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印象主义后印象主义新印象主义
印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。
印象主义绘画专注外光画，主题的作用被弱化了，而且把兴趣扩大到从前认为难以处理的题材。
印象主义绘画以再现自然对象瞬间的光色关系为目的，它基本上属于一种图绘的风格，从这个意义上说，印象主义是巴罗克风格的发展，是写实主义视觉实验的延伸，是文艺复兴以来“再现性”传统绘画发展的极至。
前期印象派的大师人物主要有莫奈、德加和雷诺阿。
印象主义是一个松散的艺术社团。
这个社团没有明确的纲领。
艺术家集合在一起，仅仅因为画风比较一致，便于共同举办展览。
参与展出的艺术家，有的仅在一段时间内迷恋于印象主义画风，后来则另有追求；有的在绘画风格上曾多次变化反复。
此外，参与画家的水平也不尽一致。
绘画中的印象主义是和法国文学中的自然主义流派相对应的。
印象主义和自然主义都曾受到哲学上实证主义的影响。
后印象主义艺术运动是1885年至1905年间出现于法国的一种绘画风格，它包括所有印象主义派生出来的或者与之对立艺术运动，譬如：
新印象主义、象征主义、综合主义和纳比派等等。
印象主义和后印象主义皆是以感觉而用科学的方法作画，是一种非常客观的艺术，也是写实主义过分发达的结果。
受哲学及文学方面反客观的科学之影响，绘画不得不加入了主观的成份，亦即以个性为基础的强烈自我表现。
另受东方简洁明了的山水画风影响，以及更为精密和正确的照相术之纯客观比较观点来看，都是激起后期印象派艺术兴起的原因。
通俗地说，印象主义表现的是瞬息即逝的光色效果，过分的最求感受光色，以偶然代替必然。
既然是凭感觉，那必然是主观的，所以印象派所描绘的是运用主观的颜色来描绘的客观事物
后印象派完全不一样了，能够先自己主观的感情，表现自己的主观情绪，这种色彩就是客观物体的原来色彩已经不重要了，更重要的是用这种的物象来表达人类自身内心的一种主观情感，所以这种画派更多的是认为不能像印象主义模仿世界，而是表达画家对客观世界的主观感受。
如果你那天心情非常不好，或者心情灰暗，哪怕是阳光灰暗你都会觉得很惨淡。
这就是人的主观感受对客观世界的不同的反映
第一节印象主义美术
印象主义（Impressionism）：
19世纪西方美术的中心在法国，主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。
19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守陈规，由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
由于官方学院派的压制，这批年轻画家探索创新的作品不能在官方沙龙展出，于是他们共同于1863年举办了“落选沙龙画展”，遭到学院派古典主义的猛烈攻击。
年轻画家们没有灰心，又埋头奋斗10年，于1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。
在这次画展中展出莫奈（ClaudeMonet）的一幅风景画，题名《印象·日出》（ImpressionSunrise）。
有位叫勒罗瓦（LouisLeroy）的作家发表了一篇小品文评论这次展览，题为“一次印象主义的展览”。
“印象派”由此而得名。
1876年举办第二次展览，有20位画家参加，这次展览干脆打出了“印象主义画展”的旗号，从此印象派登上了法国画坛，扩及欧洲，影响世界。
西方绘画在发展历程中，画家总是将当时的科学成就引进艺术创造之中。
由于光学和色彩学研究成果问世，画家们把光和色彩直接与美学相结合，运用到艺术法则上，这使追求创新的画家们深受影响和启发，他们尝试着纯粹的“外光”描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。
他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。
