动画片赏析的心得体会doc.docx
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动画片赏析的心得体会doc
动画片赏析的心得体会
篇一：
如何分析一部动画片
安东尼奥尼式空间：
跟踪人物运动附带介绍空间的一种镜头语言形式
分析动画片的方法——主题、结构、人物、场景、景别、空间、机位、光线、影调、对话
一、主题正像其它艺术作品一样，主题是动画片作品中的灵魂和精华，也是我们为之迷恋的“精神家园”。
更是我们在看了一部影片以后，力图总结分析出来东西。
主题——是动画片中内容的核心与内涵；是动画片所要表现的主题思想。
动画片中的内容与主题，渗透和体现创作者的世界观，价值观，体现着创作者对生活的认识和情感。
动画片的主题往往是多元化的、多侧面的、多切入点的。
我们可以这样理解：
动画片的主题是动画片的动作和人物的内涵，是动画片的情节和事件的外延。
主题是编剧、导演的生活经验和体会的暗示，艺术作品的主题转化为形象时，是导演思想欲望的情绪宣泄。
动画片的主题并不是我们在看完动画片以后所总结、归纳出来的“心得体会”、“社会意义”和“思想价值”。
而是动画片创作者的目标追求和灵魂净化。
通常理解动画片主题应该包括如下两个方面的层次：
1、影片的内容或者是影片的作者力图告诉我们什么。
这一点我们从影片的叙事中、人物中可以清楚的看到和感悟到。
它不是抽象的符号，也不是概念的堆砌，而是体现在充满视觉造型特点的银幕效果上。
2、通过对动画片的主题、立意及影片的整体视听形象表达理解，我们感悟到了什么。
主题虽然是影片所表达的创作者对生活、对社会的认识、态度、情感和审美观念，带有明显的个人主观色彩和风格样式，但不会是纯主观化的东西，一定是一种个人生活的感悟。
对于动画片作品所表现出的主题，我们要全面的理解，切记不能片面化和简单化。
艺术作品的最大特点就是用一件最普通的故事，宣扬一种极有意义的思想，折射出丰富的思想内涵，照耀和抚慰人们的心灵，从而提高和净化人们的精神境界。
在分析、讨论影片主题的时候，往往为了更为深入地了解作品的主题，领会导演的创作意图，应该查阅影片相关的文字资料，必须做如下十个方面的准备工作：
1）这部影片是改编自哪一部文学作品（名著）？
原著作品中作者表达的是一种什么样的主题思想，时代背景，人物形象？
作品传达了一种什么样的精神世界和情感效果？
2）这部影片的导演曾经导演过什么作品？
他（她）一贯的创作风格是什么？
在这一部作品中，采用什么样的手段、方法、风格、样式来完成影片叙事及主题表达？
3）这部影片属于哪一类型的风格样式？
同一类的影片思味都有哪些？
它们之间各有什么区别？
4）描述一下，在这部影片中哪一些情节、场景、细节对影片主题的表达有特别重要的作用？
你能否做到准确、生动、完整地表达出这种心理的和艺术的感觉？
影片中哪一些东西令你激动的回味？
5）关于这部影片的事件、背景、人物及大众传媒的相关报道你知道多少？
6）从动画片赏析的心得体会）你个人的专业、性别、年龄、文化、修养、价值观、道德观出发，你是怎样认识这部动画的？
或者你认为这部影片处在一个什么样的水平上？
7）在一个什么样的层面上，我们认为可以充分理解影片所要表达的东西，理解导演所要表达的思想，我们基于一种什么样的出发点？
8）我们在视觉生理上和审美心理上多大程度对影片产生认同和共鸣？
9）影片中你认为最优秀的，最值得你学习的是什么？
