京剧的角色.docx

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京剧的角色

京剧的角色

是根据男女老少、俊丑正邪分成生、旦、净、丑四大行当，以演历史故事为主。

它的富有装饰性和夸张性的人物造型－脸谱，是显示人物性格、辨认善恶忠奸的象征与其辉煌艳丽的头饰服装，都成为京剧独特的风格。

传统剧目约有一千三百多个，常演的有四百多个。

"生"分为：

"老生"--指成熟的中年男子，以正派人物或帝王将相出现。

"小生"--表现的是青年男子。

旦"分为：

"青衣"--指中年妇女，一般指贵族家庭的夫人、小姐。

"武旦"--指能打斗的女性。

"花旦"--指青年小姑娘，社会底层的女性，如"丫鬟"。

"净"指各类花脸,一般演性格、品质或相貌上有特异之处的男性人物。

"末"也属老生类，但在年龄上应更老，思维糊涂，生活在底层的老人。

由于化妆时在鼻梁上抹以小块白粉而俗称"小花脸"，又同净角的大花脸、二花脸并列而俗称"三花脸"。

"丑"指小花脸，大多也是表现生活在社会底层的人，民间义士等多表现机敏、滑稽。

京剧的特点

（1）舞台和时空方式

京剧舞台过去没有大幕，观众一眼就能看清整个舞台。

舞台上一般只有一张带“桌围”的桌子、两把带“椅披”的椅子，称为“一桌二椅”。

桌围和椅披上都有装饰性的绣花。

有时舞台上什么也没有。

后来在台前增加了大幕，演戏之前用它把舞台遮掩起来。

有时在演出过程中又拉上一道幕，称为“二道幕”，用它把摆设桌椅、演员换装等准备工作挡在幕后，幕前可同时有演员表演，使京剧的演出更加紧凑。

京剧舞台的时间、空间是非常自由的，它不受实际生活的时空限制。

大幕拉开后，在演员没上场之前，舞台并不表示任何时间、地点。

京剧舞的时空是靠演员的活动来确定的。

比如，京剧中某个角色上场后，通过念白、歌唱，可以表明舞台是他的书房。

但是他下场后这个书房就不存在了，紧接着另一个角色上场，通过他的身段表演，可以表明舞台是一条崎岖的山路。

当一个人在自己家里闲坐无事，想到朋友家走走，便在舞台上走一个圆圈（叫做“圆场”），他的家也就转换成他朋友的家了。

又如，当剧中人听到一个意外的消息，感到震惊，这本是个瞬间的心理反应，但是为了刻画人物，可以用很长的时间来歌唱。

相反，像写信、看信、饮酒过程，本来是需要一定时间的，但是为了简炼，只表演一下姿态，同时吹奏一支唢呐曲牌，就完成了。

因此，观众在欣赏京剧时，需要随着演员的念白、歌唱和表演，发挥自己的想象力，这样才能理解戏里的时间、地点和环境。

（2）角色类型

京剧的角色类型俗称“行当”，主要是根据剧中人物的性别、年龄、身份、地位、性格、气质等划分的。

京剧的行当划分，是从昆曲和徽汉等古老剧种衍变而来。

起初分生、旦、末、外、净、丑、杂、上手、下手、流行等十门角色。

后来由于表演艺术的发展和剧目的丰富，严格的行当界线被打破了，综合成生、旦、净、丑四大行当。

各行中又包容了几个不同的角色类型。

如生行中有：

老生（主要扮演帝王及儒雅文弱的中老年人。

有些唱打兼有的武将，如花云、岳飞、黄忠等，则属于“靠把老生”，亦归老生行）、武生（勇猛战将或绿林英雄）、小生（主扮演英武气盛、风流倜傥的人物，如周瑜、吕布，以及英俊的青少年人物）、红生（如关羽、赵匡胤一类人物），剧中的儿童一类角色，则称娃娃生。

旦行中有：

正旦（或称青衣）（端庄娴静的女子）、花旦（天真活泼的少女或性格泼辣的少妇）、武旦（巾帼女将，绿林侠女及神话中的妖女灵仙等）、老旦（老年妇女）、彩旦（性格爽朗风趣的妇女或刁顽的恶婆等）。