如果离开了光和色彩便没有这个世界。
他们还认为：
画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心，也是画家认识世界的中心，所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。
“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的。
这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。
由于画家们把“光”和“色彩”作为追求的主要目的，就不可避免地造成对客观事物的认识停留在感觉阶段，停止在“瞬间”的印象上，这就导致创作中竭力描绘事物的瞬间印象，表现感觉的现象，从而否定事物的本质和内容。
在印象派画家看来，世界万物在阳光下一律是平等的。
雷诺阿曾说过：
“自然之中，决无贫贱之分。
在阳光底下，破败的茅屋可以看成与宫殿一样，高贵的皇帝和穷困的乞丐是平等的。
”这种艺术观念导致他们在创作中全力以赴地描绘“光”。
只重艺术的形式，忽视乃至否定艺术的内容。
如支持印象主义的左拉所说：
“绘画所给予人们的是感觉，而不是思想。
”所以我们在印象派的画中所看到的是充满阳光的色块组合，充满空气感。
总的说来，印象派创作只重感觉，忽视思想本质，以瞬间现象取代之；以习作代替创作；以素材代替题材；以偶然代替必然；以次要代替主要的。
既然是凭感觉，那必然是主观的，所以印象派所描绘的是主观化了的客观事物。
这标志着与传统艺术观念、艺术表现方法和艺术效果的决裂。
所以说印象派是西方绘画史上一个划时代的艺术流派。
不可否认，印象派画家在阳光探索和色彩分析上有重要发现，在对光与色的表现上丰富了绘画的表现技巧，他们倡导走出画室，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的印象，使画面出现不寻常的新鲜生动的感觉，揭示了大自然的丰富灿烂景象，这是对艺术创造的一大贡献。
他们的艺术是属于现实主义范畴的，是追求民主、自由、平等思想在艺术中的反映。
他们的艺术创造是具有革新和进步意义的。
印象派产生是西方绘画发展的必然结果。
绘画自16世纪威尼斯画派起就关注光和色彩的描绘，尤其是提香，尔后经鲁本斯、委拉斯开兹、伦勃朗、哈尔斯和维米尔，在他们的作品中都闪耀着迷人的色彩，尤其是善于描绘阳光的维米尔，他曾描绘过充满阳光的房间，可谓印象派的先驱者；英国风景画大师透纳和康斯太勃尔画中充满阳光和空气，使法国的德拉克洛瓦如获至宝，他在自己的画中就已竭力表现过，人们称他是“打开印象主义天窗”的画家；巴比松画派的画家已经将自己的画架移到室外大自然中去对景写生，为印象主义画家开了先河；库尔贝的画中已经充满了阳光，有人称他是“印象派之父”，在所有这些大师们的探索成就之上，必然产生印象主义画派。
马奈（EdouardManet，1832-1883年）
爱德华·马奈不是真正意义上的印象派画家，他从没有参加过印象派的画展，但他和印象派画家关系密切，深受印象派画家崇敬，有人说他是印象派的奠基人。
马奈出生于巴黎，父亲是内务部首席司法官。
父母希望儿子学法律或当海军军官。
16岁的马奈在开往巴西轮船上当见习水手，旅途中大自然的魅力深深诱发了他那用色彩和线条描绘自然美的激情。
在18岁时毅然走进巴黎古典主义画家托马斯·库迟尔的画室学习绘画。
在这里前后学6年之久，受到严格的绘画基本功训练，获得了扎实的造型功力，但他不满古典主义。
在这期间，他常到卢浮宫观摩历代大师作品，并游历德国、意大利、荷兰和比利时，以独立自主的见解获取了在画室中难以得到的真正清新厚实的艺术修养。
马奈受过良好教育，养成一副绅士派头，自视清高，热情奔放，不受拘束，追求独立自由，他反对保守，同情进步，维护共和主义，具有自发革命意识。
19岁参加过革命暴动，还曾和德加、巴齐依参加过国民自卫军，年轻画家巴齐依阵亡。
他同情巴黎公社起义，还被选为公社艺术家联盟委员，这些都是他对自由的忠诚和浪漫的激情所致。
当他把全部渴望自由的生命和热情转向艺术时，他在绘画中开辟了一个新时代。
