。
1888年，H•韦尔夫林在其所编撰的《文艺复兴运动与巴洛克》中，对“巴洛克”和“巴洛克风格”进行了深入研究，并就此作出了系统的论述，最终将“巴洛克”确定为“一种艺术风格”的概念，从而为这一论题定下了基本论断的性质。
随后的研究，人们虽然对“巴洛克”有了更为深入的研究，并在原有基础上再次赋予了它更新的内涵，但H.韦尔夫林的论断始终占据了主导地位。
（二）歌剧的产生与发展进程
巴洛克时期最重要的成就之一，就是诞生了歌剧这一音乐与戏剧相结合的综合艺术形式，它是文艺复兴时期音乐一书发展的成果。
在意大利，音乐与戏剧的结合己很久，民间早已有了带情节的歌舞表演，音乐是神秘剧、古典剧或喜剧、幕间剧等歌剧中不可少的穿插部分，以上种种因素都是歌剧在意大利诞生的基础。
文艺复兴后期，音乐从复调音乐形式向由一个单一旋律支配的主调音乐形式转变，这种新风格最早出现在声乐方面，由一个歌手在乐器伴奏下演唱，被叫做单声歌曲（Monkdy）。
这种新风格的成功是由意大利佛罗伦萨的艺术家们取得的。
他们经常聚集在文艺沙龙（Camerate，音译：
卡米拉塔）里，为改变音乐艺术仅限于为教堂的需要而服务的局面，摆脱教会音乐中“对位法”的专政而争论。
他们主张复兴古希腊的音乐剧，提出了一个崭新的思想观点——音乐必须加强词的感染力。
佛罗伦萨的人文主义者将音乐同诗歌密切联系起来，又通过诗歌同生活本身紧密联系起来，这样就逐渐出现了在简单的和声背景下，突出负荷诗歌韵音的朗诵或歌唱，它使人们能够感受到表达感情的内涵和懂得歌词的意义。
艺术家们效仿古希腊悲剧创立了歌剧这种艺术形式，力求将音乐与诗歌密切结合起来，用音乐加强歌词演唱的艺术感染力。
1597年上演了第一部歌剧《达芙尼》，之后又公演了最早的完整歌剧《尤丽蒂丝》，它在音乐上以独唱为主，剧中人物诗朗诵式地歌唱。
佛罗伦萨歌剧的人文主义思想内容和新的音乐风格引起人们的兴趣与关注，但其成长和发展却主要在威尼斯和那不勒斯，威尼斯乐派和那不勒斯乐派就是在这两个城市形成的意大利早期的歌剧乐派。
威尼斯一度是歌剧艺术的中心地，但N17世纪末18世纪初时，为了摆脱威尼斯歌剧的影响，又创立了那不勒斯乐派。
18世纪时那不勒斯歌剧的主要体裁是正歌剧（OperaSaria又译严肃的歌剧）。
巴洛克时期的正歌剧与当时的社会制度相适应，是以神话传说中的悲剧、中世纪的历史剧为主要题材，表现出一种严肃、庄重的风格。
它为王公们而作，是王侯们的娱乐品。
它的一个比较独特的做法是将男主角分配给阉人演唱、又称“阉人歌手”。
他们以富有技巧的美声唱法在欧洲风靡一时，巴洛克正歌剧还要求作曲家用乐曲描写出各种激情的内心状态，利用了宣叙调和咏叹调、重唱和合唱等艺术表现形式，并且将正歌剧的脚本确立为3幕布局的结构。
这一切都表现出了巴洛克时期的音乐获得了前所未有的戏剧表现力。
（二）“通奏低音”记谱法的成熟与运用
“通奏低音”又称“数字低音”，通奏低音至少需要有两名演奏者，一人用低音乐器演奏低音线条，而另一人用可以演奏和声的乐器填充和弦。
通奏低音演奏者在羽管键琴或管风琴上奏出低音声部，上面以数字标明（所以又称“数字低音”），它是此时期特有的作曲手法。
在键盘乐器（通常为古钢琴）的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字。
演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体，由演奏者自行选择乐曲的低声部和声，演奏者可作即兴演奏处理，而且出现了所谓“离心形音响构造”的音乐倾向，随着此记谱法的不断应用，这种记谱法被称为“通奏低音”记谱法，它是17世纪N18世纪中叶盛行的键盘乐器使用的记谱法。
（三）确立了大——小调的和声体系技法
巴洛克音乐经历了一项在整个音乐史中最有意义的变革，那就是以大——小调取代了教会调式。
大——小调体系的形式是几代音乐家共同蕴育的成果，它突出了在调内的各个音，也就是音阶上的音与5个变化音的区别。
巴洛克时期的作曲家们用音阶上的7个音表现无比的幸福，用半音和声表现痛苦的情绪。
从复调写作的卢乐转到和声配置的器乐需要一套简明的和声体系，故而复杂的教会调式让位给了大——小调调式体系。
同时，在向大——小调体系的转变中，有一个很重要的技术得以发展，17世纪人们发现如果将按自然律定音的键盘乐器的一个8度的音在一些音程的定音上稍作一些改变，就有可能演奏所有的大调和小调。