净（又称“花脸”）行中有：

正净（庄严凝重的忠臣良将）、副净（绿林草莽英雄或权臣奸相等）、武净（慓悍战将或神话中的灵仙妖怪等）。

丑（又称“小花脸”、“三花脸”）行中有：

文丑（伶俐风趣或阴险狡黠一类角色）、武丑（精明干练而风趣幽默的豪杰义士等不同的行当，在唱、念、做、打、服装、化妆等方面都各具特色。

在同一行当中，又分出若干流派。

各派根据自身的条件和对艺术的理解，在传统的基础上进行革新创造，形成与众不同的风格特色。

（3）唱腔伴奏若干“板式”。

这些板式都是以一种曲调为基础发展变化出来的。

西皮、二黄都有“原板”、“慢板”、“快三眼”、“散板”、“摇板”等板式，西皮还有“二六”、“流水”、“快板”。

西皮类、二黄类的同类各种板式之间，既有联系，又有不同。

不同之处在于节拍的强弱、整散，节奏的疏密，速度的快慢，旋律的繁简等。

这些板式既可独立成段，也可连接成套。

不同的板式表达不同的感情。

在唱念做打中，唱居首位。

唱腔是塑造人物形象的重要手段。

京剧除西皮、二黄外，还有“四平调”、“南梆子”、“高拨子”等腔调。

京剧音乐也是程式化的，各种腔调、板式可以重复使用（当然不是完全照搬）。

例如《女起解》中的苏三唱“西皮慢板”，《汾河湾》中的柳迎春也唱“西皮慢板”。

这在歌剧中是绝对不允许的。

因此，欣赏京剧需要仔细分辨唱腔的差异。

为了配合表演、描写环境、渲染气氛，常常演奏一些器乐曲，这就是“曲牌”。

这些曲牌有长有短，有用唢呐、笛子吹的，有用胡琴拉的，各有各的用途。

比如，元帅升帐吹“水龙吟”，迎送宾客吹“工尺上”，灵堂祭奠奏“哭皇天”等。

锣鼓在京剧中占有重要地位，唱念做打都离不开它。

它的特点是音响强烈，节奏鲜明，用来加强节奏，制造气氛。

比如战斗场面，如果没有锣鼓伴奏，那是不可想象的。

京剧锣鼓有许多锣鼓点子，叫做“锣鼓经”。

它有一定的打法，但又有灵活性。

“锣鼓经”主要分为开唱锣鼓和身段锣鼓。

开唱锣鼓是唱腔前打的锣鼓，作为先导引出唱腔。

身段锣鼓是配合表演、武打的锣鼓。

京剧锣鼓还有个特殊作用，就是用来统一各种表现手段。

凡是唱念做打的转换，舞台节奏快慢的调节，都是靠锣鼓来完成的。

因此锣鼓贯穿全剧始终。

京剧的念白也很有特色。

它不同于日常生活语言，而是经过艺术加工的、富有音乐性的舞台语言。

京剧的念白主要分为“京白”和“韵白”。

京白是北京话经过初步加工而成，它的节奏快慢、声调起伏较为夸张。

京剧的花旦、丑角都念京白。

韵白使用的不是北京话，而是“中州韵”，听起来和北京话很不一样。

它是经过进一步加工的舞台语言，节奏、声调更为夸张，更富有节奏感和韵律美。

京剧的老生、青衣、花脸、小生、老旦等都念韵白。

念白能够简洁明确地表达思想内容，具有独特的表现力。

欣赏京剧和欣赏歌剧不同，观众和演员可以直接交流。

比如，一个演员抬起一手，用水袖挡住另一个演员的视线，面向观众说出自己的心里话，而假定另一个演员听不见这些话，叫做“打背躬”。

看京剧不像看歌剧那样拘束，观众对演员的评价，可以随时做出反应。

比如，对演员高超的武功、优美的拖腔，对琴师演奏的精彩“花过门”，可立即报以热烈的掌声，并可大声叫好。

演员受到观众的鼓励，演得更加卖力，这样，台上台下呼应，剧场充满热烈的气氛。

（4）服装脸谱

传统戏曲剧目大多取材于历史故事，反映各个朝代的生活，表现的人物有帝王将相、才子佳人和三教九流各式人物。