29岁的马奈在沙龙展出《西班牙歌手》，在巴黎画坛上崭露头角。
他的画具有古典造型基础，又有明亮鲜艳、光与色的整体表现，仍保持着形象的真实感。
31岁时，在落选沙龙展出《草地上的午餐》，在巴黎引起轩然大波，遭到拿破仑三世和舆论的攻击。
而左拉却肯定他的艺术。
马奈总是以古典的高贵气质和华丽的印象派色彩一直交融在自己的画中。
1882年沙龙展出了他生前最后一幅作品《福利·贝热尔的吧台》，因而获得极大成功，官方授予他“荣誉团勋章”。
病中的马奈说:
“这实在太晚了。
”第二年的4月30日，马奈永远离开了他热爱的光和色的世界。
马奈的代表作是：
《奥林比亚》Olympia，1863，130x190cm，Oiloncanvas 《奥林比亚》中的裸女姿式并不新鲜，乔尔乔内和提香笔下的维纳斯就是这个样子，所不同的是艺术表现方法的革新。
画家采用一种稳定的近乎平涂的受光面来描绘裸体，以最小限度的立体层次造型，然后突然转入暗部，简化了学院派的作画步骤，不表现复杂层次和立体感。
在这幅画中提出了新的观察和表现方法，并为后来整个当代艺术所接受。
画面以裸女躺在柔软的白色靠垫、床单和长巾上，这与人体的肉色相互交织在一起构成前景明亮的色调，在深重色背景衬托下格外轻巧、光彩和明亮，在这强烈对比中配置一位黑女佣人和一只黑猫，在画面上起着由明向暗的过渡作用。
马奈的功绩在于大胆地摈弃了古典画法和学院派的教条，根据画家自由观察来描绘对象和认识世界。
马奈用奥林比亚作裸女画题是一种讽刺，因为奥林比亚是希腊神系主体，代表宇宙的秩序，画家以一个凡女裸体作为象征，是有其深意的。
短笛手 TheFifer，1866，161x97cm，Oiloncanvas 人物用右脚站稳，产生完美的平衡，左腿伸展，双臂弯曲而短笛放在嘴上；清晰的边线勾画出外形，裤子两边的黑色边线，使外形更加鲜明。
抽象的背景，既无横面又无竖面，马内以单一而又和谐的色调来勾画其脸部。
这幅画共使用了三种基本色调：
裤子的红色被赭石色的背景所烘托出来，使其更加突出；紧身上衣和帽子的黑色连成一块．而不去讲究手臂的外形；赭石的底色，在画的边缘逐渐加深，形成主角生活和演奏的空闲；红色和黑色这种基本色调间的主要关系，被衣扣和布景的金黄色，以及托住乐器的白色披带所突显出来；最强烈的黑色，是小音乐家的眼睛，眉毛的清晰线条，加强了眼部的表情。
这个脸看起来虽然如此简单，却展现了马内高超的绘画手法，以及其全部的经验。
在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。
杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。
《草地上的午餐》ThePicnic（LeDejeunersurl`herbe），1863，208x264.5cm，Oiloncanvas 法国官方每年举办一次沙龙美术展览，展出作品必须经过严格审查。
拿破仑三世为缓和落选画家的不满，同意举办落选沙龙展览，马奈的这幅《草地上的午餐》就是在落选沙龙中展出的引人注目、惊动巴黎的作品。
这幅画被拿破仑三世斥之为“淫乱的”。
对这幅画的攻击有的从道德上，有的从画法技巧上，他们都以古典主义的表现方法来衡量这幅经画家简化过的作品，说是“粗制滥造”。
这幅画的构图类似乔尔乔内的《田园合奏》，这对马奈无关紧要。
马奈在这幅画上表现了一个自由画家的意志：
一切道德的俗见和公众的陈旧趣味都不能左右画家。
画中一个自得其乐地裸女与两位绅士坐在草地上，似乎仅此一点就激怒了拿破仑三世和一些伪君子们，其实他们不知见过多少充满肉欲的裸女，也从未指责过，关键在画法，他们认为古典的、细腻的才是高雅的，而这“简化”的画法就是粗制滥造，就是粗俗。
马奈在这幅画中着意描绘的不是题材本身，只是借裸女和绅士的形象来表现对外光、色彩和空气描绘的探索，人物本身是没有意义的。
人们不能以传统的观念来衡量这件作品，不能追求它的思想意义。
所以阳光、空气、色彩才是这幅画的主题，正如马奈自己所说：
“我的作品的主角是光和色。
” 《福利·贝热尔的吧台》，ABarattheFolies-Bergere，1882，96x130cm，Oiloncanvas 马奈说：
