浅谈演员塑造角色时的技巧内在主观与外在辅助对演员的帮助Word文件下载.docx
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即已角色为目的，必须从自我出发，对角色经过由外到内、从内到外的分析研究、体验、想象、创作，并从自我身上去开掘角色，从而达到‘化身’的境地。
演员与角色的统一过程是由‘我’（演员）来统一的，是‘我’改变了‘我的一切’，而‘我’又按照‘角色的一切’体现出来。
（二）外部辅助
外部辅助就是演员为了能够鲜活的表现人物形象，使气氛呈现最和谐的状态，所作出的具体行为，外部辅助对角色的塑造是起到了一定的作用，在一定程度上，它能够帮助演员将人物形象塑造的更丰满。
总结成功的影视作品，必须有不同的组织部分相互的配合作用才能完成一部成功的作品，所有的银幕视频效果的产生主要都是由演员本身、台景效果以及摄影装备等各部分的相互配合完成的。
一部优秀的影视作品，是多种因素使然的结果，不仅需要优秀的剧本、出色的演员、以及资深的剧组人员，更加需要化妆师、造型师等一系列人员的配合。
化妆效果以及服饰的搭配辅助效果能够形象的创造出人物形象，构成了一个合情合理的影视画面。
通过剧本对剧中人物的描写，化妆效果能够在特定的演员本人形象的基础上，采用不同的化妆品及相应辅助方式用各种手段使角色更加入情入理。
由此可见，外部辅助对演员塑造形象起着一定的作用，据此在这里本人主要通过服饰、妆容、道具、环境等各种外部辅助来分析，他们在影视中的主要作用。
二:
外部辅助条件对塑造角色的帮助
1.服装的帮助：
对于人物设定的职业，身份，社会地位，帮助演员缩小与角色之间的差距；
在影视作品中，服饰的作用也是不容忽视的。
服饰对人物形象在剧中的地位、身份、职业都起到不可替代的重大作用。
服饰能够帮助演员更好的进入到人物形象的角色之中，使演员更加生动的、形象的、快速的进入到剧本的人物中。
可以说，通过不同人物形象的服饰，可以直接的展示出人物形象的身份地位以及人物性格，也可以让演员本身也在潜意识中更进入角色。
不同颜色服饰的搭配能够使得观众更好的了解人物形象的性格，让演员了解自身角色的性格，所以服饰是人物形象的最直接的表现形式，也是对演员表演较为重要的帮助。
通过人物的服饰特点可以反映当时人物的处境、心情以及身份，通过这种细微的变化，成就一个成功的人物形象，这也是服饰搭配在影视作品中的主要作用。
电影艺术就象是一首梦幻的诗，电影中人物的服饰，就象那诗中美丽的词句，如能准确、巧妙、恰到好处地去运用它，那么它将给这首诗锦上添花，更加娓娓动听。
影视服装设计是影视美术的一部分，也是镜头语言表达所不可缺少的重要部分。
成功的服装设计可以反映人物身份，衬托人物处境，渲染人物的心情，人物的服装随着人物命运的跌宕起伏而产生相应的变化，让观众在不知不觉中理解人物的喜怒哀乐，投入到电影语言所表达的情感氛围中去，通过服装造型设计使影视作品中塑造的人物角色性格特征更加突出，形象更加鲜明。
在影视作品中，服装的设计，对于人物心理的表现也是十分必要的。
2.妆容的帮助：
对于角色设定的年龄，性格，帮助演员建立自信，寻找人物感觉；
影视化妆的目的是塑造人物形象，那么首先就是要求具有准确性。
除了指一般明确年龄、身份、民族、职业、个性、时代等特征要求外，还要适应剧中的主题、动作、矛盾、规定情景和艺术风格等。
妆容是影视中不可缺少的组成部分。
它不仅能使演员改变形象，使之贴近剧中人物，更能给演员自信，使演员同剧中人物拉近距离，由“神”似达到“形”似的效果，以全新的剧中人物形象展现在观众面前。
一部成功的影视作品，是由许多不同的部门共同摄制创作完成的。
