吕峻涛用对立统一规律中把握中国画创作发展的整体方向.docx

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吕峻涛用对立统一规律中把握中国画创作发展的整体方向

运用对立统一规律中把握中国画创作发展的整体方向

（讲座摘要）

吕峻涛

　　马克思主义是伟大的认识工具，是认识世界和改造世界的科学的世界观和方法论。

它同样适用于对中国画的认识和创造。

　　唯物辩证法告诉我们，矛盾是事物发展的根本动力，没有矛盾就没有事物的发展，而对立和统一是矛盾的基本属性。

矛盾的事物既是一个统一的整体，又分裂为两个对立的部分、方面和趋势。

这两个对立的部分、方面、趋势便构成事物的内在矛盾。

它们是互相排斥的、对立的，又是相互联系的。

两者共处于矛盾的统一体中，相互依存、相互转化。

对立不能脱离统一而存在，没有统一也就没有对立。

既然矛盾的对立和统一是不可分离的，矛盾的又统一又斗争推动了事物的发展，那么我们在处理各种矛盾的过程中，就必须遵循客观辩证法的要求，在对立中把握统一，在统一中把握对立，促进事物的发展和变化。

　　中国画几千年的发展历史，也是在这种既对立又统一的过程中传承和发展的，这种对立和统一既表现在观念方面，也表现在创作的各个方面，因此，我就对立统一规律在中国画领域的把握和运用作如下思考，供大家讨论。

　　一、中西艺术观念的对立和统一

（一）中国画艺术传统是文人水墨画传统，这个传统是较为封闭独立的写意体系。

　　中国画自战国以来，发展到清朝鸦片战争之前已经过近两千年的发展，历史相当悠久，风格也经历了多次的变化。

它是中国传统文化的重要组成部分，被我们视作“国粹”，但是在鸦片战争以前的中国画，可以统称为传统的文人水墨画，这种文人水墨画到了元代才成为中国绘画的主流形态。

应该说，中国传统文人水墨画是在中国传统文化即在儒、道、佛的思想基础上生长起来的，是一个较为相对封闭独立的体系，很长时间没有受到外来文化的冲击。

这期间虽然也有风格、流派、技法的变化，但总的来说传统文人水墨画的写意体系没有发生本质的变化，呈现出相对稳定的状态。

文人画家用水墨手段表达自己的内心世界，抒发自己的情感，其中包含的写意性与抒情性，是中国绘画美学思想的发挥，他把以书法入画，以线为造形基础的表现方法发展到极致，这些都使文人水墨画具有很高的审美价值，但是也表现出自身的不足，主要是回避现实，讲究儒雅之风，缺少抗争意识等等。

（二）西方传统艺术体系以写实为特征。

鸦片战争以来，西方列强打开中国封闭的大门，其文化艺术观念也不可抗拒地进入中国，而以写实为特征的西方绘画语言随之给中国传统文人水墨画以强烈的冲击和震动。

写实绘画在“文艺复兴”时期得以壮大，历经500年的辉煌，产生了许多艺术大师和杰作。

在20世纪以前，整个一部西方美术史，就是写实绘画的历史，它强调素描造形观，以具有三维空间感的写实造形为基础特征。

在中西文化撞击的大背景下，中国一些有识之士就举起“反传统”的旗帜，主张以西方的写实造形改良中国画。

于是20世纪的中国画便在中西融合的大背景下沿着两条路线，即沿着传统文人画这一路线和沿着引进西化以改良中国画造形的路线前进。

这两条路线存在明显的差异，但目标基本一致，就是如何使中国画具有时代性和民族性。

　　（三）两大艺术体系的对立与统一。

传统中国画坚持的笔墨造形观，以平面的笔线、墨韵为基本特征，但这种笔墨不仅指笔墨本身，而是涵盖着中国文人画的一整套创作方法与审美范畴。

也就是说中国文人画是以笔墨为中心的，没有笔墨就没有中国文人画，笔墨的核心在于写意。

　　西画注重素描造形观，以具有三维空间的体面写实为基本特征，它运用了数学、物理学、解剖学等自然科学的成果予以造型，强调科学的写实主义。

　　这两种在不同文化传统和文化背景下产生的艺术体系的对立，本质上是民族性的不同，进而衍生出艺术自身表现方式和技术特点的差异。

从表现语言上，中国画的主要语言是线，以线勾勒并倾注主观感受和境界。

西画的主要语言则是写实，采用透视法，把人的视觉几何化、物理化，表现实有的空间意识;在色彩运用上，中国画强调墨韵，趋于非理性的主观描绘，而西画的彩色强调光线的具体化，物体的色彩是固有颜色和环境的综合体;在观察方法上，中国画强调的是“意象”，是画者情感化的物象，而西画则注重通过写生，强调真实地再现对象;在构图的处理方式上，中国画注重散点透视的具体运用，可以把不同时间、不同空间的物象联系在一起，而西画则比较尊重科学，采用合理的焦点透视来表现事物的变化规律，更趋于科学和理性。

