经典干货大师镜头低成本拍大片的100个高级技巧之打斗及追逐镜头设计.docx
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经典干货大师镜头低成本拍大片的100个高级技巧之打斗及追逐镜头设计
【经典干货】大师镜头——低成本拍大片的100个高级技巧之打斗及追逐镜头设计！
这本书能给你灵感，让你有冲动去尝试那些复杂的、创意十足的镜头。
书中引用的例证全都来自**，那些设备是你买不起的，钱也是你花不起的，但没关系，我们就是想告诉你，只要有一台手持摄像机，你也能拍出同样惊艳的效果。
因此，我没有浪费口舌建议你选择哪款摄影机，或哪款升降机，其实也没有这个必要，已经有很多人写过相关的书了。
在过去的几天里，我一直在跟我的摄像师跑外景，设计我的第一部剧情片。
我们目前的计划还很粗糙，但也给拍摄留下了更大的创作空间。
如果你正想拍一部电影，这本书一定能给你一些帮助，如果你在拍摄时迫切需要一堂灵感的话，你也可以听听书中的建议。
我已经在影视行业工作了快十年，可让我吃惊的是，当我着手拍我的第一部剧情片时，这本书里的技巧还是那么有用。
我知道，我要拍摄的电影里，不会有哪个情节是与书中介绍的完全一样的，但这都无所谓，重要的是，书中所讲的方法给了我灵感，让我知道的人曾经做过什么，我又可以学到什么，当真正拍摄的时候，我又可以加进些新东西。
现在人们拍电影有一个误区，觉得摄影机移动得越频繁越好，他们觉得摆弄摄影机还是挺酷的。
但真正的摄像是要技巧的，是需要挺精心设计的，只有用心好好拍，才能拍出精彩的镜头，而不是那种DV随意拍的效果。
千万不要为了移动摄影机而乱动摄影机，但也不要因为懒得思考，就一直保持摄影机不动。
如果你一时没了主意，不妨翻开这本书看看，一定也有人遇到过跟你一样的向题，他会告诉你答案。
有了前人的经验，你一定可以做得更好。
书中的每一章我都会强调镜头的选择，并告诉你选用哪种镜头好。
就算你对镜头不感兴趣，我还是建议你掌握一些基本的知识。
姚钎：
你自认为是一个“关注演员”的导演，但你也要知道，选错了镜头，演员再怎么努力都会白费。
其实，要掌握最基本的知识并不难，一个下午的时间就足够了。
找一个35mm的单反摄影机——如果没有单反，那DV机也可以，尝试一下各种镜头，感觉一下有什么不同。
（虽说DV的变焦只能算一个镜头，但你可以一边变焦一边想象各种镜头的效果。
不要把选镜头的任务完全推给摄影导演，虽然摄影导演确实可以为你挑好镜头，但如果你自己不具备这方面知识的话，你就不能很好地设计情节，拍摄的时候也不会有灵感。
目前，市面上有很多关于镜头的专业书籍，它们会详细介绍各种镜头的不同功能，但光知道这些理论是远远不够的，你一定要亲自体验才能知道奥妙所在。
在这本书中，如果在拍摄某一个场景时我说用长焦镜头好，你一定要亲自试一下，然后再试一下短焦镜头的效果，这时你就会知道我说的到底是不是真的了。
只有真的体验了，你才能真正学到东西。
虽然这本书不是专门讲怎样选镜头的，但我深深地知道，如果镜头选错了，拍出的东西往往是一团糟。
所以我还是在这里强调了一番。
这本书主要是教你怎样移动摄影机，怎样设计拍摄角度，以期获得最好的效果的。
拍电影就像编舞，拍摄每一个场景你都要设计好演员和摄像师的舞步，当然，还要选对镜头。
所有这些准备工作都做完了，你才能开始拍摄。
作为导演，你要考虑的太多了，所以，你真的需要这样一本书。
这些技巧你都学会了，你才能逐渐忘掉它们，真正进行自己的创作。
书中的技巧并不能马上让你成为优秀的导演，但了解了这些技巧，你才会知道电影怎样拍才有效果。
学习之时也就是思考之时，希望本书只是抛砖引玉，激发出你更多的拍摄灵感。
译者序“拍电影就像编舞，每一个场景，你都要设计好演员和摄像师的舞步。
'——克里斯托弗·肯沃斯打斗场面那么残忍，难道都需要替身吗?