影片中的风格样式、叙事结构、造型风格、手段方法、影像效果、人物塑造，哪一些是让你最感兴趣的东西？
10）对于这部影片除了大多数公众的意见以外，你有什么不同的意见和看法？
你认为影片中最大的不足是什么？
上述十个问题，基本上可以帮助我们加深对影片的理解。
重要的是，我们观看了一部动画片，就要思考我们的感受，感悟到的东西。
要反复地、深入地分析这种理解和感受，解释出对主题的认识、感受、理解的原因。
主题不搞清楚，分析就无法透彻。
关于影片主题的分析就形式而言，文章阅读、段落拉片。
同学间讨论和分析写作都是非常好的学习方法。
二、结构
影片分析中对影片结构的分析是一个非常重要的工作。
在我们的影片分析中，大部分同学经常会忽略分析影片结构，甚至，根本不去关注。
其实，动画片的结构是最重要的艺术形式之
一。
结构——是影片的组织排列的方式和叙事组合的构造。
影片的结构，框架，就是电影的风格。
导演根据影片的主题、内容、人物塑造的需要，运用各种手段、方法，将各诸要素合理、有机、完整地组成一个视听整体，达到艺术上的统一。
影片的结构分析是影片分析中的系统工程，我们认定的动画的结构分析应该包括：
剧作结构分析：
剧作的分析主要是对动画的情节设置，情节的组织进行系统的分析。
从动画片的创作规律研究表明：
戏剧性结构的动画片无非是无数件有因果关系、有内在联系的事件，有机地、有目的地安排在一起，最终构成一种结局。
纵观世界各国故事片动画片的样式，动画片的叙事结构、剧作结构及故事的结局基本是四种存在模式：
A、情理之中，预料之中；b、情理之外，预料之中；c、情理之中，预料之外；d、情理之外，预料之外。
但无论哪样的一种结局，都会充满了“因果关系”“偶然关系”“必然关系”和“戏剧关系”的味道，都会有一种人为主观的因素。
非戏剧性结构的电影，在表面构成上，会更为随意，更为自然和偶然的，许许多多的事件被十分有机地，有意地排列在上起，往往在影片的最后形成上，无非是形成两种模式“n个体无意识形成集体的有意识。
情节结构分析：
情节的分析主要是对动画片的情节安排在排列方式上的整体分析。
传统的电影情节，往往是顺序型的，线型的排列关系，现代电影的情节则更为复杂，更为混淆。
但电影的情节和细节是影片结构的重要组成部分。
电影的叙事情节，在总体上构成影片的框架；电影的细节与元素构成影片的内容；电影情节的推动，一般不依靠外部的力量，而着重依赖于人物的动作和细节的设置。
电影情节的编排，往往是依据于人物的心理线索和发展。
以往的“戏剧式”电影叙事，对于精巧的外部情节的设计和设置是十分依赖的。
现代电影中，对于叙事中的细节越来越重视，用细节的动作和细节的场面积累来推动情节。
这种电影的特点是：
重视细节的强调，重视细节的重复，形成影片内在的结构，注重细节的日常化和形象化对人物的塑造和对情节的帮助。
总体来讲，影片的结构是导演风格和主题思想表达的最重要的手段。
经分析发现，电影的叙事结构、剧作结构，可以是多种多样的。
但是，影片最终结构的选择与确定，一定是有利于影片的主题，有利于人物的塑造，有利于风格的体现，有利于叙事的多样化。
三、角色
动画片中的角色，是动画创作的核心。
反过来讲，角色的塑造，是动画导演创作的重中之重。
我们对文学的理解是“文学是人学”“风格即人”。
同其它的艺术形式相比较，动画的创作也是紧紧地围绕塑造典型环境中的典型角色展开的。
可以这样认为：
动画中的角色是叙事的核心，是矛盾冲突的核心，是影片造型的基础。