银幕的视觉效果主要是由可见的人物造型、环境造型和摄影造型来完成的。
妆容是人物造型的基本条件，他们对营造形象美、画面美负有直接责任，是构成整部影视作品审美价值的重要条件之一。
化妆效果是塑造准确、生动感人的角色的有机手段。
化妆效果可是使得影视画面更加的逼真性。
这种真实感并不是生活中的人的自然再现，而是电影艺术化的再现。
逼真性是经过化妆师创造得到的。
在银幕或屏幕上出现的角色不应露出人为加工的痕迹。
因此要避免对人物造型上的脸谱化或公式化，要在保持生活真实的前提下，着力刻划人物的个性特征。
个性特征应当包括自然生理待征和反映外貌的社会特征。
对具体演员是要从刻画角色出发，达到艺术形像真实而且要生活化。
因此说，要求化妆的真实性并不是自然主义的直露的反映生活，而是强调艺术的逼真性。
道具的帮助：
外化的体现人物的个别特性；
道具在影视作品中的作用也是很重要的，道具也是来源于人物形象的生活背景以及当时的环境相呼应的，他的作用跟服饰以及妆容的作用是一样的。
道具的配合的合理性在很大程度上取决于配饰的色彩、组合方式、材质、装扮效果等方面的和谐统一。
因此在搭配时，应尽量地在多形式中寻求统一的元素，既要相互呼应又要统一，在统一的色彩或风格中寻求变化，将两者巧妙结合。
这样的搭配方式首先在服装色彩上渴望取得突破力、吸引力和感染力。
道具具有三方面明显的特点：
1、件少体小且类杂；
2、具有浓郁的生活气息；
3、在银幕表现上具有双重意义：
实用价值和美学意义。
而道具具体是如何帮助演员进行表演过程的呢？
在这里试举例我国最佳电视剧之一《新三国》，此剧极具表演艺术价值，在其中，道具繁多，一些道具例如刘玄德的双剑、曹操的倚天剑都是无价之宝，之所以运用这样的道具，不是单纯的为吸引观众的。
在剧中关羽的饰演者于荣光，在进入角色的过程中，如果没有那一把青龙宝刀相支持，势必就会为塑造角色造成阻碍，因为其角色身上的“道具”能够对其角色本身产生一种代表性，而道具的运用无疑就会帮助演员进行更深入的表演。
人物性格与情感的外化表现。
随身道具往往与演员在银幕上同步出场入戏，不仅讲述着主人公周围的东西，而且讲述着他们本身，讲述着它们的理想、兴趣、口味、偏爱，讲述着它们心灵不可见的活动。
甚至当主人公的形象在银幕上已不存在的时候，物体仍保有着他们身上的温暖，继续着他们的生命。
4.环境因素:
让演员身临其境,进入假定情景.
在影视剧的拍摄过程中，剧组对场景的设置也是非常有讲究的，灯光音响的配合使得演员能够很快的进入文学作品中所塑造的人物形象，使得演员能加快速的、生动的进入情景之中。
剧组场景的设置，也是为角色以及剧情服务的，也是展示给观众的最为直接的一种表现形式，影视剧的受众对象是正在观看的观众，所以，不同时期的影视剧无论是时尚的现代剧还是历史剧，场景的设置必须配合剧情做雕琢，应当符合现代人的审美，对色彩、空间造型、材料进行精细的认真设计，使得不同的剧情有着独特的场景风格，尽而能够鲜明地体现影视剧的风格、特点，直接服务于剧情展开和人物塑造。
影视场景的不知是设计具有同时代的氛围，通过场景可以准确的剧情以及故事故事发生的背景和环境，人物形象的个性以及人物形象的审美趣味。
在构造场景的时候，场景设计中的配饰设计以及色彩在场景设计中就有了重要的作用，它所能起到的作用是不能用任何语言表达体现的。
影视作品中的场景设置，也起到画龙点睛的作用，它能够烘托出影视剧的故事情节更加亲民化，使得影视作品源于生活又高于生活的一种境界。
同时，在场景设置的时候，设计者凭借想象力以及适度或者过度夸张的手法对故事素材进行加工、提炼，形成独特的故事情节。