看恐怖片，为什么汗毛都会竖起来?
明知是假的，可为什么还是那么害怕？
就算主角走在人群中，为什么还总是能被一眼认出来呢?
在看电影时，你是否也会想到这些问题?
这本书的作者克里斯托弗·肯沃斯就用他最简单的语言，告诉了我们大导演的秘密。
如果你只是爱看电影的普通人，看过这本书，你一定会跃跃欲试，情不自禁地拿起手边的DV机拍点什么；当然，如果你已经开始拍自己的作品，那么这100条真诚的建议，就能让你拥有用简单的设备拍出好莱坞大片的感觉。
克里斯托弗·肯沃斯的100条秘密，可以概括地浓缩成两点，一是镜头的选择，二是拍摄时镜头和演员的运动轨迹。
关于镜头的选择，虽然作者强调这不是一本专门讲镜头的书，但他还是在每一节都强调了镜头的重要性。
选长焦还是选广角，表现出来的视觉效果截然不同，作者会不断地提醒你，怎样才能拍出你需要的效果。
比如，在很多的打斗场面中，看上去打的很真实，其实只是虚晃了一拳，甚至都没有发生身体的接触。
这就要归功与长焦镜头的运用，它大大缩短了空间距离，给观众造成了这样的假象。
作者关于镜头的讲解十分简单明了，让人很有亲自感受的感觉。
作为译者，我也无数次的拿起DV机摆弄，体验不同焦距带来的乐趣。
在选对镜头之后，摄影机和演员行进的路线就成了拍摄的关键。
这也就是克里斯托弗·肯沃斯所说的“编舞”。
有时，镜头快速跳过会给人惊恐之感，有时，反而静止的镜头更能营造恐怖的气氛；有时镜头中需要一下子拍到很多角色；有时，空无一物却是最有感染力的。
在翻译时，电影中的场景经常跳进我的脑子里，我仿佛看到《天使爱美丽》中，奥黛丽塔图跟踪着她喜欢的人，然后又带着砰怦直跳的心躲了起来；我也能看到《人工智能》中那个机器人小男孩，从阴影走进阳光时，那发丝温暖的颜色；而想到《少数派报告》中先知突然跃出水面的场景，我甚至还是在心里惊了一下。
除此之外，对于光线采集，轨道、摇臂等摄影器械的使用，影片的后期剪辑等克里斯托弗·肯沃斯也有自己的见解，并毫不吝惜地与读者分享。
书中每个拍摄技巧，都有成功的影片为例，并且都附有图解，生动易懂又不失专业性、总之，不论你已经走上了导演的道路，还是仅仅喜欢拿小DV拍些生活小片段，又甚至仅仅只是个电影迷，这本书里都有你想要的东西。
克里斯托弗．肯沃斯100条经验之谈告诉我们：
电影不是特技和设备的游戏，只要有巧思，你就能让镜头说话，抓住观众最敏感的神经——小成本也能拍大片。
一打斗镜头1长焦特效怎样才能拍摄出打斗场面中那狠狠的一拳？
教你最简单的一招，效果相当好。
电影《搏击俱乐部》中，爱德华打出的第一拳就采用了这种简单的技法，随后，影片多处采用了这种方法。
大多数的演员都愿意做这样的表演，因为这种特技不需要太多的技巧，你只要能准确地把握时间就行了，演起来还挺过瘾的。
要拍摄出狠狠的一拳，基本方法很简单，让一个演员出空拳打到对手头侧就可以了。
当然，猜出这点小伎俩一点也不难，问题是很多人选错了镜头。
要是那样的话，结果就可笑了，本来借位产生的错觉也就完全没了效果。
要拍好这一拳，秘诀就是：
一定要用长焦镜头。
长焦镜头有压缩空间的功效，使用长焦镜头，会让物体间的距离看起来比实际距离短。
