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美术鉴赏基础知识
第一章美术鉴赏的基础知识
第一节什么是美术鉴赏
美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品与美术现象进行感受、体验、欣赏和鉴别的情感活动与思维活动。
在美术鉴赏中，人们总是自觉不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想象,进行分析和判断,并伴随一系列的情感反应，从而对作品作出某种审美评价，得到某种精神上的满足,获得一种审美享受。
美术鉴赏不仅要对美术作品有感性认知和视觉印象,还要对美术作品的表现技巧、形式语言、思想内容、艺术倾向、社会背景等方面,进行理性的分析、研究并做出判断，所以这种情感活动带有很强的理性色彩。
它主要通过对具体美术作品的解读和赏析,揭示出作品艺术特色和文化内涵，使人们对美术作品的审美认知能力，得到一个由浅到深、由表及里、由感性到理性的提升过程。
美术鉴赏属于艺术接受学的范畴。
艺术家创作出了美术作品,但艺术活动并没有就此结束，必须通过美术鉴赏发挥艺术作品的社会作用，通过观者对作品的品评鉴赏,才会使作品具有长久的价值和广泛的社会意义,艺术创造者及其美术作品的审美价值才能得以充分实现。
美术鉴赏能力的高低通常与人的综合人文素养有着密切的关系。
以美术鉴赏为基础的审美教育可以开拓人的艺术视野、增长知识，可以丰富审美心理结构，优化情感结构，提高审美能力，提升人文素质，对培养健全的人格和人的全面发展有着不可替代的作用。
一、美术鉴赏的条件
美术鉴赏活动中无论是欣赏还是鉴别都需要一定的条件，否则美术鉴赏便不能成立。
一方面,美术作品作为鉴赏的审美客体,是读者和观众进行鉴赏活动的对象,作品中的艺术形象成为鉴赏主体进行审美再创造活动的客观依据;另一方面，在美术鉴赏中,作为鉴赏主体的读者和观众并不是消极、被动的接受，而是积极、主动地进行着审美再创造活动。
因此构成美术鉴赏的条件主要有两个方面，一是美术鉴赏的客体即作品本身,一是审美鉴赏的主体即读者和观众的参与。
（一）美术鉴赏的客体
美术鉴赏的客体，即被鉴赏的美术作品本身.在进行美术鉴赏活动时要求客体必须具有一定的审美价值,否则便失去了欣赏或鉴别的意义。
如何使美术作品具有一定的审美价值?
这就要求美术作品在内容和形式上要达到完美和统一。
如果只有形式而没有内容，往往会流于技巧的炫耀。
反过来如果忽视形式，就违背了艺术审美的特性，因为对优秀的美术作品的赞美，都是由充分表现意蕴的形式引起的。
如果只是为了表达一种思想,则无论美术作品的内容多么科学、多么具有真理性，只要它不具有美的形式,便不具有作品的审美价值。
在美术鉴赏中，人们首先感受到的是鲜明、生动的艺术形式，是点、线、面、形体、色彩等形式要素及排列组合方式，因为美术作品的艺术形式一旦形成之后,便产生特有的形式美，所以人们在欣赏美术作品时会无视作品的内容，而陶醉于迷人的形式美之中。
美国的美学家克莱贝夫·贝尔从艺术学的角度出发，认为由于艺术的形式能够唤起一种特殊的审美情感，从审美经验上可以断定形式具有艺术意味，因此，他把“有意味的形式”定义为美。
但是从艺术的角度出发，美术作品只有在“真”与“善"统一到美的形式上时，才真正的具有审美价值.中国古代美学思想中很多理论都是强调内容与形式上的完美和统一。
