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按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。
中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。
中国画历史悠久，远在XX多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。
两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。
隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。
山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。
元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿。
中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；
以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。
总之，学了这门课，我受益匪浅，既陶冶了情操，又学习了新知识。
篇二：
学习国画的心得体会
学习《国画》的心得体会
有幸参加了为期三天的国画学习，我很感谢为举办这次《长安区中小学教师国画培训班》付出辛苦的老师，特别是杨主任、张主任、李曼老师，还有学识渊博的刘岚老师。
我现谈点心得体会。
我琐碎的说三点：
一、近大远小：
同样的物像近处的大远处的小，比如人物、树木、房屋、山峰。
国画虽然是散点透视，但是国画也是讲究合情、合理。
二、虚实：
近实远虚，近处清晰色重、线多、点多，远处清淡、模糊线少、虚，一般远处色淡，但是如果不是分两个层次，而是多个层次，如近、中、远景，有时可以近处色重、清晰，中景色淡，远景色较重但是一定要虚，点和线都要虚要少。
学画在基本技法掌握后，一定学布局，学整体，要学会虚实、避让，即是一个局部也要有虚实避让，也就是要有变化，在一些美的笔墨的基础上，要有虚实，多少，避让和变化。
局部实大部分虚，画有画眼有重点，重点要实，次要点次之，其它要虚。
不能对称要有虚实比对，上下、左右、前后的变化。
也就是说首先从整个画面上要有大的虚实，不可零散，不可杂乱的虚实，要气韵贯通。
三、勾、皱、擦、点、染是成熟起来的技法，因此初学者一定从此基础开始学习，这是国画成熟的程式，用笔勾、皱、擦、点用硬笔，且用笔适中，染用软笔，且用笔要大，为了画面连贯不留渍痕，而且有时为了统一灰度，把淡墨一次调好。
忌板、刻、结，用笔不活，手腕不灵，或不清楚笔意或所画的对象，拿不定主意。
．不能生硬，荒、率，不好好多练，要沉实，要认真沉静的多练。
只有当你把法技法学成熟了以后，在此基础上才能开始创造自已的作品。
XX年4月25日
篇三：
《中国画欣赏》学习心得
《中国画欣赏》学习心得
中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。
我也正是带着一种对中国画的好奇与探求心走进于老师的“中国画赏析”这门课。
在颜老师的指导和鼓励下，我们赏析了许多优秀的中国画作品虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识，体会。
首先就是我学会赏析一幅中国画，要赏析它的意境境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。
好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的意味儿。
这就是于老师常和我们讲的“画外”吧。
还有于老师给我们讲从一幅画仿若能看出一个人的所思所想，我受此启发，觉得看一幅画仿佛更能看出一个人的性格品行。
中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观
念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；
中国画之说以冠以中国2个字，就说明了其“中国特色”的独特性。
绘画是二维空间艺术最典型的样式,其基本特征就是自身的平面性然而,由于绘画的空间表现形式,从总体上讲有具象、抽象和意象之分,所以在平面的处理上又各有区别。