在《搏击俱乐部》中，由于使用了长焦镜头，演员看起来就离后墙很近，但实际上那距离还是挺远的。
同样，长焦镜头也能缩短人与人之间的距离。
爱德华·诺顿一拳打中了布拉德·皮特头侧的空气，但在片中看来，这一拳可是扎扎实实地落在了布拉德的头上。
当然，布拉德也恰到时机地假装被打中了，这也是镜头成功的关键。
调好摄影机，装好长焦镜头，照上面讲的方法拍摄吧！
关于取景，图中采用的方式只是给个例子，实际上，不管是紧凑取景还是宽松取景，这方法都可以使用。
拍摄的时候，摄影机的位置要摆好，以保证拳头的落点藏在受害者的脑袋后面。
为了场面真实，演员们会尽量打得很近，但其实没那必要。
作为导演，你可以向他们保证，就算拳头的落点离对手好几英寸远，拍出来的效果也绝对真实。
拍完后，记得慢速回放一遍，在摄影机或者监视器里仔细看看，确保特效没有问题。
更妙的是，这一拳还可以摆到受害者的前面来，只要被打的人能默契地把头甩到后面去，就像真的被打中了一样。
当然，拍摄这类镜头的时候，摄影机是可以移动的。
关键是，一定要确保拳头的落点始终藏在被打中的脑袋后面。
细心地计划一下，排练几遍，你一定可以拍出精彩的打斗镜头。
1.2一记重拳有时候，只需一记重拳，一切就都搞定了。
只见主角一拳挥过去，又狠又准，坏蛋应声倒地。
没有回手，没有激烈的打斗，一切都干净利落。
如果你的电影也需要这种效果，那你一定要确保这一拳打得非常有力，非常完美。
拍摄这一拳的时候，你需要用到上一节中我们讲到的技巧，也就是说，要保证这一拳的落点藏在受害者的脑袋后面。
但是，这一次拍摄手法有一点变化：
摄影机必须紧跟演员的出拳动作一起移动，这样才能表现出这一拳的速度和力度。
首先，摄影机的角度很重要，它必须紧靠着受害者，并且迎着主角走来的方向。
如果你使用了长焦镜头，摄影机就不能离演员太远，你要确保镜头刚好同时拍到两个演员。
但是，摄影机也不能离演员太近，如果靠得太近的话，受害者就会占了大部分镜头，且以这种角度拍摄，观众会觉得自己是受害者，也就无法感受到主角这一拳的畅快淋漓。
所以一定要记得，出拳者才是重点，在拍摄时采用中心取景，效果就不错。
当主角朝着挨打者走来时，他可能会跑，可能会一个箭步扑上来，也可能会坚定地迈步过来，不管怎样，在这个时候，摄影机必须稍稍地向后退一点，仿佛被主角的英气震慑了一样。
最后，就是那关键的一拳了。
当这一拳挥过来的时候，摄影机要定住，但要跟着出拳的方向摆过去一个角度。
拍摄的时候，要有摄影机也被打中的了感觉，并随着那力度摆向一边。
这时，主角和挨打者就会从画面的中间偏到了左边。
要拍摄类似的出拳镜头，摄像师需要有很好的时间感，但只要拍好了，现实中毫无力量的一拳就会变得帅气十足，英勇无比。
1.3紧跟演员拍摄传统的打斗场面是这样的，两个人面对面站着，你打我一拳，我打你一拳。
有点过时了是吧？
尽管很多电影里仍然有这样普通的场景，但如果这场打斗真的非常重要，或者你想明确告诉观众是谁打赢了谁，那你就得多花点心思了。
真正精彩的打斗，要让观众有存在感，让他们觉得自己就置身于那危险的场景之中。
要达到这种身临其境的效果，有一种方法很好用，那就是，紧跟演员。