　　这两大艺术体系的对立也有共同的一面，一是在艺术上都追求真、善、美，追求思想和情感上的共鸣。

从艺术语言上来说，不论在写实或写意体系中，都有“形”的概念，都是通过“形”来传达内在精神，这就有了互相交流和借鉴的基础。

但是在这种交流统一的过程中，美术界针对这个问题就出现了如前所述的两条路线。

但是不论是坚持什么艺术路线，都面临西画东渐和中西融合这一事实。

一些有作为有建树的艺术家从对西方绘画语言的研究中认识到中西两大表现体系各有所长，认为彼此应该互相尊重，取长补短，也从比较中更加认识到中国画不应拒绝吸收西画的观念与技法，吸收的目的是为了发展中国画，而不是削弱它。

但是这种吸收不是盲目的吸收，不是全部西化，而是有鉴别地吸收，以保持中国画独有的民族风格。

我们的中国画需加强造形技能和现代科技成果，把形的塑造纳入中国画的线形结构中，把造型视作手段，将其用来为写意的艺术创造服务，从而改进和完善民族传统的写意表现体系，才能把造形与笔墨统一在中国画的格调和情趣之中，否则中国画就很难发展。

在此以后，因为传统的文人水墨画融进了西画的造形，而具有了某些新的特征，被称之为新国画。

新国画也是中国画，不同的是它是两大体系统一融合的产物，它区别于中国传统的文人水墨画，是中国画面向世界，永葆民族性的发展方向。

　　二、艺术的思想内容和表现形式的对立和统一

　　艺术的思想内容和表现形式是矛盾的两个方面，它们之间是既对立又统一的辩证关系，一方面。

它们之间不可分割，互相依存，另一方面又互相转化。

内容决定形式，形式适合于内容。

然而，不是说一种内容只有一种特定的形式。

由于事物的联系是复杂的、多变的，因此事物的内容和形式既有相互依存的一面，又有相对独立的一面。

事物的内容变化，形式就会随之变化，但形式不是消极的被动的，它对内容有重大的反作用。

（一）艺术的思想内容。

艺术作品的全部形象所体现出来的思想意义和思想教育力量是艺术的基本属性。

　　艺术是社会意识形式之一，它以审美的方式达到认识、改造世界的目的，反映了艺术家对生活的思考和认识，是艺术家通过一定的艺术形象对社会生活进行审美评价时体现出来的社会观点的表现，由艺术本身的客观性和主现性所决定。

艺术创作是世界观指导下的创造活动，艺术作品都有思想性，一部作品的成败得失，艺术发展中的兴盛和衰落以及艺术的社会作用，除了艺术形式方面的原因之外，与作品对生活现象在思想上和创作上概括的广度和深度有密切联系。

艺术的中心思想与艺术形象紧密融合，化为作品的激情和灵魂，通过整体形象表露出来，为人们所感知。

马克思主义美学重视艺术的思想性对人的启迪、教育作用，主张思想性与艺术性的统一，反对“席勒式”的单纯的时代精神传声筒的倾向。

决定艺术作品的艺术价值和审美价值的高度，不是它用了什么样的形式，而是它所传递的思想认识深度。

我们品画，常以有无新意为评。

这个意，是画家对客观自然的感悟，反映的是画家的思想，体现画家的功力和修养。

作画需重立意，以意造形的美术观是画家进行创作的理论依据。

讲求创作的立意，就是要求画家注重创作中的匠心独运，创造新的绘画语言，表达自己的真实感受，创作出立意高远的作品。

作品的立意和思想性，不是凭空想象出来的，一方面需要善于发现新的主题，深刻地反映生活，另一方面要在已有的题材中发现新意，画出自己的独特之处。

（二）艺术的表现形式。

艺术的表现形式是艺术内容的内在结构和外在表现。

其内在结构称之为内形式，外在表现称之为外形式。

艺术的内形式，是艺术内在各要素经过组织化和有序化所形成的相对稳定的结构，是它自身联系和连结的程序，也是它自身存在的状态和方式。

比如画黄土高原，就要把握黄土高原的内在属性和典型环境，要求一切的艺术形象和黄土高原相匹配，不能把黄土高原的树种画成南方的树种等等。

内形式在一定条件下可以转化为外形式，外形式是内形式的外化和物化，是由内形式自身生长出来的一切艺术手段、工具、媒介和物质材料，形成能诉之于人们感官的艺术形象。

外形式具有相对独立性，其中也包含着许多矛盾的对立统一，如中国画创作运用的远近、大小、虚实、开合、藏露、浓淡、干湿等关系，看起来这些关系很对立，但统一在整体画面的形式中就显得非常和谐。