室内场景设计是影视剧创作中重要的组成部分，剧中人物生活的室内场景除了显示阶级地位的差别之外，还可以表明人物的职业特性和性格特点，为人物的行为提供合理性注释，暗示剧中人物的情感、情绪变化，烘托剧情的发展。
三:
演员自身如何发挥主观能动性:
1、体验:
表演，对于一个演员来讲，要求是极高的，一些时候。
它不能够通过语言来表达，而是一种本能的天赋与反应。
想要塑造一个经典角色，就必须要充分的发挥演员的主观能动性，而想要发挥主观能动性，就必须要进行体验。
在这里就说到了演员的体验，体验的意义是什么？
体验其本质，可分为生活体验与情感体验两个方面，体验，是一个演员与所塑造的角色拉近距离的必经之路。
没有体验，那么演员所塑造的角色就变的没有任何说服力可言。
一个好的演员，无疑在生活体验与情感体验上都下了功夫。
例如我国著名演员于和伟，其为人低调但是演技惊人，有句话讲，不看于和伟的电视剧，生命就是不完整的。
于和伟所塑造的刘备，刚毅、执着，勇武、仁义，完全是史书上的大英雄。
这些绝对不是轻松就能达到的，无疑，于和伟是经过了深刻的生活体验与情感体验的。
在饰演刘备之前，于和伟对角色并不了解，于是他就去查阅史书整整几个月，在情感上体验刘备这个角色，最终成功的塑造了形象，同时，在电视剧《天下人家》中，于和伟饰演一名殡仪馆化妆师，其本人就真的到殡仪馆实地考察，在生活体验方面为角色的塑造铺好道路。
从这个例子可以看出，体验对于表演来说是极为重要的，而体验也就是演员发挥主观能动性的必要做法之一。
体现:
在演员的表演过程中，需要发挥主观能动性已经无需赘述，而除了体验，想要真正充分的发挥主观能动性，还需要注意一点，那就是体现。
体现是艺术表演中的一种必要形式，直白的说，就是通过各种方式，将所要表达的因素体现出来。
而想要真正充分的进行体现，这个与演员自身的水平与外界的配合都有着密切的关系。
分析角色与进行角色的构思的目的，都是为了能够最终把角色完美地体现出来。
需要注意的一点是，演员对于角色的体现是在摄像机前面开始的，这样的制作过程就决定了演员的角色的体现，是要受到摄制过程中诸多技术因素的限制。
作为一个演员，应该首先要了解这种种技术因素的限制，并且从中了解到它，这样，演员在表演过程中往往就可能会展示出在其真正的表演境界。
前文说道，演员的体现除了自身状况以外，是需要外界因素配合的，据此，笔者在这里着重说明外界因素与演员体现的关系。
当演员要在摄像机前开始体现自己的角色时，他应该已经是非常了解他所要面对的灯光、镜头与录音方面存在的种种限制，同时也了解了它给演员表演所提供的特有的可能性，才有可能做到心中有数地去体现自己的角色。
为此，这里先分别把影响演员表演的灯光、镜头和录音方面存在的一些限制与提供的可能介绍一下：
灯光
首先演员要了解灯光方面的有关的常识。
为了要创造出三维空间的幻觉，一般来说，电视剧的灯光照明所运用的是和单纯照相中相同的三点灯光的原理，因为这几乎是所有视觉媒介中照明的基础。
所谓三点灯光的原理，就是说灯光照明是由主光、背光和补充光这样三种光源来组成。
主光是指从正面投射来的一种强光，它是照明时的主要光源。
背光是与主光相对应的，从演员的头部的后方，大约与体侧成30度角的地方投射来的光，这种光一般来说起着勾勒出身体的轮廓的作用，同时也可以使演员从背景上呈现出来。
为了使演员与背景之间形成一种对照，往往背景上的灯光要比主光和背光弱50％左右。
此外，在演员的正面，还要加上一道补充光，这种光是与主光相对的。
补充光一般都比主光弱，这起着补充主光投下的涂影而使之不在演员的身体的其它侧面留下任何阴影的作用。
补充光的目的不是要完全排除会使图像失去光泽的主光的影子，而是要把阴影减弱到不会使观众分散注意力的程度。