也就是说，演员往哪儿动，摄影机也要跟着他移动。
这种方法最适合拍摄争吵和扭打的场景，一般情况下，当演员打到最后，力气用尽，就会扭成一团，此时不妨试试这种拍摄方法。
摄影机的位置还是要设在演员旁边，高度大约与演员头部齐平。
当演员扭成一团的时候，两个人会拉拉扯扯，一会儿在这儿，一会儿在那儿。
这时，摄影机一定要紧跟着演员走，而且如果想要拍摄出强烈的运动效果，那么在移动过程中，摄影机的高度、拍摄角度和拍摄距离都不能变。
注意，当演员扭成一团移动的时候，两人运动的速度肯定是不一样的。
在这种情况下，很多人就会把两个人当做一个整体来处理——这就错了，因为把两个人作为整体拍摄，会失去运动的感觉。
故而拍摄的时候，要只对准一个演员，千万不要眉毛胡子一把抓。
两种方式看起来差别不大，但实际效果给人的感觉还是很不一样的。
最后，打斗会终止，演员要不就摔到了墙上，要不就倒地不起。
这时候，你就可以调整相机了，拍摄角度、相机高度、拍摄距离都可以改变。
这一变，原来拍摄的连续性就被打破了，正好用来表现打斗突然地终结。
1.4打倒在地当一个人被打倒在地，往往只有一个解释：
他在打斗中被人重创了。
在实际中拍摄这种打倒场景，演员通常会有危险，不然就得花一大笔钱去请个替身演员。
有一种方法可以拍摄被打倒在地的场景而不伤着演员。
很简单，先拍演员被打的镜头，然后来个特写镜头记录演员倒地的瞬间。
这种方法虽然行得通，但就是看起来有点假，画面也不流畅，而且这种方法需要两个镜头，不可能一个镜头拍完。
要解决这个问题，我们还是需要使用第一节讲到的长焦特效，原理一样，只需加上镜头的移动，演员就可以温柔倒地而不被看出破绽。
在拍摄过程中，演员没必要拼命往地上摔，他们只要轻轻地坐到地上就行，摄像师能把这拍成突然倒地的样子。
《爱国者游戏》2中也使用了这种方法，下图就是其中的截图。
在拍摄过程中，首先采用长焦特效制造出哈里森·福特被人打了一拳的幻觉，这时，摄影机要与头同高并保持不动。
然后哈里森轻轻地坐到地面上。
只要他一跌出摄影机的拍摄范围，镜头就跟着转向地面，与此同时，哈里森也恰到时机地表现出狠狠落地的感觉。
很简单的障眼法，只要时间把握好了，再加上点音效，看起来绝对跟真的一样。
让我们再次明确一下拍摄的过程。
首先，摄影机要摆放在出拳者的身后，高度与眼睛齐平。
当拳头挥过来时，记得使用长焦特效拍摄出真实的效果。
然后，受害者可以缓慢倒地，同时摄影机也降到受害者眼睛的高度。
在这个过程中，出拳者的位置正好掩盖了受害者缓慢倒地的真相。
当然，出拳者最好别停下来，在受害者倒下的时候，也得再打几拳。
这样，观众有东西可看，摄影机的移动和视角的改变就不会显得太突兀了。
1.5分别拍摄角色真正打架时，脚上动作十分重要。
在电影中，虽然打架时也会用到脚，但更多情况下，踢人的场面会出现在打斗快结束的时候，以表现其中的一方就快赢了。
情节一般是这样的：
一名演员倒在地上爬不起来，另一个冲着他狠狠地踢打。
有时候，争斗结束之后，胜利的一方也会对着失败者一通乱踢，以发泄胜利的快感。
问题是，怎样才能在不动用特技的情况下拍好这一通乱踢呢?