对于动画的基本要求，我们希望是在一系列的场景中，事件中，动作中，对话中看到的不是普通的人，而是鲜活的、有性格的人物。
世界电影中的常规情况是，观众对于电影中的人物（其实是对演员）感兴趣，对于电影中的故事感兴趣，对于电影的主题感兴趣，才会全方位的对电影给予关注。
我们在分析动画片时，对角色的分析应该把握住如下问题：
1、分析角色在影片中担当的任务：
我们理解的电影中的人物，往往是片中由导演创造出来的“人物”十社会形象的综合感觉。
人物有时候是一个具体的概念，有的时候是一个抽象的概念。
片中的人物是叙事的主体；是故事情节中的主要情节的发动者和承担者；有的时候，片中的一些人物对情节并没有特别大的帮助，仅是一种“象征”，是一种“符号”。
2、分析影片中人物的表现方式：
电影中的人物表现，不仅仅是影片的整体叙事及情节，也不在于其出现场影的多少，对白台词的多少，镜头数量的多少，而在于具体表演、表现的方式。
大体有如下四种方式：
1）角色外形表现：
影片中的角色的外形，是影片角色的重要的性格特征和重要的视觉信息，在影片的制作过程中，更为重视其造型的处理。
影片中的角色外形不但要符合影片的叙事，还要有鲜明的特征。
2）角色景别表现：
某一个角色在电影的表现中，有时更多的是用某一种特定的镜头景别处理。
其目的是想充分地利用镜头的景别，着重对人物进行心理、情绪、表现的描写，即使是某一个角色用多种景别处理画面，或者是众多的角色分别用不同的景别加以表现，也是要对角色进行性格和心理的刻画。
3）角色形体表现：
电影叙事和场景中人物的形体方式处理，大多数是经过导演和演员精心设计的。
因为，人物的形体处理的方式和状态，不光是为了叙事，为了场景，更多的是为了人物形象的塑造，甚至是为推动影片的情节。
4）角色位置表现：
动画片画面构图中的角色位置，无论是在影片风格，画面效果人物塑造上都有其特殊的意义。
在具体画面处理的方式上，有的角色在画面上是居中处理；有的角色在画面上是居边处理；有的角色位置干脆是不规则的卡头卡脚处理。
从影片的宏观上分析角色的表现方式，在影片的创作过程中，一定是导演十分重视的技巧与元素。
通过这种细致和量化的分析，我们可以进一步了解影片的风格、画面、效果、技巧、结构和导演方法。
3、分析角色动作的表现技巧：
动画中决定角色动作的重要因素是环境、事件和规定要求。
作为导演，对于角色动作的简单表现和复杂表现，在影片的叙事风格上会产生不同结果。
那么，核心的问题就是导演采用什么样的镜头技巧来反映和表现这些角色的动作。
这时叙事中的角色动作成为了内容，镜头处理表现技巧成为了形式。
我们在分析影片的人物动作时，讨论人物动作本身的存在形式和动作方式，仅仅是我们分析人物的一个方面。
更重要的是，同时我们要分析影片的镜头中和段落中采用什么样的具体镜头技巧（方法），来表现此时此地的人物动作。
导演在实际创作和拍摄处理上，可以是用不同的镜头技巧（方法），拍摄和表达不同的人物动作，也可以是用相对固定（一样）的镜头技巧（方法），表达同一的动作和不同的动作。
如果是采用后者的处理方式，就会产生影片人物动作镜头技巧（方法）处理上的特殊风格。
（一）画面内容的逻辑性
（二）动作衔接的连贯性（三）空间组合的方向性（四）景别角度的和谐性
（五）影调色调的统一性
A1）中景：
一教室大门，下课铃声响2）中景：
教室内，学生起立离开座位3）近景：
学生走出教室门4）全景：
操场上挤满了学生5）近景：
几个女生踢毽子6）近景：
几个男生打乒乓b1）全景：