不同朝代和不同地位的人，他们的服饰各不相同，扮演不同的角色这就逼得戏曲艺人在戏装的穿戴上制定出一套规矩。

戏装的样式，是表现角色社会地位的重要标志。

以头盔来说，大体可分冠、帽、盔、巾四类。

帝王戴王冠，文官戴纱帽，武将戴盔头，穷书生戴方巾。

同是冠帽，翅子的样式又分向上、平直、向下三种。

向上的叫朝天翅，为

帝王和高级臣僚所戴；一般文官的纱帽为平直翅；向下的翅子都为非官员所戴。

同样戴一顶纱帽，插上金花的是状元，加上套翅的便是驸马。

戏衣分蟒（包括官衣）、靠、披、褶等。

一般规律是帝王和文官穿蟒袍，武将穿靠衣，平民百姓多穿褶衣。

戏衣的色彩很有讲究，一是表现等级，帝王穿黄色，一品至四品官穿绯色，五品以下官员穿青、绿色；二是表现风俗，喜庆场面穿华贵的颜色，刑场上犯人穿红色，哀悼之服为白色；三是表现情景，林冲夜奔穿黑色，突出一个“夜”；四是表现精神气质，关羽红脸绿袍，表现出能文能武、亦智亦勇；五是表现舞台整体美，元帅升帐，一群大将分穿红、绿、白、黑色的靠衣。

纹样在戏装中，不仅是美饰，也具有象征意义。

皇家和大臣的服装多用龙纹图案，它是封建权威和尊严的象征；武将的开氅多用虎豹图案，象征勇猛；文生的褶子描绘梅、兰、竹、菊，与他们的性格气质有关；而谋士的戏装用极图、八卦来象征智慧和道术。

戏装的不同着法，也体现了不同的情景。

一件腰裙，系在衣服外面，走路时两手拈着裙角，表现了匆；元帅出征前，扎靠、披蟒,就给人戎马倥偬的感觉。

脸谱艺术的发展与中国戏曲的发展是密不可分的。

大约在十二至十三世纪的宋院本和元杂剧的演出中，就出现了面部中心有一大块白斑的丑角脸谱。

为适应露天演出，所勾脸谱一般只用黑、红、白三种对比强烈的颜色，强调五官部位、肤色和面部肌肉轮廊，如粗眉大眼、翻鼻孔、大嘴岔等。

这种原始的脸谱是简单粗糙的，随着戏曲艺术的发展逐渐装饰化了。

到十八世纪末和十九世纪初，京剧逐渐形成相当完整的艺术风格和表演方法后，京剧脸谱也在吸收各地方剧种脸谱优点的基础上，经几代著名演员和戏剧艺术家的不断探索研究，加工提高，创新改革，得到充分的发展。

图案和色彩愈来愈丰富多彩，各种不同人物性格的区分也越加鲜明，并创造出许许多多历史和神话人物的脸谱，形成了一套完整的化妆谱式。

脸谱的作用，是通过脸谱的色彩、图案来表现角色的性格、品质、身份、特长、相貌等。

表现这样丰富的内容大体上是采用两种手法：

是颜色的变化组合，二是图案的构成

从色彩上说，现在的京剧脸谱有红、紫、黑、白、蓝、绿、黄、老红、瓦灰、金、银等色，这是从人物自然肤色的夸张描写，发展为性格象征的寓意用色。

一般说来，红色描绘人物的赤胆忠心，义勇无俦；紫色象征智勇刚义；黑色体现人物富有忠耿正直的高贵品格；水白色暗寓人物生性奸诈、手段狠毒的可憎面目；油白色则表现自负跋扈的性格；蓝色喻意刚强勇猛；绿色勾画出人物的侠骨义肠；黄色意示残暴；老红色多表现德高望重的忠勇老将；瓦灰色寓示老年枭雄；金、银二色，多用于神、佛、鬼怪，以示其金面金身，象征虚幻之感。

京剧脸谱的构图多种多样，加上五彩缤纷，装饰性很强的各种图案，容易使人眼花潦乱，产生神秘感。

其实，归纳起来也不过有十几个类型，由于相互借鉴，相互变化，就派生出许许多多的谱式。

这些谱式都是以各种人物的形貌、性格特征为依据的，即使是同一类型的谱式，因人物性格不同，各部位的线条勾画与色彩处理也就各异，使每个人物都富有各自的个性，而绝不雷同。