艺术外形式的这种对比手法，在国画创作中十分重要，它往往能使作品的造形获得神奇的视觉效果。

　　（三）艺术的思想内容与表现形式是对立的又是统一的。

　　这种对立是由思想内容的内在规定性决定的，没有这种思想内容的规定就没有对立。

但是艺术作品是内容和形式相结合的统一体。

形式虽然是由内容支配的，但是它不是消极地服从于内容，而是活跃地、积极地反作用于内容。

只重视内容不重视形式，其结果不仅得不到有表现力的形式，而且使内容无所依凭，无法表达。

那些徒有空洞说教的内容和图解生活的作品，没有艺术的感染力而受到人们的厌弃，就是忽视了艺术的表现形式，破坏了作品的形式美。

文革中在文学作品中出现的高大全形象和在美术创作中出现的红高亮模式，就是最好的例证。

因此我们不能从主观意念出发，把某种思想或某种政策概念强加给艺术形式，这样就会破坏艺术的审美价值和形式美，使作品丧失应有的艺术感染力。

好的艺术作品是思想性与艺术性完善结合的有机统一。

处理好思想性与艺术的关系，说起来容易做起来难。

使二者有机结合的基础是生活，惟有生活才是思想的源泉、艺术的源泉。

思想的生发可以通过读书和社会实践获得，但艺术的灵感却不会经常生发，这就需要我们努力实践，努力学习，达到思想性与艺术的水乳交融、血肉相连，比较完美地充分融合。

　　三、当代中国画创作发展的整体方向

　　20世纪以来的中国文化，特别是在改革开放以后，世界“全球化”格局的逐步形成，文化“全球化”的交流融合已是不争的事实。

伴随着波澜壮阔的社会历史变革，经历了继承与开拓，融汇与创新这一巨大而深刻的变化，中国文化和中国美术既面临机遇，又面临挑战。

如何在这种全球化浪潮中保持中国文化和中国美术的民族性和独立品格，已成为新的命题和挑战。

就中国画而言，面对西方艺术观念和技巧的直接影响，我们如何应对，如何争取新的生存和发展空间，是摆在我们面前的现实问题。

我认为，文化“全球化”是一种文化资源的共享模式，是百花齐放异彩纷呈的灿烂格局，而不是一种强势文化、一种文化模式的全球化。

“全球化”下的文化呈现多元化，这种多元化资源共享的模式，既有相互联系相互借鉴的一面，又保持着相对的独立性，必将促进各民族文化的进一步繁荣和发展。

中国画作为这种多元文化中的一种艺术形式，应参与这种多元文化的竞争，不断丰富、完善和发展自己，使中国画更具强大的艺术生命和影响力。

（一）中国画师法传统的根本应坚持不懈。

中国画以线造形，写意造境的笔墨传统，是传统文人水墨画一直传承沿袭的传统，是中国画的精髓所在，也是其它民族性艺术样式所不能替代的。

在这种深厚的传统里成就了一大批国画宗师和大家，为中国传统文化留下了丰富的遗产。

这些遗产就是历代先贤留下的作品和理论经验。

如何继承这些遗产，这是一个值得研究的问题。

有人强调师法传统就是强调临摹，有的人却持反对意见，认为临摹僵化的东西没有出路和前途。

我认为我们师法传统不是学习笔墨而是学习他们的观察方法和思维方式。

师古而不泥古。

如果我们不承继这些宝贵的遗产和经验，如果脱离这些根本性的东西，那么中国画就不是真正意义上的中国画了，中国画也就失去自己固有的特质和笔墨语言。

因此要坚守中国画固有的特质，就必须坚持师法传统，从传统中学习用线、用笔、用墨、用色的精髓，学习探索和发展新的笔墨语言，学习写意选境的思维方式，使中国画永葆固有的特质，张扬鲜明的民族性和民族风格。

（二）中国画师法造化的能力应不断提高。

中国画在师法传统的基础上，应不断强化师法造化的能力。

师法造化就是要求我们到大自然中去向自然学习，开启视野和思维的空间，也就是今天所说的深入生活的问题，坚持写生的问题。

生活是指人在自然界中的一切活动，如种田、旅游、读书、做工等。

生活是千姿百态的，自然是变化无穷的。

深入生活就是要求艺术家去了解生活、认识自然，从而把握生活的规律，自然的规律，求得对客观生活的正确认识，为艺术创作准备第一手资料和素材，同时对这些素材进行思想的感悟，提炼、加工和再创造，最后上升到艺术。