“简化在艺术上是必要的，同时也是一种精练功夫。
当你描绘一个人物的时候，你要找出他们最亮与最暗的地方，剩下的调子自然就出来了。
同时想办法训练你的记忆力吧！
因为除了将形迹呈现出来之外，不会再给你什么。
”
这段记述可以帮助理解这幅画和马奈的艺术思想。
这幅画显示出他那古典的高贵气质和华丽美艳的印象派色彩，可看成为他生命交响乐的辉煌结尾。
在马奈生命的最后，官方沙龙展出了这幅杰作，并授予他“荣誉团勋章”。
这迟来的荣誉，给马奈带来满足同时也带来了遗憾，他抱怨道：
“这实在太晚了。
”
莫奈（ClaudeMonet，1840-1926年） 克洛德·莫奈被誉为印象派之父，于1840年10月14日生于巴黎，一度随父亲居住在海边小城阿弗尔做杂货买卖，自幼就厌恶学校，视为“监狱”，像个流浪汉成天流连在海边。
莫奈所关心的是整个大自然，在莫奈的画中人和大自然和谐地融为一体，他们融合在景色、阳光和空气中，而这一切又融合在画家特有的灿烂、艳丽、却又像乐曲般和谐的色彩之中。
色彩就是描绘壮丽的自然交响乐的音符！
莫奈研究色彩，入迷到了在守护病中妻子时竟下意识地去观察搜索死亡在她面孔上引起褪色的迹象，看到的是蓝色、黄色和灰色的细微变化。
他曾说过：
“当你去画画时，要设法忘掉你面前的物体，一棵树、一片田野。
只是想这是一小块蓝色，这是一长条粉红色，这是一条黄色，然后准确地画下你所观察到的颜色和形状。
直到它达到你最初的印象时为止。
” 莫奈很重视笔触，它成为色彩表现的灵魂，不同的笔触能表现出事物不同的质感和动势，他运用不同的笔触充分表现色彩以符合自然的本来面貌。
在他29岁时开始和雷诺阿共同在塞纳河上写生作画，他们为水面上闪烁和晃动不已的光所激动，为迅速变幻的丰富色彩所迷惑，于是自然而然产生了迅速疾驰粗犷的笔触和灿烂斑驳的色块。
他们在迅疾挥毫中获得了捕捉瞬间即逝的印象的有效方法。
1874年展出惊世之作《印象·日出》。
历经磨难的43岁莫奈带着失去母亲的儿子与阿丽丝组成新家庭定居于离巴黎40公里的吉维尼村，隐居作画又生活了43年，在这里创作了许多作品，重要的《睡莲》就是他晚年的名作。
莫奈的代表作是：
《蛙塘》，LaGrenouille，1869，74.6x99.7cm，Oiloncanvas 画中的蛙塘，是赛纳河畔一处露天咖啡和游艇中心，靠近莫奈当时居住的布吉瓦尔，莫内时常和他的朋友雷诺阿Renoir等人去那里作画。
他们尤其喜爱蛙塘这个地方，因为这儿有塞纳河的粼粼水光，两岸的绿树，豪华的游艇，以及绅士仕女的游宴玩乐。
只要在这里，就能看到丰富而多变的色彩：
有自然的变化，也有人为的搭配。
所以，在蛙塘，他两人经常会坐在画架前，一边描绘同样的景物，一边讨论技法。
莫奈将其笔触加以分解，显示出经观察者视觉重新组合后的物象。
而莫奈是善于从色彩和光的角度观照自然，他抛弃了注重色调和形式的传统绘画方法。
他说：
“倘若你到室外作画，试着忘却跟前的物体，不论它是一株树、或一片田野。
只要想像这儿是小方块的蓝，那儿是长方形的粉红，这儿是长条纹的黄，然后照着你认为的颜色和形状去画就是，直到符合你自己对景物本来的印象。
”例如，他会画出对一整株树的印象，而不去画每一片树叶；远处的一片房舍或树林则成为一团斑驳陆离的颜色、光和阴影。
这种风格，莫内一直持续下去。
他专注于光的变化和气氛的营造，使他的画中景物渐渐丧失实质的主体，只有色块勾勒出的轮廓依稀可辨，大自然或景物消失在一种颤动的抽象形式之中。
莫奈认为，即使最暗的阴影也是由几乎难以察觉的不同层次的光和颜色构成的。
这种画法向来被官方视为原始、粗俗。
但莫奈不想再去迎合传统，他放弃了大型作品，转而采用小幅的、更便于携带的画布，这样就可以在户外用油彩创造瞬间的印象。
这种技法要求单纯的颜色：
如蛙塘这幅画背景中的树用橄榄绿，人物用白色和藏青，他用纤细的笔触简单几笔就可以烂熟地勾出轮廓。
平涂的蓝色和白色巧妙地融合在一起产生天空；褚色和蓝色，蓝色和黑色则表现水上的倒影。
《日出·印象》
ImpressionSunrise，1873，48x63cm，Oiloncanvas 莫奈画过许多水题材的画，最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。
