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舞台艺术论文
舞台艺术论文
现代舞台美术设计发展受新观念、新技术、新方法应用的影响越来越大，下面内容由本人为大家分享舞台艺术论文，一起来看看吧！
第一篇：
舞台艺术论文
一、舞台美术设计与色彩
在舞台美术设计中，背景色彩与主色彩的融合也是决定舞台表演成败的关键，一场好的舞台艺术表演往往拥有完美的色调搭配，所以在舞台美术设计的色彩搭配上，一定要注意强化主题的表现力，应结合不同的色彩对其舞台背景色彩进行不同阶层的搭配。
如使用反差系数较大的色彩搭配的舞台，其可见度就往往要高过使用临近色调搭配的可见度。
所以，在舞台美术设计中，应尽量采用简洁明快的色调，从而给人们留下深刻的印象。
色彩是决定舞美设计效果的重要因素，在舞台美术设计中，色彩往往能够直接映入观众的视线，它不仅是舞美设计中最能表达情感的元素，同时也使舞美设计拥有了独特的韵味。
二、舞台美术设计中色彩的具体运用
色彩是人们的情感和思想基调的表达。
在舞美设计中，色彩的运用主要包括布景色彩、化妆设计色彩、服装色彩以及灯光色彩四种，设计者只有合理地运用了色彩，使其在舞台艺术表演中对观众产生了强大的视觉冲击力，才能够使得舞美设计达到理想的艺术效果。
1。
布景色彩的运用
作为舞台的表演形式之一，舞台布景在舞美设计中占有重要的地位，对布景色彩的运用直接关系到了舞台表演的好坏。
舞台布景设计是以剧本的相关内容及导演的设计意图为指导，并配以各种道具材料的使用，采取平面与立体相结合的方法来使舞台的表演达到最佳演出效果的设计过程。
而为了准确定义剧本所设定的环境，就必须依托色彩的调配来设计舞台的布景。
布景的设置主要有背景图和道具两种，背景图应配合剧情需要进行舞台设计，同时还要注意与主色调的合理搭配。
舞台布景的色彩通常需要体现不同剧本的不同风格，这就要求设计者应根据剧本的悲喜色彩和现实性来采用不同的布景色彩。
例如在写实类的剧本表演中，布景色彩的设计就应该以现实生活素材为依据来合理地组成背景。
如剧中如果要求有山和水的场景描述，那么舞台背景就应该使用青色的背景来表现；而在虚幻类的舞台表演中，就需要使用一些夸张的色调，如粉色的天空和黑色的群山等。
只有采用合理的布景色彩，才能够使表演具有独特的神韵。
除此之外，道具也是舞台布景设计中的一部分，其可分为随身道具、大道具和小道具三种。
舞美设计者在使用这些道具时，应注意两个主要问题，一是要充分考虑到舞台的整体效果，将色彩巧妙融合于整体色调之内，而不是单一地突出某一件道具，导致舞台表演失去了整体的协调性和美感；二是要注意道具与布景之间的相互对比关系，通常深色布景下的道具应选择浅色类，而在浅色布景中则应该选择深色类的道具。
如舞台布景如果以花色调为主，那么像衣柜、沙发等道具就要使用纯色。
只有使背景和道具的运用与周围环境相协调一致，才不会给观众带来审美疲劳。
2。
化妆设计色彩的运用
化妆是塑造舞台人物艺术形象的重要手段之一，它要根据表演者所扮演角色的年龄、性格、性别等特点，来对人物进行装饰和美化。
通过舞台化妆设计的妆容和造型，能够很好地突出表演者的独一性，使观众能够对角色进行准确地判断和分类，使表演者能充分发挥其最大的优势去给观众呈现其舞台表演的魅力，从而使其在艺术表演中获得个人潜力的升华。
想要达到优秀的舞台表演效果，舞台化妆设计必不可少。