脸谱的构图大体有这样几种：

整脸，基本上以一种颜色为主体把脸涂满，然后再用一种颜色勾画出五官。

三块瓦脸，用线条勾出眉、眼窝和鼻窝，在额部和两颊呈现出三块明显的主色。

十字门脸，这种画法大都是从鼻梁向上画一条色柱并与左右眼窝相连，在脸部中间形成十字形。

碎花脸，正额有一完整主色，其余部位用辅色添勾花纹，色彩种类丰富，构图形式多样，线条复杂而细碎。

象形脸，这种脸谱大部分是神话中的精灵神怪，它是用额头案勾出装饰性的鸟、兽、鱼、虫等图案，表明它是由什么动物化为人形的。

歪脸，一般表现心术不正的歹徒或面部受过伤的人，所以五官歪曲变形。

京剧剧目中，还有不少以神话、传说为题材的，这些戏中的角色多为神妖，他们脸谱的门类，属于“神仙脸”或“象形脸”。

其中最著名的角色莫过于孙悟空。

他是一只从石头中迸出的猴子，后得道成精，武艺高强，神通广大。

他保护唐僧西天取经，一路上降妖伏魔，历经磨难，终取回真经，修成正果，位列仙班。

他的脸谱属“象形脸”，图案表现出猴子的面部特征；但他后来又成了神，所以又具有“神仙脸”的特征，即眼窝处涂成金色。

额上的珠光表示他乃佛门弟子。

除以上例举的脸谱门类外，还有“太监脸”、“英雄脸”、“小妖脸”等。

关于京剧脸谱，还有一些特例不妨一述。

旦角一般不勾脸谱，但也不尽然，钟离春就是一例。

此女传说为战国时齐国无盐（今山东东平）人，故又称钟无盐，她能征惯战，颇具男子气，且又生得貌丑，所以在剧中采用了勾画脸谱的处理方法。

而无盐毕竟是位女杰，故额上绘有莲花一朵，示其女性身份。

二、京剧乐器的特点

京剧常用乐器分打击乐与管弦乐。

其中，打击乐是京剧伴奏乐器中的灵魂。

京剧的“唱”、“念”、“做”、“打”完全按照规定的节奏进行，“唱”要有板有眼，“念”要抑扬顿挫，“做”则是舞蹈，而舞蹈必须表现出鲜明的韵律，谁来控制、体现节奏？

那就是打击乐。

伴奏的主奏乐器是京胡，伴以管弦乐器和锣鼓。

其伴奏称为“场面”。

京剧的场面分文、武场。

文场伴奏为管弦乐器，包括：

京胡、京二胡、小三弦、月琴、笙、笛、海笛、唢呐等；武场伴奏为打击锣鼓伴奏在京剧的音乐中占有着重要的地位，在唱、念、做、打时都离不开它。

京剧锣鼓的特点是音响强烈、节奏鲜明，能够加强节奏，制造气氛。

特别是在战斗场面中，锣鼓伴奏是必不可少的。

另外，京剧的锣鼓还用来统一各种表现手段，唱、念、做、打的转换、舞台节奏快慢的调节，都是靠锣鼓来完成的，锣鼓要贯穿于京剧演出的始终。

京剧锣鼓有许多锣鼓点子，称为“锣鼓经”。

它既有一定的打法，又有一定的灵活性。

锣鼓经主要分为“开唱锣鼓”和“身段锣鼓”。

开唱锣鼓是唱腔前打的锣鼓，作为先导引出唱腔。

身段锣鼓是配合表演、武打的锣鼓。

（三）脸谱的通用色彩含义有：

1、红色一般：

忠勇侠义，多为正面角色；其他：

有讽刺意义，表示假好人；特例：

老人显示年轻xx犹在；坏人做了点好事

2、黑色一般：

刚正威武，不媚xx；其他：

面色不好，丑陋

3、白色一般：

阴险奸诈；刚愎自用；其他：

和尙，太监脸谱；表示老人年迈

4、紫色一般：

刚正威武，不媚xx；其他：

面色不好，丑陋

5、黄色勇猛而爆躁

6、金色一般：

神仙高人；其他：

猛将

7、绿色一般：

勇猛，莽撞；其他：

xx

8、蓝色刚强阴险

六、京剧的服饰