如唐代画家张彦远说：
“若气韵不周，空陈形似，笔力末遒,空赋善彩。
”①所以他认为“意存笔先,画尽意在”②是最好的作品。
宋代欧阳炯也曾经说过：
“有气韵而无形似，则质胜于文;有形似而无气韵，则华而不实."这些都是在强调美的内容与形式的统一.只有作品中的“真”与“善”统一到艺术的形式上时，我们才能称之为美，称之为艺术。
所以美术作品的审美价值表现在内容与形式的完美统一，面对毫无审美价值的作品自然不会有什么审美鉴赏可言。
比如我们在欣赏徐悲鸿的作品奔马图时，（图1-1）首先被奔马的气势和动态美所吸引，画中的马雄骏、矫健、轻疾，强壮有力，生气勃勃，马的躯体远小近大，既符合透视，又给人一种欲放先收，由远及近的感受，表现出奔腾的气势。
从奔马高昂的脖子延伸到左腿形成一条垂直线，使其在奔腾中又显得十分稳健.而飞动的马尾、马鬃用笔粗犷有力，焦墨与湿墨并用，这种笔墨既表现奔马的特点，同时又很好的表达了画家激越的情感。
我们从奔马的跃动中感受到生命的顽强活力，充分体会到生命的运动美。
奔马确实是”一洗万古凡马空”，独有一种精神抖擞、豪气勃发的意态。
这是把情感和意蕴融汇在精美的艺术技巧中的典范，达到了内容和形式的高度和谐完美统一。
只有这样的作品才具有审美价值。
（图1—1）
（二）美术鉴赏的主体
美术鉴赏的过程是由鉴赏的主体和客体之间的审美联系所造成的。
美术鉴赏的主体,即欣赏和鉴别美术作品的人.当然这个主体必须具备对美术作品的感知能力,必须具有艺术感受和艺术想象的器官与能力，这是最基本的条件.同时美术鉴赏也要求鉴赏者要具备一定的审美经验和丰富的想象力，有多方面的生活经验和一定的艺术素质，否则便不能获得应有的美感。
艺术只能同有艺术修养的人进行真正的交流。
一个真正的艺术鉴赏者，他不仅需要掌握某一类艺术的有关知识，同时还需要对整个艺术领域有较为广泛的了解。
我们在鉴赏美术作品时,除了要掌握绘画的一般知识之外,还要对作品的历史背景、社会环境、文化内涵等有一个全面的了解，这样才能理解作品深层的意义.
艺术鉴赏活动不仅有个人先天条件的参与，而且更为重要的是受鉴赏者审美感受、审美理解和审美想象的影响，而艺术鉴赏者的审美鉴赏力的高低又与艺术鉴赏者的文化艺术修养有关。
艺术鉴赏者要对具体艺术作品作出个体独到的和具有较强拓展性与创造性的鉴赏结果,其本身就必须是具有较高艺术修养和文化学养的人。
否则，鉴赏者就不可能对艺术家熔铸于艺术作品的所有情思和深刻意蕴有明晰性的同构认知、理解和把握，更不能有再创造性的认识了。
只有鉴赏主体具备了良好的艺术修养和丰富的文化学养，才能对艺术作品有独到而全面的艺术理解力，才能去鉴赏作品的深层次的内涵,才能有效地促进艺术鉴赏再创造特性的发挥。
美术鉴赏是审美主体对审美客体积极而能动的反映。
从接受学的角度看，美术鉴赏是一个再创造过程.审美鉴赏带着明显的感情体验的特征，始终不能脱离感性的具体的形象，而又暗含着理性的认识,这样才能在欣赏中达到怡然自得的境界。
鉴赏主体的审美观念在美术鉴赏中起着重要的作用，审美观念是一定历史时期人们对审美经验总结的结果，是人们对美的看法和认识。
审美观念的不同必然会导致审美差异。
审美主体的价值观念和审美观念作为审美活动的主要因素和内在尺度,对于美术鉴赏活动的方向性、选择性以及对审美活动的调控具有重要意义。
美术鉴赏以感性认识为基础，但又包涵着理性认识的内容。