最好的方法是，先在脑中好好规划一下，看怎么拍才能为后期剪辑做准备，让这一通拳脚显得真实。
记得同一个打斗的镜头要拍两次，先从施暴者的角度拍一次，再从受害者的角度拍一次，用这种分开拍摄的方法拍出的打斗片段，会比一个镜头拍摄的效果更震撼。
在这样的打斗中，总有一方会占上风。
拍这一个角色的时候，你必须从低处仰拍，镜头抬起一个角度。
演员只要装作很凶悍的样子就行，他在踢什么千万不要拍进镜头里去。
为了达到真实的效果，作为导演，你不能让演员空踢，你得放一些垫子什么的在地上，让演员有实物可踢。
拍摄的时候，摄影机一定要紧挨着演员，这样拍出的画面才会有现场感，观众才能感同身受。
拍完了施暴者，你还得再拍一下受害者。
这一次，摄影机可以放在受害者身后的地上，并与他保持一定的距离。
注意一定要选用长焦镜头，因为长焦镜头可以缩短施暴者和受害者之间的距离。
拍摄时，施暴者要装作踢得很起劲，同时，受害者要配合地向后拱起身子，仿佛真的被踢中了一样。
这镜头粗看其实挺假的，但经过剪辑和配音之后就会变得很真实。
后期剪辑的时候，先播一下施暴者的镜头，踢个一两下让观众明白是怎么回事就行。
然后，切到受害者的镜头，让观众看看他的惨样。
1.6近地仰拍在现实中，随着一个人倒地，打斗也就结束了。
在电影里，事情往往不会这么简单，你来我往几拳后，演员会倒向地面，然后他们又会在地面上扭打、挣扎一阵子。
虽说这种做法很落俗套，但这也正是打斗的魅力所在，它会向你传递一种信息：
这两个角色可不是只会出拳的暴力机器，他们是有血有肉有感情的，他们之间有着无比纠结的私人恩怨。
当演员倒地之后，他们之间的力量对比是不平衡的，总有一个人压在另一个人身上，当然，过一会儿局面也有可能逆转。
很多打斗的场景都是在地面上了结的，因为在地面上，很容易看出谁胜谁负或者是打成了平手。
从高处拍这种地面上的争斗倒是挺容易的，只要透过压在上面的人的肩膀往下拍就行了，但要想拍到上面人的脸，就得动点脑了。
你可以把摄影机放在地板上，不管用不用三角架，摄影机都会离人脸太近。
此时为了拍下整张脸，你就不得不选用广角镜头。
这就有点别扭了，因为应该是你自由选择镜头，而不是拍摄距离逼着你用哪个镜头。
要解决这个问题，有一个很简单的方法，那就是让演员躺在桌子上打，这样，摄影机就可以从下面拍摄。
此时，要拍到上面人脸简直不费吹灰之力，而且又能让观众体会到被打的人是什么感觉。
请记住，不管是从上面拍还是从下方拍，要使用同一种镜头，且摄影机与受害者脸部的距离要保持一致。
当然，演员的安全工作要做好，桌子周围需放点垫子，以防有人掉下去摔伤。
还有，别让演员在桌子上表演太复杂的动作，漂亮的动作还是留作特写用吧，给这场争斗来个有力的结局。
1.7含蓄的暴力如果你既想要拍点暴力镜头，又不想拍成限制级电影——满是鲜血、斗殴，那你就得在拍摄上想想办法。
有时候，镜头可以拍得很暴力，却不用出现真正的血腥场面。
下面的镜头取自电影《杯酒人生》3,一个女人正用头盔打一个男人，她一下一下地把头盔砸到男人的脸上，直到打得他头破血流。
这个场景对故事情节的发展很重要，它向我们展示了这女人有多暴躁，多暴力。
但这个片子是喜剧片不是恐怖片，不能出现头破血流的镜头，所以我们需要一点技巧，那就是：
只拍摄女人进攻的场面，不拍受害者。
这个技巧最大的好处是，即能拍出不错的暴力场面，又不会有演员受伤。
拍摄时，摄影机的高度大概到腰，用仰角拍摄攻击者，同时，攻击者也得装出打得很起劲的样子。
在拍摄这个镜头之前，最好向观众交代一下受害者是怎么被**的。
受害者最好直直地站在镜头前，被打中后倒下去，记得用上前面讲过的特效，拍得真实点，然后就可以按照本节的方法继续拍摄暴力场面了。
此时，受害者已经溜走了，你需要在受害者倒下的位置上放几个垫子，让攻击者有东西可打。