中国画是以表现“意象”为主要特征的,因此,中国画欣赏,实为对二维空间意象美的欣赏,它是直观性的具体化,是中国画欣赏的独特性所在中国画的意象美,离不开平面形式要素的组合,中国画家用一定的笔法所呈现的线条,是自然节奏冬去春来、花开花落的自然物运动时空规律与心灵节奏对自然的感悟而于心中产生的韵律的融合形一艺术的节奏韵律因此,线条在中国画中不仅具有描绘物象之功能,同时还蕴涵着相对独立的审美价值,可以看出,不同的造型,具有不同的空间意识具象性绘画强调物理空间客观的再现抽象性绘画主张心理空间意识主观的表现而中国画既不杜撰非目所知的“抽象”,也不甘写极目所知的“具象”,只是倾心于以意为之的“意象”,是主、客观融为一体的意象空间意识的呈现它构成了中国画欣赏的独特性。
中国画欣赏有着一定的层次性,它包含着以下三方面逐步递进的内容：
一是表层，表层是官能欣赏的层次,主要是对画面形式技法所构成的形象的观赏中国画的技法有着十分丰富的内容,包括笔法、墨法、色法、章法以及各种特技方法等等。
二是作品在一定时代背景中表现的个性,即把作品放到作者的经历、思想发展的纵向上从而进一步领会表层,与作品发生共鸣。
而里层继续体会作者的意境时候，便不知不觉得进入了深层：
深层是里层的继续,是把作品置于中国画发展的历史长河中来省视,通过对中国画艺术来龙去脉的领悟,而作出理智性的判断欣赏进人深层次。
中国画欣赏过程中相互联系、相互作用的一个整体构没有对作品的技法所构成的形象的了解,就无后者可言反之,如果不进人第二、三层,欣赏只能停留在表面上,对技法形象的理解就会是空洞的三者处在由表及里、由里至深、由深复表的循环往复的螺旋式上升之中这里面包含了感性与理性的双向作用,也就是前文所说的中国画欣赏的直观性这一基本的特征。
总之，上了于老师的“中国画赏析”这门课我最大的收获是我真正的看到了
中国画的魅力所在，并爱上了中国画。
我相信在中国画的吸引下，我以后还会继续去了解和探究中国画，中国传统文化等我们先辈给我们留下的中华民族的瑰宝。
篇四：
关于中国画笔墨学习心得体会
感受中国画的笔墨
学校：
南马小学
姓名：
李文静
职称：
中小学二级
完成日期：
XX年4月15日
摘要：
笔墨是中国画的基本构成，它传承了中华民族数千年的文化精神。
本文通过我对中国画的学习和理解，从对用笔用墨以及写生感受等方面的认识体会，感受中国画的独特的艺术魅力。
关键词：
用笔；
用墨；
写生感受；
目录
一、概述·
·
1
二、通过大师感受笔墨·
（一）笔法的体会·
（二）墨法的体会·
2
（三）气韵的体会·
三、笔墨写生感受·
2注释·
4参考文献·
5
一、概述
刚开始学习中国画我对它并没有什么概念，只是被众多精彩的作品所吸引，感觉笔、墨、水结合会产生很美的意境，觉得非常的神奇。
最初学习国画对笔墨的用法掌握不好，老师总会想出很多方式激发我们的学习兴趣，比如先让大家在生宣纸上用笔随意转动，使用点线面相互叠加渗透，自由发挥，感受一下笔墨浓浓淡淡的变化，轻松地表现出几种不同的造型，把大家引入微妙的遐想当中。
同学们都对这种无声的语言有很大的兴趣，用尽心思去表达自己内心的想法，这种感觉是很美妙的。
教室悄然无声，只有用笔尽情挥洒的声音。
中国画笔墨技法千变万化，形成了中国画独有的意境，这种丰富的绘画艺术语言体现出了笔墨无尽的情趣。
我们通过吸取前人的绘画经验，归纳出新的知识点，去学习、实践。
从而提高我们的审美意识及动手能力。
二、通过大师感受笔墨
笔墨是中国画的基本构成，掌握好笔墨的运用是最关键的，怎样用笔用墨作为初学者来说是很重要的，所以老师要求我们从起步就要正确学习笔墨的运用，不能落入俗套。
因此，刚学画画，我们主要以临摹效仿古人佳作为主，学习古人的用笔用墨。
我很喜欢吴昌硕、郑板桥的笔墨，他们是中国画坛的巨匠，对中国画的发展影响很大，因此对他们的画法也进行了一些学习，有一点自己的体会。
（一）笔法的体会
吴昌硕作画来自于石鼓文，他曾说过“且凭篆籀笔，落墨颇草草。
”[1]他的画风带有很明显的石鼓气息，他是用石鼓文的笔势来作画的，这首先让我感到学好书法对自己作画是大有帮助的，元人赵孟頫所说：
“石如飞白木如籀，写竹还应八分通。
若也有人能会此，应知书画本来同”，[2]所谓书画同源此时才有真正的体会。
吴昌硕的艺术，是从篆刻开始，由于长期的磨练，他的腕力功夫得到了锻炼，这种功力在他的用笔之中得到了充分的发挥，笔力是靠腕力表达出来的，手腕功夫不好很难表现出有分量的线条，这在作画过程中是有感受的，长时间不练笔，就觉的画出的线会颤抖，没有分量感，吴昌硕的用笔有“钝刀硬入”之语，就像他的篆刻，腕部力量很大，几乎要把笔用秃，这种笔法有种开张拓展的笔意。