由于舞台剧本不同，化妆手法也不同，因此所呈现出的效果也就会有所差异。
通常舞台妆容都需要通过对各种工具的运用，并配合化妆设计的基本原则，采用合理的化妆技巧来对舞台表演者的五官及其他部位进行描画和大面积的渲染，从而使其妆容在配合舞台表演的同时能够强化表演的主题意象。
化妆设计所使用的材料主要以色彩为主，所使用的色彩与图案不同，舞台人物所呈现出的特征也就不尽相同。
如在戏剧舞台表演中，设计师就常常通过对人物脸谱色彩的刻画来突出不同人物的性格特征，如代表正直忠义的红脸关公和代表奸诈无常的白脸曹操等。
作为一名合格的化妆师，理应正确地认识和把握色彩的使用程度，在设计舞台妆容和造型时，化妆师应充分利用色彩的错觉性来使演员的妆容达到完美的效果。
例如在一些舞台剧的化妆设计中，化妆师通常会利用眼线和眼影的搭配效果来调整演员眼部的大小，或者通过面部的阴影描画来使演员的面部更加立体化等。
舞台妆容不同于影视剧的妆容，在剧院中，观众席通常距离舞台有一定的距离，而为了突出演员的面部，化妆师就需要通过强烈的色彩对比来修饰演员的面容，以此来达到最佳的舞台效果。
3。
服装色彩的运用
对于舞台表演艺术来说，舞台服装就像是一块会动的颜色板，它需要被表演者穿在身上来展示出舞台剧的艺术魅力。
好的舞台服装设计通常能使舞台的艺术审美得以充分展现，而一个好的舞台服装设计师，不仅要能够制作出适合舞台表演的服装，而且还要能使表演者在穿上这套服装时充分发挥出魅力，使台下观众感到身心愉悦。
对于设计师来说，不同的服装色彩所表达出来的效果是不同的，为了使表演者的服装发挥出最大的效果，设计师们就应该合理地使用色彩这一重要舞台元素。
色彩在服装设计中占有重要的地位，服装色彩的强弱能够很明显地表现出表演者所要表达的情绪和特质。
例如红色代表自由奔放，蓝色代表包容温和、紫色代表神秘高贵等。
合理搭配服装颜色，不仅能够激发出观众的情感，而且能够牢牢地吸引住观众的视线。
色彩渲染了舞台的情感气氛，也创造出了各种类型的舞台角色，因此，在舞台的服装设计中，色彩的运用是非常重要的，设计师应该考虑到舞台剧本的内容和主题，并能通过不同的色彩表达来让观众明确区分不同人物的身份地位、生活习惯等基本资料。
在运用色彩搭配服装时，设计师还应该注意色调与舞台布景的融洽性，不仅要均衡配色，而且要大胆地使用色彩创造线条给观众营造出强烈的视觉效果。
如在舞台剧《智取威虎山》中，设计师就将暗色调和亮色调配合在一起使用，来表现主人公神勇的英雄形象，色调的合理搭配使演员在表演过程中富有了节奏感，也使服装和演员达到了一个贴合的效果。
4。
灯光色彩的运用
随着时代的进步和科技的快速发展，人们的审美需求也在不断的提高。
在舞台表演艺术中，人们更希望欣赏到一些具有个性特色的灯光设计，在合理的灯光色彩运用下，观众的审美情感也能够获得一定程度的升华，所以，灯光色彩运用得好坏是舞美设计能否达到最佳艺术效果的重要标准。
对于灯光师来说，灯光色调的强弱关系到了对舞台总体色彩的把握程度。
柔和的光线可用来处理浪漫的舞台气氛，强烈的光线则可用来烘托紧张激烈的氛围。
灯光色彩能够给人以美的享受，可赋予表演者极大的表现力，也给观众带来了好的心理体验。
当前，灯光色彩的运用已经逐渐成为了舞台演出的常用技巧之一，色彩需要灯光的照亮，灯光也需要色彩的烘托，只有二者相互配合才能使舞台表演达到完美效果。
对于色彩来说，邻近色彩的相似性容易影响到舞台表演，因为色调相近的色彩往往容易杂糅到一起，从而使表达目的变得模糊，界限变得不清晰。