因为美术作品不仅具有生动可感的形象，而且还有内在的本质和一定的生活内容。
所以,在美术作品的欣赏中，那种不懂脑筋，不进行推敲和品味的思维活动,是不能深刻地认识美的内在本质、内容和意义的。
例如我们欣赏明代王绂的《墨竹图》，虽然画竹只有三株，可是疏密相间，有分有合，用墨浓淡相宜，有虚有实。
怎么欣赏那枝叶潇洒,富于书法意味的美呢？
他的画是和书法练习在一起的，欣赏他的画如果没有书法知识是不行的。
美术鉴赏中的理性不是抽象的感念和逻辑推理，而是对于美术作品感性形象的品评与体验。
所谓品评，既不脱离具体的可感的形象，又在比较、推敲、揣摩的品味和品鉴之中，必然就包含着理性思维活动的评价和情感体验.中国的诗品、画品、书品等都是欣赏,判断和情感体验的结合,是感性和理性的统一。
因此美术鉴赏正是在对对象的品评与体验中，达到对美的本质的认识。
（三）、审美经验的重要性
美术鉴赏的过程是审美主体与审美客体之间的精神碰撞,在碰撞中产生和谐统一.在这种审美联系中审美经验的积累是不可忽视的。
在主客体的这种审美关联上，康德认为鉴赏判断“不是知识判断,从而不是逻辑判断，而是审美的。
"③就是说人们在什么鉴赏中对艺术作品的判断或评判，不能用获得一般知识的经验,即逻辑思维的方式，而是要用我们的审美经验和想象才能获得美感和正确的审美判断。
鉴赏主体对社会生活的认识和审美经验的积累,以及个人生活经历的丰富，对美术鉴赏活动产生着非常重要的作用和影响。
只有生活阅历深广的人，具有深刻而丰富的人生体验和审美经验的人,才能在面对艺术对象时迸发出丰富的想象和联想，从而导致情感的激动，获得美术鉴赏活动中的独特的精神愉悦和艺术美的享受.如果没有长期的日积月累的生活感受，没有对时代环境、社会生活的认识和个人的丰富经历等这些客观的现实基础，就不可能产生美术鉴赏活动中的那种丰富的想象力和艺术感受力，更不可能有艺术的直觉去领悟艺术品德的深刻含义。
因此,艺术鉴赏者必须对社会生活有深刻的认识和体验，并在日常的生活中积累社会生活的经验和情感经验。
有了生活和情感的经验，还必须从这些经验向审美经验转化和升华。
审美经验是在生活经验的基础上向精神和心理的深化和升华，是一种积淀着深刻意蕴的高级情感经验.美术鉴赏的审美经验的积淀，一方面来源于人类历史的审美经验的积淀，另一方面来源于个体的鉴赏实践经验的积累.每一次的鉴赏经验都在改变着鉴赏者的心理结构,丰富着审美鉴赏的经验,从而不断地提高着个体的艺术鉴赏力。
人们在审美感受中获得的经验，不同于一般的知识经验，而是长期生活中对美的事物的感受的经验积累。
因此，我们不能用一般的经验来欣赏、判断美的事物和艺术作品。
同时人们审美经验的获得因所处的地理环境、社会环境、文化背景及个人生活环境的不同而表现出差异，不同的审美经验会导致审美感受和审美判断的不同，甚至其审美判断截然相反.我们之所以对一些美术作品尤其是一些现代派的美术作品产生欣赏和评价的分歧，这都与我们的审美经验有直接的关系。
现实生活中人们的审美经验是有限的，而任何美术作品都是艺术家审美经验的具体表现，美术欣赏就是通过人们对各种不同时代,不同风格流派的美术作品的欣赏、鉴别来丰富人们审美经验的过程。
审美鉴赏不仅对一般的人有意义,对专门从事美术创作的美术工作者来说也有重要的意义。
因为不管是什么人面对一件美术作品,只要不具备相应的审美经验都不会产生应有的美感.