师法造化就是强调向生活学习的重要性。

不向客观实际学习，就很难发现生活的真谛，自然的规律，很难在艺术上进行创新。

因此我们要不断提高深入生活的能力，这种能力的提升是长期性的，不是一朝一夕所能提高，需要我们不断贴近生活，贴近实际，贴近群众，用心去观察、发现、感悟，从而激发自己的创作激情和创作灵感。

人类艺术史证明，艺术是生活的客观反映，生活是艺术的创作源泉，艺术离开了生活就会失去生命的养分与光华，而生活永远是艺术可参照、借鉴和推陈出新的动力与灵感的来源。

　　（三）中国画与时俱进的时代精神应得到强化。

作为观念形态的文艺作品，都是一定的社会生活在人类头脑中的反映的产物。

艺术家都是生活在他所处的那个特定的历史时代，必然要受到所处时代的政治、经济和文化的影响，他的艺术创作也必然无法超越他的时代，打上时代的烙印，受到历史的局限。

因此艺术家是与他所处的时代同行的，他们的作品具有与时俱进的品格，是时代精神的客观反映。

超越时代的艺术家是其作品的生命力和艺术魅力的延续，并不是艺术家超越了那个时代。

中国画及其艺术家同样无法超越所处的历史时代，总是和时代紧密联系在一起。

五四运动以来，主张革新中国文化的人士，就指出传统文人画的主要弊端是脱离现实、脱离自然，停滞在小我情绪的宣泄和笔墨技巧的玩味上，彰显超然的出世态度，不表现对社会对人生的积极觉悟。

因此有人对明清以来文人画一味模仿前人，陈陈相因提出尖锐的批评，期望中国画能在中西融合中走出新路，推动社会进步和有益于人生。

这种批评不是没有根据，而是切中了时弊，对于当今的中国画创作也是一种警示。

石涛说，笔墨当随时代。

这里就提出一个重塑中国画新的艺术精神的问题。

传统文人水墨画传达的大多是儒道释中回归自然，淡泊于世的思想，对现实的反映有消极的一面，这也就是传统的中国画的艺术精神，那么，在当今画坛，中国画艺术精神的指向在那里呢?

　　艺术作品的价值不是取决它运用了什么手法，而是取决于它所反映的生活的深度。

今天我国正处在一个走向民族复兴的伟大时代，中国特色社会主义事业蓬勃发展，改革开放和现代化建设深入推进，人民群众的生活丰富多彩，这场历史上从未有过的大改革大开放大发展为我们进行艺术创造提供了无比丰富的宝藏，也为艺术家施展才华提供了无比广阔的舞台。

置身这样的伟大时代，我们的艺术家总会被火热的生活所感染，所激动。

这就要求我们的艺术家提高驾驭和把握生活的能力，反映生活，表现时代，把创作变为生活的深加工，思想的再提炼，以艺术的方式反映社会变迁中的得与失、喜与忧，既保持生活的鲜活又不拘泥于生活，由生活的真实达到艺术的真实，以充沛的激情，生动的笔触和多彩的画面，反映时代的进步，人民的创造，描绘当代中国波澜壮阔的历史画卷，给人积极向上的力量和对美好未来的憧憬的向往。

这方面，诞生在我们陕西的长安画派做出了成功的实践。

长安画派最大的贡献就是把中国画的古典形态与生活与时代精神结合，从而促进了中国画的现代转型。

长安画派所提出的“一手伸向传统，一手伸向生活”的艺术精神，至今对我们的艺术创作依然产生深远的现实影响。

　　（四）中国画的艺术表现手法应追求多样性探索。

中国画唯有以其鲜明的民族风格，才能作为西方绘画的对应体系屹立于世界画坛。

这种独特的风格来自笔墨和写意造境，它的艺术表现手法除过写意之外，也可以有多样化的探索，比如写实、象征、寓意、变形、夸张等。

这种多样化的探索有助于丰富中国画的艺术语言。

艺术手法的运用，必须服从特定的艺术内容的表达，并与欣赏者的审美能力相适应。

艺术手法使用得当，可以增强作品的表现力和感染力。

探索无禁区，发展无止境。

我们在探索的过程中，一方面要始终保持具有民族特色的现代美术的自觉性，坚守民族美术的核心价值，另一方面要在艺术多元化发展的今天，敢于走出传统的误区，以开放的思维，在传统水墨中寻求新的突破，使中国画产生新的更具审美价值的形式。