因此灯光师在设计灯光色彩时，不仅要注意色调的搭配，也要注意色调的变化，不同的灯光色彩能反映出不同时代的背景。
例如一幕舞台剧中若需要体现新时代，就会大量使用类似于红色这种热烈奔放的颜色；而要演绎旧时代，通常就会使用青色这一类的暗色调来表现。
除此之外，不同的灯光色彩也能够表现出不同的季节，如绿色代表着春天，黄色象征着秋天等。
在现如今的舞台表演艺术中，已经有越来越多的灯光师喜欢用各种灯光色彩来体现和表达剧中人物的情感变化，所以，灯光色彩在舞美设计中的作用已经不可或缺，其强大的表现力，也使得舞台美术设计理念得到了更好地表达。
三、结语
对于舞台美术设计来说，色彩运用的重要性不言自喻。
其不仅能够在舞台上给观众提供一个直白的视觉感受，同时也赋予了舞台浓重的艺术特色，使舞台美术设计具有了丰富的艺术美感。
色彩在渲染舞台气氛和突出表现人物形象时，通常能够起到推波助澜的巨大作用，因此，只有正确、合理地运用了色彩，才能使舞台的艺术设计达到最佳效果，给观众带来不同的审美感受。
第二篇：
舞台艺术论文
一、舞台机械的使用极大地拓宽了舞台的表现空间
与传统的木制景片相比，舞台机械能够通过滑轨、动力系统、液压系统等在主舞台上自由伸展或自由提升，又或进行360度的旋转，甚至十分平稳地向观众席前进，接近观众，让观众产生某种惊奇感。
从审美心理学的角度来看，只要观众能够产生某种惊奇感，就能保证他们在一段时间内有看戏的欲望。
需要强调的是，能否让观众喜欢一出戏，最终取决于剧本、演员、导演以及音乐、灯光、服装、化妆、道具等多方面因素，因为戏剧是一门综合艺术，而“舞台应当被认为是一种媒介——更重要的是传播见解而不仅仅是提供娱乐，并且应当在打动人的理智方面为严肃的目标服务”。
20XX年，在四川人民艺术剧院演出的音乐剧《未来组合20XX》中，第一幕发生在繁忙的双流国际机场出港大厅。
尽管突出主要人物和主要戏剧场面是舞美设计师的职责，但为了同时向观众呈现出一个人流如织的空港，还必须采用舞台机械，让演员进行多空间的活动，在假定环境中营造出某种真实氛围。
因此，舞美设计师在舞台上共设计了七个表演区，这七个表演区完全由钢材做成，可以平稳地自由升降。
毫无疑问，舞台机械的使用将原先的一个舞台空间拓展成七个不同的表演区，为观众艺术地展现了一个独特的舞台环境。
并且，优秀的舞美设计一定要与整个戏剧演出浑然一体，要成为戏剧演出不可分割的一部分，甚至成为无声的表演者，因为“戏剧的魅力，来源于行动”，
而舞美设计师的主要职责就在于为导演的创作和演员在规定情境中刻画人物提供一个可以展现人物行动的空间。
没有这个空间，对于导演和演员而言，无论如何也是无法进入到创作和表演的状态中去的。
因此，舞美设计师的作用并不亚于导演，这在四川人民艺术剧院另一出大型话剧《警察》中就得到了充分体现。
在大型话剧《警察》中，舞美设计师周丹林根据剧本提供的规定情境，合理运用舞台机械，将整个舞台美术与戏剧的规定情境有机融为一体。
序幕中，周丹林在舞台后部专门设计了一个可以进行局部运动的奔驰轿车的前面部分，让观众一开始就被剧情所吸引，而这种吸引不仅仅是因为这辆车非常真实，更因为整件案子就发生在这辆车里，犯罪集团头领叶小帆就是在这里亲手杀害了自己的孪生哥哥叶大伟。
这一场景在整场戏中共出现了三次，并在这三次出现中向观众交代了老刑警队长余全胜与其某种神秘关系，更向观众交代了叶小帆杀害孪生哥哥叶大伟的原因。