在美术鉴赏的过程中，审美判断和审美经验是非常重要的。
比如我们欣赏齐白石先生的《虾》,（图1—2）画中的虾形态各异，栩栩如生，淡墨绘成的躯体显得晶莹剔透.虾儿犹如在水中竞逐，灵动活泼，生机盎然。
虽然画面上没有画水，但观者仍能明显感受到虾在水中嬉戏竞逐的灵动气息。
这便是我们调用自己的审美想象和审美经验对作品进行欣赏的结果。
（图：
1-2）
二、美术作品构成的主要因素
进行美术鉴赏必须具备美术作品基本要素的知识。
美术作品的构成有一些基本要素，如色彩、线条、形状等，色彩、线条、形状既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式。
画家之所以称之为艺术家而不是生理挂图的绘制者，就在于它不但写形，而且传神，不但组合线条，而且寓于情思，不但建构形体,而且融于意蕴。
相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感.所以进行美术鉴赏必须具备美术作品基本要素的知识。
（一）、线条
美术鉴赏首先是对线条的欣赏。
线条是一部作品极具表现力的基本因素，线条不仅能够勾勒出物体的外形和轮廓，最重要的还在于通过线条表达情感。
不同的线条传达不同的情感,使人产生不同的情感体验。
如，直线具有刚劲、挺拔、正直等情感意味；曲线具有柔美、流畅、圆润等情感意味；折线则给人以方向感，如前进、后退、升降、倾斜等意味.
中国的书法之所以被称为线的艺术，就在于其线条本身的表情性.如怀素的笔法瘦劲，飞动自然，如骤雨旋风，随手万变。
虽率性飘逸而法度具备,如壮士拔剑，神采动人，而回旋进退，莫不中节.给人以奔放纵逸之美感。
文征明则用笔遒劲、笔意纵逸、驾驭自如、气势流贯，在温润中含有苍劲，在整饬中表现出老辣，显示出练达的艺术技艺和情趣,使人感到文征明此时已进入人书俱老的艺术境界之中。
而毛公鼎铭文是清道光末年于陕西岐山出土的西周宣王时期的器物,铭文长达497字。
其用笔圆隽精严,委婉优雅，具有高贵典雅的贵族之气。
依鼎布势纵横有序、在整体宏伟的效果中显露着庄重与威严。
（二）、色彩和结构
美术鉴赏离不开对色彩的欣赏。
色彩与线条一样，是美术作品的基本形式要素。
色彩的表现力非常强，能够传达出某种特定的情感意味，并引起人们相应的反应。
如，红是热烈而兴奋的；黄色是明朗而欢快的;蓝色是忧郁而悲哀的。
与此相应,红色使人联想到火与血，黄色使人联想到秋日与阳光，蓝色使人联想到海洋与蓝天……不同的色彩有不同的情感意味,给人以不同的情感体验。
而且每种颜色都有可同时具有多种情感意味.如红色,既可以使人联想到喜庆的场面而兴奋，又可以使人联想到流血的情景而恐惧,可见色彩的情感意味是相对的、不确定的。
正是由于色彩意味的不确定性，反而使色彩更具魅力，如同我们对诗歌或音乐的欣赏一样.其实，人们对任何一首音乐或诗歌的感受和体验都不会相同，除了人的主观因素外，就在于艺术作品的多意性，因此，艺术作品才会引人关注、引发争执,才会有讨论与研究的价值，才会流芳后世.色彩在西方美术中被运用得淋漓尽致，色彩不仅是塑造艺术形象的形式要素，而且具有独立的审美价值。
色彩在脱离了具体的形象而存在的时候，反而使人更能感受到它的美。
波提切利曾大胆地宣称：
我们没必要去研究和注意风景，一块吸满颜色的海绵扔到墙上,就会出现一个完整的风景。
如果说线条是人的运动的轨迹，人们的任何运动、动作，都可以反映出其内在的性格或情感,那么色彩及颜色的组合亦然。
任何美术作品的色彩都会表现出作者的某种情感，使人产生某种情感体验.我们从西方美术流派中的印象主义、表现主义等美术作品中,可以清楚地看到，色彩所具有的独立的审美价值。
我们鉴赏一幅美术作品同时也离不开对结构的欣赏。
结构是美术作品的重要因素，结构不仅指艺术形象内部的组织构造，还指一件美术作品中各部分之间的结构。
严格地说，美术作品中的各种形式要素，诸如点、线、面、色彩、形体、机理等，只有在一定的结构关系中才能表现出特定的情感内容.