画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。
经过晨雾折射过的红日，形成了一个感觉上的灰绿色的世界，这个世界是真实的，又是幻觉的，它每时每刻随着太阳光而变化着，画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上，使它成为永恒。
这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出，《喧噪》杂志记者勒鲁瓦，以这幅画题写一篇评论文章，勒瓦鲁不无讽刺地杜撰出“印象派”这个名词，给印象派正式冠上“印象”之名。
他写道：
“印象，一点也没错。
我还告诉自己，既然给我留下了印象，画中必然会有什么印象……画法是何等的随意、何等的轻率，连糊墙壁的纸都要比那幅画来的精美。
”“印象派”（Impressionism）由此而得名.莫奈这幅与“蒙娜丽莎”齐名的《日出·印象》，是1873（根据画面签名，应该是1872年）年春天在法国海边阿弗赫完成的，莫奈是描绘一个橘红色般的太阳正缓缓升起，水面上有三艘小艇，其中一艘仅能模糊的看出来，几条线条表现出波浪的形状，完全没有过份的夸张。
看到太阳挣扎着想要穿过浓雾，我们的想像开始被挑动。
撑伞的女人 WomanwithaParasol-MadameMonetandHerSon，1875，100x81cm，Oiloncanvas 莫奈对于他的作品，大致都能非常细心地掌握主题。
部份创作是以大笔挥洒而成，这些作品多半带着迷人的自发性趣味；不过绝大部份还是属于精雕细琢，相当润饰过的作品。
因为颜色刻意刷得较明亮，使画面显得更稳健、细致。
1875年的作品《撑伞的女人WomanwithaParasol》，画中人毫无疑问的为莫奈的妻子卡蜜儿，而一旁则是他年幼的儿子。
这幅画的笔触大胆狂放，人物充满活泼生气，可说是印象派作品中最具有特色，也是莫内作品里最迷人的女人画像。
卢昂主教堂系列RouenCathedral 1892年二月十二日，莫奈在给朋友的信中写道：
‘我已经可以搬入主教堂对面一幢空闲的公寓中。
’此后他在卢昂度过了两个月的时光。
这期间，他开始了主教堂系列的创作：
阳光照射在主教堂单调灰暗的正面墙壁上，所产生的强烈效果，激发他一连画了三十幅同一主题的油画。
激发了莫奈兴趣的，并不是卢昂主教堂哥德式的建筑本身，而是投射到主教堂正面墙壁上的光和影的跳动：
石壁的本色是灰色，但在此系列中，却呈现出色调蒙眬的金色、褐色、青灰色或反差强烈的白色。
这系列再现了教堂从清晨到黄昏的不同景象。
画家华沙罗被这些作品的独创特色所震憾，他在给儿子的信中说：
“我很遗憾你不能在莫内的画展结束之前赶到这里。
他的“主教堂”将会散落在各处，而它们是应当被看成一个整体来观赏的。
” 还有草垛系列、睡莲系列等。
雷诺阿（Pierre-AugusteRenoir，1841-1919年） 皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿出生在一个穷裁缝的家庭。
5岁时全家迁居巴黎，在13岁时已学会画瓷器画的手艺，尔后又学会画屏风，初步掌握了绘画技巧，还赚了一笔钱。
这使他在21岁时有可能入巴黎格莱尔的画室学习，在那里的同学有莫奈、西斯莱和巴齐依。
他们一同走出画室到枫丹白露的森林去外光写生。
在巴比松作画时遇到慈父般画家狄阿兹，狄阿兹不仅资助他还忠告他：
“你为什么画得这样黑？
”从此他开始放弃传统的暗调子，逐渐走向明媚和五彩缤纷的光与色的境界。
他在最初的艺术活动中不仅向前代大师提香、鲁本斯学习，还向同代的柯罗、德拉克洛瓦、库尔贝学习。
雷诺阿是位具有特殊艺术气质的人，他的生活态度和他的艺术创造是一致的。
雷诺阿出身平民，他的整个性格气质都是接近平民的，从无高傲的表现，他在社交场合总保持一种沉默寡言、多愁善感的样子，挂着一副阴郁的面孔，可是他一画起画来，他的脸上便立刻容光焕发，作画时他竟会哼出悦耳的歌声。
实际上雷诺阿的文化教养相当肤浅，但这并不影响他绘画天才的发挥。