“戏剧的载体是演员，而演员的载体是舞台。
”
显而易见，舞美设计师就是要根据剧本提示为演员在舞台上创造可供塑造角色的活动空间。
随着剧情的发展，剧作者显然成功地引导观众把注意力放在了警察对叶小帆公司及其身边诸人的调查上。
此时，舞台后部又出现了观光式电梯，并通过不停开关的电梯门使戏剧情节的节奏自然加快，让观众没有时间喘息，始终被紧张的戏剧情节深深吸引。
这时，无声的、不停开关的观光式电梯门就如同一个无声的演员，向观众预示着紧张情节的出现——叶小帆的副总会死于非命。
显然，这种能够不停开关的观光式电梯门完全依托了舞台机械的液压系统，它反复一开一合，使观众仿佛身临其境。
也就是说，这种舞台机械的运用使观众产生了一种极强的新鲜感和惊奇感。
戏剧在剧场中进行演出，注定是要产生能够吸引观众的“磁场”。
根据日本学者河竹登志夫的观点，这种“磁场”与物理学中的磁场在功能上极为相似。
观众欣赏戏剧演出时，不仅能被“戏剧的场”深深吸引，还能产生与之互动的“心理的场”，并由此产生“一连串的心理活动及生理活动”。
因此，一部优秀作品的舞美设计不仅要有新思维和新元素，还要让这种新思维和新元素与观众产生某种互动，并加速观众“心理的场”的形成以及能量的增强。
而通过这种能量的增强与传递，就可以使舞台美术的美学特征完全融入观众心中，从而获得很好的艺术效果。
正如德国哲学家黑格尔所指出的那样：
“在美的艺术里起决定作用的并不只是需要，作为艺术，它还要满足美与快感的更深刻的要求。
”
毋庸置疑，观众走进剧场，主要是满足自己的精神需要，并在这种满足之中获得美的快感与享受。
舞美设计师要让自己的设计形成一种张力，并使观众在这种张力所形成的“磁场”中自始至终都产生一种惊奇感，进而获得审美快感与享受。
在警察刘和平牺牲的这一场戏中，我们看到这种张力在观光式电梯的玻璃门内外得到了无限放大：
一边是焦急万分的战友与刘和平最后的心愿：
“快，快帮我……我和古黎的复婚证明。
我要是死了，她连烈属待遇都享受不了！
”
一边是即将与刘和平复婚的古黎在玻璃门外的声声呼唤。
此时，观光式电梯在舞台上不停旋转，但同时也是一道严实的大门，将一对即将复婚的恋人坚决而又残酷地分隔开，预示着两个彼此理解、彼此原谅、彼此相爱的人从这一刻起注定阴阳两隔。
周丹林之所以设计这个可以旋转的观光式电梯，除剧本提示之外，还有就是所用材料简单、透明、轻型，且便于移动。
应该指出的是，舞台设计师的这种艺术构思只有在充分运用舞台机械的条件下才能实现。
从剧场学和接受美学的观点来看，这种依托液压的电动旋转式结构可以将演员的表演通过旋转的方式全方位展示给观众，从而使观众产生一种欣赏电影的感觉。
当看到玻璃门上出现的刘和平的大片血迹时，观众受到感动，精神也得到升华。
与此同时，观光式电梯还与左右两旁可以升降的平台构成一个统一体，这两个升降平台可以视为通往大楼顶层的电梯。
当刘和平被叶小帆杀害，大批警察到来时，已经预示着叶小帆这个杀人恶魔走到了末路。
这种设计显然是为了加快戏剧节奏，使观众没有一点喘息的机会，整个思路始终都被剧情所引导。
二、舞台机械的运用也为灯光设计提供了更大的空间
按照传统的舞台结构，灯光布局一般只能在舞台两侧（侧光）、舞台顶部（顶光）、舞台台口底部（底光）以及舞台后部（背光）四个区域进行，如果想在舞台表演区中间出现灯光布局，是不大可能的，因为木制的景片根本不能成为灯光布置区。