吴昌硕擅长画花卉蔬果，都是他家乡常见的画材，表达着他对家乡的深爱之情，而他画的画充满了很浓的金石气味，似乎也像是一幅篆刻作品，很有大气感，即使是画一幅小的作品也气势不凡。
所以，我感觉情感和运笔是相互联系的，用笔的力度表现出情感的变化，如果对事物没有足够的情感，只是靠刻板的描摹和无意的挥洒是表现不出事物的实质的，所以必须在平时多练习，多用心体会，才能在行笔上运出具有强大力感的线。
（二）墨法的体会
墨和线相比而言，线条主要是勾画轮廓，来表现物象的形体，墨不仅可以造形，更能表现出物象的质感、起伏等。
笔墨不仅能达到酣畅淋漓，气势磅礴的艺术效果，最重要的是用墨能够营造出独特的气氛，表现人的心理感受。
例如郑板桥画的《墨竹图》,[3]是他的一幅构思巧妙的作品，画面主要描绘竹竿和竹节，而竹叶只画了几片，墨色的描绘浓浓淡淡，干湿兼并，恰到好处。
笔墨变化丰富生动，竹子画的虽然细但丝毫感觉不出微弱，而是坚韧挺拔，富有弹性，很有力度。
画中将竹叶画的很肥，青翠感十足，使人能充分感受到竹的劲节，画面神完气足，神采俱佳，充分发挥了中国画笔、墨、纸、水的功能和作用，使整个画面富有情致，有傲然挺立，不可一世的气势。
郑板桥之所以有这种创作体会，既来自于他数十年创作实践心得，也与他对传统名家仔细揣摩学习有关。
这和画家高尚的修养，人品和见地息息相关。
郑板桥自称“四时不谢之兰，百节长青之竹，万古不变之石，千秋不变之人”，[4]从中可以看出他坚韧倔强的品性。
可见墨法的运用除了扎实的基本功之外和作者的修养是密切联系的。
（三）气韵的体会
古人作画很注重画面气韵的表现，老师也曾说过我们画画是要画出空气，让人看了画感觉空气在流动，给人以舒服的感觉，但空气是看不见的，怎样让别人在画中感受到这种气的存在是一幅画成功与否的关键。
吴昌硕作画之前，心中已经有这种“气”存在了，等到画的时候，则能一气呵成。
他用气推动笔，落笔大胆肯定，能够掌握全局，做到胸有成竹。
等画即将完成时，他便开始调整，大胆落笔，小心收拾。
他对整幅画布局的安排很到位，尤其是对气的把握，通过诗书画印的安排使整幅画活起来，气韵十足。
例如他晚年做的一幅作品《葫芦图轴》，在写意花鸟课上我也临摹过，这幅画泼墨大叶草隶悬藤，满幅金黄色大葫芦次第而生，有些地方密不透风，有些地方却很疏松，信笔自如，气势旺盛。
画的左下边有一行题款，左下角有一印，右上角再盖一个小印，这个印虽然小但相当重要，关乎整个气局。
右上和左下相互辉映，左上角和右下角则空白，对角气贯全幅，全局皆活。
吴昌硕这种独特的构思，诗书画印的巧妙安排将中国画的气息发挥的淋漓尽致。
这是我们在作画中应该学习的地方，
在作画之前首先要有一个好的态度，然后要对所作之画有全局的意识，把握好整幅画的构图，诗书画印的安排都要事先想好，需要别具匠心地去想去琢磨，不能草草了事。
三、笔墨写生感受
通过学习大师的画让我深有感触，首先他们对中国画的热情是无可比的，我从大篇二：
中国画作品欣赏学习心得
中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；
1篇三：
感受中国画的笔墨00
本文通过我对中国画的学习和理解，从我从事教学工作后教授这些小孩学习国画，从对用笔用墨以及写生感受等方面的认识体会，感受中国画的独特的艺术魅力。
最初学习国画对笔墨的用法掌握不好，记得我的国画老师总会想出很多方式激发我们的学习兴趣，比如先让大家在生宣纸上用笔随意转动，使用点线面相互叠加渗透，自由发挥，感受一下笔墨浓浓淡淡的变化，轻松地表现出几种不同的造型，把大家引入微妙的遐想当中。
而如今我也站在讲台上教给学生学习国画，我也尽量用有趣生动的方法让他们感受国画的魅力。
吴昌硕的艺术，是从篆刻开始，由于长期的磨练，他的腕力功夫得到了锻炼，这种功力在他的用笔之中得到了充分的发挥，笔力是靠腕力表达出来的，手腕功夫不好很难表现出有分量的线条，这在作画过程中是有感受的，
长时间不练笔，就觉的画出的线会颤抖，没有分量感，吴昌硕的用笔有“钝刀硬入”之语，就像他的篆刻，腕部力量很大，几乎要把笔用秃，这种笔法有种开张拓展的笔意。
所以，我感觉情感和运笔是相互联系的，用笔的力度表现出情感的变化，如果对事物没有足够
的情感，只是靠刻板的描摹和无意的挥洒是表现不出事物的实质的，所以必须在平时多练习，多用心
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