空荡荡的操场，下课铃声突然响起2）近景：
笑嘻嘻的学生从教室蜂拥而出3）特
写：
操场乒乓球桌旁，一男生手挥球拍喊另一同学4）特写：
一同学跑着穿过花花绿绿的人群5）近景：
几个女生在踢毽子6）全景：
操场上挤满了喧闹的学生
通过上述两组画面的比较可以看出，A组画面由于景别的单一和画面语言的死板，没有把中学生那种活泼的精神表现出来，从而使画面的表现力显得不足；b组画面较好的运用了景别上的差异和画面主体的表情，使学生的青春气息跃然纸上。
同样，画面上的过分渲染和夸张也会破坏画面的意境，影响表达效果。
起幅落幅运动过程运动镜头的构成
在画面设计中把握画面语言所产生的对人心理上的引力,我们将这种力称为画面的“张力”，“张力”是由画面主体性质和画面之间的组合关系而产生，是引导观众注意的焦点。
农庄，一条静静流淌的小溪。
溪旁，一只小鹿正低头饮水。
从远处农庄传来人们干活的声响，小鹿抬起头。
一个半大小孩拿着枪从家里出来，蹑手蹑脚地靠近溪边的小鹿。
小鹿掉转身子。
小孩藏在灌木丛后，举枪瞄准。
小鹿没有发觉，仍低头吃草。
蓦地，传来得得马蹄声，骑马人从画外飞驰而来，小鹿惊起，逃走。
小孩扫兴地直起身，望望远方，转身向家里跑。
分析场景中、镜头中人物的光线形式：
按电影的常规分析，场景中、镜头中人物的光线的形式应该有其相对的设计性、独立性、形象性、鲜明性。
人物光线的形式，除了受到场景、空间、环境、光源的位置、方向、性质的影响外，还要受到影片的主题、内容、风格、样式、叙事、情节和导演处理的制约。
有的时候，为了达到人物形象的塑造，赋予影片中某一个人物以一种特定的光线形式。
只要这个人物一出现，这种专门设计的光线的效果就存在。
蒙太奇是电影语言最独特的基础，它意味着将一部影片各种镜头在某种顺序和延续时间的条件中组织起来。
（马赛尔·马尔丹：
《电影语言》）
蒙太奇不是用连接在一起的画面来叙述思想，而是要通过彼此独立的两个画面的冲突而产生思想。
（爱森斯坦）
库里肖夫实验脸（特写）+一碗汤脸（特写）+一个小孩脸（特写）+一具棺木
流畅＋连贯
“作出一次流畅的剪接，意味着两个镜头的转换不致产生明显的跳动并使观众在看一段连续动作的幻觉不致被打断。
”[英]卡雷尔·赖兹、盖文·米勒：
《电影剪辑技巧》
“必须注意上下镜头间具有有效的连贯性。
[英]欧纳斯特·林格伦：
《论电影艺术》
打斗场面：
1、A和b在小巷中的全景镜头，A高大的身型明显和瘦小的b形成对比2、小巷中的猫或乌鸦在盯视他们3、A以恶狠狠的表情瞪视b4、b带着不愿意退缩的表情看着A5、A挥起拳头6、猫转身跑开或乌鸦大叫着飞起7、A的拳头打在b脸上的镜头8、b吐血倒在地上
状语镜头1：
A和b在小巷中的全景镜头，A高大的身型明显和瘦小的b形成对比
状语镜头2：
小巷中的猫或乌鸦在盯视他们
主语镜头3：
A以恶狠狠的表情瞪视b宾语前置镜头4：
b带着不愿意退缩的表情看着A谓加定语镜头5：
A挥起拳头补语镜头6：
猫转身跑开或乌鸦大叫着飞起
谓语镜头7：
A的拳头打在b脸上的镜头补语镜头8：
b吐血倒在地上
画面内容逻辑性组接中常用的基本关系：
层次关系视线关系并列关系平行关系对比关系隐喻关系因果关系意外关系
场景
场景——是影片叙事的基本载体和影片特定的空间环境。
场景——是影片重要的造型元素。
动画场景，可以是现实空间环境，也可以是非现实空间环境，但是，这两种场景的存在，都
要求要体现和反映剧本中规定的情境。