然而，舞台机械却轻而易举地做到了这一点。
在一些戏剧演出中，舞美设计师甚至直接将钢结构艺术地呈现在观众面前。
“创造，这是人类自由的主要形式。
这种形式，也是审美和艺术活动的主要形式。
”
舞美设计实际上就是一种艺术创造活动，每一个舞美设计师都会在设计中彰显自己的个性，向观众传达剧作者、导演以及设计者本人的创作意图。
在彰显个性的今天，这种倾向更加明显和突出，有许多设计甚至与剧本原来所给定的环境大不一样，而是根据剧情重新创造了一个新的规定性情境。
在谭维维主演的音乐剧《蝶》中，这种变化尤为突出。
《蝶》取材于经典爱情故事《梁祝》，它将故事的发生地定义在“世界的尽头”这样一个规定情境之中。
根据剧本提示，这个名为“世界的尽头”的场景是在“寒冬的北方荒野”，梁山伯与祝英台化蝶之后的爱情故事就在这样一个冷酷的环境中展开。
然而，剧作者仅仅使用了简单几个字，却并未对这个被称为“世界的尽头”的环境进行详细而精确的描绘。
可以说，剧作者所给定的环境模糊不清，但又是可以进行大胆想象和创造的。
剧中，舞美设计师使用了重金属环型火车轨道，从而使轨道上的舞台机械运动自如。
并且，整个舞台空间几乎都成了一个蓝色光源的控制区域。
“在蓝色里，主要因素是暗，暗通过一种较明亮的但不是完全透明的中介物，才显得是蓝的。
”
冰冷的金属机械和冷色调的蓝色光源使观众一走进剧场就感受到一股寒气，在这股寒气中，已经化成蝴蝶的梁山伯与祝英台仍将为自己的爱情进行殊死抗争。
毫无疑问，这一规定环境不仅仅存在于假定性十足的舞台上，也深深地影响并感染着现场的观众。
由于舞台机械的运用，该剧还在一根根钢管上进行了独特的灯光设计。
剧中，开合、旋转、后移的舞台机械上始终都以蓝色光源为主，许多蓝色光源干脆就直接布置在舞台机械上面。
这些光源布局不但凸显了“世界的尽头”这个独特环境的幽暗，烘托了戏剧氛围，而且还突出了剧中的主要人物，认真向观众传达着编剧、导演、作曲家以及舞美设计师的美学追求。
当故事进入高潮，这种重金属的舞台机械又喷出”熊熊火焰”，仿佛梁山伯与祝英台以及舞台上的芸芸众生都被大火所包围，即将被这恶魔般的火焰吞噬。
而他们与恶势力的拼死斗争以及群众演员在这些舞台机械所构成的多个表演区中的表演，无疑会给观众带来强烈的视觉冲击与明显的心理暗示——邪恶终究压不住向往爱情和光明的心，善良、正义与勇敢定会战胜一切邪恶势力，最终迎来光明。
显而易见，这些舞台机械承担着这样一种使命：
构建一个牢不可破、阴森可怖的“世界的尽头”，随着剧情的发展、情节的起伏以及高潮的形成，布置在这种钢材上的红色灯光与火焰发生器又起着推动戏剧高潮的作用。
可以说，这些舞台机械是构成《蝶》这部音乐剧不可或缺的重要部分，而这种虚与实的有机结合也正是这部音乐剧的重要美学特征之一，它能使观众的情绪随着剧情的发生与发展逐步高涨，进而获得情感宣泄，并在心理上与剧中人物产生强烈互动。
音乐剧《蝶》的舞美设计具有明显的假定性和象征性。
由于剧本并未对故事发生的时间做特别交代，因此，时间就具有模糊性与可变性。
我们既可以把故事发生的时间想定在遥远的从前，也可以把它想定在当今，一切依观众个人的主观感受而定。
因此，象征性的表现方式就能为观众提供巨大的想象空间。
这种设计理念或许来自德国戏剧家贝尔托布莱希特。
布莱希特在提出著名的“间离效果”时，对舞台布景进行了界定，即舞美设计师不是要为导演、演员或观众提供布景的框架式背景，而是要建立起一个空间，让人物在其中经历一些事情。