1870年代雷诺阿和莫奈经常共同外出写生作画，切磋画艺，他俩经常为贫困所扰，但总是互相帮助鼓励共渡难关，他俩共同探索画中的光与色的描绘，终于创造出由闪烁的光与变幻的色彩编织成的动人交响乐章。
1874年雷诺阿以《包厢》一画参加首次印象派画展，这标志着雷诺阿风格的成熟。
但是自由的艺术创造给家庭经济带来危机，所以他总想找到一种既能满足绘画爱好者趣味，又能不失自己的艺术良心的方式。
随着《游艇上的午餐》成功，生活境遇得到了改善。
于是决定走出法国去东方寻找新的创作题材和灵感。
他去了阿尔及利亚又取道英国，1881年又赴意大利游历艺术名胜佛罗伦萨、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看了拉斐尔的画时感叹道：
“真是妙极了，我早该看到它们，这些画显示了真正的艺术技巧和智慧。
”这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派，他说：
“在油画方面我更喜欢安格尔。
”这是他艺术道路上的一次危机。
但就在这危机时代，他的印象主义精神仍始终保存在他的风景画中。
雷诺阿艺术的主体旋律--毕生所竭诚表现的是女性肉体的魅力。
他所描绘的女性着意在外表美而忽略其性格深度，但就其自然魅力而言是高贵雅致的。
他兼收了罗可可和巴洛克两者的娇媚和雄健之风，天衣无缝地融为一体，创造了独有的雷诺阿风格。
阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。
这就是雷诺阿一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。
雷诺阿的代表作是：
《包厢》TheTheaterBox，1874，80x63.5cm，Oiloncanvas 雷诺阿于1874年首届印象派画展上露面的这幅《包厢》，被称为一个绝对的艺术奇迹，它的技艺是一种挑衅和登峰造极，标志着雷诺阿风格的成熟。
这是根据画家在剧院里的感受回到画室运用模特儿画的。
它模拟了包厢场景，女的是模特洛比丝，男的是画家的兄弟。
构图是选择包厢的一角，省略了人物以外的环境，画面以女子形象为主，男子在后面作陪衬，形象鲜明突出，舞台的灯光使形象呈温暖柔和的金红色调，增强了少妇形象的光艳和柔美，嵌在简洁光泽面容上的一双乌黑大眼睛和艳红双唇显得突出而动人 雷诺阿在描绘女性面容时善用高调手法，用重色突出双目，其余用浅淡肉色描绘，像是粉嫩的脸上镶着两颗黑色宝石，醒目媚人。
尤其令人倾倒的是少妇身上那一道道浓重的黑色条纹，由于条纹的边缘是用细碎的笔触轻轻扫过，这使黑色条纹像镶在薄纱衣裙上的滚滚丝绒，厚重柔软，它在少妇脑前划成两道饱满的圆弧，然后向四周放射开去，用抽象的线条表现了女性丰润的美。
《夏庞蒂埃太太及子女像》MadameGeorgesCharpentierandHerChildren，1878，153.7x190.2cm，Oiloncanvas 雷诺阿脱离印象派团体转向官方沙龙，他以这幅画在官方沙龙获得相当大的成功。
夏庞蒂埃太太是福娄拜和左拉著作的出版商的妻子，她的沙龙是当时许多知识界名人和政界要人经常涉足的场所。
她利用这种方便为雷诺阿和她自己作宣传。
这使雷诺阿开始“流行”起来了，人们发现他可以，也能够满足资产者及贵夫人的趣味。
画中人都很秀雅，构图完全依据上流社会的讲究安排，夫人充满善良的美德，两个女儿虽小却有教养，环境和道具增加了高贵富丽的气氛。
这幅画不是雷诺阿所追求的风格，有人说它是一幅体面而非艺术的杰作，仅仅是显示画中人社会生活条件的手段，画中缺少画家的真挚和天才。
浴女TheBathers，1887，115x170cm，Oiloncanvas 40岁后的雷诺阿意外的迈入一个命运的转折点，就是到北非与义大利去旅行。
这种地中海南国明快的自然光线，热浪与激情的气氛，对他产生极大的震撼。
这趟的艺术之旅也让他眼花撩乱，产生迷失自我的感觉。
在此，因受文艺复兴巨匠
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