这个方法的过人之处在于：
它是一个连续的镜头，不需要剪辑，而且观众也能看到攻击者愤怒的表情。
所以，用这种方法拍出来的暴力场面很吓人，很生动，比使用替身演员再加上后期剪辑拍出的片子效果还要好《杯酒人生》（Sideways）j摄于2004年，讲述了一个关于友谊、爱情、酒和性的故事。
1.8胜利瞬间当一场打斗结束时，必然有胜有负，这就需要每个角色表现出胜利者或失败者应有的效果。
在电影中，胜负通常一目了然：
胜利的一方会骑在失败者的身上，把他往死里打或者干脆地把他杀了。
但在此之前，拍好胜利的瞬问也是很重要的。
下面是电影《爱国者游戏》的剧照，从中我们可以看到，拍摄两个演员选用的灯光和镜头都是不一样的。
胜利的一方坐在失败者身上，我们可以看到他脸部的表情，猜出他心里在想什么。
而拍摄失败者时，一般会有强光打到脸上，并使用长焦镜头，从胜利者的视角进行拍摄。
由于采用了两种完全不同的拍摄方法，胜败双方处境的对比会显得无比鲜明。
最后，失败者会从镜头前倒下去，镜头中只留下哈里森一个人。
这一点很重要，因为这不仅宣告了打斗的终结，也能让观众把注意力集中到英雄的身上，感情得到彻底地释放。
右图中的第一个镜头，打斗双方一起躺倒在地，你可以采用1．6节中的技巧在桌子上拍摄，或者你只要把摄影机放在地上，歪过去一个角度就行。
拍摄第二个镜头的时候，你可以选用长焦镜头在高处拍摄，你也可以选择短焦镜头。
从近处拍摄。
不同的镜头会产生不同的视觉效果，究竟如何选择还是听从剧情的需要吧。
短焦镜头，又称广角镜头，视角广，景深大。
第2章追逐镜头2.1紧跟被追踪者想要拍好追逐的场景，不一定要拍两个人，事实上，镜头中只有逃亡者拼命地奔跑，而身后的人却久久不露面，这样的气氛往往更紧张，更吓人。
当然，这种只有一个人的追逐场面也不是万能的，你需要向观众交代清楚，画面中这个奔跑的人是在被人追，这样观众才不会犯迷糊，觉得他只是在跑着玩儿。
拍摄的时候，演员最好能跑得艰难一点，比如翻过一个小山，不停地改变方向等。
如果你是在晚上拍摄的，背景得用灯光照亮，这样观众才能感觉到奔跑的动感。
拍摄这样的追逐场景，摄影机一定要离演员很近，并且要使用广角镜头。
广角镜头能拍出很强的动感，它也会加大景深，使背景显得很宽阔。
在拍摄过程中，一定要确保摄影机与演员距离保持不变，这样，观众才会有一种身临其境的感觉。
在下图中，演员都在画面的中心。
事实上你不一定要采用这种中心取景的方式，只是不管采用哪种取景方式，在拍摄的过程中就不要改变。
只有保持统一的取景方式，观众的注意力才会一直集中在演员身上，感觉他的呼吸、心跳。
还有一点，演员最好不停地改变奔跑的方向，方向改变得越多，观众就越紧张。
如果能爬一个小山坡，效果就更好了，因为爬山的过程中，演员可以表现得很费力、很痛苦，而且同时他还能不停地改变方向。
使用这种拍摄方法，不管最后追踪者出不出现，在奔跑的过程中，千万别让他露脸。
因为一个人的逃亡才能制造出足够的悬念，让观众紧张不已，欲罢不能。
2.2长焦拍摄一般而言，追击的场面很简单，就是一个人在前面跑，一个人在后面追着。
但如果换个拍摄的角度，就能制造出更为强烈的紧张感。
方法是：
逃亡者从镜头前跑过，而追踪者却径直朝着镜头跑来。
当然，不是所有的剧情都能用到这种追踪的角度，但只要逃亡者有个明确的方向，并且追踪者可以从侧边赶过来，你就可以试试这种方法，画面感真的很强。
拍摄这种场景的时候，也要选择长焦镜头。
因为，当逃跑的人自左向右地从镜头前跑过时，你需要跟着他摇拍，保证主体清晰，背景虚化，而长焦镜头能增强奔跑的动感。
奔跑过程中，最好有树或者其他障碍物从演员身边闪过，这样就更有速度感。