换言之，这个空间是否为现实主义的舞台空间并不重要，重要的是要与剧中人物的行动以及戏剧情节构成有机的统一体。
而象征主义舞美设计的最大特征就是主张用“可视的物象来暗示内心的微妙世界，充满着神秘主义色彩”。
⑨于是，该剧音乐从头至尾就有了一种剧诗性。
随着剧情的发展，观众可以看到舞台机械时而旋转，时而后移，时而分开，时而合并。
舞台机械的这些运动绝不是脱离剧情单独进行的，而是由剧情的变化来决定。
这些运动时而快，时而慢，似乎完全听从乐队指挥的调遣，跟随音乐的节拍来完成。
从美学的观点来看，舞台布景属于雕刻类建筑，具有凝固性和不可变动性，而音乐则具有流动性。
因此，要使凝固的舞台布景动起来，就必须依赖音乐，因为音乐始终是根据剧情的发展而变化的。
这种情况在话剧《警察》中也是如此。
当刘和平牺牲后，随着快节奏音乐的响起，两个平台载着多名持枪特警迅速升起，这一过程差不多是在10秒内完成的，这种速度既符合剧本的提示，也符合音乐的节奏，更符合观众的心理期待。
在音乐剧《蝶》中，情况同样如此。
舞台机械随着音乐或明快舒缓，或紧张快速，仿佛有了灵气一般旋转、开合、后移。
由于有演员的密切配合，这些运动让观众看到了一个个流动的戏剧表演空间。
自然，舞台机械的这种流动性也会大大增强观众“心理的场”，使戏剧本身具有的张力和观众心中所产生的张力相碰撞，最终形成一种合力，并在这种合力中产生净化情感的“卡塔西斯”（katharsis）作用，进而使观众产生强烈共鸣，使戏剧的社会效果达到极值。
三、就形态而言，现代剧场形式大致有两种发展模式
一种是往小剧场方向发展，也就是说，将舞台进一步延伸到观众席中，甚至与观众席融为一体。
但是，小剧场是否能运用舞台机械，应视剧本的规定环境而定。
另一种形式则是各种各样的电视晚会等，在此类情况中，舞台机械所起的作用又十分特别。
这类晚会的最高形式当属央视的春晚。
仅以20XX年央视春晚为例，在这场长达4个小时的电视文艺晚会中，舞美设计师可谓见仁见智。
他们首先将平台用钢管支撑，垫至一定高度，构成一个颇有些夸张的T型台。
T型台中央则是几个可以自由升降的小舞台，用以突出各个节目单元主创人员的创作意图。
《龙凤呈祥》是一支反映中华民族喜庆祥瑞的欢快舞蹈。
为了突出凤凰的美丽与婀娜多姿，平台反复升起，将美丽的凤凰屡次上升到一定高度，不仅给广大观众带来视觉上的冲击，更带来了一种美的享受。
“龙”与“凤”的第一次出现是在舒缓的竹笛声中，“凤”站在“龙”的脊背上，由平台缓缓托起。
显然，这种随着音乐节奏升起或降落的平台此时已经完全融入表演之中，成为其密不可分的有机组成部分。
最让电视观众感到愉悦的是，当舞蹈进入高潮时，舞蹈演员从T型台的各个侧面涌了上来。
此时，整个T型台台面的主表演区又变成阶梯状，进一步突出了“龙凤呈祥”的美丽、婀娜。
并且，台面又是由镜面组成的，随着音乐的进行与台上灯光的变换，台面的灯光和图案也随之发生种种变换，从而全面、立体地向海内外电视观众展现出蕴藉在“龙凤呈祥”中的中华文化元素。
主表演区的舞台呈阶梯状缓缓升起，一直上升到最高点，凸显了“龙”的气势与“凤”的美丽。
舞台样式的多变也是刺激观众眼球，调动观众情绪的一种有力手段。
在晚会进入高潮后，《中国美》将观众的情绪带到了又一高点。
此时，舞台表演区的左右两侧分别升起两个小舞台，一边是演奏者，一边是独唱者，将舞台表演区分开，在最短的时间里传递给观众最多的信息。