约翰．塞巴斯蒂安．巴赫（JohannSebastianBach）（1685～1750），德国著名的作曲家，1722年创作了两集《平均律钢琴曲集》，每集都包含分布在大、小24个调上的24首前奏曲和赋格曲，以此证明了12韵律的优越性（又称12平均律）。
（四）确立了乐器的发展及重要器乐体裁
巴洛克时期的作曲家都是受雇于宫廷、教堂或所属的歌剧院等，任何创作都难以按照自我意志、自我感受去构思作品进行创作。
然而，他们通过表演又接触到各阶层的民众，根据不同的需要去创作。
在器乐创作中将复调对位，主调和声手法与变奏因素、舞曲因素、即兴演奏因素以及各种乐器演奏技巧进行不同方式、不同程度的有机结合，发展丰富了器乐体裁和表现力，并且创立了奏鸣曲、协奏曲、组曲和赋格曲等重要体裁。
奏鸣曲和协奏曲是巴洛克时期主要的新的器乐的种类。
奏鸣曲这一名称最初是从坎佐纳而来的器乐合奏作品，后来它逐渐演变成从18世纪中叶至20世纪一直占统治地位的器乐演奏的一种形式。
对于小型合奏它演变成一系列独立的乐章，成为“教堂奏鸣曲”或“室内奏鸣曲”的舞曲组曲。
最突出的是“三重奏鸣曲”，由两把小提琴加数字低音伴奏，有时增加大提琴演奏低音，而数字低音由羽管键琴或管风琴演奏。
协奏曲在17世纪初用于器乐，有时也用于声乐。
是建立在两组不同音响的对比基础之上的协奏曲，体现了对比的原则和统一的原则，它同样也是巴洛克音乐的重要特征。
（五）乐器色彩功能的完美运用
巴洛克时期是有史以来器乐发展的重要阶段，这个时期的古典乐器被性能更为优良的新乐器所替代，例如：
六弦古提琴被更响亮的小提琴所代替，人们向往更加鲜明的乐器色彩。
作曲家们根据旋律来考虑问题，有时将弦乐器、木管乐器和铜管乐器安排在复调音乐中演奏相同的旋律，到后期作曲家越来越多的按音乐来选择乐器。
管风琴、拨弦古钢琴和击弦古钢琴是巴洛克时期苇要的三种键盘乐器。
巴洛克时期的管风琴音色清晰，具有纯净透明的音乐效果，这样更容易听清楚复调音乐。
拨弦古钢琴它能发出柔和、亲切的声音，虽然音量很小，但在有限的范围内可随按键的力度而变化音量。
作曲家们更加注霞各种乐器的特点和性能，并使它们的音色和性能有机的结合起来，使音乐能更加淋漓尽致地得到表现，更好的来体现音乐的表现力和审美能力。
（六）巴洛克时期音乐的节奏特点
巴洛克时期音乐作品中的节奏已有规律重复出现的重音为基础，以低声部为支柱，连绵不断的节拍是巴洛克音乐很多作品的特点。
节奏赋予巴洛克音乐以不断的动力，并产生一种生机勃勃的进行效果。
在声乐中旋律要表达歌词的情感必须按照语言的自然节奏，而在器乐中有的是用了舞蹈节奏。
由于低音用了舞蹈音乐节奏型，加强了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性，并且新乐器种类的出现加速了这个进程，其中以小提琴族系最为重要。
小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐。
主要分为：
自由节奏和律动鲜明规整的两种节奏。
前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终，这两种节奏常常也搭配使用。
（七）发展了旋律的扩展和力度的“对比”
音乐上连续扩展的原则是巴洛克音乐风格的要素之一。
音乐往往从一个单一的音乐形象开始，通过延长过程的展开给人以连续的运动的感觉。
在巴洛克声乐作品中，旋律总是要加强歌词的力量，一个单独的音节会在一个富于表情的旋律的所有音符上延续，音程的大跳和变化音的使用都是为了强调感情色彩。
古典——浪漫主义时期的音乐起伏变化明显，而巴洛克时期的音乐则不然，音乐在进行时通常采用相对稳定的音量，一段始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段，以此造成明暗对比的效果。
巴洛克音乐在德国作曲家亨德尔和巴赫的手中达到了顶峰，他们的音乐集中体现了这一时期的音乐风格。
他们二人广泛吸取了西欧各国作曲家的创作经验，创作能力惊人，作品数量众多，几乎涉猎了当时所有的音乐体裁形式，在声乐和器乐的创作方面取得了辉煌的艺术成就。
亨德尔长于即兴创作，形式变化不定，始终洋溢着挥洒自如的笔触。
巴赫完全精通了作曲技术，他将精炼而个性化的主旋律、宏大的规模、和声调的绵密力量等有机天才地结合在一起，在这一点上无人能比。
通过了解、聆听巴洛克时期的音乐，让我们在那深邃的音流中忘却尘界的纷乱，去体验感受那超越一般的喜悦与欢愉。
巴洛克时期的音乐是音乐发展史上的一朵奇葩!