通常的，影片中场景存在的方式和种类，大体上可以划分成如下六种：
1）内景——在摄影棚内，专门为影片的拍摄搭制的人工场景。
这种场景的空间有限，拍摄的环境完全要布置，光线的处理可以比较细腻，拍摄不受自然条件的限制。
2）外景一大自然中自然景观的场景。
这种场景的空间比较广阔，往往要选择局部进行拍摄，或者是对局部进行加工才能拍摄，由于受自然光线的限制，光线的处理要选择光线的时机。
3）实景——人类居住和活动的自然建筑的场景，这些场景的存在，往往不是为了影片的拍摄。
这种场景空间十分真实，具有生活的气息，但是，有明显的建筑结构关系，拍摄起来也受一定的限制。
4）场地外景一为了影片的拍摄，按一定的比例，专门在选定的自然环境中人工搭制的场景。
这种场景的空间比较合理，符合影片的拍摄要求。
但是对总体美术设计的要求比较高，也会受到自然光线的限制。
5）特技合成景——人工搭制的，用于配合特技拍摄的小比例人工场景。
这种景一般是模型的景，需要与实际的自然场景拍摄在一起，美术设计的透视、比例十分的重要。
6）计算机模拟景——利用计算机（数字）技术创造的虚拟现实的场景环境。
电影场景的构成有如下的几种特点：
1）影片的银幕空间是由多种类型的场景以不同的顺序和方式组成的。
2）同一场景内，可以开展和表现一场戏，也可以开展、表现多场戏。
3）一场戏可以在一组场景或多组场景中展开。
4）影片中的场景的视觉效果，参与影片的叙事和造型，从而推动影片情节的发展。
5）场景的变化越来越趋向于多元化。
6）影片的构成上，场景交替变化、交替运用越来越频繁。
7）特技合成，虚拟现实的场景的出现和使用越来越广泛。
8）影片中的场景在视觉造型和视觉风格上越来越影响和决定影片的风格。
动画电影场景，首先是一个空间的关系，它规定和制约影片某一个段落的人物、叙事、动作对话的构成与处理。
场景是一个宏观的概念，也可以是一个具体的概念，例如：
操场（街道、河边、厨房、卫生间、车内。
影片中的场景，可以有地域的限制，也可以没有地域的限制。
一幢郊区的别墅，严格的意义应该是一个场景，但是，在具体的拍摄中，室内的戏和室外的戏，我们在拍摄和表述上往往又分为两个不同的场景。
电影场景其次有一个时间的关系，它规定和制约这个场景所表达的叙事、动作的时间关系。
正如我们经常讲的：
就影片叙事而言，换镜头就是隔时间；换场景就是换时间换场景就是换空间。
通过拉片和影片的分析我们发现，电影中场景的选择、利用、排列、构成，会影响到以下几个问题：
1）场景决定影片的风格：
场景的选择和具体的运用，在宏观上就决定了影片的叙事风格和造型风格。
我们常常讲：
外景利于影片的气氛。
内景利于影片的光线运用；实景利于影片的空间表达。
外景出意境，内景出戏，实景出调度。
2）场景影响影片的空间感觉：
电影中外景的出，现，无论场次的长短、多少，都会在影片中形成一种整体的空间规模。
感觉和效果。
而在内景的拍摄中，我们会有一种与之相反的感觉，显得影片空间变化较多，但不完整。
3）场景制约人物形象的塑造：
电影中外景的应用，使得人物的表达更为有环境依据，使人物在叙事上更有可信程度，更有利于人物形象的塑造。
内景的应用，优化了摄影的造型元素，在视觉上更有利于人物的塑造，更主要的是有利于人物的“戏”的表现。
4）场景关系影片的影调构成：
由于影片中场景的有意识、无意识的变化，影片中的地调关系会有很大的变化，可以构成影片的不同场景的不同的初调效果。
5）场是决定一段叙事情节的完整：