我们知道，长焦镜头可以压缩空间，所以，即使追踪者还有一段距离，在镜头中也会显得很近。
在拍摄之前要设计好逃跑者的路线，然后要保持追踪者和摄影机在逃跑者的两边，并与逃跑者的距离相等。
你可以跟着演员跑，但如果你的长焦镜头足够长的话，你完全可以站着不动使用摇拍，又省力，效果又好。
注意，拍摄这样的场景时，一定要拍清楚追踪者。
下图是《指环王》的中的追踪场景，它的背景有点乱，地形很复杂，又有很多树，但由于追踪者人多势众，追踪的效果还是很清晰的。
如果你要拍的片子里只有一个追踪者的话，你就得选取一个干净点的背景，一定要让观众看清是谁在追着主角跑。
摇拍，一种拍摄方法，拍摄时镜头跟着主体运动，保持镜头与主体相对静止，以达到主体清晰、背景虚化的效果。
2.3狭窄空间中追逐在拍摄追逐的镜头时，如果你想制造紧张感，你可以让演员在狭窄的空间里跑。
演员会跑着跑着就无处可躲了，这个时候观众就会知道，他快被抓住了。
要拍好这一条，你得找到一个本来就不太大的巷子，拍摄时采用短焦/广角镜头，这样，当演员朝着镜头跑时，动作会显得很夸张。
广角镜头有一个缺点，它会放大空间，令狭小的空间被夸大，但它也有突出的优点——它的视角比较大，并且能放大动作幅度。
换句话说，使用广角镜头拍摄，可以拍进去更多的背景，也可以加快演员的奔跑速度。
这两种效果加在一起，就会让人觉得演员的确跑进了一个狭小的空间里。
拍摄的过程是这样的：
摄影机要摆在巷子的中间，演员先是朝着镜头跑过来，当他快要撞上摄影机时，改用摇拍，演员这时要回头看，制造紧张感。
拍的时候，摄影机可以放低一点，采用仰角拍摄，这样会让空间显得局促、幽暗。
当演员跑过摄影机之后，就可以停拍了。
有趣的是，稍稍换一下设计，就可以拍摄出完全相反的效果。
摄影机和演员的位置都不用变，只是最开始的时候，你要让演员边跑边往后看，并发现追他的人已经被甩掉了。
当演员经过摄影机时，依然采用摇拍，然后镜头一直追着他跑出视野范围。
这样一来，就表现了一个逃脱追踪的情景。
2.4宽阔空间中追逐在追逐的场景中，最好能给逃跑者一个目标，它可以是一间房、一处入口或者一辆车，总之得让逃跑者有地方可去。
当他离目标越来越近，观众就会越来越紧张，他们知道这里是关键，却不知道等待着逃跑者的究竟是什么。
在这种场景下，你可以让逃跑者真的被追上，这拍起来很简单，演员表演被捉住就行了。
但是如果你一方面想要保持演员间的距离，一方面又想制造出一种快要被追上的紧张感，你要怎么拍呢？
这可要动脑筋了，如果方法不对，看起来就会像是两个人各跑各的，互不相干。
要在距离不变的时候拍出紧张的感觉，秘诀就是：
用两台摄影机用不同的速度追着演员拍。
这样拍出来的画面会有一种错觉，让人觉得主角快要被抓住了，可实际上他却没被追上。
当观众看到这样的镜头时，他们会有这样的感觉：
主角正在拼命地逃跑，后面的人马上就要追上了。
注意，追踪者其实并没有追上来，他只是看起来像是要追上了。
真的追上和像要追上，很微妙的区别，但对剧情发展来说，效果却是完全不一样的。
下图是电影《躲猫猫》里的场景，本来这场追击很无聊，但导演却拍出了恐怖的气氛。
主演罗伯特·德尼罗朝着他的住宅飞奔，摄像师从后面以比他快的速度跟上来，这样拍出来的感觉就像是他快要被追上了一样。
此时，另一台摄影机在拍追踪者，摄像师与追踪者要保持同样运动的方向，但演员的奔跑速度要比摄像师快。
记住，在这里，摄像师是向后倒着跑的，这样拍出来的画面才会让观众觉得后面的人在追他们，而且越来越近，越来越近。
最后说一下镜头的选择。
拍前面奔跑的主角的时候，要选用长焦镜头，制造更多的恐怖气氛，因为长焦镜头会压缩空间，目标会显得很近，不
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