（八）音乐风格
巴洛克是直接从文艺复兴进步的人文主义传统发展来的，约1600—1750年问在欧洲一些国家，首先是在意大利盛行的音乐与视觉艺术（建筑、雕塑、绘画）方面的一种风格的总称，也指艺术上这150年的特定历史时期。
巴洛克艺术为专制制度歌功颂德，也为天主教教会的利益服务，但是他又比文艺复兴艺术更深入人们的内心世界，更实际地进入人们的生活，它雄伟壮观，富于装饰性，既有高昂的气度，神秘的狂热和感人的情调，也有更加强调彼岸性的铺张、放纵与活力。
巴洛克时期的艺术，早期巴洛克音乐风格的主要标志，是从文艺复兴时期多声部复调转变为单一曲调与和声的单音乐。
（九）代表性音乐家
巴洛克音乐中最值得一提的是意大利佛罗伦萨艺术集团里对歌剧做出较大贡献的有雅格布·佩里（156l—1633年）和朱里奥·卡奇尼（1551一1618年），他们于1597年根据诗人林奴契尼取材于希腊神话的脚本而创作的历史上第一部歌剧《达芙尼》在贵族宫内成功首演，确立了歌剧的早期形式，以及对后来的歌剧、管弦乐合奏艺术的发展开辟了道路。
可惜这部最初的歌剧现已失传，保存至今最早的歌剧是这三个人合作写的第二部歌剧<尤丽狄茜》，这部歌剧于1600年10月6日在法王亨利四世与梅迪奇家族的玛丽亚的婚礼庆典中呈演，受到了热烈的欢迎，后来成为古典戏剧的典范。
蒙特威尔第（ChudioMonteve】rdi，1567—1642），音乐史上第一位能在今日国际乐坛享有声誉的作曲家，威尼斯歌剧的代表人物，对歌剧、和声学、交响乐的发展都有深远影响。
他的歌剧被认为是历史上的第一批歌剧，包括《奥菲欧》（）、<坦克雷与克罗伦达之战>、<尤里适斯回国>、{：
朴比的加冕>。
而其他很多作品已经遗失。
歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。
巴洛克音乐的精华集中在德国，以巴赫、享德尔为代表。
巴赫与享德尔同年出生，又都是德国最伟大的作曲家，但享德尔与巴赫风格全不相同，享德尔居住英国近50年之久，他的活动始终同英国民族相结合在一起，因此，英国人民普遍把他看作为本国的作曲家。
享德尔的创作活动历史很长，作品较多，他一共写了40多部歌剧，30部清唱剧、合唱曲、田园剧、室内音乐和古钢琴、管风琴曲等。
享德尔创作的最伟大的作品算是清唱剧，他的清唱剧大都借用《圣经》题材，如《弥赛亚>、《以色列人在埃及》等进行创作。
除声乐作曲外，他的一些器乐作品也很有特色，他为节日在露天演出的大型乐队而写的组曲《水上音乐》和《焰火音乐》等，都有鲜艳的色彩和乐观的气慨，他的一些协奏曲和为不同乐器而写的奏鸣曲，都有较为深刻的内容，反映了他面对生活的基本态度。
而巴赫的创作也是包罗万象的，创作上涉及除歌剧外的一切音乐体裁，其中主要的是各种类型的声乐作品，《马太福音书耶稣受难乐》和《b小调崇高弥散》是其代表作，除声乐作品外，巴赫还创作了许多器乐作品，在巴赫的器乐作品里，得心应手的领域是管风琴，此外，他的钢琴奏鸣曲和古组曲、大提琴独奏组曲，小提琴协奏曲《勃兰登堡》协奏随和乐队组曲，在他的器乐作品创作中都有其重要的地位。
巴赫虽没有创造新的曲体，但是他把当时还不完善和没有定型的一些曲体，例如：
托卡塔、赋格曲、圣咏、幻想曲、圣咏前奏曲等，加以总结发扬承上启下使之臻于完美，从而形成了结构上壮丽的形式。
因此，后人往往把巴赫看作音乐的创始者，有人甚至称他为近代音乐之父。
四、论文的主要阶段、进度及完成时间
1、2012年1月－2012年2月定论文选题，收集相关资料
2、2012年2月初－2012年2月中旬下达任务书
3、2012年2月中旬－2012年3月下旬查阅、整理资料、撰写开题报告
4、2012年3月下旬－2012年5月下旬论文撰写修改工作
5、2012年6月初论文答辩
五，参考文献
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