（三）、美的形式法则和空间要素
美的形式法则概括了现实中美的事物在形式上的共同特征。
主要包括：
单纯齐一;对称均衡；调和对比；比例；节奏韵律;多样统一等等。
美的形式法则是人类长期审美经验的结晶，是对美的规律性认识，是事物外在形式要素的组合规律.不同比例，不同节奏的形式要素组合，会给人不同的美感；对称的组合有庄重之感，均衡的组合有活泼之感.变化统一才能产生美感，缺少变化就会显得呆板，缺少统一则会出现杂乱。
美术作品给人的不同美感,都是通过特定形式法则显现出来的。
由于艺术家的性格特点、风格流派等诸多的不同，他们对形式法则的运用也灵活多变、各不相同.所以我们对美术作品的鉴赏离不开对美的形式法则的了解和掌握。
追求形式美是为了推动美的创造，达到美的形式与内容的高度统一。
美术也被称为空间艺术,美术作品中的艺术形象存在的方式,也是艺术家塑造艺术形象，表情达意的手段，在美术鉴赏中我们可以通过分析美术作品的空间占有、空间分割或布局方式，来对作品进行分析鉴赏。
如北京故宫博物院的空间分割方式.设计者为体现封建君主的至高无上，在空间处理上主要采用了对称和均衡的方式。
把主要的建筑安排在中轴线上，次要建筑安排在东、西两侧。
还特别强调了三大殿的汉白玉石殿基，以最大的广场，最高的建筑空间来充分显示它的主体地位，使人在精神上感到一种威慑和震惊。
可见，物体空间占有的不同、分割的比例不同,都会使人产生不同的感受。
面对庞大的物体，我们会产生雄伟之感，面对精致的物体则会产生优美之感，狭长而曲折的林荫小路会有幽深之感，高而窄的空间会令人有险峻之感……不同的空间不仅可使人产生不同的美感，还具有不同的用途。
无论建筑设计、产品设计还是航天飞行器的研制，甚至我们布置房间，布置货架、会场……都离不开对空间的研究。
所以进行美术鉴赏必须具备对空间艺术的感知能力.
（四）、艺术形象
绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现.比如17世纪西班牙画家委拉斯贵支的《教皇英诺森十世画像》,就把一个自尊心极强、阴险奸诈、毒辣凶狠的人物的精神表现了出来。
所以艺术形象是美术鉴赏中最为主要的内容。
美术作品中的艺术形象,主要包括两大类：
第一类是写实性的形象。
对写实性美术形象的鉴赏，主要是对美术形象的形体、形状、动态、神态，逼真程度，表现技巧及思想内容等方面的鉴赏。
对写实性美术形象的感知比较容易,比如我们面对达·芬奇的《蒙娜丽莎》都能感受到画中人物形象那生动的神情、典雅的姿态和忧思多情以及恬静深邃的内心世界。
第二类是以表现主观感受为主的夸张、变形或抽象的美术形象。
夸张、变形,不仅可使物体固有的形象变得丰富多彩，而且还会使形象的个性更为鲜明突出。
抽象的美术形象,包括抽象的几何形和由几何形的分解、组合的方法创造出的新形;还包括用线条、色彩等造型要素的排列组合所构成的抽象的美术形象。
对抽象的美术形象就不能用真实与优美这个传统的审美标准来感知或评价，表现性是它最重要的特征。
其实，人们的审美标准是随着社会的发展而变化的。
自20世纪以来,现代工业与科学的飞速发展，各种不同文化的碰撞融合,众多哲学流派的产生,艺术与技术的结合都对人们的审美观念带来影响。
尤其是摄影技术的产生及东方艺术对世界的影响,人们认识到真实和优美不是唯一的审美标准，美术最重要的是表现情感，美术不仅表现优美还可表现丑陋、怪诞、痛苦和不安;表现自我，表现梦幻，表现观念。
因此，对抽象形感知的主要内容是形式语言、艺术观念形式创新。
对抽象艺术的鉴赏,不仅有益于提高形式感知能力，还可以拓展人的审美观念,开发创新意识，发现创造方法.
绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想,激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。
三、美术鉴赏的功能和作用
（一）、丰富人的审美体验
通过对中外优秀美术作品的分析鉴赏，审美主体逐渐能透过作品的形象层和形式层,品味到意味层中的深层意蕴。
美术作品的艺术语言和形式，就有了更为生动而丰富的理性内容，它把艺术家的人文情感以物化的方式呈现出来，当欣赏者从不同的作品中解读或品味出作品中所蕴涵的民族精神、人生境界、时代意识、哲理思考等理性内容时，回应在内心的将是一种悦志悦神的喜悦。
这时的艺术作品已不再是艺术家心灵的独语状态，而是作为“中介"，成为了艺术家与欣赏者精神往返的“桥梁”。
柏拉图在谈到艺术作品可以丰富人们的审美体验时曾经说过,我们不是应该寻找一些有本领的艺术家，把自然的优美方面描绘出来，使我们的青年们像在风和日暖的地带一样，四周一切都对健康有益，天天耳濡目染于优秀的作品，像从一种清幽境界呼吸一阵清风，来呼吸它们的好影响，使他们不知不觉地从小就培养起对于美好的爱好，并且培养起融美于心灵的习惯吗？
可见，优秀艺术作品的感染和教育作用往往都是在潜移默化中进行的。
美术鉴赏使我们在充分享受美术作品带来的愉悦的同时,也积累了审美知识，丰富了审美情趣，启迪了智慧。
（二）、提高对形式美的感知能力
形式感知能力的培养是美术鉴赏的首要功能.没有对美术形式的感知，便不能获得美的享受，也不能受到某种教育。
具有“音乐的耳朵"和“美术的眼睛”是艺术鉴赏的前提条件，是人们获得美感的根本所在。
人们从艺术中获得的愉悦或美感主要源于艺术形式的美。
人们欣赏音乐时产生的愉悦，源于音乐的节奏、韵律、旋律等形式；人们在美术欣赏中产生的美感则源于线条、色彩、形体与结构等形式。
具有对形式美的感知能力，才能理解作品，获得丰富的情感体验。
例如，当我们步入苏州园林时，无论是曲径通幽的悠闲，还是诗情画意之雅逸,都会为苏州园林精湛的技艺和绝妙的布局造景所感动，此时人们就会产生强烈的美感.同样,一幅好的国画山水或油画风景作品，不仅会使欣赏者赏心悦目，而且能够给人带来一种悦情悦意的理性欣喜.因此美术鉴赏要求鉴赏者必须具备一定的形式感知能力.不具备一定的形式感知能力，美术的一切作用便无从谈起。
而形式感知能力的培养则主要靠美术鉴赏。
形式感受能力的培养主要靠后天的学习，所谓“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理,人们只有在长期的审美实践中对美术作品进行欣赏、鉴别，积累审美经验，才能使自己的审美能力得以提高.