在有一些比较复杂的场面里，一部分灯光照明器材还可能起着双重的作用。
例如：
在一个演员面对另一个演员的镜头里，投射到前面一个演员的背光，可以通过这一演员的肩膀变成为另一个演员的主光。
这样，前面的那个演员在表演时就要十分注意，不要由于自己的动作超出了标定的位置而挡住了另一个演员的主要光源，而仅仅给他留下了一束补充光。
如果出现这种情况，由于补充光的强度一般来说不如主光强烈，这样就不能显示出清楚的影子，当导演从一个特写镜头切换到另一个特写镜头时，两个演员的面部在明暗上就会显得截然不同了。
演员在拍摄时，当然要受到灯光照明的限制，所以演员一定要了解灯光照明的这个基本的原理。
尽可能地在表演中适应这些限制所提出的要求，使表演取得良好的效果。
但是，另一方面，好的灯光设计除了肯定会为演员的表演营造特有的气氛之外，还有可能利用灯光的角度去揭示出人物的某种情绪色彩来。
当主光从高处照射下来，使演员的眼窝变得深暗时，就可能会使演员显得深沉一些；
而如果把主光的高度降低，眼窝就会变得平板而不会显得那么忧郁了。
因此，演员一方面是要去了解灯光在表演时对你的限制，但另一方面，演员还应该要充分地去了解灯光给予你的创造提供了在创作中可以去利用的可能性。
镜头
在电视剧的制作中，镜头是用来创造出艺术真实的一个最为重要的因素。
演员的表演是要通过镜头记录在录像带上才能体现出来的。
因此，了解镜头，对于演员来说更是必不可少的。
在摄像时，是由镜头把光采集起来集中到摄像机的电视显像管上，显像管把光译解成电子信号。
镜头和显像管之间的距离就叫作焦距。
对于演员来说，了解镜头在某种意义上就是要了解焦距对表演造成的影响。
因为镜头之间的关键的区别，实际上是由于与焦距有关的那些东西所决定的。
在《电视表演》一书中，对此有着详尽的论述：
镜头中最重要的不同是在覆盖范围方面。
镜头越长，摄入的画面越小。
广角镜是一种短焦距镜头。
一个最大的广角，叫作鱼眼镜头，其拍摄的范围可以达到180度角。
鱼眼的畸变明显地夸张了一切广角镜头的特点。
广角镜头使物像的前景放大并造成深度。
广角在电视中往往被用来使小小的景物显得正常。
但如果你研究研究肥皂剧，举个例子，你就会发现某人穿过房间时走不了几步路。
因为镜头夸张了那段距离，演员以正常速度走路就会显得移动很快，走两步路就会让他们从一间看上去很宽敞的卧室门口走到屋子正中间。
长镜头或称狭角镜头具有相反的特点：
它压缩空间。
在一个使用广角的镜头里，一只花瓶摆在一位坐在长椅上的演员面前会显得与他相距遥远。
同一场面用狭角镜头来表现，花瓶就会被拉到紧靠演员的位置。
动作看上去慢一些，是因为真实的距离被少报了。
一辆快速行驶的小轿车接近你时看起来会像是采取了极限的速度。
正常镜头介于广角镜头和狭角镜头之间，接近我们眼睛在相同距离内所看到的东西。
但观众能接受不自然的透视，所以往往需要使用较广和较狭的角度。
长镜头往往需要用于外景拍摄以使更靠近物像。
而短镜头往往需要用来摄取较充实的场面而无须切掉什么内容。
使用不断变化焦距的镜头，其主要理由有三。
第一，是控制画面，使画面变小变大。
第二和第三个理由关系到空间和时间，尤其在演播室制作情境下。
你也许不能把摄像机摆在距演员很近的位置，因有其他设备和布景挡路。
你也许不能让摄像机很快抓住你想要的镜头。
演播室需要快速攫取、同时又是在严格空间限制内的不同镜头，这就是快速变焦或如其所被称呼的变焦距镜头得以发展的主要原因之一。
所有电视摄像机都有个快速变焦镜头，它可以从广角焦距到正常焦距到狭角焦距的摄程内自由移动。
当你从广角拉到狭角时，演员可以在其中活动并保持在焦点内的区域变小了。