电影中的一个场景可以清晰、明确地完成一个相对独立和完整的叙事情节，也可以仅仅是表达叙事情节的一个小小的部分。
在电影的制作过程中，
篇二：
动画片赏析之观后感
动画片观后感
观看完前面的五部影片，虽然都是出于不同的国家，但是都体现了一个国家的科技文化高度发达，印象深刻的是美国梦工厂发行的《chicken,run》，太不可思议了，出现在影片里面的都是用黏土拈出来的，体现了美国的科技发达。
《超人总动员》整个影片中完全没有音乐，都是任务动作方面的突出，达到视觉上的享受。
在《天空之城》中，优美的音乐和画面频繁出现，让你有身临其近的感觉，更能体会影片要表达的情感。
而在《千与千寻》中，音乐优美，但有些画面却是极其的恶心（例如，刚开始河神出现时的模样）。
《千与千寻》和《天空之城》中男女主角虽然是小孩，但思维和行为等却是那么的成熟、稳重，而《超人总动员》中的小孩却都显得那么淘气、小孩子气。
虽然这些动漫当中，有些情节、动作之类的似乎和现实不太符合，这样却可以看出这些制作商的丰富想象，他们超越了一般人类的思维，想象力极其丰富、特别。
《花木兰》，流露着中国气味（开头木兰相亲的那部分）的美国动画片。
总之，还是对《千与千寻》和《天空之城》印象更深刻。
看完《千与千寻》后，突然想把它和《天空之城》比较一下，所以我又重温了一遍《天空之城》。
虽然二者都出自日本动漫家宫崎骏，但两部影片中的人物性格、环境等还是有一定的区别的。
下面就从三个角度来比较一下这两部影片。
一、女主角：
千寻与希达
相同点：
她们在影片中都是一个美丽、可爱、善良，坚定执着的小女孩，她们在影片的开头都表现得非常的胆小，但是随着故事的发展，为了她们爱的人和爱她们的人，她们变得不再胆小，她们变得勇敢了。
她们都有着童真和同情心，富有牺牲精神和勇气，在接近故事的结束都经历过很长的艰苦磨难。
最后，她们都感动了“巫婆”（汤婆婆与海盗婆婆），并与“巫婆”成为了好朋友。
不同点：
千寻是现代孩子的代表，给人以真切感，在片头的表现很棒，比她父母理性（进入“死亡城堡”看到丰盛的食物却不随便吃）。
她在经历磨难前后面貌行为等都变得不同了，磨难前娇纵、胆小、任性、脆弱（从她和父母进入“死亡城堡”时候的表现就可以看出来），磨难后独立、勇敢、自信、坚强（从她在拯救父母和白龙的行为看出），很会包容（最终接受了无脸男）；希达是童话般的人物，身上富有童话色彩，温柔恬静，且在磨难前后变化似乎不大，虽然也有些小变化，比如在面对机器人时，她的行为表现得有所不同，由害怕转变成信任。
身为拉普达的公主，似乎刚开始对海盗的粗俗很不习惯，（从她与巴鲁在
海盗飞艇上的谈话可看出，她还很担心巴鲁当海盗）到后来才喜欢上他们。
另外，希达在影片中还表现了一种不喜欢金钱，为了维护家园而宁愿毁灭它的气概。
二、男主角：
白龙与巴鲁
相同点：
他们在影片中都是一个善良，体贴入微的小男孩，他们都很会照顾女孩子，勇敢，富有牺牲精神（表现在他们为了女主角可以不顾一切）。
不同点：
白龙在观众眼里自然是很帅的，说巴鲁帅的人似乎不太多。
白龙可以变成龙，且是河神，而巴鲁是个普通男孩。
白龙似乎自始至终都很会照顾女孩，温柔体贴，和蔼可亲，同时很内敛，性格冷酷、沉着、冷静；巴鲁刚开始不是很会体会女孩的心思，直到被海盗婆婆批评才恍然大悟，性格外向、大方、活泼，勇往直前，也有点马大哈（带上飞行石后就直接往下跳，好有胆量！
）。
三、环境
相同点：
两部影片中都出现了优美的音乐，而且画面唯美（花的海洋和天空之城），都出现了高科技的迹象（会走路的照明路灯和“蝗虫”式的飞行海盗船）。