（三）、深化对社会生活的认识
美术所塑造的形象，来自于现实生活,是对现实生活中的形象的提炼和概括，是具有典型化的特点的形象.也就是说,它是现实生活的反映。
那么欣赏者在欣赏美术作品时,就可以从不同时代、不同过度以及不同民族的具体而生动的形象和情景去认识世界、了解历史、感悟真理和体验不同的人生，进而体悟生活的本质.这就是美术的认识功能。
通常美术的认识功能可以从两个方面体现出来。
一方面体现在美术形象上,比如我们从西班牙的阿尔塔米拉的洞窟岩画中对动物的描绘体验到马格德林文化时期人们狩猎的场面,从而认识到当时的狩猎经济;从米勒的《拾穗者》等一系列作品中,了解到19世纪法国农村的生活情境和农民的命运，同时也感受到当时法国农民的淳朴的性格和精神况态，从而认识到当时法国民族以及时代的状况和特点。
美术的认识功能还体现在美术作品的语言和形式上，不同时代、不同国家、不同民族在美术创作中都有自己鲜明的语言和形式特征，作品一旦形成，这些具有时代性、区域性、民族性的特征和精神就可能通过美术作品跨越时空而被保留下来.比如：
我们从中国的园林、建筑中可以感受到中华民族追求“天人合一"的哲学思想和民族情结;从古希腊雕刻的端庄、典雅、崇高而和谐的风格特征中体会到古希腊民主制度的风范；从古埃及雕刻单一呆板的形式风格中感受到当是古埃及专制制度的社会特征.
（四）、陶冶情性净化心灵
美术鉴赏的一个重要的功能就是情感教育作用。
美术欣赏是审美主体对审美客体积极而能动的反映,在这一活动过程中，通过对古今中外优秀的绘画、雕塑、工艺美术和建筑等作品的欣赏,审美主体获得了丰富的情感体验。
我们通常选择那些主题突出，风格鲜明,内容和形式上都相对完美，在美术史上有一定影响的优秀作品，这些作品寓意深刻，意蕴丰厚,具有前瞻性和开拓性，把优秀的作品作为欣赏和审美的对象，会给人带来强烈的艺术感染，使人们的审美心理得以陶冶和塑造，人文素质得以提高.人们的情感只有在审美过程中才会得以净化和升华，例如,从达芬奇、拉斐尔创作的圣母形象中，我们可以感受母性的慈爱、温柔、端庄、纯洁的美好品质；罗中立笔下的《父亲》形象，让人感受更多的是中国传统的农民身上所具有的那种温厚、善良、勤劳和淳朴的美，这种美具有一种感人至深的情感力量；从米勒、维米尔、康斯太勃尔等那些关注自然和人生的质朴画风中，又可以唤醒人们现实生活深切的关怀。
这些源自现实生活的艺术形象中，表现出的是人性中可贵的品质,引发人们对美好生活的热爱之情，有助于树立正确的、健康的、和谐的和审美的人生态度。
第二节美术鉴赏的审美心理现象及过程
美术鉴赏是对美术作品的鉴别和欣赏,鉴别就是要判断艺术之优劣高下，鉴赏则必须获得精神的愉悦。
所以美术鉴赏是一种有别于一般生理趣味的、人类精神领域中的高级层次的审美活动，这一活动过程实际上是艺术鉴赏主体调动各种能力的过程。
因此，美术鉴赏并非简单地、被动地接受，而是一种积极的、主动的、富有创见的精神活动,是鉴赏者运用自己的感知能力、情感、审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价,从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操，获得审美享受,理解美术作品与美术现象的活动及其过程,所以鉴赏美术作品要调动各种心理因素，如感觉、直觉、情感、想象、理解等来参与艺术鉴赏的过程。
一、美术鉴赏的审美心理现象
艺术鉴赏是主体对艺术作品的感受和理解不断深入的心理过程，这一过程伴随着极其复杂的心理现象,其中包括感知知觉、
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