在一个画面里，导演也许会说，“你走向铃声正在响的电话时我们开始用广角拍，而当你知道电话的另一端是喘着粗气的人时再拉进特写镜头。
”快速变焦结束时的狭角特写镜头要求你恰好呆在合适的位置上：
倾斜6英寸就会使你的面部脱离焦点。
可是，在广角镜头里，你可以往后仰，伸出手臂，或者向错误方向迈出一步却仍然停留在焦点上。
这种焦点区域的长度叫做景深。
表演者在每一个镜头或画面里都应该了解归他们支配的景深。
了解镜头、焦距和景深，对于参加电视剧表演的演员来说，有着非常重要的作用。
因为演员的创造必然会受到这些技术问题和导演的镜头选择的限制，演员的创造性也只能是在这些限制之下来发挥。
试想一下，在一个只拍摄上半身的镜头里，演员不论多么精采地运用了他的双脚去进行表演，那都将是没有什么意义的。
同样，如果演员不注意镜头的焦点与主光的所在，把自己的头部偏离了焦点，这样脸部就可能会离开了主光照射的区域而没有被照亮，那么，眼睛里的闪光也许就会无法表现出来了。
还可以设想一下：
在一个广角镜头中，前景中的演员由于广角而把他的面孔放大了，他面部的每一个细微的表情动作都能够看得清清楚楚；
而这种细微的表情动作用在背景上的演员身上时就可能什么也看不清楚了。
在背景上的演员就需要使用比较大一些的动作来表现他的心理活动。
在这种情况下，演员就可以不仅仅是运用面部的细微的表情动作，而且还可以用身体、手势等等来进行表演。
如果在这个镜头中，处于背景上的演员还要向前走近前景的演员，并且去触摸前景中的演员的话，他就还一定要非常小心地用缓慢的小步子来适应空间的透视。
从这些例子中就可以看出：
演员对于镜头、焦距和景深的认识与了解是十分有用的。
在演员走到摄像机前开始自己的角色的体现时，他还应该尽可能地去了解导演与摄像师在技术上所作出的选择，并且还要进一步了解这些选择所包含的意义。
演员对此了解得越是充分，他就越可能在这些限制之下去发挥出创造的可能性。
表演艺术的任务就是塑造具有审美价值的人物形象,其动作的基本表现形式可以分为以下三大类:
（1）心里动作
通过细微的变化能体现心理活动的差异与人物受刺激独有的反应;
笔者认为，谈到心理动作，不能不谈到电影表演，因为在电影表演中，演员能够把大量的人物心理活动过程通过含义丰富的台词表述出来，在表现人物心理时，电影演员往往要依靠眼神、面部表情以及外部形体动作来揭示人物的心理变化，而此时，视听语言会有效的帮助演员传达人物的心理活动，因此从这个意义上讲，电影表演不仅仅是指演员的表演，而是电影演员在视听情景中――在空间造型、场面调度、镜头组接及音乐音响等多方面的共同作用下完成的表现。
《伊万的童年》讲述的是小男孩伊万在战争中失去母亲和玩伴后变得敏感警觉而充满仇恨，成为了一名苏联红军小侦查员，在一次执行任务时被德国法西斯杀害的故事。
塔氏并不旨在塑造一个战斗小英雄的形象，而将目光对准了伊万所处的现实时空与其内心时空两者之间的巨大差别，残酷激烈的战争景象与伊万心中宁静安逸的梦幻场景相互映照，更凸现了前者的反人道特征，表现导演对战争的一种近似“诗意”的控诉、对作为个体的人的脆弱的无奈。
主人公伊万的人物个性可谓是影片中最复杂的，这与他小小的年纪却有着复杂经历的反差有关。
从年龄上来讲，伊万只不过是一个十一、二岁的男孩，这是个刚刚从童年步入青少年的年纪，然而幼小的他却已在战争中失去了亲人沦落为孤儿、，因为他脆弱的心灵经受不了失去家人的巨大悲痛、经受不了血腥的屠杀，于是过早经历这一切的伊万变得警觉、敏感、莫名的恐惧而又充满仇恨。
仇恨往往会使人变得不理智、变得激进、变得极端，他仇恨敌人，对不太熟悉的战友都抱有戒心，一心想杀敌的他不甘心呆在儿童学校，他逃离那里一头朝着前线方向赶。