京剧的服装，是一明代日常生活的服装为基础，参照了宋、元两代服装的样式，同时吸收了清代服装的某些特点，经过历代艺术家繁荣概括、提炼、美化形成的。

可以说京剧服装融会了宋、元、明、清各个朝代的服装特点，体现了中华民族的审美情趣和文化意识，形成了美观、夸张、概括力强、适用范围广等特点。

京剧的服饰一开始都是为扮演某一个角色而设计的。

因为好而流传下来，服饰多了，逐渐形成了程式。

如穿黄蟒的是皇帝；穿红、紫色蟒的是大臣；穿官衣的是小于大臣的地方官；穿衣裙的是小姐；穿坎肩和裙子的是丫环。

武生穿的褶子多绣飞禽；小生穿的褶子多绣花卉；贫困书生穿的褶子上补着不规则的杂色绸子，叫富贵衣；头上缠着带子，身上系着裙子表示这个人有病等等。

所以京剧人物一出场，观众就能对他的年龄、社会地位、生活状况和人品等有个简单的概念。

第一夸张的服装造型

京剧是一门夸张的艺术，京剧服装也是夸张的服装。

它不受现实生活中一般逻辑和规范的限制，而是大胆运用了象征、变形等夸张手段来设计各类人物的服装，为剧中角色服务，为舞台美学服务。

像靠旗、水袖等服饰的运用，不但成为京剧最显著的特点，而且可以表现复杂的心理活动和优美的舞蹈动作。

第二色彩的充分运用和图案的大胆设计

京剧服装继承了中华民族服饰艺术的色彩传统，在用色上非常大胆，色彩搭配也非常鲜明，有浓郁的民族风格。

京剧服饰主要由于十种颜色组成，这十种颜色又分为上五色和下五色：

上五色红绿黄白黑；下五色粉蓝紫香湖。

上五色一般用于社会地位较高者下五色一般用于社会地位稍低者。

京剧服饰中使用较多的图案是龙和凤。

龙一般用于男性服饰，凤一般用于女性服饰。

龙和凤是中华民族几千年历史繁衍中产生的图腾，用在京剧服装上，表示尊贵、华丽，另外经常使用的图案还有寿字，象征长寿；蝙蝠因蝠字同福，象征幸福；梅花象征不怕寒冷，品质高洁；燕子象征身轻如燕等等。

第三不受时代地域和季节的限制

只要是京剧传统戏，不管是哪个朝代的故事，哪个地域的人物，其服装基本上是通用的，比如西施中的吴王夫差、上天台中的东汉光武帝刘秀、斩皇袍中的宋太祖赵匡胤、胭脂宝褶中的明成祖朱隶，是前后相差千年，不同朝代的人，但其服饰基本是相同的。

同类人物穿相同的服装，已经形成了严格的规范。

这是因为京剧剧目成百上千，不可能每一个剧目、每一个人物都使用很多困难。

京剧的服装也不表示季节变化，从形式上分不出单衣和棉衣。

总的原则是除去脸部和手部，身体的其他部分一般不暴露在外。

如果需要表现天气寒冷或炎热，一是由演员用动作表示，二是用下道具辅助表演，如扇子、火盆等。

京剧服装的这一特点，也从一个侧面表现了封建社会时期人们穿衣服讲究不露肌肤的习俗。

第四通而不乱的穿用原则

京剧服装虽然能在不同时代的戏中通用，却又通而不乱，有着严格的穿戴原则。

如前面所讲的吴王夫差、东汉光武帝刘秀、宋太祖赵匡胤、明成祖朱隶，他们的服装虽然相同，但绝不是乱穿，而是穿能够证明其帝王身份的服装。

如此类推，各类人物的服装都有穿用界限，都有严格的穿用规范，有时甚至用料和加工的方法都不一样。

由此，京剧服装形成了这样的特点。

从服装上，很难判定人物的朝代和年代，但可以判定人物的社会地位、经济地位、家庭环境甚至性格。

如果通晓了这一特点，就可以非常方便地了解剧情了解人物，也就很容易看懂了。

京剧服装大致可以分为五类：

蟒、铍、靠、褶、衣。

在这五类服装中，又根据人物的社会地位、性别、

性格、职业、经济状况等有更详细的区别