不同点：
《千与千寻》的有些画面令人作呕（河神出现的时候满身污泥和垃圾，全身散发恶臭），而《天空之城》中呈现的画面都一直是比较唯美的。
《天空之城》中故事大部分都发生在森林自然界，有点科幻色彩，也有点神话色彩，还有点欧洲工业革命时期的味道，诸如高架铁轨上的旧式火车，黑漆漆的矿洞，飞空艇，像泥塑的机器人等等；而《千与千寻》中则大胆地起用了现代都市背景，同时故事的主要部分不是在森林，而是安排在一个日本古时期的澡堂。
最后说一下，我还是喜欢《千与千寻》多于《天空之城》，除了上述的比较外，也还有许多说不出的理由吧！
篇三：
动画赏析
浅谈动画人物造型设计中的技术和艺术
城规1111班
沈烨1120102122
建筑与城市规划学院
动画是一种综合艺术门类，是工业社会人类寻求精神解脱的产物，它集合了绘画、漫画、电影、数字媒体、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身的艺术表现形式。
动画角色在造型设计中要注意艺术和技术两个方面的要素。
首先动画作为人类精神活动的产物，其艺术的成就往往是动画成败的重要影响因素。
动画人物造型设计的五项基本要素分别是：
夸张与变形，纯化，体面、动态、个性，幽默感，民族风格与时代感。
首先，夸张与变形能使角色的特征更加鲜明、更加典型且富有感情，并有着加强叙事和传情的效果。
自然形象是自然界中存在的为人们所知的形象。
这其中包括头像（五官及脸型）的夸张、神态的夸张、形体的夸张、服饰的夸张、色彩的夸张、性格或动作的夸张。
非自然形象是指自然界中不存在的人为幻想的形象。
是自然形象通过夸张与变形后的一种极致。
纯化是动画造型的基本特征。
纯化应是更高层次的简化，也就是以最简洁的造型语言表现出丰富的内涵。
单纯简炼的造型，会使视觉信息的传达更明确、直接。
动画造型与其它绘画造型艺术的不同之处，在于它是多体面的展示，而非单一体面的表现。
同时，动画造型的个性不单体现在静止的形态上，更重要的是它是动的图画。
造型只有在运动中才能使个性得以完整体现。
幽默感可以说是动画艺术（造型和故事创意）的灵魂。
许多对手戏的设计都以对比和让人意想不到的方式突出趣味性。
幽默的表现是动画造型设计的最难点，它是智慧和灵感之光。
动画中的幽默感需要通过生活、知识的长期积累，需要创作者用心去体验、感悟，同时体会到较高文化层次上的愉悦。
在信息交流（包括艺术交流）日益迅捷的今天，各国、各民族、地域的文化艺术已相互渗透，艺术创作很难说是仅仅表现纯粹本民族的风格样式，或多或少均都吸收了其它艺术的营养。
动画中的角色要做到符合剧本和生活的真实性，符合故事中规定的情景和人物的个性特征，要作到与镜头空间环境的造型风格协调一致，更要适应动画片创作规律，以及动画片特有的技术条件要求等。
优秀的动画角色设计可以给观众以美的享受，设计精美恰当的角色才能将情节表演的更为生动、精彩。
另外，角色设计的过程中还有5w的原则。
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指我们设计的角色是一个什么样的生命体。
是像人一样的二足生物，还是四足怪兽，像章鱼一样有触角吗？
昆虫的躯体？
这些问题可以让我们对角色的外形有个基本的确定。
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