虽然沉浸在复仇的情绪里，儿童的本能使得伊万无法控制地幻想与同伴玩闹得情景、回忆和母亲相处的美好时光。
要表现一个如此矛盾的人物，不通过体现人物心理活动的手法是很难打动观众的，在这里塔尔科夫斯基借助演员本人出色的表演配合视听语言恰到好处的运用，将伊万这一人物塑造得有血有肉，引起了任何观看过这部电影的观众内心深处的同情与悲悯。
伊万复杂的心理是通过他在银幕上呈现出的三种不同状态中体现出来的，伊万在银幕上呈现出两种状态：
其一，身体和思想皆处于现实时空中；
其二，身体处于现实时空而思想被回忆或想象主宰。
电影通过演员的表演及现实与回忆或幻想时空的空间造型的不同，呈现了演员两种不同的状态。
而我们所讲的心里动作，就完全在此得以诠释。
（2）语言动作:
通过方言,语调,语速以及一切说话方式体现人物特性;
现实生活中，语言是人类不可缺少的表达思想、传递情感的重要手段。
电影这样一种以逼真性、纪实性为特点的艺术，自然不可能没有语言。
当然，电影的发展是从默片开始。
之后，就不仅有对话，还有音响、旁白、独白等等形式。
生动的画面和丰富的语言使视觉形象更为逼真可信和具有感染力。
语言是构成人物性格的重要因素。
俗话说：
“什么人，说什么话。
”这正说明语言在相当大的成份上代表了人物的性格。
又如人们常说的“听其言，观其行”，“听话，听音”等待，都说明语言和人物的密切关系。
语言是人物内在意志的体现，也常常是意识的流露。
由于环境、职业、修养等等的不同，必然形成每个人各自不同的语言习惯、语调和语气。
由于生理条件的不同，也有着不同的声音和音色。
演员对语言的把握处理是塑造人物的重要方面。
电影中的人物语言一般较少、较精练。
这就对电影演员提出了更高层次的要求：
要处理得适当，恰到好处，不能过火，不能夸张，而且能使观众听得清楚。
（3）形体动作:
通过下意识条件反射以及设计独特姿态动作,形成人物标签特色,让人物性格展露无遗,淋漓尽致.从而与其他角色进行区分.
表演的肢体语言包括动作、语言。
表演主要是运用动作和语言来进行创作的，用接近生活又高于生活的动作和语言作手段来创造人物形象。
影视表演艺术的特征是：
一种运用接近生活的动作和语言创造角色形象的艺术。
首先演员应当考虑，他不仅必须模仿自然，而且还必须把自然完美地再创造出来，以期在他的表演中真和美是相结合的，因此，身体的每一部分都应当在演员的支配下，使他能够一、演员创造角色是自己的身体和声音
演员的身体和声音是我们创造的工具。
每次表演都是创造，为了保持作品的准确性、生动性，就必须体验、感受、热情饱满。
我们在这里强调身体、声音、表情都是创造角色的手段，动作和语言、表情牢牢地掌握在演员自己手中，创造好所扮演的各种角色。
身体松弛肌肉没有任何的紧张，整个形体器官完全服从于演员意志的支配，这对创作状态有很大的作用。
演员为了让观众看到有目的的行动，自己首先就要弄清楚你所扮演的角色行动及其目的性，行动是一环套一环的，是不断的，演员必须反复分析台词和行动指示，从字里行间去寻找有些行动目的。
剧作者剧本中作必要的行动指示，其中很多是动作提示，但并非每个剧本都有具体的行动提示，全凭演员来创造，我们叫组织动作。
影视表演特征是运用接近生活的动作和语言创造角色形象；
表演的特点是，演员是创造者，自己的身体和声音是创造工具，运用肢体动作和语言手段来体现角色的行动。
因此，演员的创造状态应是既有艺术创造性的体验、感受又有高度的自我控制的能力，这样做可以选择美丽而正确的动作，并且使肢体和表演具有艺术性，动作与语言相协调。
随心所欲地根据既定目的和谐而优雅
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