这两个升起的平台好似一扇可供其他演员进出的门，将弹奏、演唱和舞台主表演区骤然分成了三个不同的表演区域，从而体现出中华民族的和谐之美。
现代剧场形式的另一种外延形式就是在运动场举行大型开幕式。
笔者认为，在运动场举行开幕式或者文艺晚会，实际上就是对古代雅典剧场演出形式在新时代、新条件和新技术下的一种复归。
在古希腊，人们祭祀酒神往往是在大型活动场所进行，这些活动场所就包括当时的运动场或比赛场，舞台表演区常常被设置在中间区域，舞台背景也因地制宜，多用石柱、石块制成。
到了今天，古典形式演变为现代形式，这在20XX年北京奥运会的开幕式上也表现得非常突出。
开幕式总导演张艺谋显然是把整个鸟巢当成了一个大舞台，鸟巢顶部由钢架构成，拥有多个巨型屏幕，可以帮助观众从不同侧面和角度观看主表演区的演出。
此外，鸟巢顶部还有一圈360度的多媒体展示区及焰火表演区，用以配合中心表演区的表演。
而中心表演区就设在鸟巢的比赛场地中，由无数根钢管搭建起一个巨大的舞台平面。
当由烟花组成的28个大脚印从空中快速跑入鸟巢时，整个鸟巢转瞬之间就沉浸在烟花的缤纷之中，顿时将观众的情绪提升到一个高度。
而在中心表演区进行的各种表演，不仅将观众带入中华文明的历史长河之中，而且还将舞美设计艺术之美呈现在了亿万观众面前。
在《梦幻五环》中，人们看到巨大的奥运五环在虚拟的星河中缓缓升起，或飘逸，或旋转，几个仙女从茫茫银河飞落人间，营造出一种如梦如幻的情境。
此时，观众愉悦感受的获得是依赖于舞台机械以及设置在这些机械上的烟花和灯光。
正是这些看似固定的舞台机械为观众营造出了一种流动的场面和幻觉。
“在电影中，一个场景通常是通过聚焦和视角的连续变化，通过剪辑和编辑，通过淡入淡出，通过灯光与镜头的运动被感知。
”⑩这种类似电影般的流动性会极大地刺激观众，使其充分调动自身感官，时时刻刻都能产生一种愉悦的惊奇感。
《戏曲》展现了中国戏曲的独特魅力与程式化表演的美学特征。
这一节的整个演出都是在一个活动戏台上进行的，在司鼓和锣声中，戏台在群众演员的簇拥下缓缓移动。
这是一个上下两层的活动戏台，下面一层是司鼓手、京胡演奏者等，上面一层则是表演提线木偶的演员。
这样的舞台设计就很直观地突出了中国戏曲的两个主要部门：
表演部门和演奏部门。
将表演部门放置在活动戏台的顶层，无非是要向观众突出中国传统戏曲的程式化表演及其独特而深厚的艺术魅力与美学特征。
随着锣鼓节奏的加快，戏台的运动速度也在加快，这种变化必须依赖戏台下面的控制装置，而这种控制装置也只有通过舞台机械才能顺利实现主创人员的创作意图。
《礼乐》可以说是将中国几千年的礼乐文明浓缩在了十几分钟的演出中。
在“画轴”两旁，伫立着32根龙柱，每根龙柱上各有一名演员。
随着乐曲的进行，在《春江花月夜》优美的旋律中，整个鸟巢顶部出现在了中国古代山水画的巨幅长卷上，而32根龙柱缓缓升起，向观众展示了一个更加立体的表演空间。
这32根龙柱在液压装置的作用下高耸入云，体现了中华建筑和谐、对称以及天人合一的美学与哲学思想。
在这里，舞台机械为主创人员全面反映中国古典哲学、艺术和美学思想发挥了极为重要的作用。
不仅如此，这32根龙柱还与“画轴”表演区、龙柱下的表演区共同形成了三个高低不同、错落有致的表演区。
并且，“画轴”的运动和龙柱的静
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